Un générique de fin pour initier une chorégraphie radicale et sensuelle, un autre central pour accentuer sa forme hallucinatoire et un dernier pour lui rendre sa réalité cauchemardesque. Sur un rythme que la drogue rend effréné, corps et esprit fusionnent dans un film de genre horreur réactualisé dont les images inversées, les plans séquences, les couleurs saturées sont censés mettre en valeur la créativité ou l’humour du réalisateur, si ce n’est le plaisir des spectateurs englués dans une « irréversible » communion hypnotique. A chacun ses expériences ou ses délires.

Un flingue pour un taf et une prise d’otages dans une agence de chômage pour apeurer Pôle emploi. La théâtralité d’un huis-clos entrecoupé de flash-back ou rêves soutient le discours de pseudo choix imposés par les problèmes de la société : résignation, révolte, prise de risques, solidarité et au-delà du désespoir l’amour et l’argent. Un premier film aux manques compensés par ses bonnes intentions et un final vengeur.

Au XVIIIème siècle les jeux de l’esprit et de l’amour rythmaient le quotidien de la Cour en rimant avec les mots de Marivaux, Diderot ou Choderlos de Laclos. L’intemporalité de la séduction, la force du plaisir, le charme du libertinage, l’éternité de l’inconstance autant que de la vengeance diabolique transcendent les conventions, les arrangements, la corruption de chaque époque avec la même immoralité raffinée du langage, rouerie cruelle des silences engendrées par les douleurs de cœurs. Les costumes et coiffures, les décors et cadrages tels des fresques et portraits de Fragonard et Watteau résonnent de la légèreté de Vivaldi et des notes tragiques de Purcell pour illuminer cette parenthèse sentimentale entre passé et présent. Emmanuel Mouret retrouve et nous offre avec son quintette d’acteurs le charme élégant de sa petite musique d’images.

Médecine, c’est le champ d’opération de Thomas Lilti après « Hippocrate » et « Médecin de campagne », le voilà revenu en fac où son premier héros redouble et son nouvel étudiant privilégie l’amitié à la réussite dans un élan d’altruisme répondant au principe même d’une discipline pourtant détournée de sa vocation par les normes éducatives et sociales. L’entraide, la solidarité et le respect tempèrent une démonstration généreuse portée par Vincent Lacoste et William Lebghil.

La terre s’est épuisée détruite par des hommes qui l’ont socialement divisée pour en garder ses avantages quand un chercheur décide de retrouver le sauveteur éventuel, généticien exilé vers des zones interdites. Sa quête d’une solution de reproduction des semences va se transformer en voyage initiatique, quête hallucinatoire de son égo pour s’intégrer à la sacralisation de l’univers. Une errance poétique existentielle aux images en noir et blanc envoûtantes, portée par les convictions mêmes de Jean Marc Barr, mais dont l’absence de rythme brise l’urgence du propos écologique.

Il n’a que 17 ans cet ado marseillais qui fuit le foyer pénitentiaire, est fui par sa mère et sans repères joue avec ses propres valeurs pour vivre son amour. En immersion totale dans le milieu de la prostitution des mineurs, le film inspiré d’un fait divers récent est une authentique « Education sentimentale » contemporaine, hors pseudo poésie réaliste des banlieues, juste un cri vers le bonheur possible, à construire en toute responsabilité. Une rédemption née des premières images d’archives où débarquent ceux qui ne portaient pas le nom de migrants mais dont les générations suivantes dans leurs barres d’immeubles perdirent leurs racines au fil de « glorieuses » qui chantaient le seul profit, la libération des corps et leurs revenus faciles. Le talent du réalisateur éclate dans cette évolution très structurée d’une vérité sentimentale, force passionnelle incontrôlable face à une société dénuée de solidarité, traduite par l’énergie de ses images et de ses acteurs non professionnels, échappant à tout voyeurisme mélodramatique au profit de la force pure de la tragédie. Un premier long-métrage coup de poing et de cœur.

Trois générations et trois frères et sœurs sont réunis le temps de l’enterrement de grands parents, un sujet classique de film choral habilement détourné et enrichi par le décalage drolatique et sentimental des uns et des autres, leurs ratages généralisés, leur tendresse cachée et somme toute leur fraternité salvatrice. Alors on s’attendrit, on sourit de leurs drames, on rit de leurs larmes et on profite de la fantaisie de Vanessa Paradis, du charme de Pierre Deladonchamps, de l’énergie de Camille Cottin, de la bougonnerie de Jean Pierre Bacri, des raisonnements de Chantal Lauby pour se souvenir de nos albums de photos.

Margarethe von Trotta rend hommage à Ingmar Bergman à partir de sa propre admiration et au fil d’une série de rencontres et d’entretiens avec divers cinéastes, actrices et membres de sa famille pour évoquer l’homme, fils de pasteur, ses angoisses, son rôle de précurseur du cinéma d’auteur, conjuguant l’écrit et l’image. Une modernité exprimée par la liberté des femmes, leur lumière, la vérité de la condition humaine à travers la famille et l’obsession de sa rigidité conventionnelle, développant de film en film ses incessantes contradictions conflictuelles. Archives et extraits se succèdent pour nous donner envie de voir et revoir les œuvres de ce créateur de « machines à rêves pour spectateurs rêveurs ».

Ils se sont perdus de vue ce collégien et sa voisine provinciaux exilés dans la capitale et leur rencontre dix ans plus tard va nous révéler, à travers leurs différences, celles de la Corée du Sud entre la modernité revendiquée et l’authenticité du traditionalisme. Et autant elle papillonne brillamment fragile et légère entre ses rêves et mensonges jusqu’à s’y perdre, autant il semble passif face aux événements qu’il parviendra à dominer. La subtilité du réalisateur procède des non-dits traduits en plans séquences ou plans fixes rythmant l’évolution des sentiments d’un amoureux transi et d’un amant pervers, du lien qui les unira dans un même embrasement final. La beauté des images jaillit d’une danse libératoire du passé sur les notes de Miles Davis, de la folie destructrice d’actes gratuits illuminant une campagne morne, strophes visuelles d’une poésie reflétant les tourments sentimentaux et dénonçant les profonds déséquilibres de la société. Un troisième film (après Secret Sunshine & Poetry) où les temps se diluent dans une ambigüité raffinée.

Un accident de voiture transforme la vie d’un couple de jeunes banlieusards lillois, les conséquences du choc frontal subi entraînant la perte de tout contrôle intellectuel. Tel un enfant il répond sans entraves à ses envies, caprices, désirs sexuels illimités, incapable de gérer son quotidien, ni par conséquent de s’y réinsérer. La gageure de la réalisatrice est de transformer ce fait divers fortuit à la fois en film d’amour et comédie de mœurs, opposant souffrances et distance, inconscience et patience, abordant frontalement le traumatisme pour jouer avec humour des profits liés à ses conséquences. Si Nicolas Duvauchelle transcende la douleur par son ressenti de l’innocence subie, et Ana Girardot l’accompagne de son énergie sentimentale, le milieu amical et familial apporte une richesse humaine à cette visibilité rare du handicap en soutenant les choix et regards sociétaux de Marion Vernoux.

Fin des années 70, pour la première fois un afro-américain intègre les forces de police à Colorado Springs et après avoir dépassé la banalité des brimades liées à sa couleur de peau parvient à infiltrer une cellule du Ku Klux Klan. Un exploit véridique mis en scène sur le ton d’une comédie radicale et jubilatoire, ponctué d’un extrait glaçant de « Naissance d’une nation », d’archives et d’actualités hélas très contemporaines, interprété avec brio par le duo John David Washington/ Adam Driver et intensité par Harry Belafonte. Alors rions pour garder la force continuer de nous révolter et lever le poing contre le racisme encore revendiqué voire institutionalisé. Black Klansman - Ron Stallworth - 2006 - USA

Des gros plans très extrêmes de bouche et de peau sur des bruits de déglutition précèdent les motivations du japonais ayant sacrifié à son fantasme de cannibalisme sa jeune compagne parisienne en 1981, avant d’être extradé dans son pays pour y vivre en toute liberté de la « sexploitation » de son acte. Le parti-pris des cinéastes d’illustrer sa folie fétichiste avec des images parfois floues exclusivement cadrées sur la chair d’un visage figé et inexpressif se prolonge avec l’alternance d’extraits de films pornographiques et d’un manga érotique et autobiographique publié avec succès. La présence du frère aîné hyper protecteur amplifie la recherche de causes familiales avec des super8 d’une enfance quasi gémellaire, poursuivie en fusion amoureuse fraternelle par déviations sexuelles de scarifications. A ce jour, le dévoreur est promené en chaise roulante par une actrice de films zombies pure fan reconvertie en infirmière !

