Un road-movie à travers cette Haute-Volta rebaptisée « Pays de Hommes Intègres » par Thomas Sankara qui le dirigea de 1984 à 1987 avant d’y être assassiné mais dont les idéaux d’avant-garde humanistes, progressistes, pacifistes, égalitaires, démocratiques, voire écologistes perdurent malgré les actions d’Al-Kaïda Mahgreb. Telle ses actions qu’il ne put continuer, la ligne de chemin de fer qu’il initia pour rejoindre la capitale à la frontière du Niger, sert de voie au jeune poète Bikoutine pour, avec la réalisatrice nous faire découvrir le Burkina Faso. La force des mots et la beauté des images s’harmonisent, des marchés aux écoles, des dispensaires aux administrations, des récoltes de canne à sucre à celles de coton, des idées aux manifestations politiques pour emplir le petit sac à dos du voyageur de la mémoire de ce Che Guevara africain et de son espoir immortel.

Ils sont tous là les personnages de Guédiguian, en famille dans leur ville qu’ils traversent et qui, à leur exemple, évolue, se construit surajoutant à ses fondations la modernité de ses tours vitrées et à ses origines prolétaires celles d’arrivistes sans scrupules. A l’honnêteté sacrificielle de la génération ancienne incarnée par le respect de l’autre se substituent les dérives d’une société dominée par les pouvoirs des seuls profits sexe et argent confondus en écho aux pleurs de la dernière-née de la tribu. Les luttes collectives et leur union se fracassent contre l’individualisation de l’ubérisation, du recyclage commercial véreux, la misère contemporaine capitaliste prorogeant une pauvreté solidaire disparue. Les décors tourbillonnants des voies rapides urbanisées ou des enseignes de magasins « cash », les scènes répétitives de prises de cocaïne ou fumettes électroniques compulsives, d’érotisme détourné, de travail humiliant cause d’un racisme migratoire illustrent la dénonciation des régressions utopistes et politiques incarnées par une femme de ménage et un conducteur de bus, autant que les mutations sociétales réductrices de leurs enfants adeptes du néo-capitalisme actuel, en s’opposant aux images hors temps d’un héros symbole de l’humanité égarée. Ses promenades en poussette face à la mer, la poésie naïve de ses haïkus, son détachement mutique justifient son destin de condamné volontaire et l’espoir d’un futur porté par la conscience de classe disparue, propos que le cinéaste revendique et répète à la façon d’un Ken Loach phocéen militant et généreux soutenu par le talent des siens les « tradis » Ariane Ascaride, Gérard Meillan, JP Darroussin et leurs héritiers Grégoire Leprince-Ringuet, Anaïs Demoustier, Robinson Stévenin et Lola Neymark réunis et unis.

Un jeune couple cherche à s’établir pour créer un foyer, reçus par un agent immobilier robotisé, ils sont vite abandonnés tels des oisillons coucous dans un lotissement fantôme sans souffle ni vent ni issue de maisons identiques où leur survie est assurée par une nourriture livrée au même titre qu’un nouveau-né, inclus dans le paquet-cadeau de la félicité promise. Hors temps, raisonnement ou sentiment le cauchemar se perpétue dans l’enfouissement d’une réalité répétitive à l’infini, celui d’une société déshumanisée. Les décors inspirés de Magritte, le silence de l’isolement brisé par les seuls hurlements de l’enfant mutant en adulte mécanisé créent une atmosphère virtuelle reflet du bonheur garanti par une société consumériste aux fantasmes capitalistes ravageurs. Un regard faussement futuriste mais censément lucide sur l’environnement actuel aux tentacules duquel savoir échapper avant de perdre nos valeurs portées par Imogen Poots et Jesse Eisenberg.

