Que faire dans les casernes désertées par des maris, soldats envoyés en Afghanistan ? Comment tromper les angoisses quand le tricotage imbibé d’alcool ne suffit pas ? Chanter haut et fort, porter leurs voix ensemble, orchestrer les convenances, faire valser la solitude, mettre les larmes en bémol, battre les grades en mesure sous la baguette du réalisateur de « The full monty » dirigeant sans fausses notes les vrais éclats de rire de cette comédie fictionnée à aller voir autant qu’écouter.

Qu’un bambin affirme à 3 ans être une fille suffit-il à déterminer son sexe ? Une certitude pour sa mère qui enceinte en rêvait, un refus pour l’école et l’état civil, une écoute pour les services de pédopsychiatrie et l’occasion d’une troublante interrogation. La distanciation et la pudeur extrême du cinéaste permettent d’aborder le sujet tabou de la différenciation sexuelle au-delà des inconditionnalités en tous genres.

La Révolution anticapitaliste ou comment la faire, les activistes ou comment exposer leurs idées, la politique ou comment l’imaginer autrement, un triple pari proposé par la soudaine mise en place présidentielle d’une démocratie populaire et la prise d’otages d’une quinzaine de grands patrons du CAC40 transformés en ouvriers d’usine. Une fable militante où l’humour raisonné règlemente le sérieux idéologique sur fond de chants engagés au rythme de l’utopie sociétale.

La force irrépressible des premières amours, la violence d’émois transgressifs, la pureté des émotions de deux jeunes garçons s’ébattant sur la côte normande résonnent encore dans la mémoire de François Ozon, 35 ans après la lecture du roman de Aidan Chambers. Alors avec ce 19ème film tourné en 16mm, distanciation et nostalgie lui font retrouver les désirs de sa propre jeunesse, leur gaucherie et leur audace passionnelles sur les notes de The Cure et les sentiments éternels de l’adolescence portés avec la même fougue des acteurs. La danse du coucou – Aidan Chambers – 1983 – Seuil/Points

Elle est « nez » cette diva du monde des parfums à l’odorat aigu mais qui a définitivement oublié les autres sens ne pratiquant ni le toucher, négligeant le goût, sourde à toute écoute, aveugle au monde qui l’entoure sauf insensiblement à son nouveau chauffeur qui lui résiste pour garder son emploi. D’une ville et d’un client à l’autre leurs solitudes vont s’apprivoiser, leurs regards s’ouvrir pour apprendre chacun à échanger au fil d’un subtil parcours de quintuple perception et de lumineuse

Une femme clochardisée et peu amène perd son abri nocturne sur les berges de la Seine pour avoir accueilli un gamin égaré après la reconduite de sa mère sans-papiers. S’ensuit un parcours parisien et chagrin sur les problèmes de migration et de racisme, d’impossibilité de deuil maternel, de difficile solidarité, diffractés à travers les images d’un kaléidoscope de l’humanité à partager. Une fable politico-sociale au grand cœur et clichés associés.

Offrir l’équilibre entre la maladie et l’inéluctabilité de la mort c’est ce que prodiguent les soins palliatifs, ce dont discutent longuement les infirmières et médecins des centres hospitaliers qui les dispensent et qu’illustre la réalisatrice en mêlant douleurs mentales et physiques, les mots à l’image liés ensemble au corps. Des séances de thérapie libératrices, des Gros Plans sur les peaux sur voix off alternent dans une mise en scène d’immersion descriptive ou de libération distanciée selon les possibilités de chacun.

Ils sont enthousiastes, drôles, sincères, passionnés ces étudiants de Saint Denis décidés à organiser une Marche des fiertés LGBT des banlieues. Leur générosité humaine est telle que malgré leur désorganisation totale égale à celle des réalisateurs, leur fougue commune et leur authenticité idéologique mobilisera le 9 juin 2019 une foule de participants unis dans l’enrichissement de nos différences à partager cette fois en spectateurs.

La lumière fait éclore les émotions sur les pétales érotiques des courtisanes en cette fin de siècle où tout disparait entre fumées d’opium et relents coloniaux. Seule la beauté demeure en images hypnotiques, évocations subtiles des doubles emprises de mondes culturels en voie de disparition.

Choisir la nuit du Yalda (cérémonie traditionnelle du solstice d’hiver) pour diffuser un programme de télévision dédié à « La joie du pardon » c’est, s’assurer de l’audience et votants nécessaires au succès de l’opération, la survie ou la condamnation de la candidate choisie. Un jeu de téléréalité authentique officialisé par le Ministère de la Défense et qui nous est offert, en temps réel, émotion et stupéfaction garantis. Le prix du sang, de la vengeance, de l’héritage, de la maternité, du gain s’entremêle aux questions morales, religieuses, sociales sur le rythme effréné du spectacle en direct entrecoupé de ses rentables spots de publicités et clips de variétés en nous laissant pantois devant la confusion que les média et leurs pouvoirs dictatoriaux ont crées aux dépens de l’humanité. Après « Une famille respectable » le réalisateur continue de décrypter la société iranienne et la place réservée à la femme, son cinéma (associant documentaire et fiction) devenant cette fois un média porteur de réflexion.

A Buenos Aires de jeunes mères esseulées sont hébergées dans un couvent catholique à charge d’en respecter les règles dont les horaires de sortie et l’éducation spirituelle offerte à leurs enfants. L’affection entre une novice italienne nouvelle arrivée et une gamine délurée va combler leurs manques affectifs et révéler la détresse sentimentale de toutes, entre révolte des unes et rigidité des autres. Tourné en partie avec des actrices non-professionnelles, cette fiction directement inspirée de l’environnement pose un regard subtil sur la maternité confrontant l’instinct à la réalité à travers les générations, l’interprétation et l’application des fondements mêmes de la religion dans un pays où pèse l’illégalité de l’avortement.

Au Brésil la région agricole de Recife a échangé ses plantations contre l’industrialisation effrénée de la fabrication de jeans depuis l’apport du tissu au produit final, chacun hommes, femmes et enfants coupe, coud, délave, déchire, participe aux finitions avant la promotion et la vente sur le marché local et international. A raison de 20 millions de pièces, soit 20% de la production brésilienne, les 40 000 habitants de Toritama y consacrent leur quotidien en toute satisfaction dans la seule attente des joies du Carnaval. Le triomphe du néo-libéralisme trouve ses justifications dans le rapport au gain, à la liberté individuelle, au pouvoir de l’argent compensé par les seuls rêves d’évasion vers les plaisirs des plages baignades et pêche entre masques et sambas carnavalesques. L’observation filmée de l’application de ce capitalisme forcené est à son tour rythmé par les mots du narrateur témoin de l’évolution des naturelles valeurs du passé vers celles, mondialisées de l’avenir incarné par Léo le joyeux prophète de cet exemple capitaliste.

Thomas Piketty a rédigé un essai sur la dynamique de la répartition des richesses à travers le temps, démontrant que l’espoir de réduction des inégalités par la croissance des revenus était une utopie contraire à la réalité, le profit générant à l’inverse son auto-progression. De l’Empire romain aux jaqueries et à la Révolution française, de l’essor industriel aux dépressions financières et guerres mondiales consécutives, en l’absence de régulation financière, le rendement du capital amené à dépasser le taux de croissance de l’économie ne peut que perpétuer le déséquilibre triomphant de tout enrichissement agraire, industriel, foncier voire virtuel privilégiant à fortiori l’héritage au mérite jusqu’à l’effondrement de la démocratie. Transcrire dans un tourbillon incessant d’images ponctuées d’interviews d’économistes reconnus donne à cette démonstration une clarté réaliste nous offrant le privilège d’une compréhension aisée, valorisante donc enrichissante. Si les plus de 2,5 millions d’exemplaires de ce traité vendus en France et les autres de par le monde se calculaient en spectateurs, l’avenir du cinéma et du documentaire en tirerait un profit bien mérité. Le capital au XXIème siècle - Thomas Piketty - 2013 - Editions du Seuil.

En Mayenne, installés dans les bocages, des héritiers de paysans, citadins en rupture, néo-ruraux utopistes, écologistes convaincus renouent avec les expériences traditionnelles de sourciers et sorciers, pratiquent l’agriculture bio, l’élevage animalier respectueux, créent café solidaire, boutique de troc, rejoignent les modèles de phalanstères, couvents... en créant une communauté de lien, vers les croyances terriennes, les mystères de la nature, les pratiques chamaniques, unis contre le consumérisme de la société, l’oubli des valeurs primaires. Un Robinson survivaliste se joue de cette réflexion pour distancier la nôtre de ces choix d’un monde alternatif et associatif revendiquant l’authenticité de l’autonomie.