La rencontre improbable d’une jeune fille de milieu bourgeois et d’un garçon aux parents bohèmes dans la respectable Angleterre du début des années 60 se conclut par un traditionnel mariage et la nuit de noces coincée de tourtereaux terrorisés chacun pour ses propres raisons sociales, familiales voire incestueuses et basiquement machistes. Vibratos de violons et notes de jazz font résonner en alternance cet enfermement dans le silence des personnages, la mécanique des flash-back et l’esthétique de cadrages qui à leur tour finissent par figer dans les larmes des conventions cette trop sage adaptation. Sur la plage de Chesil - Ian McEwan – Editions Gallimard - 2008 .

D’Avignon où une bulgare dépressive est sauvée du suicide par une espagnole combattante jusqu’à l’étang de Berre, la route de l’amitié est riche qui traverse au long du Rhône une Provence authentique hors toutes édulcorations touristiques. Un road-movie chaleureux où domine l’authenticité sentimentale, ouvrière, humaine des rizières camarguaises aux containers marseillais autour des giratoires routiers et à l’ombre des oliviers.

Tout commence et tout finit en chansons sur les paroles de « La vie ne m’apprend rien » psalmodiées par un looser de banlieue et son entourage délirant et rien ne brisera le tempo étourdissant de cette farce aussi loufoque que morale. Car les petits rois dealers, les comploteurs illuminés, les mères abusives et arnaqueuses, les trafiquants de tous bords n’auront pas raison des rêves commerciaux et matrimoniaux de notre héros. Sur un rythme échevelé, des images à la formalité provocatrice répondent aux clichés sur la jeunesse, les ghettos, les femmes, le racisme, la réussite entre les cités de Créteil, les buildings des plages espagnoles, le soleil des Emirats et de Balavoine à Michel Sardou jusqu’à Booba, Romain Gavras détourne toutes les conventions pour maîtriser un clinquant polar ludique et social. Isabelle Adjani rayonne en daronne, Vincent Cassel, Philippe Katerine, François Damiens s’éclatent, Karim Leklou ravit dans ce joyeux avatar d’un Pulp Fiction à la mode française.

1814, à 16 ans la fille aînée d’un éditeur londonien libertaire et plutôt ruiné rencontre le poète Percy Shelley et s’enfuit, suivie de sa jeune sœur, pour vivre avec lui entre misère et richesse, deuil d’une maternité précoce, permissivité sexuelle, ravages de l’alcool, délires de Lord Byron…sources cumulées de souffrances qu’elle transfigurera dans la création du personnage de Frankenstein. Evidemment la parution du roman lui sera refusée avant d’être attribuée à son compagnon, faire-valoir de la création littéraire, et c’est la revendication de la réalisatrice saoudienne de « Wajda » que de rappeler deux cents ans plus tard la pérennité de cette injustice réductrice. Dommage néanmoins de constater qu’après cette reconnaissance, son mariage, une nouvelle naissance et son veuvage, Mary devenue Shelley n’ait jamais repris la plume. Une page d’histoire classiquement mise en costumes.

Un jeune californien dilettante et solitaire, amateur de fanzines d’horreur entremêle ses hallucinations à la recherche d’une voisine disparue. Traquant les messages cachés, déchiffrant les codes d’extra-terrestres, refusant la falsification pseudo-culturelle institutionnalisée, dénonçant la pornographie hollywoodienne, les dérives de la pop culture et leur toxicité addictive généralisée, il s’égare d’abris en tunnels pour rejaillir de ses abris aquatiques. Un jeu de piste mystificateur et révélateur d’une quête générationnelle éperdue où les voix se décalent dans l’amplification des musiques pour se figer en plans séquences, s’étirer en références et jouer entre images et sons des sophistications portées talentueusement par le réalisateur et son acteur.

Une affaire de plus pour cette juge de la Haute Cour britannique spécialisée dans les affaires de mineurs et concernée au point d’en négliger un mari amoureux la menaçant d’un chantage conjugal. Psycho-rigide sentimentalement, surinvestie professionnellement Emma Thomson incarne avec distinction et dignité ses passions, et les doubles chantages subis entre patience et impatience, espoir et désespoir de la sagesse ou de la jeunesse. Un film élégant et classique, digne des valeurs imprescriptibles de la royauté britannique… L’intérêt de l’enfant - Ian McEwan - Gallimard/Du monde entier - 2015.

Les amours d’une hôtesse de l’air new yorkaise décollent, virevoltent, planent, atterrissent à Paris pour une visite sentimentale de la capitale, son érotisme, ses mœurs faciles, ses clochards et mauvais garçons. Délire féminin et cauchemar masculin sortent de la boule de cristal d’un réalisateur américain en goguette de clichés en clichés.

Ce sont 5 filles et 5 garçons différents qui traversent deux contes estivaux avec la même insouciance dragueuse partagée en toute improvisation, échos résonnant des accents de Rohmer et Hong Sang-Soo. Dans « L’amie du dimanche » c’est une escapade dominicale qui rassemble et sépare deux jeunes filles collègues de travail sur les bords de la Marne entre ski nautique et fleuret. Dans « Hanne et la fête nationale » l’idée d’un feu d’artifice fait scintiller les corps plus que les sentiments, ceux d’une buveuse norvégienne et d’un danseur iranien.

Attentif à sa présentation ce jeune migrant qui pour ne pas être expulsé se doit de séduire une danoise sauf qu’il n’est pas seul sur ce terrain du charme et que la liberté de mœurs scandinave ne facilite pas la tâche jusqu’à sa rencontre avec une « payse » iranienne. Un regard pointu sur les souffrances des expatriés, les plus pauvres dans l’espoir de survie, les plus riches dans l’amertume de l’exil, tous en prise à une déchirure originelle et en manque de leurs racines culturelles. Dommage que l’inutile vengeance d’un veuf cocu interfère dans cette analyse authentique échappant à la xénophobie et aux clichés sur l’immigration, tout en dénonçant la fatalité de rêves interdits.

Le chant d’une sirène réveillera t’il la station balnéaire désertée que cherche à fuir une ado forcément révoltée face à la résignation, la corruption, la lâcheté des uns et des autres, vieux joueurs d’échecs, tenancière du bar de la plage, sa nièce rêveuse frileuse, des pêcheurs et un journaliste dragueur ? L’imaginaire d’une rumeur affronte la banalité du réel et les fantasmes jaillissent des flots avec un Neptune de pacotille pour une fable de joyeuse libération féminine. Un premier film au charme embué de poésie porté par l’énergie de Joy Rieger.

Fin des années 70 dans un village reculé de la jungle philippine une secte tyrannique fait régner la terreur psalmodiant sans relâche ses folles théories, persécutant les rares rebelles une femme médecin, un poète et un vieux sage, violant et droguant femmes et fillettes, martelant leurs exactions d’une ritournelle répétitive. C’est en plans fixes, tableaux successifs en noir et blanc et au rythme de chants alternant mélodies contre rengaines que le réalisateur exprime la violence, la cruauté, les litanies scandant les mutations de l’imaginaire démoniaque en réalités monstrueuses. Un opéra-rock hallucinatoire interprété a cappella par les tortionnaires et leurs victimes, dont le « la,la,la » maléfique porteur de mort programmée se fait le double écho de tout pouvoir absolu et du cri cinématographique de Lav Diaz pour le dénoncer.

Il a le « don » cet employé modèle à la sécurité de son usine qui aide bénévolement le chef de la police locale à pourchasser le tueur en série de jeunes femmes découvertes lacérées dans la boue. Car il ne cesse de pleuvoir dans cette ville où les aciéries vont être dynamitées et les ouvriers se disloquer en foules de parapluies et cirés noirs. Des photos cauchemardesques dans des poursuites entre voies ferrées, décors de hauts-fourneaux ruinés et ruelles désertes entremêlent la réalité sociale chinoise de la désindustrialisation à la fiction d’une enquête monomaniaque et d’une illusion amoureuse tragique pour se diluer en sombre fable politique et polar envoûtant.

Andy Goldsworthy est un artiste écossais connu et reconnu pour l’alliance de sa créativité avec les pierres, les arbres et le vent, son désir effréné d’intégration à la nature, tel un démiurge la pénétrant pour la dominer. C’est ce sentiment que ses amis le réalisateur Thomas Riedelsheimer et son frère Félix cameraman captent des landes britanniques aux racines d’arbres africains, suivant le démiurge au fil de ses œuvres éphémères et parcours infinis auxquels il associe sa propre fille pour une forme de transmission artistique éternelle.