Eté 2011, un couple de tunisiens expatriés, aisés, épanouis est victime d’une embuscade qui met la vie de leur fils en péril et à la merci d’une greffe du foie. Les tests de compatibilité révèlent une infidélité passée à dépasser dans l’urgence des solutions à trouver. Au rejet machiste de la trahison, aux risques encourus par la condamnation légale de l’adultère, aux angoisses affectives s’ajoute la double quête d’une solution médicale par le père biologique ou le trafic d’organes en Lybie. Le film tourné caméra à l’épaule alterne les plans serrés d’hôpital avec ceux d’horizons désertiques infinis dédoublant l’enfermement et la libération d’un sujet dossier qui, avec finesse et talent de réalisation et d’interprétation, met en parallèle les valeurs authentiques de la paternité et celles de la liberté des femmes, dénonce la corruption marchande d’enfants, l’archaïsme culturel, dresse un tableau lucide des problèmes de deux pays frontaliers face à la mutation souhaitée et au terrorisme islamiste.

Années 60, les institutions ménagères fleurissent pour apprendre aux jeunes filles l’art de devenir de bonnes épouses, évidemment soumises au confort et aux désirs de leur seigneur et maître. Une bourgeoise récemment veuve, sa belle-sœur vieille fille et une bonne sœur forment le trio de choc d’une école alsacienne où les échos de Mai 68 vont provoquer une rébellion où pantalons, polochons et chansons riment avec libération. Une farce féministe où résonnent les rires de Juliette Binoche, se cache la tendresse de Yolande Moreau sous la baguette de Noémie Lvovsky adoucie par la dégustation d’un Strudel partagé avec Edouard Baer.

Il fallait une personnalité hors du commun pour prouver à la société de la « Belle Epoque » l’égalité des femmes dans l’univers scientifique et si le polonium et le radium ont valu à Marie Sklodowska d’être récompensée du Prix Nobel une seconde fois après celui de physique partagé avec Pierre Curie et Henri Becquerel, ses amours avec Paul Langevin après son veuvage ne résistèrent pas à la misogynie et xénophobie ambiantes. Pour briser le classicisme d’un biopic la réalisatrice l’entrecoupe du graphisme coloré de l’imagerie médicale et recourt à l’emploi du flashforward technique inverse des flashback nous projetant dans le futur d’Hiroshima et Tchernobyl et des soins médicaux salvateurs des radio/chimiothérapies préalablement expérimentés sur les champs de bataille en 1914. Un hommage narratif à la créativité féminine transmise à Irène Joliot-Curie, traversée par les voiles de Loie Fuller et porté par Marjane Satrapi. Radioactive A tale of love and fallout – Lauren Redniss – 2010 - Editions Dey Street Books.

Propriétaires ou prolétaires, riches corrompus ou pauvres rêveurs, l’argent les fait virevolter sous les pluies et soleils d’étés entre les fêtes de Noël et les souhaits de nouvelle année. Les magouilles monétaires des uns, les aspirations libératrices des autres se rejoignent entre tourbillons de corruptions et rébellion triomphante que les élections alors proches ratifieront en unissant les rires aux larmes du Brésil. La vitalité instinctive de Mada domestique à tout faire et nouvelle gestionnaire alliée à l’honnêteté générationnelle du patriarche se rejoignent dans l’espoir d’une autre société.

Qu’être femme et disposer de la liberté de son corps ne soit toujours pas au XXIème une évidence, que l’avortement soit interdit en Amérique du Nord (Alabama, Missouri, Géorgie...) et du Sud (Salvador, Argentine...), menacé en Europe (Pologne, Espagne...) relève donc d’un combat incessant. Pour exemple en Argentine, les luttes successives accentuées depuis 2007 pour la légalisation de l’IVG se sont encore heurtées au refus du Sénat en août 2018 sans pour autant mettre fin à cette demande renouvelée auprès du Parlement en Mai 2019. Au son des roulements de leurs tambours, à la lumière de leurs maquillages et de leurs foulards verts, à Buenos Aires et dans tout le pays, jeunes ou non, des milliers de manifestantes ont défilé et continuent de le faire affrontant une culture patriarcale, les fondamentalismes religieux, les institutions porteuses de leurs mythes, défiant l’injustice sociale pour en triompher. Les images de ces mouvements alternent avec des interviews de victimes pour illustrer les 500 000 avortements illégaux pratiqués, 50 000 hospitalisations et 3000 décès consécutifs annuels et porter leur espoir.