Tout va pour le mieux dans le meilleur du milieu franco-viennois pour ce couple d’expat bobos admiré voire envié par leurs compatriotes, jusqu’à la découverte de l’infidélité conjugale dont les fausses notes vont sourdre, vibrer et résonner en un strident tintamarre de vengeances où chacun cache son jeu discordant. Karin Viard bat la mesure avec Benjamin Biolay en fugue sur les désaccords des faux semblants bourgeois. Trahie - Karin Altvegen - Editions Plon Roman noir/ 2008 - Points

Devenir « Miss France » c’est le rêve inaccessible d’un enfant qui devenu adulte décide de le réaliser envers et contre toutes les difficultés, surtout celle d’être un gamin, un homme. Ce chimérique pari engagé contre la nature, les genres, les tabous, les amitiés, les rejets des autres voire de soi-même se déroule au fil des étapes scintillantes d’une compétition paroxystique exacerbant la féminité pour dénoncer tout autant les clichés homophobes que les concours sexuels traditionnels et leurs dérives télévisuelles. L’environnement marginal et solidaire d’où surgit la beauté hors norme et hors genre du héros de cette aventure tragi-comique accentue par le burlesque les contradictions pailletées d’une société dominée par toutes les formes d’intolérance dont la générosité de ce film devrait triompher.

En parallèle des films « Chained » et « Beloved » les circonvolutions du sexe se poursuivent entre un adolescent déchiré par sa passion musicale, ses obligations militaires et une sexualité inassouvie et une femme libérée par l’écriture. C’est à travers leur rencontre que les thèmes du désir, de la prostitution, de l’agression, du viol se juxtaposent entre actes et discussions, ressenti et inconscience, réalisme et blessures mémorielles d’une société dominée par la virilité.

Barcelone réunit au travers de passés effacés new yorkais ou berlinois et de temps mêlés les amours pérennes d’un argentin et d’un espagnol. Au long des rues, des plages, des musées ... les déambulations catalanes s’entrelacent aux corps puis aux mots pour donner force aux désirs et perpétuer les sentiments. Un parcours aussi décalé que réaliste, où du silence aux dialogues l’intimité du récit traduit les choix contemporains des sexualités hétéro ou homo, des rencontres, des couples, de la parentalité, de l’amitié avec une finesse commune de ton et d’analyse égale à celle des images. Un premier film subtil et talentueux.

C’est la saison des moussons à Singapour où une malaisienne partage son quotidien entre les soins prodigués à son beau-père, ses espoirs déçus de maternité, le détachement de son mari, le mépris de l’administration de son collège pour les cours de chinois qu’elle y prodigue. L’intérêt d’un élève transformera cette indifférence affective générale par le partage de ses propres passions et nouveaux émois pour laisser place au soleil et à l’espoir d’une société plus humaine. Le choix de plans larges distanciant l’hyper-réalisme de certaines scènes, l’absence de musique additionnelle, le son des pluies traduisent la pudeur des relations intergénérationnelles et prolongent après « Ilo Ilo » le regard sensible d’Antony Chen

Le séjour de rêve dans une île paradisiaque tourne au cauchemar pour un couple anglais victimes d’enfants démoniaques. La cruauté enfouie sous l’innocence donne libre cours à un jeu de massacre inversé mais enraciné dans la violence même d’une société irresponsable dénoncée symboliquement par le titre original « Qui donc peut tuer un enfant ? » de ce film horrifique devenu un classique du genre. Le film restauré dans sa version originale avait disparu, sa vision d’un univers intrusif et liberticide reste d’actualité par la puissance de son scénario et la force intacte de ses images malgré l’évolution des effets spéciaux.

En avril 2016 une jeune femme parmi bien d’autres s’exprime face à la foule réunie Place de la République, consciente que son engagement pour les idées du mouvement Nuit Debout, sa participation passionnée aux manifestations, commissions, AG... mettent en péril son accès à la section Sociologie de l’Ecole Normale Supérieure. Ce sont ces contradictions sociales, humaines et politiques que filme la documentariste au fil du portrait de cette étudiante dont les convictions s’affirment face aux choix de son avenir et aux réalités de la vie. Ces images d’actualité militante alternent avec celles de moments familiaux et leur discours jalonne cette même route des Indignés de 2011 aux Gilets Jaunes de 2018.

Comédiens de théâtre, de cinéma, chanteurs et danseurs de comédie musicales, acteurs de la vie en prise avec ses amours et ses drames se croisent de répétitions sur les planches en scènes de la vie où le présent fuit le passé. D’Andromaque et son éternité, Paul Vecchiali le nonagénaire ranime l’immortalité d’une force créatrice infinie où passion rime avec vocation dans une liberté de ton hors normes traduites par l’esthétique des plans, la théâtralité décalée du jeu, la maîtrise d’un 30ème film...

A Tokyo, une agence de « location de proches » pallie les manques familiaux par l’entremise de remplaçants humains - des pères pour une mère célibataire ou une cérémonie de mariage, un employé fautif rachetant sa culpabilité, des photographes pour un désir de gloire ou une répétition émotionnelle... Un jeu de vérité reconstituée, assumée et rémunérée pour créer une réalité mensongère en réponse à l’absurdité d’une société de robots aussi heureux que dangereux. Fiction ou documentaire, acteur en son propre rôle, humanoïdes en devenir... les sentiments se font services et les illusions s’égarent entre vécu et anticipation. Quant à Werner Herzog il transgresse les folies individuelles d’Aguirre ou Fitzcarraldo pour dénoncer celles du devenir de la société contemporaine offerte en spectacle décalé.

Auprès de son grand-père pêcheur une fillette profite de ses vacances dans l’innocence et la liberté jusqu’à révéler le secret de ses jeux entre les rochers à un garçon de son âge. La grâce et l’intrépidité de la gamine face la virilité infantile de la petite bande adverse illuminent de leur force poétique le Noir et Blanc des images sans trahir la métaphore politique éventuelle de ce film lituanien adapté de la nouvelle Ekho de Yury Nagibin, réalisé sous le régime soviétique mais heureusement redistribué aujourd’hui.

Ils vont et viennent sans jamais se quitter ces potes d’enfance, trentenaires et adolescents attardés traînant leur hystérique irresponsabilité jusqu’à un pari brisant leur innocence. Un simple baiser pour un film amateur déstabilise leur amitié au profit du désir et de ses leurres, des peurs et pudeurs intimes, celles de Xavier Dolan retrouvant la fébrilité de ses premiers films, sa fragilité exposée en fulgurances, révélée dans l’hypersensibilité et les doutes de ses personnages, authentiques doubles offerts à la richesse émotionnelle partagée entre l’affection maternelle, le copinage et la passion amoureuse. Un film aussi brillant qu’intimiste où la tendresse explose sur des images trépidantes entre silences et sonorités ambiantes, faites pour plaire autant que déplaire.

Ses deux ou trois boitiers autour du cou n’ont pas protégé Gilles Caron des dangers de son travail de photoreporter à l’agence Gamma, mais ont illuminé son regard de témoin de l’humanité, des atrocités commises et de ses désirs illimités. 6 années d’événements vécus du Sinaï au Biafra jusqu’au Cambodge, des pavés parisiens à ceux des irlandais, illustrent les mêmes révoltes, douleurs et espoirs, expression en Noir et Blanc et couleurs d’un engagement éthique, politique et esthétique. Reliant une quête et un deuil personnels à la disparition du photographe et à l’étude technique de son travail, la documentariste cherche sur chacun des clichés numérisés, numérotés et exposés le mystère de la création individuelle et sa force universelle pour l’offrir à notre connaissance. www.fondationgilles-caron.org / info@fondationgillescaron.org

Quinqua blasée, fille et veuve d’escrocs notoires, maîtresse du chef de la brigade des stups où elle exerce au titre de traductrice d’écoutes téléphoniques, Patience la bien-nommée décide d’aider le fils de l’aide-soignante de sa propre mère, un jeune trafiquant dont elle récupère et commercialise la cargaison illicite. Berner autant les petits et gros dealers que son amoureux de flic naïf, s’accoquiner avec la mafia chinoise du 13ème arrondissement devient un jeu de dupes où se voile et dévoile une Isabelle Huppert joyeuse et libérée. La daronne – Hannelore Cayre – Editions Métailié 2017 – Points.