Un flic alcoolique et paumé au fils ado mêlé à un trafic de shit enquête sur la disparition d’un gamin. L’affaire se complique avec les témoignages d’un voisin prof de lettres, aspirant écrivain, aux comportements aussi douteux que ceux mêmes du commandant. Deux affaires, deux portraits croisés de pères en difficulté, deux acteurs « habités », l’un extériorisant son mal-être façon Colombo à la démarche chaloupée sans renoncer à la banale violence policière, l’autre masquant ses fantasmes littéraires entre tics de langage et expériences intellectuelles ambivalentes, réunis pour l’adaptation du premier volet d’une trilogie annoncée du romancier Dror Mishani. Les prestations caricaturales de Vincent Cassel, cabotines de Romain Duris, transparentes de Sandrine Kiberlain ne rendent pas une suite en images indispensable pas plus qu’un déplacement en salle. Une disparition inquiétante - Dror Mishani - Editions Points - 2015.

Années 90 en Pensylvannie, une jeune fille de bonne famille puritaine surprise dans les bras de sa meilleure amie est envoyée dans une institution correctionnelle pour la soigner de sa diffraction identitaire. Le ciel étant pavé de bonnes intentions et la culpabilité faisant le miel des redresseurs de pêchés, punitions et souffrances alternent pour inculquer la honte et le dégoût de soi aux déviants sexuels, les remettre dans le droit chemin des valeurs chrétiennes. Pas toujours facile heureusement de dompter la vaillance adolescente, le film l’illustre classiquement par cette bienveillante adaptation. « The miseducation of Cameron Post » - Emily M Danforth – 2011 -

Damas, mars 2011 les prémices d’une guerre civile alternent avec les fantasmes amoureux d’une jeune fille face à l’éventualité d’un mariage arrangé et les rêves des contes traditionnels, liberté cachée derrière le miroir d’une société jouant avec la sexualité, l’autorité masculine, la violence du pouvoir. Un double jeu de perception entre le désir interdit et le réel masqué, libérés par la subtilité de l’onirisme et les talents conjugués d’une jeune réalisatrice et de ses actrices.

L’appel au 112 d’une femme kidnappée est pris en charge par un policier du Central à la veille d’une comparution au tribunal. Rien ne saurait ralentir l’investissement de ce professionnel pointu, chargé d’une mission consistant à sauver une fillette, une famille en danger, et c’est ce rien qui détermine une action dont nous ne verrons aucune réalité mais que nous imaginerons dans son intégralité. Aucun détail ne nous échappera, nous participerons de toutes les situations, parierons sur ses intuitions, partagerons toutes les angoisses en temps réel, en unité de temps et de lieu au seul bureau des Urgences. Une gageure réussie et partagée par la maîtrise du réalisateur et de l’acteur.

C’est à l’ombre d’un rocher rouge dressé comme inopinément dans la plaine varoise que saisi d’une folie soudaine un employé piscinier échange son identité contre celle d’un tueur en fuite depuis dix ans. Une aubaine pour un journaliste aux abois, la gendarmerie assoupie dans sa violence ordinaire, les habitants locaux, chacun se rêvant le héros de sa capture. Tragique et bouffon Laurent Laffite, fuyard en cavale, affronte sa super-gendarmette pathétique au rythme échevelé d’un vrai western sociétal entre vignes et autoroute, frustrations quotidiennes, fantasmes de reconnaissance attisés par un fait divers aussi pitoyable que burlesque, à l’image des dérives ou délires de notre environnement.

Réalité ou fantasme que cette persécution autrefois vécue ou encore subie par une jeune femme enfermée abusivement dans une institution psychiatrique et soignée par son harceleur. Un double cauchemar que cette arnaque à l’assurance maladie et cette manipulation criminelle auxquelles le cinéaste s’associe en brandissant ses trois e-phones et en négligeant ses acteurs autant que le traitement du sujet.

Petit et malingre, ce gardien et toiletteur de chiens, affectueux avec sa fille dont il encourage la passion pour la plongée sous-marine, humble et servile avec son copain boxeur au cerveau cramé par les coups et la drogue. Le rideau de fer de sa boutique exilée dans une banlieue napolitaine déshéritée ne saurait le protéger ni des frustrations fantasmées en amitiés, ni de la violence sociale, ni de la laideur environnementale, ni de la bestialité inversée libérant la sauvagerie humaine. Le réalisateur de « Gomorra » alterne plans séquences et hyper-réalisme pour traduire l’esprit de vengeance qui traversa le protagoniste de cet authentique fait-divers des années 80 et lui offrir à travers le jeu de Marcello Fonte une dimension métaphorique rageuse.

Sauvage cette jeune femme qui revient après quinze ans d’errance chez d’autres éleveurs de moutons dans la ferme autrefois familiale mais en gérance dans une compagnie privée, pour tenter de l’exploiter aux dépens de son frère. Quelle haine les anime, quels souvenirs l’ont-ils éloignée et la hante aujourd’hui encore, auxquels l’un et l’autre ne savent répondre que par une violence muette ? C’est l’indicible traduit par les paysages du Yorkshire, la puissance de l’eau, la force physique de la tonte, la dureté des paysans, leur machisme, qui soutient au fil des flash-back ce secret et la culpabilité partagée menant au dénouement. Après « The arbor » et « Le géant égoïste », la réalisatrice s’inspire d’un roman cévenol pour incarner par le talent de ses acteurs, l’universalité de la douleur imposée et des traumatismes subis, ici ou ailleurs, autrefois et aujourd’hui encore. Les silences - Rose Tremain - Editions Jean Claude Lattès -2010 .

Fin XVIIIème dans une province reculée argentine, un petit magistrat victime des pouvoirs locaux attend désespérément sa mutation, tournoyant entre les bons et mauvais vouloirs coloniaux ou indigènes, la corruption et les relents de l’héroïsme dans une terre où conquérants et conquis se rejoignent dans une même absurdité. Une aventure historique et hors temps, dérive pathétique et poétique écrasée par l’aridité des paysages, l’irréalité d’une violence muette scandée par la résonance des bruitages et la flamboyance des couleurs qui nous entraîne vers une fresque anticoloniale et multiculturelle. Lucrecia Martel change de siècle mais conserve son talent et ses mystères. Zama - Antonio di Benedetto - 1956 – Editions Corti Ibériques 2011 .

Une improbable rencontre justifie la course initiatique d’une jeune paumée prise au jeu de l’amour et du hasard. Ce coup de foudre détermine soudainement chaque instant de son quotidien, double addiction vécue comme une nouvelle manière d’être, de vivre et de survivre. Pour preuve ce film démonstration jusqu’au-boutiste de la dépendance hors limites envers un homme dragueur, joueur englué dans le monde des paris officiels ou officieux, dans les cercles privés, les casinos, les tripots clandestins, leurs investisseurs, manageurs, prêteurs, recouvreurs, mafieux…La violence se démultiplie dans les nuits parisiennes au rythme d’une virtuosité accentuée pour accompagner une descente aux enfers romantique du genre noir, impair et passe…

Une planque en Allemagne relie les actions du Mossad et du Hezbollah à l’encontre d’une libanaise à exfiltrer ou abattre, marchandise protégée, poursuivie, menacée ou complice, utile pour l’un comme l’autre des services secrets ? Les relations qui s’établissent avec son accompagnatrice brouillent les pistes d’un jeu de dupes que chacune assume dans un thriller d’espionnage où le réalisateur dépasse les frontières internationales pour atteindre celles de l’intimité et de la féminité qui font rivaliser les actrices de talent.

Un chef d’orchestre en caleçon se retrouve dans un commissariat où un inspecteur pointilleux bat la mesure d’un interrogatoire irrationnel et où un meurtrier qui n’en est pas un le devient pour libérer le théâtre de l’absurde. Benoît Poelvoorde nous condamne donc à rire de ce thriller surréaliste et drolatique, 6ème film (après « Steak », « Réalité » + une période américaine) de Quentin Dupieux maître incontesté d’une réflexion burlesque sur notre société.

Déterminée et courageuse cette quinquagénaire islandaise qui lutte contre un géant de l’aluminium polluant son île, activiste au grand cœur et à la voix claire, future mère en attente d’adoption, chef de chorale que l’écho de chœurs musicaux et poupées ukrainiennes supportent valeureusement, avec une sœur jumelle inspirée et un cousin présumé bienveillant. Une vraie troupe d’engagés volontaires dans l’humour volcanique écolo-maternel-naturel à consommer de toute urgence avant que des éléments et vents contraires ne nous consument.