Elle est née en Algérie et contrainte par un banal mariage forcé a suivi son époux ouvrier dans la France des « Trente glorieuses » où elle a eu 14 enfants avant d’apprendre à lire et écrire source de ses nouvelles joies. C’est la mère du réalisateur mais ses confidences rejoignent celles d’une génération d’héroïnes vaillantes et tendres, toutes unies dans l’espérance qu’elles ont offerte en héritage à leurs propres filles et à ce documentariste reconnaissant nous offrant en partage ces portraits émouvants.

A Brazzaville, sur le marché, l’apôtre Médard de la confrérie des ngunza a boutique ouverte pour gérer l’invisible, chasser le jour les esprits nocturnes, exorciser les victimes de sortilèges maléfiques, organiser des cérémonies dans les cimetières ... Guérisseur officialisé par une licence d’Etat, initié par un prophète il en revêt le costume et prend la relève pour retrouver les sirènes réfugiées dans les sources du fleuve détournées par l’exploitation chinoise d’une carrière locale. La magie naturelle de ce documentaire efface l’irrationnel pour nous envoûter dans un lumineux monde des ténèbres ancestrales.

Une française et un japonais tous deux cinéastes se mettent en scène d’une catastrophe atomique à l’espace nucléaire, les images de Fukushima se superposant aux archives d’Hiroshima et aux cheminées des centrales atomiques. Rebonds de questions/réponses privilégiant l’intime au politique, irradiés par l’autodérision, contaminés par les digressions jusqu’à échapper à la réflexion.

Un jeune délinquant attiré dans son centre de détention par le séminaire dont ses actes lui interdisent l’accès débarque à la cure du bourg proche de la menuiserie où il était affecté et se substitue impunément au prêtre, exécutant confessions, messes, derniers sacrements, bénédictions, processions et sermons toutes tâches d’une paroisse spécifiquement marquée par la mort accidentelle d’adolescents. Son engagement spirituel, sa force réveillent les consciences mystiques, dévoilent les culpabilités conservatrices partagées, apaisent les douleurs communes. Le réalisme inspiré du jeune comédien accentue l’authenticité de ce chemin de croix sacrificiel dans une terre christique aux virulentes influences pieuses, passées toujours présentes, et dénonce subtilement les contradictions civiques entre pêché et rédemption, pouvoir et corruption, engendrés et perpétrés par la conjonction voire « communion » des influences politiques ou religieuses. Un film laïque et révélateur.

Mai/Juin1940, moins d’un mois pour forger le destin du colonel Charles de Gaulle qui après une contre-attaque de sa division à Montcornet face à l’avancée des troupes allemandes s’insurge contre le défaitisme ambiant des politiques rappelant les militaires au pouvoir. Nommé Général à titre temporaire par le Président du Conseil Paul Reynaud qui l’enverra en Angleterre chercher de l’aide auprès de Winston Churchill, il décidera d’agir seul face à la confusion gouvernementale et de se rebeller contre la capitulation militaire du Maréchal Pétain. Ces faits historiques ont donné un statut épique au personnage au dépend de son humanité de mari aimant, pater familias attentionné auprès de ses enfants adolescents et de sa fillette trisomique. C’est ce double aspect que privilégie le réalisateur mettant en lumière les attentions, inquiétudes vécues par les siens pendant l’exode avant leur protection en Grande Bretagne, rendant justice au courage d’une mère de famille dévouée certes mais capable à ses risques et périls de partager les engagements de son mari. Une aventure cinématographique généreuse affrontant l’envergure officielle et la dimension intime d’un héros redevenu homme en Lambert Wilson et d’une vaillante inconnue révélée femme en Isabelle Carré.