Ils sont trois flics parisiens portant l’uniforme à se croiser de mission en opération quand la banalité de leurs interventions est brisée par la reconduction vers son pays d’un demandeur d’asile. Ils se connaissent et nous apprenons à les connaître cette mère de famille qui s’est laissé séduire et doit remédier seule à un écart de conduite avec son collègue et cet autre confrère mari intègre en difficulté conjugale, ensemble réunis dans l’habitacle d’un véhicule de police avec un étranger à la langue inconnue. Un parcours chaotique conjuguant enfermement physique et cheminement mental, interrogations morales, transgression interdite et angoisse vitale, dilemme éclaté en triple positionnement reflet des attentes d’une société où s’affrontent respectabilité et individualité. L’alternance vie privée et professionnelle choisie par la réalisatrice libère par la force de ses images, l’échange des regards autant l’espace physique que mental, celui qui conduit à la violence envers soi ou les autres, distanciant son film de tout parti-pris ou jugement politiques. La tension de Virginie Efira, le masque d’Omar Sy, la rigidité muette de Grégory Gadebois et les silences de Peyman Moaadi démultiplient le questionnement offert au spectateur pour donner au film son intensité et valeur cinématographiques. Police - Hugo Boris - Editions Grasset- 2016.

Un chorégraphe et une danseuse ont dû renoncer à la garde de l’enfant qu’ils avaient adopté et cet acte douloureux détruit à son tour l’amour qui les liait, c’est au fil d’un long parcours de remise en cause des schémas imposés par la société et de reconquête de soi-même entre désir, plaisirs et sentiments qu’Ema se reconstruira et bâtira un modèle familial hors normes où s’épanouir. Sur les pentes de Valparaiso entre terre et mer l’expression de cette libération jaillit des flammes, bondit d’un corps de ballet, surgit de caresses sexuelles dédoublées, explose en reproches, fuse en gestes éperdus dans une mise en scène liée à l’énergie perpétuelle de son personnage jusqu’au final d’un plan séquence fixe préfigurant l’équilibre à forger sur les cicatrices d’un pays aux contradictions culturelles, souvenirs de dictature et manipulations politiques coupables. De Tony Manero, Santiago 73 ...Jacky jusqu’à ce portrait de femme, Pablo Larrain continue de traquer la liberté.

Dans un monde où les poissons ont renoncé à toute sexualité un chercheur rêve de ranimer la sienne éteinte depuis une douloureuse rupture, sa rencontre avec une fille de pêcheurs sous les auspices d’une coquine salamandre rose pourrait illuminer ce conte fleur-bleue s’il émergeait des flots. Un conte piscicole d’anticipation scientifique et d’immersion sentimentale.

Être migrant dans quelque banlieue que ce soit pose les mêmes problèmes d’adaptation et survie sociale, de discrimination et violence policières et une famille kabyle expatriée au Canada incarne cette question à travers deux frères petits délinquants et leur sœur parfaite lycéenne. Elle y croyait au modèle démocratique cette Antigone qui part en guerre contre l’injustice de la mort d’Etéocle et la menace d’expulsion de Polynice, en s’insurgeant en libératrice compensatoire. Le mythe de Sophocle s’inscrit alors dans le parcours d’exil politique réservé aux plus faibles et sa quête réparatrice impossible. La réalisatrice québécoise s’en empare traversant le temps par le réalisme des moyens d’expression des réseaux sociaux et la théâtralité procédurale pour actualiser l’affaire locale Fredy Villanueva/2008 et mêler la mort, le sacrifice, la rébellion à la solidarité humaine portés par une jeune actrice tout aussi déterminée.

Le Vietnam du XIXème siècle perpétue la domination ancestrale patriarcale que chaque fillette subit dès sa naissance au sein même des rites de la communauté féminine d’où un jour jaillira la liberté. Celle même qui permet aujourd’hui à une réalisatrice (et toute son équipe) d’exprimer leur force au travers des images, de leurs couleurs, de l’harmonie sensorielle des corps et de la nature, au rythme même de la vie et de la mort. Un premier film initiatique où la violence subie affleure entre silence et esthétisme, liant les cultures à leur universalité.

Bujumbura 1993, il est heureux avec ses copains membres coquins d’un néo club des 5, ce gamin fils d’un entrepreneur français et d’une mère Tutsi, complice protecteur de sa petite sœur et c’est à hauteur de leurs regards que le drame intime de la séparation parentale s’associe à celui politique d’un Coup d’Etat au Burundi suivi au Rwanda d’un insoupçonnable génocide. La distanciation liée à l’innocence des jeux d’enfants ne résiste pas à la contamination de la violence adulte et la reconstitution en images convainc plus dans son vécu intime et culturel que dans sa représentation historique pour attester de cette tragédie invisible. Tourné au Rwanda, avec ses acteurs et figurants locaux auxquels Jean Paul Rouve joint son talent, ce film plus de 25 ans après les événements ajoute au roman un témoignage mémoriel de folie humaine. Petit pays - Gaël Faye - 2016 - Editions Grasset/Le Livre de Poche

Dans un lotissement provincial sans âme, trois voisins ex-gilets jaunes peu fortunés mais addictes du web se heurtent à ses aberrations en tous genres (sextape, réseaux sociaux, intelligence artificielle...). Au fil d’une succession de saynètes leur absurdité éclate dans les rires de Blanche Gardin, jaillit des fantasmes amoureux de Denis Podalydès, explose dans la combativité de Corinne Masiero, pertes et profits mêlés à nos quotidiens décalés entre ridicule et tendresse, fable et farce.

Dans un no man’s land intemporel des ados et gamins sans repères vont et viennent entre trafics, voyeurisme et survie d’ennui, codes masculins mutiques que l’amour va rompre. Les images en cinémascope accompagnent ce conte initiatique égaré dans les mystères de la fraternité et du romantisme.

L’amour d’un couple de médecins urgentistes russes et provinciaux se heurte aux règlementations subies dans l’exercice de leur profession. Subir, choisir, fuir entre l’humanité d’une vocation et l’évolution de la société vers son contraire, seul ou à deux avec chacun ses doutes ou espoirs. L’alternance du regard privé/professionnel sur des problèmes aujourd’hui banalisés, accentue une authenticité douloureuse soutenue par les acteurs.

Une jeune psychanalyste tunisienne expatriée à Paris revient s’installer dans son pays après son changement de régime mais ni de la bureaucratie, ni des traditions encore moins des préjugés afférents. Les fantasmes de sa clientèle pittoresque sont joyeusement sexuels et leurs rêves illustrent leurs désirs libérateurs au fil de saynètes enjouées dénonçant la corruption, le machisme et les travers d’une société à soigner. Golshifteh Farahani irradie cette petite comédie inégale mais pleine d’espoir.

Elle a 11 ans, une mère condamnée à devenir deuxième épouse, une tante traditionnaliste et entre ces tiraillements culturels choisit l’intégration avec les copines au rythme du twerk plutôt que des transes sénégalaises. Comment grandir dans le déséquilibre offert par les réseaux sociaux, sa sexualité galopante, sa pornographie latente et l’innocence naturelle de l’enfance ? A travers les rires de ces « encore » fillettes, les larmes de cette « toujours » femme amoureuse, les ordres de cette « vraie » africaine, la réalisatrice nous offre l’équilibre de sa vision haute en couleurs, en énergie enfantine et sérénité adulte.

Des rêves de neige et de vacances japonaises lient deux collégiennes entre Shenzhen et Hong Kong au rythme de trafics frontaliers et premiers émois amoureux. L’énergie et l’innocence adolescentes happées par les profits de la contrebande et les conditions sociales sont portées par la réalisatrice de ce premier film avec une subtilité de ton et d’images pour dénoncer les conditions sociales et politiques chinoises que l’actualité nous démontre.

Cent ans après sa gloire oubliée, la terre canadienne de Dawson City offre ses souvenirs gravés sur les images muettes de pellicules enfouies, la découverte des Frères Lumière rejoignant celle des filons ayant donné vie à cette cité de l’or. La ruée de 40 000 orpailleurs, leurs rêves échoués des saloons aux maisons closes, des casinos aux salles de spectacle jaillit de ces archives entremêlées aux actualités du monde et à l’épuisement de l’exploitation. Ne restent aujourd’hui que 1000 habitants sans autre fortune que ce trésor de 533 bobines, 372 films auxquels s’adjoignent les clichés du photographe Eric Hegg pour, sur des commentaires sous-titrés et la seule musique d’Alex Somers, faire remonter le temps par l’éternelle magie du cinéma.

Un enfant seul sur une plage appelle sa mère et crie sa détresse au téléphone c’était un long plan séquence du court-métrage qui 10 ans plus tard trouve sa suite dans le deuil impossible de l’adulte et son transfert vers un ado aux premiers émois décalés. De l’Océan ses rages et sa plage hantée entre brumes et soleil et les ombres de la forêt de pins jaillit un fantôme comblant un manque obsessionnel que les personnages incarnent tour à tour, dans le refus d’un présent amoureux et la rancœur pour l’une, la révolte adolescente contre l’autorité familiale pour l’autre. Tourné en mouvements permanents et alternance de plans extérieurs et intérieurs le film traduit par ses images l’ambivalence et l’évolution des sentiments de l’héroïne entre tendresse et sensualité libératrice au long d’un étrange thriller entre deuil et résurrection, double miroir de survie et d’éveil.