Prenez place dans votre salle obscure, 1heure 37 minutes plus tard sans avoir quitté votre fauteuil vous aurez découvert le trésor de l’humanité, celle familière qui relie des gamins pataugeant dans l’eau, aux ados en quête d’émotions et d’émois, aux adultes d’ici et de lointains ailleurs ensemble enfumés par les barbecues, aux plus âgés retrouvant leurs souvenirs entre soleil estival et prémices de l’automne, le temps d’une évasion de tous les possibles. Une resquille de bonheur insulaire à partager entre tous et sous toutes ses formes enfantines, sportives, sentimentales, vitales et poétiques dans l’isolement rassembleur d’une base de loisirs et de ses joies libérées. Alors courez au cinéma si ce n’est à Cergy Pontoise.

Une fillette joliment rousse reflète le secret de deux amies sardes, la brune religieuse et la blonde dévergondée en miroir de la féminité, du sexe, de la maternité et de la liberté conquise dans une société rurale traditionnelle entre campagne aride et mer Méditerranée, éleveurs et pêcheurs. La réalisatrice lance ses trois héroïnes, liées inéluctablement par l’instinct filial, maternel et passionnel dans une quête d’identification vers une émancipation néo-réaliste salvatrice, simpliste et mélodramatique.

Après les 80 millions de dollars de bénéfice de « Sicario » réalisé par Denis Villeneuve, une suite revient sous la houlette énergique de Stefano Sollima expatrié au Mexique avec ses deux protagonistes précédents toujours engagés dans la lutte contre les cartels aujourd’hui mêlés à des attentats terroristes frontaliers à Kansas City. Entre migrants pourchassés et passeurs, policiers et para-militaires infiltrés, agents du FBI et de la CIA opposés, le combat s’organise sur la base de l’enlèvement d’une fillette, otage écartelée. Des convois blindés aux ballets d’hélicoptères et d’un désert l’autre, les super-héros survivent pour perpétuer l’esprit de justice des sicaires au grand cœur et tourner des films d’action.

Années 70, les films X libèrent la sexualité taboue et une productrice y trouve son compte, avec sa compagne monteuse et une spécialité gay, jusqu’à ce qu’un tueur encagoulé ne s’attaque à ses acteurs. Les plaisirs fantasmés se font alors rêves de cinéma, d’esthétisme et de mise en scène, chorégraphies des corps, images de jeux dans leurs sens multiples et leurs genres pluriels, giallo, fantastique, thriller, horreur, érotisme, romance se côtoyant entre formes masculines et fond sentimental, nostalgie d’une utopie de jouissance lyrique et joyeuse, égarée dans le retour de la bien-pensance. Vanessa Paradis y croise Nicolas Maury, un oiseau noir volète entre élégance baroque et artifices hypnotiques pour troubler la morale en cherchant l’amour.

Un gamin marginal, un mari irresponsable, un troisième enfant à venir, elle ne s’ennuie pas cette quadra suractive qu’une nounou de nuit va aider à surpasser son nouveau quotidien. Si le rythme colle à la banalité des problèmes d’un couple américain moyen, les 18 kilos pris par Charlize Theron donnent poids au naturalisme de la situation jusqu’à surmultiplier l’universalité de la maternité, entre rêve, baby-blues et réalité.

Parvana est une fillette qui pour sauver son père injustement emprisonné et nourrir sa famille devient un petit garçon prêt à tout, au nom de l’affection, de l’égalité et de la paix. A l’actualité du récit et du pouvoir absolu des talibans s’ajoute l’évocation du passé par les légendes illustrées pour transformer un roman émouvant en dessin animé de qualité. Parvana, une enfance en Afghanistan - Deborah Ellis - Ldp Jeunesse - 2014 -

Sur le pont séparant les postes militaires entre les deux Corées éclate un accident frontalier que deux agents de communautés internationales de neutralité se doivent d’éclaircir. Une envie naturelle pressante, l’envol d’une casquette, le jappement d’un chiot, des parties de jeu d’osselets ou de cartes participent successivement de l’absurdité totale de cette scission politique. La dramaturgie jaillit du burlesque des situations pour dénoncer l’autarcie dictatoriale communiste autant que le capitalisme américain, évitant le manichéisme idéologique au profit de la fraternité à reconstruire. Le film a fait 6 millions d’entrées en Corée du Sud à sa sortie, il est resté inédit en France, 18 ans se sont écoulés, l’actualité politique frémit depuis les Jeux Olympiques, et le talent du cinéaste était déjà là.

Elles sont 8 femmes à illustrer la pérennité de la culture colombienne dans leur bourg niché au creux des montagnes, et chacune illumine de façon tranquille le cours du temps au travers de sa propre vie. Les fenêtres des petites maisons colorées s’ouvrent sur des murs où pendent des chapelets, s’empoussièrent des statuettes de saints, bruit une machine à coudre, reluisent des casseroles, jaunissent des photos tous souvenirs mêlés aux confidences, aux rires et aux larmes de simples existences.

Par amour pour sa petite amie à laquelle il veut offrir une nouvelle chirurgie esthétique, le chauffeur d’un gangster lui dérobe son butin, et les péripéties de la mallette volée vont nous entraîner dans une fuite burlesque, carambolage effréné entre communisme dépassé et consumérisme forcené. Les images s’intègrent à la caricature même des personnages (voyous poètes, femmes vénales, fatales, doux rêveurs), illustrent la laideur d’un environnement bétonné désertifié aux publicités racoleuses. Les situations sont entrecoupées de drolatiques fondus au noir ou d’improbables plans de mer, d’où jaillissent inopinément des références aux comédies noires américaines et à la culture maoïste contemporaine pour conjuguer sous forme d’animation faussement simpliste une farce politico-sociale, macabre et jubilatoire. Les autorités chinoises ne s’y sont pas trompées en interdisant sa programmation au Festival d’Annecy, raison de plus pour nous réjouir de ce faux thriller amoureux et facétieux.

Deux sœurs et leurs copains de collège, ados aux hormones en folie, virevoltent au rythme des mots, éclats des maux d’une société patriarcale et des bouches caresses de désirs sexuels inassouvis. Une farce féministe et gouailleuse inversant la manipulation masculine au profit de la liberté de l’émancipation par l’humour des tons, le décalage des situations. L’accumulation effrénée des quiproquos et des chantages salaces scandés par la vigueur de la tchatche actuelle résonne de l’intemporalité des comportements machistes. Hilarante histoire de langues que cette comédie jubilatoire co-écrite avec ses actrices par le réalisateur de « A la belle étoile » & « Banqueroute », et dont la sélection cannoise d’Un Certain Regard aura malencontreusement (pour les gars) fait grincer des dents.

Un trio de copains en quête de soirées festives sont happés par le monde punk, entre délires dépressifs, fantasmes hallucinatoires et rêves d’amour au son des Damned et au rythme des Dyschords, dans un envol de bulles multicolores pop et de chorégraphies kitch, égarés hors temps au fil d’une aventure extra-terrestre dévorante. Le chaos ado d’un tendre Roméo des années 70, sort de la nouvelle originelle de Neil Gayman pour illustrer l’extravagance psychédélique d’une époque révolue, dans tous ses états.

Le monde est devenu la proie de monstres dévoreurs bondissant au moindre bruit, il suffit de vivre silencieusement pour leur échapper, c’est ce qu’une famille est parvenue à faire réfugiée au sous-sol d’une maison isolée. Le père ingénieur a mis au point un système lumineux et acoustique pour protéger ses deux enfants survivants et sa femme enceinte, c’est leur quotidien et ses potentiels dangers qui nous sont proposés dans un silence accentué par le langage des signes et brisé par des effets sonores ponctuels. Chut…gageure horrifique & aphasique à dévorer en images …

En Thaïlande, Billy Moore petit boxeur britannique est incarcéré pour possession de drogue dans une prison où la couleur de sa peau, son incompréhension totale de la langue accentuent la violence de son immersion. Sa propre rage, son addiction, ses manques répondent aux agressions, viols, suicides, deals internes que ses comparses font régner jusqu’à la rédemption par l’exercice de la boxe Muay-Tai et son élection de champion des prisons. C’est au plus près des tatouages multicolores, des peaux écorchées par les vengeances que jaillissent les poings du jeune anglais, sa hargne justifiant sa survie par sa passion et le respect qu’elle entraîne jusqu’à parvenir à le libérer de lui-même. Tourné avec des acteurs non-professionnels anciens prisonniers, souvent non sous-titré pour accentuer les conditions du réel, le film par son esthétique, ses choix d’action, le talent de Joe Cole, associe la force des corps à la volonté de la vie. A prayer before dawn : A nightmare in Thaïland - Billy Moore - 2014/Maverick House

La vie est belle pour ce couple et leurs deux gamins jusqu’à un dimanche ensoleillé de jeu au parc de jeux voisin où la fillette disparaît en présence de son père et sous notre propre regard au cours d’un plan séquence de 18 minutes dont chaque détail visuel et sonore participe de notre intégration au film. Au rythme d’une distorsion entre la fixité temporelle et l’évolution d’une situation, l’affolement, l’attente, l’angoisse, les recherches policières, les moyens individuels, les moments partagés en famille ou avec les proches figent le désespoir dans la répétition des gestes du quotidien accentués jusqu’à l’exaspération. La douleur s’inscrit dans les comportements de chaque parent, reproches injustifiés de la mère, soupçons et délires paranoïaques du père inversant sa souffrance successivement en auto-agressivité et folie meurtrière. Dans la pure lignée du cinéma roumain, chorégraphiant la mécanique du temps réel en scènes et images, la vague amazonienne évoquée par le titre du film exerce ses ravages.