1994, la mort dans les rues d’Alger et bientôt dans les villages isolés semble poursuivre deux hommes fuyant éperdument la violence jusqu’aux sables du désert. Du pistolet brandi dès le premier plan à l’ultime image la terreur nous étreint à travers le mystère du périple, le statisme de l’aventure, la splendeur des paysages où les mirages du Sahara transfigurent la réalité pour dénoncer les atrocités idéologiques enfouies dans les mythes entre djinns et guépard justifiant les délires contre la raison, la justification des armes par l’acceptation de toute violence. Miroir de la métaphore politique et culturelle de Ami Sidi Boumédienne la photographie de Kanamé Onomaya distancie l’inhumanité par son esthétisme, quand sonorités et musiques, bêlements et cris se font l’écho de la rage de l’autodestruction humaine. Un « grand » premier film témoignage par l’horreur de celle du terrorisme révélant un déjà talentueux réalisateur.

Une gamine, un couple, une maison squattée, la liberté au prix de tout dire, tout inventer, imaginer et faire avec autant de risques d’y croire que dans les films, les rêves contre les dérapages du réel. Ne rien entendre, mais garder les yeux ouverts pour continuer à jouer pour être heureux. Un casque de silence, une toise à fleur de peau, la félicité en chansons, les yeux enjôleurs de Pio Marmai sur une fantaisie familiale portée par l’amour.

Dix ans après les JO d’Athènes restent les ruines des installations toute flamboyance réduite aux luttes d’ados entre eux, contre eux, bandes de filles et garçons désœuvrés dans un pays ravagé par la crise économique. Les silences se font l’écho de la misère sociale, les décors reflètent le désespoir des situations, du travail refusé aux saillies de chiens monnayées, de la mer offerte à l’inconscience délétère des touristes, des amours naissantes à leur usure précoce. La jeune réalisatrice entre ellipses et mutisme dresse un tableau maîtrisé des dysfonctionnements d’une société, écartelée entre célébrations éphémères, profits monétaires et réalité humaine.

A Buenos Aires deux employés d’une menuiserie devenus colocataires s’épient, se cherchent, se frôlent entre la banalité de leur quotidien et la spécificité de leur vie privée jusqu’à parvenir à s’avouer leur sexualité indicible. La peur exprimée dans la pudeur des premiers moments explose en images contredites par leur déni. Le temps réel des plans tournés entre les embrasures des portes et l’étroitesse des couloirs accentue leurs silences, l’ambivalence de leur sexualité, son empêchement sentimental, sa libération physique, tous interdits d’une société respectueuse de sa normalité machiste et bien-pensante balayés par le seul sourire d’une fillette. Une émouvante libération portée par la subtilité de jeu des comédiens.

Incontrôlable la violence qui anime cette gamine agressive, dangereuse retirée à la garde de sa mère, rejetée de successifs foyers d’accueil, expulsée de toutes les écoles, menacée d’intervention psychiatrique, à charge de services sociaux impuissants. Quand s’offre une énième tentative avec un éducateur patient proche de gérer sa révolte, de canaliser son énergie négative, l’espoir renaît d’apaiser sa quête inassouvie d’amour maternel. Double écho de notre société cette détresse infantile qui n’a d’issue que dans la rage de vaincre la douleur instinctive infligée avec la même impuissance désespérée d’y remédier, cette fiction à la véracité dérangeante est portée par une jeune actrice impressionnante maniant tendresse et furie avec éclat dans ce premier film radical.

Le ballet « Crowd » de Gisèle Vienne interprété par quinze danseurs fait exulter l’esprit rave par la musique et la gestuelle, créant l’harmonie entre respiration, mouvements, écoute pour exprimer l’amour sous forme de méditation sensuelle. Des pauses d’interviews scandent les ralentis physiques de ce documentaire illustrant la libération par l’envoûtement émotionnel auquel succomber ou non.

Blacks, blancs, beurs unis tous drapeaux brandis le temps d’une fête sur les Champs Elysées, se retrouvent la fête finie au cœur des cités entre gamins, flics, frères musulmans, petits trafiquants et gitans dans un même élan de survie quotidienne. Le vol d’un lionceau, le témoignage d’un drone, une bavure et l’explosion de sa riposte font s’entremêler l’irresponsabilité des uns et l’impuissance des autres pour que jaillisse une violence latente, filmée au rythme de sa montée, d’un défilé à une cage d’escalier, entre huis clos d’adultes et courses de gamins, dans sa réalité de terrain et le talent de jeu d’acteurs professionnels ou non. Si, aujourd’hui à Montfermeil, l’innocence de l’enfance mise à mal par l’absence d’attention et de repères, l’inconséquence de radicalités diverses officielles ou officieuses mêlées aux abus de force policière, aux peurs de l’altérité, aux luttes de pouvoirs résonnent encore des mots de Victor Hugo et des cris de nouveaux Gavroches, c’est que la misère s’adapte à toutes les formes de progrès sociaux-économiques et perdure sans jamais éradiquer son injustice. Ladj Li nous le prouve au fil d’une œuvre portée par l’authenticité de son statut d’habitant en ces lieux et maîtrisée par son expérience de documentariste au groupe Kourtrajmé, unissant ses images et son discours en un double reflet de l’humanité et ses ambigüités sociales à travers les temps.

Un road-movie à travers cette Haute-Volta rebaptisée « Pays de Hommes Intègres » par Thomas Sankara qui le dirigea de 1984 à 1987 avant d’y être assassiné mais dont les idéaux d’avant-garde humanistes, progressistes, pacifistes, égalitaires, démocratiques, voire écologistes perdurent malgré les actions d’Al-Kaïda Mahgreb. Telle ses actions qu’il ne put continuer, la ligne de chemin de fer qu’il initia pour rejoindre la capitale à la frontière du Niger, sert de voie au jeune poète Bikoutine pour, avec la réalisatrice nous faire découvrir le Burkina Faso. La force des mots et la beauté des images s’harmonisent, des marchés aux écoles, des dispensaires aux administrations, des récoltes de canne à sucre à celles de coton, des idées aux manifestations politiques pour emplir le petit sac à dos du voyageur de la mémoire de ce Che Guevara africain et de son espoir immortel.

Ils sont tous là les personnages de Guédiguian, en famille dans leur ville qu’ils traversent et qui, à leur exemple, évolue, se construit surajoutant à ses fondations la modernité de ses tours vitrées et à ses origines prolétaires celles d’arrivistes sans scrupules. A l’honnêteté sacrificielle de la génération ancienne incarnée par le respect de l’autre se substituent les dérives d’une société dominée par les pouvoirs des seuls profits sexe et argent confondus en écho aux pleurs de la dernière-née de la tribu. Les luttes collectives et leur union se fracassent contre l’individualisation de l’ubérisation, du recyclage commercial véreux, la misère contemporaine capitaliste prorogeant une pauvreté solidaire disparue. Les décors tourbillonnants des voies rapides urbanisées ou des enseignes de magasins « cash », les scènes répétitives de prises de cocaïne ou fumettes électroniques compulsives, d’érotisme détourné, de travail humiliant cause d’un racisme migratoire illustrent la dénonciation des régressions utopistes et politiques incarnées par une femme de ménage et un conducteur de bus, autant que les mutations sociétales réductrices de leurs enfants adeptes du néo-capitalisme actuel, en s’opposant aux images hors temps d’un héros symbole de l’humanité égarée. Ses promenades en poussette face à la mer, la poésie naïve de ses haïkus, son détachement mutique justifient son destin de condamné volontaire et l’espoir d’un futur porté par la conscience de classe disparue, propos que le cinéaste revendique et répète à la façon d’un Ken Loach phocéen militant et généreux soutenu par le talent des siens les « tradis » Ariane Ascaride, Gérard Meillan, JP Darroussin et leurs héritiers Grégoire Leprince-Ringuet, Anaïs Demoustier, Robinson Stévenin et Lola Neymark réunis et unis.