La jeune et jolie musicienne de la nuit rencontre le prince charmant de la piscine, les étoiles font scintiller leurs premiers émois pour lutter en vain contre les rayons solaires maléfiques. Le dernier et bel été d’une adolescente condamnée par une maladie génétique d’absence de pigmentation XP, exemple de courage familial et sentimental américains.

C’est par le rêve partagé avec son premier amoureux qu’une adolescente nous entraîne dans la violence extrême des hommes sous le regard d’une chouette, les grognements d’un chien, les battements d’aile d’un papillon, la furie et la poésie se mêlant en un songe d’horreur humaine et d’innocence enfantine. Des images aquatiques ou souterraines, des plans de nature, des traces sonores oppressantes créent un univers baroque fantastique, sophistication nécessaire pour dépasser le réalisme des 779 jours de supplice infligés par des mafieux au fils d’un repenti et leur offrir la pure valeur d’un conte avant l’inéluctable oubli dont la force de ce film devrait les protéger.

Profitant d’un séjour en thalasso à la veille du tournage de « La passante du Sans-Souci », Romy Schneider y invite son amie d’enfance et accepte la parution d’un article illustré par un copain de jeunesse dans le magazine allemand Stern. L’interview et les clichés sont alors prétexte à détourner le classicisme du biopic par le déroulé d’une triple rencontre où interfèrent le professionnalisme des mots, la cruauté du racolage, la force des images et de leur lumière, la complicité féminine et son affection, pour évoquer un destin. Celui d’une enfant comédienne n’ayant pu ou su grandir, éternelle Sissi interdite de liberté personnelle, emprisonnée dans le jeu des apparences, exprimant ses angoisses et joies entre alcool et cachets. La performance du sosie de la comédienne, l’emploi du Noir et Blanc, le décor hors temps soutiennent cet hommage qui échappe à tout racolage.

Le don de l’arnaque étant congénital, la sœur du défunt Danny Ocean (Georges Clooney pour les intimes du cycle), à peine sortie de prison met son talent à profit pour dérober une rivière de diamants Cartier. S’ensuit la formation d’un gang exclusivement féminin, le montage d’un vol, l’assemblage d’un puzzle, son exécution entre les milieux étincelants de la mode, la joaillerie et l’art dans les décors fastueux du MET où chacune virevolte jusqu’à la prochaine aventure.

1946, Londres et la magie de la lecture pour résister successivement aux divers fléaux de la guerre, chasser ses atrocités, découvrir la loyauté, chanter le courage, privilégier l’humilité, respecter les valeurs de l’autre, et découvrir les siennes propres en les assumant, bref tout ce qui a fait de ce roman épistolaire un best-seller mondial est ici simplement proposé, sans fioritures, effets spéciaux ni créativité flamboyante autre qu’une reconstitution classique, tranquille reflet d’une petite île surannée où les sourires d’enfants ont un charmant goût de guimauve. Le cercle littéraire des amateurs d’épluchures de patates - Mary Ann Shaffer & Annie Barrows - Editions 10/18 - 2011.

La réception d’une vidéo douteuse par Internet détermine une actrice célèbre à offrir son aide à une jeune fille brimée dans son avenir par les traditions familiales. De Téhéran aux villages perchés, le voyage partagé avec le réalisateur nous offre sa vision miroir des interdits de la société iranienne, de l’oppression politique subie, du mépris de l’expression créatrice autant que du déni de liberté. D’une branche à une corde, d’une tombe apprivoisée aux thés partagés, d’un taureau étalon à un prépuce confié jusqu’aux téléphones cellulaires, la force des traditions rurales se mêle aux libérations espérées par la voix des femmes et le silence des hommes. Un trip-movie statique entre faux documentaire et prétendue fiction, intemporalité de la culture perse, passion du cinéma, à l’ombre du « Goût de la cerise » d’Abbas Kiarostami que la tendresse, le charme et l’ironie unissent en une infinie tendresse humaine.

Une brillante étudiante, fille d’une actrice à succès décide de s’engager dans l’Armée et choisit le corps des Fusiliers marins. Dans cet univers spécifiquement masculin, trouver sa place entre obéissance et différence est un véritable challenge où la séduction ne peut intervenir que par la conquête de l’égalité et le Directeur de l’Enseignement, quinqua de charme, fait partie d’un double jeu entre admiration réciproque et partage de respect et devoir. Faire sourdre un fantasme d’amour dans une base navale où les bérets verts se couvrent de boue pendant un stage d’aguerrissement avant de saluer la levée du drapeau, relève du même acte d’héroïsme accompli par la réalisatrice et ses acteurs en/au service d’un film émouvant à hauteur à la fois de cette dignité évoquée et de la liberté conquise. Aux USA, les films « militaires » comme la 16èmesaison de séries (NCIS) ne posent aucun problème, difficile en France de dépasser aujourd’hui cette barrière socio-culturelle, ce film devrait y pourvoir.

Un amant à Berlin, une épouse à Jérusalem, un salon de thé allemand et un café israélien voient naître et s’inverser les amours d’un pâtissier et d’une jeune veuve, mêlant rôles, raisons nationales, religieuses et sexuelles. La délicatesse des saveurs se mêle aux complications identitaires juives sans jamais trancher réellement sur l’ambivalence des choix de chacun, aux libertés respectées. Un délice doux amer aux parfums mêlés.

Arrogant, alcoolique et macho l’entraîneur adjoint d’une équipe professionnelle de basket est condamné à recycler ses capacités auprès de déficients intellectuels. La tâche est rude pour ce sportif dont l’autorité n’a aucune prise sur des joueurs qui insensiblement feront fléchir sa violence au profit d’une victorieuse humanité. Tous les membres de l’équipe son interprétés par des acteurs handicapés, témoins révélant par le rire et l’émotion de notre insensibilité ou méconnaissance de la différence, de la banalité de nos égoïsmes. Une leçon basique à partager.

Une impossibilité que la mort pour ce brillant trentenaire californien qui décide de recourir à l’immortalité proposée par la cryogénisation. Tel Lazare (titre originel du film) le voilà ressuscité soixante ans plus tard. Reléguant les idéologies et les effets spéciaux tout en privilégiant l’esthétique de l’anticipation, le réalisateur s’attache à l’essence même de l’existence. Par flash-back successifs l’enfance, le quotidien passé alternent avec le temps présent pour justifier l’évolution du héros vers l’acceptation des limites de son humanité. La dénonciation du concept marchand scientifique, de l’absurdité de certains modes de vie, de l’oubli des valeurs sentimentales dédoublent ce thriller existentiel en histoire d’amour.

Quatre sexagénaires égaient leurs vies par de ponctuels papotages littéraires, la proposition de lecture de « 50 nuances de Grey » va titiller les sexualités de chacune, la rousse délurée, la veuve joyeuse étouffée par ses filles, l’épouse fidèle d’un mari frigide, la juge divorcée psychorigide. Une comédie féministe au rythme tonique aussi enjouée qu’engluée dans ses clichés et bons sentiments.

Avant d’être un fakir coincé, notre héros est un petit indien de Mumbay coquin, malin et copain de sa vache sacrée, en quête d’un père inconnu, ses heurs et malheurs vont le conduire à Paris et les dérives de l’humanité l’entraîner de Calais en Angleterre à travers l’Europe, l’Afrique et le monde pour imaginer un univers de tolérance au fil d’aventures burlesques et rocambolesques. Alors chassons les grincheux en cédant à la magie du cinéma pour rire, danser, chanter et rêver au rythme d’un pur divertissement endiablé et réconfortant. L’extraordinaire voyage du fakir qui était resté coincé dans une armoire Ikéa– Romain Puertolas - Editions Le Dilettante - 2013 .