Un jeune couple cherche à s’établir pour créer un foyer, reçus par un agent immobilier robotisé, ils sont vite abandonnés tels des oisillons coucous dans un lotissement fantôme sans souffle ni vent ni issue de maisons identiques où leur survie est assurée par une nourriture livrée au même titre qu’un nouveau-né, inclus dans le paquet-cadeau de la félicité promise. Hors temps, raisonnement ou sentiment le cauchemar se perpétue dans l’enfouissement d’une réalité répétitive à l’infini, celui d’une société déshumanisée. Les décors inspirés de Magritte, le silence de l’isolement brisé par les seuls hurlements de l’enfant mutant en adulte mécanisé créent une atmosphère virtuelle reflet du bonheur garanti par une société consumériste aux fantasmes capitalistes ravageurs. Un regard faussement futuriste mais censément lucide sur l’environnement actuel aux tentacules duquel savoir échapper avant de perdre nos valeurs portées par Imogen Poots et Jesse Eisenberg.

Eté 2011, un couple de tunisiens expatriés, aisés, épanouis est victime d’une embuscade qui met la vie de leur fils en péril et à la merci d’une greffe du foie. Les tests de compatibilité révèlent une infidélité passée à dépasser dans l’urgence des solutions à trouver. Au rejet machiste de la trahison, aux risques encourus par la condamnation légale de l’adultère, aux angoisses affectives s’ajoute la double quête d’une solution médicale par le père biologique ou le trafic d’organes en Lybie. Le film tourné caméra à l’épaule alterne les plans serrés d’hôpital avec ceux d’horizons désertiques infinis dédoublant l’enfermement et la libération d’un sujet dossier qui, avec finesse et talent de réalisation et d’interprétation, met en parallèle les valeurs authentiques de la paternité et celles de la liberté des femmes, dénonce la corruption marchande d’enfants, l’archaïsme culturel, dresse un tableau lucide des problèmes de deux pays frontaliers face à la mutation souhaitée et au terrorisme islamiste.

Années 60, les institutions ménagères fleurissent pour apprendre aux jeunes filles l’art de devenir de bonnes épouses, évidemment soumises au confort et aux désirs de leur seigneur et maître. Une bourgeoise récemment veuve, sa belle-sœur vieille fille et une bonne sœur forment le trio de choc d’une école alsacienne où les échos de Mai 68 vont provoquer une rébellion où pantalons, polochons et chansons riment avec libération. Une farce féministe où résonnent les rires de Juliette Binoche, se cache la tendresse de Yolande Moreau sous la baguette de Noémie Lvovsky adoucie par la dégustation d’un Strudel partagé avec Edouard Baer.

Il fallait une personnalité hors du commun pour prouver à la société de la « Belle Epoque » l’égalité des femmes dans l’univers scientifique et si le polonium et le radium ont valu à Marie Sklodowska d’être récompensée du Prix Nobel une seconde fois après celui de physique partagé avec Pierre Curie et Henri Becquerel, ses amours avec Paul Langevin après son veuvage ne résistèrent pas à la misogynie et xénophobie ambiantes. Pour briser le classicisme d’un biopic la réalisatrice l’entrecoupe du graphisme coloré de l’imagerie médicale et recourt à l’emploi du flashforward technique inverse des flashback nous projetant dans le futur d’Hiroshima et Tchernobyl et des soins médicaux salvateurs des radio/chimiothérapies préalablement expérimentés sur les champs de bataille en 1914. Un hommage narratif à la créativité féminine transmise à Irène Joliot-Curie, traversée par les voiles de Loie Fuller et porté par Marjane Satrapi. Radioactive A tale of love and fallout – Lauren Redniss – 2010 - Editions Dey Street Books.

Propriétaires ou prolétaires, riches corrompus ou pauvres rêveurs, l’argent les fait virevolter sous les pluies et soleils d’étés entre les fêtes de Noël et les souhaits de nouvelle année. Les magouilles monétaires des uns, les aspirations libératrices des autres se rejoignent entre tourbillons de corruptions et rébellion triomphante que les élections alors proches ratifieront en unissant les rires aux larmes du Brésil. La vitalité instinctive de Mada domestique à tout faire et nouvelle gestionnaire alliée à l’honnêteté générationnelle du patriarche se rejoignent dans l’espoir d’une autre société.

Qu’être femme et disposer de la liberté de son corps ne soit toujours pas au XXIème une évidence, que l’avortement soit interdit en Amérique du Nord (Alabama, Missouri, Géorgie...) et du Sud (Salvador, Argentine...), menacé en Europe (Pologne, Espagne...) relève donc d’un combat incessant. Pour exemple en Argentine, les luttes successives accentuées depuis 2007 pour la légalisation de l’IVG se sont encore heurtées au refus du Sénat en août 2018 sans pour autant mettre fin à cette demande renouvelée auprès du Parlement en Mai 2019. Au son des roulements de leurs tambours, à la lumière de leurs maquillages et de leurs foulards verts, à Buenos Aires et dans tout le pays, jeunes ou non, des milliers de manifestantes ont défilé et continuent de le faire affrontant une culture patriarcale, les fondamentalismes religieux, les institutions porteuses de leurs mythes, défiant l’injustice sociale pour en triompher. Les images de ces mouvements alternent avec des interviews de victimes pour illustrer les 500 000 avortements illégaux pratiqués, 50 000 hospitalisations et 3000 décès consécutifs annuels et porter leur espoir.

Elle est née en Algérie et contrainte par un banal mariage forcé a suivi son époux ouvrier dans la France des « Trente glorieuses » où elle a eu 14 enfants avant d’apprendre à lire et écrire source de ses nouvelles joies. C’est la mère du réalisateur mais ses confidences rejoignent celles d’une génération d’héroïnes vaillantes et tendres, toutes unies dans l’espérance qu’elles ont offerte en héritage à leurs propres filles et à ce documentariste reconnaissant nous offrant en partage ces portraits émouvants.

A Brazzaville, sur le marché, l’apôtre Médard de la confrérie des ngunza a boutique ouverte pour gérer l’invisible, chasser le jour les esprits nocturnes, exorciser les victimes de sortilèges maléfiques, organiser des cérémonies dans les cimetières ... Guérisseur officialisé par une licence d’Etat, initié par un prophète il en revêt le costume et prend la relève pour retrouver les sirènes réfugiées dans les sources du fleuve détournées par l’exploitation chinoise d’une carrière locale. La magie naturelle de ce documentaire efface l’irrationnel pour nous envoûter dans un lumineux monde des ténèbres ancestrales.

Une française et un japonais tous deux cinéastes se mettent en scène d’une catastrophe atomique à l’espace nucléaire, les images de Fukushima se superposant aux archives d’Hiroshima et aux cheminées des centrales atomiques. Rebonds de questions/réponses privilégiant l’intime au politique, irradiés par l’autodérision, contaminés par les digressions jusqu’à échapper à la réflexion.

Un jeune délinquant attiré dans son centre de détention par le séminaire dont ses actes lui interdisent l’accès débarque à la cure du bourg proche de la menuiserie où il était affecté et se substitue impunément au prêtre, exécutant confessions, messes, derniers sacrements, bénédictions, processions et sermons toutes tâches d’une paroisse spécifiquement marquée par la mort accidentelle d’adolescents. Son engagement spirituel, sa force réveillent les consciences mystiques, dévoilent les culpabilités conservatrices partagées, apaisent les douleurs communes. Le réalisme inspiré du jeune comédien accentue l’authenticité de ce chemin de croix sacrificiel dans une terre christique aux virulentes influences pieuses, passées toujours présentes, et dénonce subtilement les contradictions civiques entre pêché et rédemption, pouvoir et corruption, engendrés et perpétrés par la conjonction voire « communion » des influences politiques ou religieuses. Un film laïque et révélateur.

Mai/Juin1940, moins d’un mois pour forger le destin du colonel Charles de Gaulle qui après une contre-attaque de sa division à Montcornet face à l’avancée des troupes allemandes s’insurge contre le défaitisme ambiant des politiques rappelant les militaires au pouvoir. Nommé Général à titre temporaire par le Président du Conseil Paul Reynaud qui l’enverra en Angleterre chercher de l’aide auprès de Winston Churchill, il décidera d’agir seul face à la confusion gouvernementale et de se rebeller contre la capitulation militaire du Maréchal Pétain. Ces faits historiques ont donné un statut épique au personnage au dépend de son humanité de mari aimant, pater familias attentionné auprès de ses enfants adolescents et de sa fillette trisomique. C’est ce double aspect que privilégie le réalisateur mettant en lumière les attentions, inquiétudes vécues par les siens pendant l’exode avant leur protection en Grande Bretagne, rendant justice au courage d’une mère de famille dévouée certes mais capable à ses risques et périls de partager les engagements de son mari. Une aventure cinématographique généreuse affrontant l’envergure officielle et la dimension intime d’un héros redevenu homme en Lambert Wilson et d’une vaillante inconnue révélée femme en Isabelle Carré.