Installé à Abu Dhabi où il a réussi sa vie, un trentenaire accompagné de sa fiancée américaine revient à Bollène pour y revoir sa famille et ses amis, y affronter ou ignorer un père qu’il a fui. Dix ans d’absence pour qu’empirent le chômage, les conditions de vie, la marginalisation des communautés maghrébines, l’intolérance officielle des pouvoirs politiques locaux. Un regard lucide, parcours de mémoire égrené au fil de quelques jours pour effacer le passé, la honte générationnelle à travers les langues parlées ou incomprises, les complicités de rêves adolescents accomplis ou figés dans un même rejet socio-culturel individuellement inversé ou officiellement revendiqué. Un tableau sobre et désespéré d’une France sous influence, réduisant par sa haine les choix de vie à l’exil ou au communautarisme. Avec ce premier film, Saïd Hamich poursuit son œuvre de sa producteur après « Much Loved », « Vent du Nord ».

Beyrouth 1972, la réception donnée par un diplomate américain tourne au massacre au cours d’un enlèvement organisé par des terroristes palestiniens. 1982, le kidnapping d’un ancien collègue détermine cet agent brisé par le chagrin et l’alcool à revenir dans la libanaise dévastée par la guerre. Sur un scénario de Tony Gilroy (Jason Bourne), le film dépasse les poncifs du genre thriller/action au profit d’un jeu de pistes et de dupes entre espions corrompus ou fanatiques, l’analyse géopolitique entre l’exercice des pouvoirs des branches concurrentes précédant l’invasion du Liban par Israël. Les faux semblants des pays investis dans le conflit rejoignent l’Histoire d’un Moyen Orient toujours déchiré, à travers la petite histoire d’hommes engagés avant un clin d’œil ironique final sous la bannière étoilée en écho aux propos de Reagan. Jon Hamm remplit brillamment sa mission.

Un demi-frère envieux et cupide revendique la ferme de son père décédé et ne pouvant l’obtenir par le droit, engage une milice pour la gagner par la force. Une banale histoire de jalousie familiale qui devient prétexte à un western féministe où les valeurs traditionalistes, les codes d’honneur et de foi, s’intègrent banalement aux corruptions policières, judiciaires et au pur banditisme local. Pour édulcorer ses dénonciations culturelles ou politiques, pour intégrer la fiction à l’authenticité, le réalisateur multiplie à l’envi, flash-back et hallucinations, esthétisme et onirisme au détriment d’une tension égarée dans un manichéisme parfois simpliste mais au final d’autant plus rédempteur qu’il rejoint la réalité.

Une femme, assise face à nous dans un train qui l’emporte vers un ailleurs inconnu, évoque avec insouciance les mille et une opportunités de l’amour, partageant le sujet avec ses successifs voisines et voisins, amie, beau-père, ex-mari ou amants…les paysages défilent au hasard des souvenirs et des passagers, les mots aussi qui chantent la seule liberté d’aimer. Un voyage dans le temps éternel de Paul Vecchiali, pur enchantement de sa passion de la vie offerte à notre seul plaisir.

Un mal de dos fulgurant initie la crise d’un quinquagénaire sans histoire marié, père de famille, bon copain et assez bonne pâte pour se laisser harceler dans son agence d’architecture. L’adaptation du roman de David Foenkinos dont Eric Elmosnino endosse le personnage joue avec les mots de la conscience et de l’inconscient pour régler les comptes du couple, de la paternité, du travail, de l’amour, s’en moquer et en guérir aussi piteusement que le film. Je vais mieux -David Foenkinos - Gallimard - 2013-

Mégapole sordide où police et gangs sèment la même terreur, un petit livreur protecteur des cafards du logis qu’il partage avec un copain tombe raide amoureux, chute de son scooter et devient la proie d’hallucinations. Dans un inframonde d’anticipation héros, catcheurs, hommes en noirs, complotistes de toutes sortes cohabitent pour illustrer tout ensemble les problèmes d’écologie, terrorisme, tolérance, racisme, féminisme, violences en tous genres contrecarrés par les valeurs de l’amitié. Après 8 ans de travail pour son adaptation cette BD de « Run » mise en animation par Shojiro Nishimi fait littéralement exploser le genre en qualité graphique, rythme et narration unis pour le meilleur du genre.

Une exposition présentant simultanément sur 13 écrans des court-métrages dédiés à l’art a tourné dans le monde deux ans durant, son concepteur la reprend sous forme d’un film les agrégeant chronologiquement. Cate Blanchett, tour à tour SDF, chorégraphe, institutrice, déguisée, sous perruque, en marionnette est toujours là pour disserter, disséquer, se moquer des successifs manifestes de Marx et Engels jusqu’au Dadaïsme, situationnisme, conceptualisme…de l’architecture aux arts graphiques, cinématographiques et à la danse. Catalogue exhaustif, inventaire ubuesque ou questionnaire sur la création artistique, à chacun de choisir mais l’actrice répond à tous les critères par ses 13 prestations.

De son premier cri à l’âge de 1 an le bébé grandit et le poids de son cerveau passe de 400gr à 1kg, cette croissance physique et mentale nécessite une même aide pour réussir son développement. Gérer les émotions, être à l’écoute, repérer les prédispositions individuelles, accompagner… la réalisatrice convoque neurobiologistes, éducateurs et parents pour coordonner explications, moyens et recettes qui liés à l’amour feront de l’enfant un adulte parfaitement intégré, adapté socialement et heureux ?

Tranquille et naïf Lancelot l’était jusqu’à ce qu’un escarpin bleu reçu sur la tête ne l’éveille au sexe et à l’amour fou tout aussi abruptement brisé par la chute lacustre d’une voiture rouge, alors pour dépasser ce deuil le voilà parti en quête des mystères de son bonheur passé avec Irina. Une fantaisie décalée où un rêveur affronte d’étranges réalités plus difficiles à illustrer qu’à faire naître de notre imaginaire à la lecture du roman de Véronique Ovaldé, mais l’adaptation garde un charme incertain et la poésie des mots de Verlaine.

Une clinique psychiatrique excentrée et désaffectée sert de lieu de répétitions à une compagnie théâtrale gérée par une directrice aux exigences expérimentales extrêmes, échos mêmes du lieu, autrefois également utilisé dans le cadre de tortures politiques. Sans folie pas de création, alors privées de sommeil sortiront-elles de leur corps ces deux actrices mises en compétition jusqu’à la représentation finale, leurs hallucinations physiques et tensions morales émergeant des décors, effets spéciaux et règles propres aux films de genre pour, au choix trembler ou somnoler ?

Un vinyle rare, une montre brisée et une chemise à fleurs se mêlent à une escroquerie et un meurtre pour, d’un horloger à une étudiante et d’une coloc à une copine, accompagner une quête de vérité, d’amitié et d’amour. Les passions musicales entraînent les personnages dans une course jazz et métal, rythmes divers qui s’accordent à ceux de New York et font résonner la joyeuse diversité de la mégapole.

Un mariage de gitans fait éclater leur joie et danser les amitiés, deux hommes s’y croisent et poursuivent cette relation de débrouilles en magouilles jusqu’à la mort accidentelle de l’un d’eux. Un deuil insurmontable traversé par la culpabilité et vécu nuit après nuit jusqu’à une soudaine compensation née de l’opportunité d’une survie offerte à l’amour impossible. Librement adaptée d’un roman cubain situé dans un motel de Miami, l’histoire est transposée dans un hôtel refuge de marginaux emprisonnés par l’abandon même de la société, et cherche son équilibre entre le romantisme des cœurs, le réalisme des douleurs. Le naturalisme des scènes, l’esthétisme des plans sur fond de musiques, cris et sons est contrecarré par des flash-back hallucinatoires mutiques où s’entrecroisent fantômes souriants et vrais méchants dans un premier film encore très fragile aux racines hispaniques fantastiques et aux résonances poétiques. Mon Ange - Guillermo Rosales - Actes Sud - 2004.