C’est dans la brume de sommets couronnés des ruines d’un bunker qu’un commando valorise son idéologie révolutionnaire entre exercices paramilitaires, chorégraphies initiatiques, festivités orgiaques ponctuées des bruits assourdissants d’un environnement hostile. La présence incongrue d’une vache sacrifiée aux délires hallucinatoires et celle d’une américaine prise en otage accentuent par l’esthétique choisie le décalage entre la vacuité de l’emprise subie et sa réalité sauvage. A l’hostilité de la nature répond la violence humaine dans la splendeur des décors, l’intensité sonore d’une BO brisant la force envoûtante des images pour offrir un film témoignage des années de la guérilla colombienne qui s’inscrit dans la continuité d’un onirisme propre à la culture latino-américaine initié par Carlos Reygadas, Amat Escalante...

Une adolescente partage sa vie dans la forêt costaricaine avec son grand-père dont elle nourrit les chèvres imaginaires et une vieille danseuse collectionneuse de serpents, fantasmant l’absence maternelle par ses apparitions, tout en rêvant d’amour avec ses amis du collège. Les sortilèges de la nature s’entremêlent au réalisme du quotidien au fil d’un conte fantastique où les deuils des proches se confondent avec la disparition de l’enfance en doubles mutations initiatiques illuminées par une magie poétique.

A Nicosie, capitale frontalière d’une île officiellement divisée depuis 1974, un chien fugueur lui-même victime de la séparation entre son maître musicien marginal et criblé de dettes et son ex, se sauve pour la rejoindre le coinçant entre les zones tampon de l’ONU et des territoires grecs et turcs. D’un hammam aux souterrains en ruines, de maison d’enfance et racines perdues en tractations locales et foireuses, la comédie joue avec l’absurdité d’une situation politique de partition ancrée dans le ridicule de ses règles administratives. Une fuite symbolique sans autre issue que l’acceptation des uns et des autres d’un état de fait géopolitique dénoncé pour rappel, par l’impuissance de son héros.

Quitter la province sud de Madagascar pour un contrat dans un festival de danse à Tananarive permet à une jeune mère célibataire d’élever seule sa fillette et découvrir d’autres expressions corporelles et musicales. Une joyeuse traversée de l’île entre documentaire culturel et fiction féminine, filmés avec authenticité.

Pour éviter à ses jeunes enfants un renvoi dans leur pays d’origine, une mère tchétchène se laisse interner et c’est au travers de leurs regards de gamin et d’ado placés chacun en famille d’accueil que nous découvrons leurs souffrances respectives face à l’absurdité d’une décision administrative. Après six ans de quotidien autrichien les rêves d’Oskar croisent les cauchemars de Lily et affrontent les bonnes consciences d’adoptants bien-pensants parallèlement aux intentions du réalisateur à travers cette démonstration généreuse. Un conte plus humaniste que politique mais joyeusement bienveillant à partager en famille. Oskar et Lilli- Monica Helfer - Editions Piper - 1994.

Un portrait du musicien, illustrateur et réalisateur Rosto à travers les performances de son groupe de rock The Wreckers et quatre courts-métrages imbriqués dans son parcours artistique d’images psychédéliques immatérielles de silhouettes stylisées en motion capture et animation. Le documentaire s’enrichit d’explications mais rien ne vaut la découverte de cette œuvre à travers ses chansons, son roman graphique, ses films et l’exposition qui lui est consacrée au Musée d’Art Roger Quilliot de Clermont Ferrand jusqu’au 29 mars « Les mondes rêvés de Rosto ».

2000 visages venus de 50 pays illustrent la femme à travers sa spécificité physiologique et son individualité émotionnelle, portraits révélateurs par leurs origines de naissance et de croissance, le développement des corps, la sexualité et la vieillesse face aux traditions culturelles, développements économiques, injustices sociales, mépris machistes divulgués en phrases introduisant les étapes de l’existence de chacune dans l’infinie diversité du monde.

Le ballet « Crowd » de Gisèle Vienne interprété par quinze danseurs fait exulter l’esprit rave par la musique et la gestuelle, créant l’harmonie entre respiration, mouvements, écoute pour exprimer l’amour sous forme de méditation sensuelle. Des pauses d’interviews scandent les ralentis physiques de ce documentaire illustrant la libération par l’envoûtement émotionnel auquel succomber ou non.

Enfermée dans l’esthétisme glaçant d’une demeure isolée une femme fuit son compagnon scientifique dont la possessivité la terrorise et dont le suicide ne la libère pas de son empreinte psychologique perverse et tyrannique. Une malfaisance intrusive et sournoise dans un premier temps déclarée hystérique et que la réalité de faits criminels transforme en folie post traumatique plutôt qu’en actes tangibles, à la fois échos des délires narcissiques et refus d’écoute des violences conjugales actuelles. Une double réactualisation du roman éponyme d’H.G Wells dont participent évidemment les effets spéciaux, les images accentuant la terreur de l’imaginaire subtilement porté par le jeu d’Elisabeth Moss. Frissons garantis. L’homme invisible-Henry-Georges Wells/1897-Editions Calmann-Levy-Livre de Poche.

Un jour d’anniversaire pour Lara soixante ans et un jour de fête pour le concert de Viktor son fils fulgurant jeune pianiste et compositeur, célébration que nous la voyons honorer ou affronter au fil de rencontres, préparatifs, achats, concert tous systématiquement contredits. La mise en scène répétitive dans les mêmes décors et en temps réel de comportements antinomiques ou absurdes, vécus ou projetés, nous entraîne subtilement vers le dédoublement de personnalité de l’héroïne et la confusion de ses ambitions avortées de mère hyper exigeante rejetée par le triomphe même de son enfant. Une folle journée de musicienne désespérée.

La guerre de sécession et ses lois restrictives ont eu des conséquences sur les colons français du Missouri, la fuite de la famille d’un parfumeur en est l’exemple à travers leur périple pour rejoindre la Côte Atlantique. Un western aux valeurs féminines et pouvoirs vaudous entre amours fatales et rêves d’égalité, film de « genre » où l’esthétique des grands espaces et la résonance des coups de feu, symboles de la mythologie culturelle américaine, s’intègrent dans l’aventure initiatique familiale et sentimentale.

Champion de la débrouille et des embrouilles ce presque trentenaire attardé, fils à papa alcoolique et à maman psy, ex-enfant comédien au succès unique et lointain, bloqué dans un refus de grandir qui l’exclut de toute éventuelle sexualité. Vincent Lacoste s’agite frénétiquement entre les affres de son irresponsabilité quotidienne, cumulées à un premier rôle dans une caricature du cinéma d’auteur, et surajoutées à l’angoisse de sa première fois amoureuse. Une quête de maturité miroir de celle d’un premier film inconsistant.

C’est la mer, effrayant un trentenaire terrien, qui a rapproché l’agriculteur solitaire du réalisateur en un pur échange d’humanité. Au plus profond du Puy de Dôme reprendre et développer un élevage laitier dans la ferme familiale désertée par un deuil maternel et un désintérêt paternel traduit un quotidien difficile, occupé de l’aube à la nuit aux vaches, leur traite, vêlage, pâturage, le beurre, sa vente, les prêts, leur comptabilité... hors tous loisirs ou évasion bridée par le tabou de l’homosexualité. Une illustration tout en délicatesse du monde agricole et des silhouettes taiseuses et fragiles qui le peuplent isolées, anonymes redevenues humaines par la grâce de ce portrait.

Dans une petite commune du Nord ruinée par la fermeture du bassin minier, des chômeurs losers décident de rendre sa mémoire au charbon par la création d’un parc d’attractions. Train fantôme, chariots « tamponnants», baraques sur terrils...tout y passe et chacun s’y met effaçant les rancœurs, retrouvant les cœurs pour que tournoie ce généreux manège de solidarité ouvrière le temps d’une comédie sociale, familiale et très artisanale dans les corons.

Héros national cet agent de sécurité aux JO d’Atlanta 1996 ayant évité le pire, gentil fils à maman rondouillard ou criminel au profil type de poseur de bombes suspecté par le FBI ? Interrogatoires musclés, interventions intrusives, perquisitions, mises sur écoutes sont relayés par le harcèlement de la presse en un tourbillon accusatoire de 88 jours consécutifs de mise en accusation et 6 ans de doutes avant l’arrestation du coupable. Une histoire vraie, un fidèle film dossier parfaitement scénarisé, tourné et interprété et une interrogation sur la société américaine, ses dérives arbitraires et médiatiques voire présidentielles.