Se plaire au hasard d’une rencontre entre un jeune breton et un écrivain parisien, s’aimer au rythme enflammé de l’un et attentionné de l’autre et courir pour fuir la malédiction du sida. L’espoir côtoie la conscience de la mort au fil d’une chronique amoureuse que le réalisateur traite en unissant les cinémas de Truffaut et Fassbinder, les mots d’Hervé Guibert et Bernard-Marie Koltès, les sonorités d’Anne Sylvestre et Musique Attack, le passé des années 90 émergeant des souvenirs de son propre parcours initiatique. Les corps irradient de désir, les cœurs de passion, la grâce onirique des moments de souffrance solitaire pacifie la détresse, les images bleutées s’illuminent de bonheur rêvé, le vouvoiement de certains dialogues distancie le réalisme au profit d’un subtil badinage, l’alternance de scènes partagées avec l’amitié d’un voisin, l’innocence d’un enfant, la bienveillance des femmes participent d’une même lutte incarnée par le charme fulgurant de Pierre Deladonchamps, l’humour de Vincent Laffite et la complicité de Denis Podalydès. Ce 7ème film de Christophe Honoré rayonne à la fois d’une infinie tendresse et d’un immense talent dont profiter.

Années 50 au Mexique, une romancière de renom, conquise et conquérante, retrouve après dix ans de séparation l’amant de sa jeunesse, leurs corps intervertissent leurs âges, comme leur amour enflamme leur passion inconditionnelle de l’écriture. Mais à leur complicité littéraire et politique pour la cause amérindienne succède la rivalité du couple quant à la légitimité de l’égalité féminine. Une lutte de reconnaissance contre le machisme ambiant portée par Rosario Castellanos à travers ses poèmes, romans, essais… mise en images dans un puzzle de situations résonnant de douleurs maternelles, d’un quotidien de séduction et mensonges, en écho au fracas des claviers de ses machines à écrire. Pour éviter à tout prix le biopic, la réalisatrice joue avec le temps, acteurs jeunes et matures interchangeables dans le champ et contre-champ d’une même scène, l’esthétisme des décors et couleurs répondant à la créativité solitaire de son héroïne, célèbre en son pays et que ce film nous invite à découvrir dans ses œuvres éditées chez Gallimard « Les étoiles d’herbes » et « Le Christ des ténèbres ».

Années 90, la campagne profonde Lituanienne déchante sans l’aide économique du système soviétique mais un fils d’émigrés aux USA vient enfin retrouver le trésor enfoui par ses parents avant leur fuite. Illusions perdues locales contre rêve américain inversé font le jeu de cette comédie où grognent les hommes et femmes déçus par un vrai quotidien de cochon.

Une lecture en images d’un premier texte de Michel Houellebecq entouré d’artistes musicien, sculpteur, poète, écrivain tous quatre revendiquant leur survie aux souffrances de la société par leur identité recouvrée et leur dépassement de la folie par la conquête de leur liberté créatrice. Un feelgood movie littéraire au romantisme et lyrisme gravés dans les rides et la démarche chaloupée d’un Iggy Pop recyclé.

Les héritiers de Louis XIV se succédant dans la mort plus que sur le trône, le Régent se charge des tractations nécessaires pour perpétuer la monarchie française, organisant un savant échange avec les Bourbons installés en Espagne jusqu’à y intégrer sa propre fille. Ces intrigues et tractations entre les Cours européennes étaient aussi compliquées que banales et aucun des enfants concernés n’avait à s’en mêler. En adaptant ce roman historique de Chantal Thomas, Marc Dugain nous fait pénétrer dans le temps par le cadrage pictural de ses plans, évitant toute reconstitution au profit d’une galerie vivante de tableaux où chatoient les costumes, tremblent les perruques, résonnent les chevauchées. L’époque s’incarne alors illustrant alors la soumission aux destins royaux déterminés, la mortalité galopante, le poids de la religion et son mysticisme, les manigances courtisanes, la bisexualité, sous-jacentes dans les attitudes de chacun des personnages. Le risque de fresque académique fait place à un regard lucide porté sur l’Ancien Régime, passé et actualité éternellement liés à l’exercice du pouvoir. Alors allons voir le futur Louis XV jouer à la guerre, l’infante à la poupée, leur entourage à la politique et le réalisateur au cinéma. L’échange des princesses - Chantal Thomas - 2013 - Editions du Seuil / Points.

La sérénité des paysages du Yorkshire occulte la dureté de leur terre, les difficultés de l’élevage et le désespoir des fermiers compensé par l’alcool et ses violences. Alors quand une improbable histoire d’amour se présente, encore faut-il être en mesure de l’accepter, dépassant la solitude par l’écoute pour remplacer la honte de l’homosexualité par la force des sentiments. Un émouvant parcours entre deux hommes où la variété des sons ajoute son authenticité à la beauté des images pour illustrer avec subtilité une double mutation humaine et agricole.

Dans les années 80 une bande de tueurs avait terrorisé la Belgique sans avoir jamais été repérée, 30 ans plus tard serait-elle de retour ? La simultanéité d’un braquage de banque et d’une action terroriste dans un parking souterrain peut-elle le prouver ou le contredire, s’y ajoutent le respect des codes de l’honneur du banditisme et la cruauté gratuite de purs assassins pour prolonger l’interrogation. Sous tension intégrale le film vibre rythmé parallèlement entre pure action et stratégie de dénonciations, cascades, évasions et soupçons pénétrant les arcanes du pouvoir judiciaire et policier. La petite histoire s’infiltre alors dans celle des tueurs du Brabant pour transformer François Troukens le gangster repenti en réalisateur d'une fiction réelle

Un coup de foudre réciproque rapproche une jeune fille isolée par son bégaiement et un trentenaire solitaire. L’authenticité de leur amour va leur donner les forces indispensables pour dépasser le mutisme de l’une, la honte de l’autre. La libération de ces deux marginaux privés du lien maternel, brisés par un double empêchement du dire et du lire progresse dans l’alternance de décors nocturnes intemporels, de ciels lumineux, de Gros Plans cadrés sur les corps et les visages créant une atmosphère de violence étouffée. Un premier film encore balbutiant (sous influence de A.Kéhiche et de l’autobiographie) mais dont jaillissent vibrantes l’émotion et la sincérité.

Maudit et mutilé le film de Billy Wilder ressort en version restaurée enrichie de 3heures d’images inédites, la reprise des histoires de Conan Doyle mêlées en puzzle transforme les personnages en héros cyniques ou alcooliques pour rimer avec ironiques et mêler l’aventure à l’humour avec le brio habituel du cinéaste de « Certains l’aiment chaud », « La garçonnière »…

1956, la répression du mouvement révolutionnaire hongrois se répercute jusque dans les rangs de lycéens d’une petite ville prospère du bassin sidérurgique de l’Allemagne de l’Est, par la seule force exercée par une minute de « silences ». Un pluriel pour une jeunesse engagée dans trois temps simultanés, le passé du nazisme (parents traitres ou héros), l’avenir (fuite et exil) déterminés par cette action de résistance passive dans le présent (prise de position politique) d’une insurrection idéologique. C’est à travers l’innocence, l’enthousiasme et les doutes de ces adolescents que le réalisateur inscrit leur histoire (vraie) dans l’universalité de l’action et de la pensée, propagande soviétique ou fake news actuelles, manipulation contre réflexion essence même des valeurs humaines. Une adaptation universelle du récit autobiographique de Dietrich Garstka « La classe silencieuse ».

Un grand-père informe sa famille que son heure est venue d’aller mourir à Bénarès, où il s’installe avec son fils dans la chambre d’un hôtel, louée pour deux semaines maximum. Un étrange et joyeux séjour commence alors qui pour mener au salut, défoule les corps et les âmes des voisins, d’une veuve, des membres de la famille, de tout un chacun prêt en buvant du lait parfumé à la marijuana à s’incarner en lion ou kangourou, à libérer l’autre pour se délivrer soi-même. Un ultime voyage de sagesse et d’humour à partager.

Le souffle de la liberté peut-il faire s’envoler la robe blanche d’une Marilyn en carton-pâte sur une plage chinoise et les femmes échapper à leur destin de maltraitance sexuelle ? Tout en réserve et en silences, la réalisatrice traite avec un réalisme cruel de la corruption, des courants migratoires, des peurs d’un pays rattrapé par les mêmes dysfonctionnements et problèmes que les autres pays vers lesquels fuir reste un espoir vain (hors à travers un cinéma lucide).

Déjantée et désabusée, pas toujours charmante ni souvent aimante, jouant de l’irresponsabilité adolescente tardive face à l’avenir à déterminer, une trentenaire libertaire va et vient dans les rues animées de son quartier londonien. La mégapole métissée résonne alors d’une joyeuse multiplicité en contrepartie de l’acceptation de soi pour exister parmi les autres. Une fuite identitaire dans le brouhaha de la ville, son quotidien stressé et son agitation nocturne, échos d’un mal-être existentiel par une héritière de Bridget Jones et le jeune réalisateur d’un premier film, chronique d’une errance légèrement portée par Emily Beecham.