C’est la saison des moussons à Singapour où une malaisienne partage son quotidien entre les soins prodigués à son beau-père, ses espoirs déçus de maternité, le détachement de son mari, le mépris de l’administration de son collège pour les cours de chinois qu’elle y prodigue. L’intérêt d’un élève transformera cette indifférence affective générale par le partage de ses propres passions et nouveaux émois pour laisser place au soleil et à l’espoir d’une société plus humaine. Le choix de plans larges distanciant l’hyper-réalisme de certaines scènes, l’absence de musique additionnelle, le son des pluies, traduisent la pudeur des relations intergénérationnelles et prolongent après Ilo Ilo le regard d’Antony Chen.

A 5000 mètres d’altitude sur un haut plateau tibétain un mouton écrasé par un chauffeur et la vengeance d’un auto-stoppeur peuplent le désert en haltes successives brisant la seule splendeur des paysages en hallucinations multicolores explosant en Noir et Blanc, au fil d’un road-movie au parcours indéfini mais enchanté par le réalisateur de « The search » et « Tharlo ».

Un militaire en exercice anti-djihadiste déserte après une permission consécutive au décès de sa mère planqué entre campagne et banlieues tunisiennes, proscrit, blessé, dépouillé en état de survie de la terre à la mer. Une marche mutique sublimée par l’improbable rencontre d’une femme enceinte, en perte de repères avant de se transcender vers un retour aux sources de l’humanité celui du couple originel. Les plans diurnes et nocturnes, les soudaines ruptures de lumières ou écrans noirs les travellings dans la nature contrepoints silencieux de la seule communication de regards, iris contre iris mènent à la fusion symbolique des mots par les yeux et de la poésie en images pour créer un film mystique d’auteur en devenir.

Le jour se lève aux cris de l’annonce de la mort d’un voyou, crime de vengeance révélant l’intransigeance identitaire des siciliens quand dans l’envol des draps sous le soleil levant, des vagues méditerranéennes aux ruelles étroites jaillit la haine entre malédictions culturelles et stricts pouvoirs mafieux d’une mère sacrifiant sa fille à l’honneur ou l’horreur des traditions. La force des images, leur lumière s’opposent à l’obscurantisme des peurs identitaires, l’esthétique des plans-séquence et leur rythme effacent le temps, les silences unissent le mythe d’Antigone à notre présent pour donner toute son intensité à ce premier film.

En 1936 de Burgos à Salamanque, une junte de militaires s’est opposée à la République espagnole en place par les armes, cette prise de pouvoir est reconstituée à travers le regard de l’écrivain philosophe Miguel de Unamuno, aux convictions mouvantes, devenu un conservateur exaspéré par les désordres politiques, ignorant la montée du fascisme jusqu’à sa célébration officielle du Jour de la Race. Entre le glaive du général José Millan Astray fondateur de la Légion espagnole au slogan mortifère clamé par les phalangistes et le goupillon religieux de l’épouse du généralissime auto-proclamé Francisco Franco, il prit tardivement conscience des risques d’une guerre « incivile » précédant trente-six années de dictature. Déclarant que vaincre par la force n’était pas convaincre il épargna de justesse sa réputation littéraire tout comme l’avertissement politique d’Amenabar sur la résurgence actuelle des mouvements fascistes sauve son film de la stricte reconstruction historique.

Les causes de la sous-représentation des femmes dans l’industrie cinématographiques d’Hollywood sont universellement liées à l’exercice naturel et intemporel du pouvoir masculin, leurs conséquences s’inscrivent dans la lente conquête de leur place engagée en vain dès les années 70 et relayées aujourd’hui par Geena Davis via le travail de l’Institut qu’elle créa à cet effet en 2004 et que le mouvement « Me Too » relaye aujourd’hui. Le documentariste s’attache à replacer le sujet dans une discrimination historique générale malgré les règles du Civil Rights Act de 1964 n’ayant pu empêcher qu’à ce jour elles ne réalisent que 4% des films contre 24% en France. Alors montrons leur l’exemple !

A Bogota une avocate d’affaires ayant fait le libre choix de la monoparentalité partage son quotidien entre son travail, sa mère atteinte d’un cancer, de nouvelles amours et son jeune fils au fil d’une autofiction portée par des comédiens non-professionnels accentuant la réalité émotionnelle des situations par celle de l’improvisation. Sur fond de corruption municipale et de transmission familiale dans la bourgeoisie colombienne le film tourné comme un reportage en ne nous épargnant rien de la déchéance physique induites par la maladie souffre des limites autobiographiques du seul amour filial du réalisateur au détriment de son universalité.

Deux voisines de palier d’une ville de province forment un couple clandestin de septuagénaires aimantes partageant leur quotidien entre portes ouvertes à l’écoute de chacune et rêves impossibles d’évasion romaine. Car si l’une est libre, l’autre veuve, prisonnière de sa dignité de mère de famille ne peut dépasser le silence du secret ni transgresser le regard de la société. Inavouables ces sentiments que le pourtant le silence soudain imposé par un AVC délivrera du jugement des autres dans une lutte commune. Mêlant l’hyper-réalisme des corps entre sexe puis maladie au mystère d’images hypnotiques, le réalisateur mêle les genres pour échapper autant à l’homophobie qu’au mélodrame socio-sentimental par l’imaginaire offert aux spectateurs et la qualité de jeu du trio de comédiennes. Un premier film subtil.

Dans le désert soudanais d’Aljazira l’évanouissement d’un derviche lors d’une cérémonie de bénédiction condamne le nourrisson à une existence limitée à 20 ans, prophétie déterminant son temps de survie à un deuil perpétuel. Père en fuite, mère en détresse, enfance solitaire, adolescence dévouée au Coran, tous sentiments exclus jusqu’à une rencontre critique et cinéphile libératrice. D’une robe noire à une autre trop blanche, de l’ignorance au consentement sacrificiel et d’interdits en délivrance des superstitions et traditions, la poussière tournoie, la terre se creuse en échange de tombes, les flots du Nil portent l’espoir en images poétiques sur de sublimes notes échos de la fatalité et de la malédiction politique contemporaine

Soupçonnée du meurtre de sa meilleure amie décédée après une soirée très mouvementée une jeune fille, bracelet à la cheville, attend depuis plus d’un an sa comparution. Son mutisme par rapport aux faits, leur imprécision, l’absence de preuves, les témoignages de ses copains lycéens révèlent des comportements, une maturité et liberté sexuels qu’aucun adulte n’aurait présumé, que son père se doit d’accepter, que les avocats ne savent expliquer, que les jurés devront à leur tour comprendre. C’est l’équilibre entre les regards parents/enfants, la distanciation et la compréhension mutuelles qui, hors verdict, donnent au film toute sa richesse émotionnelle. La chronique judiciaire à travers le réalisme impersonnel des murs d’un tribunal et ses envolées verbales est un plaidoyer sans réponse ni dénouement sur l’incommunicabilité générationnelle portés par le soutien de Roshdy Zem, la tendresse de Chiara Mastroianni et les silences de Mélissa Guers. Remake de : Acusada – Gonzalo Tobal – Argentine - 2019 -

Une jeune psychanalyste tunisienne expatriée à Paris revient s’installer dans son pays après son changement de régime mais ni de la bureaucratie, ni des traditions encore moins des préjugés afférents. Les fantasmes de sa clientèle pittoresque sont joyeusement sexuels et leurs rêves illustrent leurs désirs libérateurs au fil de saynètes enjouées dénonçant la corruption, le machisme et les travers d’une société à soigner. Golshifteh Farahani irradie cette petite comédie inégale mais pleine d’espoir.

Les hasards d’un rendez-vous plutôt raté sur Tinder, d’une fausse manœuvre de conduite, d’un contrôle routier et sa dérive policière entraînent un couple dans une semaine de folle cavale de l’Ohio à la Floride où racisme, injustice, aveuglement fusionnent avec la peur et riment avec cœur. Un road-movie dramatique autant qu’onirique, romantique et politique, où l’enchaînement inattendu des situations, leur montée en puissance, le rythme de l’action associent humour et réalisme, poésie et sentiments pour traduire la radicalité d’une réflexion engagée sur la violence systématique de l’inégalité raciale et ses conséquences. Ensemble, la scénariste, la réalisatrice et ses acteurs sur une bande-son New Orléans dénoncent l’ostracisme culturel avec flamboyance.

Une jeune psychanalyste tunisienne expatriée à Paris revient s’installer dans son pays après son changement de régime mais ni de la bureaucratie, ni des traditions encore moins des préjugés afférents. Les fantasmes de sa clientèle pittoresque sont joyeusement sexuels et leurs rêves illustrent leurs désirs libérateurs au fil de saynètes enjouées dénonçant la corruption, le machisme et les travers d’une société à soigner. Golshifteh Farahani irradie cette petite comédie inégale mais pleine d’espoir.

De retour au Kurdistan iranien, Diako Yazdani cherche à comprendre les raisons du rejet des homosexuels à travers les mots de Kojin jeune homme gay engagé dans sa quête identitaire. Les divers entretiens avec des membres de sa famille, un Imam exorciste se revendiquant médecin prophétique chasseur de djinn, ou divers autres interlocuteurs révèlent l’irrationalité d’une haine dépassant la simple condamnation islamique, le pur tabou, niant toute historicité pour rejoindre la seule peur de la différence dont l’exil pourrait sauver s’il ne la confirmait pas. Un parcours documentaire riche en écoute, respect de la diversité humaine, choix de la liberté et partage de l’amitié.

A Casablanca les pâtisseries d’une veuve vivant seule avec sa fillette vont adoucir le destin de Samia et de l’enfant qu’elle porte cet Adam symbole masculin des forces de la féminité. Les bruits de la Medina et leur résonance chaleureuse couvrent l’illégalité du célibat maternel, la complicité féminine construit avec sérénité l’avenir à déterminer pour l’offrir dans l’échange de sentiments entre une amie, une mère et un nouveau-né. Du rejet présupposé au déchirement imprévu, des cris aux larmes, surgit la violence de l’amour par l’échange de regards, le retournement du choix pour l’autre et contre soi. La beauté d’images en contre-jour reflète l’ombre et la lumière de la douleur et de l’espoir en une société oubliant ses tabous et interdits au nom de l’humanité. Un premier film empreint de grâce.

Un restaurateur basque quinqua et sympa en quête d’une nouvelle jeunesse transposée sur Instagram part découvrir les cerisiers en fleurs. Une évasion coréenne virtuelle vers une libération où les rêves déçus se reconstruisent dans une découverte gustative partagée, la communication tweetée mondialisée, un rappel à l’illusion amoureuse et les valeurs de l’amour filial retrouvées. Une comédie menée entre fourchettes et baguettes par le chef Alain Chabat dans tous ses états de virilité joyeuse !

Une symphonie aquatique dédiée à l’eau sous toutes ses formes, de la banquise sibérienne aux cascades amazoniennes, force monstrueuse indifférente aux humains qui l’auscultent (sous le gel), la traversent (sur leurs embarcations), la conquièrent et la capturent (entre canaux et barrages), la dégradent (par les pollutions). Un tourbillon d’images, ode musicale ponctuée de murmures et rugissements, affrontement de puissance en résonance avec le silence écologique des hommes.

Comblé par le succès de ses activités un baron de la drogue londonien décide de les céder au meilleur acheteur, parcours commercial de haute volée entre un maître chanteur, un israélien et les triades chinoises. Les négociations se démultiplient au rythme effréné des actions, versions et trahisons de chacun de flashback en flashforwards, trucages et cascades, images, narration et humour british entremêlés d’un personnage à l’autre entre les traditions aristocratiques, les clichés rétro 90’s et l’actualité des réseaux sociaux. Retour flamboyant du réalisateur de « Snatch ».

Après « Le sociologue et l’ourson » Mathias Théry et Etienne Chaillou poursuivent leur décryptage de la société française à travers le portrait d’un jeune militant picard au Front National sous forme de confidences reçues, rédigées et lues face micro sur une voix off littéraire ou décadrée, illustrée en images de meetings, archives, entretiens et tournages en direct relatant sa propre quête et par effet de miroir l’idéologie et les pratiques de son parti. La loyauté sans failles à l’idéologie de sa candidate traduit des ambitions, mais aussi un terrain, la compensation d’un mal-être solitaire, une exclusion cachée, une préalable adhésion extrémiste, des déceptions politiciennes internes, désillusion électorale, justifiant la future mutation du Front aux Patriotes de l’apprenti politique prêt à retrouver la cravate et le costume de la reconnaissance. Le traitement narratif du film par le moyen d’une lecture intime distanciant tout jugement remplace la stricte exemplarité du documentaire, l’implication émotionnelle du partisan exprimant l’évolution de son parcours en même temps qu’il révèle les rouages de la mécanique frontiste, communication, séduction, dédiabolisation et préparation efficace des élections présidentielles passées et futures. Une immersion subtile pour provoquer la réflexion par un cinéma de valeur rendant sa liberté à la pensée.

Une rencontre de hasard dans une fête foraine sort de son isolement et de l’orphelinat un gamin qui révèle à ses nouveaux amis son mystérieux pouvoir de mutation d’identité par le toucher. La magie de l’enfance se mêle au fil d’événements et rebondissements (à garder secrets) à la nostalgie de l’innocence, la force des sentiments familiaux et amoureux entre rêve et réalité, féérie, romantisme et poésie. La mise en images de l’atmosphère fantastique contrepoint du réalisme social se fond dans l’étrangeté de la musique et la grâce émotionnelle du jeune acteur Benjamin Voisin pour donner à ce premier film sa résonance fragile de conte initiatique.

1973, sur les terres volcaniques de la forêt rwandaise des pensionnaires de bonne famille sont éduquées dans une Institution catholique belge au rythme des cours, des offices et des processions à une Vierge noire, toutes bonnes manières enseignées en français. En contrepoint un planteur colon, peintre anthropologue et une sorcière locale, porteurs des légendes ancestrales vont révéler leurs valeurs ethniques primitives Tutsis à ces jeunes filles en majorité Hutus. Pharaons noirs antiques, colonialisme récusé et nouvelle indépendance vont alors s’affronter toutes croyances traditionnelles enfouies et chrétiennes enseignées s’entrechoquant dans la haine. Le film découpé en 4 chapitres « Innocence », « Sacré », « Sacrilège », « Sacrifice » mêle la splendeur naturelle des paysages à la rigidité des uniformes, les interdits de la langue Kinyarwanda aux pratiques spirites toutes magies religieuses et racismes originels confondus et unis dans la violence dévastatrice du génocide futur. Notre-Dame du Nil – Scholastique Mukasonga (Prix Renaudot 2012)- Folio.

Parfait élève des jeunesses nazies ce gamin solitaire aidé d’Hitler son copain imaginaire pour dépasser sa fragilité de héros patriote adepte d’idéologie aryenne glorieuse, d’antisémitisme et fanatisme triomphants. L’innocence enfantine trahit l’horreur des propos, la naïveté explose du sacrifice d’un lapin à une grenade dans un délire satirique contredit par la présence d’une jeune juive cachée par une mère résistante, le griffonnage de confidences sur un carnet intime et les cruautés environnementales d’une défaite annoncée. Un monde historique et didactique où les images hallucinatoires et le burlesque illustrent les souffrances du réel, rappel d’un cinéma initié par Groucho Marx, Charlie Chaplin poursuivi par Mel Brooks, Wes Anderson... et aujourd’hui l’humour ravageur et dénonciateur de Taika Waititi. Le ciel en cage - Christine Leunens - Editions Philippe Rey - 2007.

La disparition d’une voiture sombre dans l’opacité translucide des brouillards se rigidifie en plans fixes d’une maison où nuages et soleil jouent avec les sentiments d’un ancien flic, veuf inconsolable et grand-père attentif. Dans cette pureté aussi trouble qu’immaculée perdure la souffrance, apparait la jalousie, s’efface la raison dans une violence posthume. Un film noir sur fond blanc où la douleur se fige dans l’écoulement d’un temps mis en images à travers la lumière des paysages pour exprimer la libération du deuil. Avec ce deuxième film après « Winter Brothers », le réalisateur islandais confirme autant l’originalité de son style que son talent de direction d’acteur associé à la prestation d’Ingvar E. Sigurössonon.

Rejeté par son père douze ans plus tôt pour avoir quitté la ferme de son enfance et s’être expatrié au Canada, le fils aîné revient rappelé par sa mère en fin de vie. Accueilli par la jeune veuve de son frère cadet et leur gamin il constate la ruine économique de l’exploitation, les causes réelles du désarroi familial, les difficultés locales, le manque d’avenir corroborant les motifs de son départ. C’est dans le silence d’une culpabilité partagée face au regard buté paternel, entre les mots d’un enfant, la sexualité d’une femme, la force de la nature, l’état de l’environnement que revient le dilemme du choix de vie. Les non-dits des rancœurs et les incertitudes d’un contexte rural en crise se heurtent au futur auquel croire pour l’affronter ou non ? Si la problématique de la campagne est à la mode (Petit paysan, Au nom de la terre...) la réalisatrice et ses coscénaristes Diastème et Philippe Lioret ont opté pour un film à l’âpreté de ton semblable à celle des problèmes de la terre hors hyper-réalisme rustique, explications mélodramatiques que les sourires de Niels Schneider et la sensualité d’Adèle Exarcopoulos font simplement rayonner dans leur authenticité abrupte. L’amour sans le faire - Serge Joncour – 2012 - Editions Flammarion