Comment, dans sa banlieue provinciale, un fils rêvant d’ailleurs peut-il échapper à un père chômeur, hâbleur, menteur, arnaqueur, cambrioleur exerçant son pouvoir de champion de la débrouille sur sa tribu familiale ? En fuyant son géniteur pour devenir acteur. Si les mots du fils restent insuffisants pour triompher de l’ogre paternel et les images du réalisateur trop succinctes pour étayer l’environnement quotidien, le duo entre Kad Merad et Kacey Mottet-Klein fait rimer escroquerie avec joyeuse comédie.

Réveillé par le départ matinal de son père, un gamin déluré et entêté décide de lui offrir son dessin nocturne. Au fil d’un parcours buissonnier il déambule entre rêve et réalité par les rues enneigées au rythme de pauses ensommeillées d’une gare à un train, d’un centre commercial à la halle aux poissons désertée, au gré de sa fantaisie et des intempéries. Un charmant très mauvais exemple intemporel et mutique où la poésie illustre l’enfance par la force de l’imaginaire.

Emergé des sables, Cornélius cherche les vents pacificateurs qui lui permettront de nourrir les hommes, mais en proie aux souffles hurleurs plus forts que l’amour et la nature y parviendra-t-il ? Ce conte enchanté aux couleurs de farandoles et de magie incantatoire mêle le burlesque à la tragédie, l’intemporalité à la modernité, la BD et la chorégraphie aux rythmes symboliques pour faire virevolter les ailes de l’imaginaire. A chacun de prendre son envol, de relire Alphonse Daudet ou le roman original de Arto Paasilinna. Le meunier hurlant - Arto Paasilinna - Editions Gallimard - 1994 .

En Inde, sur certains îlots des Andamans survivent près de 500 Jarawas une peuplade afro-asiatique installée là, il y a plus de 70 000 ans. A l’écart des indiens voisins ils ont presque conservé leurs modes de vie, leurs valeurs, leur manière d’être heureux ensemble. Le documentariste et son caméraman, sur des images tournées en quelques jours et quelques années, sans commentaires aucun, nous immergent parmi ces hommes qui pêchent, chassent et réparent leurs outils, ces femmes qui font des paniers et sont expertes en maquillage à la glaise, leurs enfants qui jouent, tous partageant leurs rires et leurs chants résonnant en onomatopées. Ils savent et nous disent que l’autre monde est mauvais celui des braconniers qui tuent les cochons et daims sauvages, des gardes forestiers qui leur proposent de l’alcool et du tabac, qui racolent les touristes pour traverser leur territoire pourtant officiellement préservé. Mais que peuvent-ils pour préserver leur authenticité contre l’assimilation dévorante de la société contemporaine ? Nous, nous pouvons nous précipiter en salles et signer une pétition pour les protéger. http://www.organicthejarawa.com + wearehumanitymovie.com

Ce sont des italiennes travailleuses du textile, onze femmes en colère face à la proposition malhonnête d’une investisseuse française venue racheter leur usine sous la réserve d’une condition anodine. Choisir, voter, s’engager au nom des autres, pour le respect des droits, de la dignité humaine, contre toutes les formes de harcèlement, sexualité, racisme, chantages à l’emploi dans une société capitaliste se fait en face à face, entre arguments et cris, violence et colère partagées, de désillusions en espoirs. 7 minutes par jour pour gérer par la division des travailleuses et la multiplication des bénéfices patronaux le gain de 900 heures contre 1h30’ de cinéma engagé sur l’histoire véridique de rachat de Lejaby à Yssingeaux (objet d’une première adaptation théâtrale de Stefano Massini) pour illustrer avec force et talent l’éternité de la condition ouvrière. Opération réussie.

Dans les années 30, émigrée en Pologne une jeune russe se donne pour mission d’offrir à son enfant un avenir de héros français, il deviendra aviateur, écrivain, ambassadeur, Chevalier de la Légion d’Honneur… et elle mettra sa vie au service de ce rêve. A son tour il se fera un devoir filial de l’honorer de Wilmo à Nice, de Londres aux Etats Unis, d’une biographie romancée à une vie agitée et du Prix Goncourt de Romain Gary à celui d’Emile Ajar. Près de 40 ans après l’adaptation de Jules Dassin avec Melina Mercouri, c’est Charlotte Gainsbourg et Pierre Niney qui illustrent ce double pari d’amour fou, où Eric Barbier fait fusionner délire maternel et biographie aventurière, le réalisme appliqué des images affrontant l’imaginaire des mots d’un écrivain créateur d’irréel (à lire ou relire). La promesse de l’aube - Romain Gary -Editions Gallimard /1960.

Quatre temps pour danser le foxtrot en carré, mais trois actes pour rythmer la tragédie d’une famille israélienne en prise à la guerre et son absurdité répétitive autant qu’intemporelle et culturelle. Aux affres de la douleur parentale d’un décès annoncé succèdent les aberrations du quotidien d’un check-point désertique plus menacé par les camélidés que par les terroristes, avant le retour de l’espoir celui du dépassement des traumatismes d’une société n’ayant de cesse de les refouler en les glorifiant. Un regard critique mis en perspective autant par les décors, le déroulement des scènes, l’ évocation indélébile du passé, la rigidité du vocabulaire militaire, l’humour des situations que par les émotions vécues et les perspectives qui en découlent. En 2009, le « Lion d’or » récompensait « Lebanon », huit ans plus tard les conflits perdurent, et des réalisateurs continuent de les dénoncer, en dépit des hauts cris de leur gouvernement, c’est ce qui donne sa valeur au cinéma.

Entre Buenos Aires où il avait du succès et New York où il attend un rôle, la vie se dédouble pour cet acteur sans visa, ni repères autres que les nounous sud-américaines qu’il croise dans les squares avec le nouveau-né qu’il garde, les emplois de barman, les relations de passage et les amours lointaines. Sa tignasse blonde et ses yeux tristes illustrent avec une tendresse infinie le désarroi d’un être parti se reconstruire sans compter sur la force du déracinement socio-culturel que ni ses virées à vélo dans les rues surpeuplées aux bruits incessants, ni ses rêveries silencieuses au bord du fleuve, ni les situations drolatiques de ses mensonges ne rapprochent des individualités forcenées d’une mégapole étrangère sans pitié. Impossible à trente ans de tout recommencer sans être vu, ni reconnu pour ce que l’on est intrinsèquement et trouver sa propre place avec les autres en un choix commun, ce ressenti la réalisatrice l’a vécu quelques années durant et nous en offre sa vision avec une lucidité distanciée, universelle et généreuse.

Ils sont trois frères indiens d’une réserve dans l’Amérique agricole du Nouveau Mexique, l’aîné travaille dans une exploitation de bétail, le deuxième traine dans le bar/épicerie qui fournit l’alcool interdit sur leur territoire, le troisième engagé en Afghanistan vient d’y trouver la mort. C’est la vie d’une simple famille que le réalisateur nous propose à travers les paysages désertiques, les soins aux animaux, l’addiction à la bière, l’écoulement d’un temps indéfini que le seul respect aux traditions culturelles balise entre la banalité du racisme ou celle de l’administration militaire. A la limite du documentaire mais engagé dans une fiction enrichissante le film aussi taiseux que ses protagonistes illustre des siècles d’intolérance prolongés par l’absence de communication et les éternels rapports de pouvoir que seul brisent le respect au passé et l’espoir futur par le sourire d’une adolescente innocente.

Epanouie et jolie cette jeune mère, épouse comblée, habitant une banlieue aisée de Londres jusqu’à ce qu’un beau matin, son mari, ses enfants, son quotidien ne la fassent plus rêver. Phase dépressive ou prise de conscience réelle d’un asservissement aux normes sociétales, à la mécanique conjugale, c’est justement pour échapper au schéma du couple et à sa banalité destructrice que le réalisateur a recours à la totale improvisation de ses acteurs et leur captation mobile par sa caméra. Aux images de l’univers de femme au foyer, aux reproductions d’un livre feuilleté dans une brocante succèdent les six tapisseries de la Dame à la licorne, leur vision pour délivrer l’imaginaire, leur interprétation pour percevoir le désir, déterminant au fil de hasards médiévaux et rencontres parisiennes la possibilité d’accéder à soi-même et redonner sens à sa vie. Une évasion féminine portée par Gemma Arterton, ponctuée par Marthe Keller, triple variation sensuelle et intemporelle sur l’illusion de l’amour traitée avec la subtilité d’un homme amoureux de liberté.