C’est dans la brume de sommets couronnés des ruines d’un bunker qu’un commando valorise son idéologie révolutionnaire entre exercices paramilitaires, chorégraphies initiatiques, festivités orgiaques ponctuées des bruits assourdissants d’un environnement hostile. La présence incongrue d’une vache sacrifiée aux délires hallucinatoires et celle d’une américaine prise en otage accentuent par l’esthétique choisie le décalage entre la vacuité de l’emprise subie et sa réalité sauvage. A l’hostilité de la nature répond la violence humaine dans la splendeur des décors, l’intensité sonore d’une BO brisant la force envoûtante des images pour offrir un film témoignage des années de la guérilla colombienne qui s’inscrit dans la continuité d’un onirisme propre à la culture latino-américaine initié par Carlos Reygadas, Amat Escalante...

Une adolescente partage sa vie dans la forêt costaricaine avec son grand-père dont elle nourrit les chèvres imaginaires et une vieille danseuse collectionneuse de serpents, fantasmant l’absence maternelle par ses apparitions, tout en rêvant d’amour avec ses amis du collège. Les sortilèges de la nature s’entremêlent au réalisme du quotidien au fil d’un conte fantastique où les deuils des proches se confondent avec la disparition de l’enfance en doubles mutations initiatiques illuminées par une magie poétique.

A Nicosie, capitale frontalière d’une île officiellement divisée depuis 1974, un chien fugueur lui-même victime de la séparation entre son maître musicien marginal et criblé de dettes et son ex, se sauve pour la rejoindre le coinçant entre les zones tampon de l’ONU et des territoires grecs et turcs. D’un hammam aux souterrains en ruines, de maison d’enfance et racines perdues en tractations locales et foireuses, la comédie joue avec l’absurdité d’une situation politique de partition ancrée dans le ridicule de ses règles administratives. Une fuite symbolique sans autre issue que l’acceptation des uns et des autres d’un état de fait géopolitique dénoncé pour rappel, par l’impuissance de son héros.

Quitter la province sud de Madagascar pour un contrat dans un festival de danse à Tananarive permet à une jeune mère célibataire d’élever seule sa fillette et découvrir d’autres expressions corporelles et musicales. Une joyeuse traversée de l’île entre documentaire culturel et fiction féminine, filmés avec authenticité.

Pour éviter à ses jeunes enfants un renvoi dans leur pays d’origine, une mère tchétchène se laisse interner et c’est au travers de leurs regards de gamin et d’ado placés chacun en famille d’accueil que nous découvrons leurs souffrances respectives face à l’absurdité d’une décision administrative. Après six ans de quotidien autrichien les rêves d’Oskar croisent les cauchemars de Lily et affrontent les bonnes consciences d’adoptants bien-pensants parallèlement aux intentions du réalisateur à travers cette démonstration généreuse. Un conte plus humaniste que politique mais joyeusement bienveillant à partager en famille. Oskar et Lilli- Monica Helfer - Editions Piper - 1994.

Un portrait du musicien, illustrateur et réalisateur Rosto à travers les performances de son groupe de rock The Wreckers et quatre courts-métrages imbriqués dans son parcours artistique d’images psychédéliques immatérielles de silhouettes stylisées en motion capture et animation. Le documentaire s’enrichit d’explications mais rien ne vaut la découverte de cette œuvre à travers ses chansons, son roman graphique, ses films et l’exposition qui lui est consacrée au Musée d’Art Roger Quilliot de Clermont Ferrand jusqu’au 29 mars « Les mondes rêvés de Rosto ».

2000 visages venus de 50 pays illustrent la femme à travers sa spécificité physiologique et son individualité émotionnelle, portraits révélateurs par leurs origines de naissance et de croissance, le développement des corps, la sexualité et la vieillesse face aux traditions culturelles, développements économiques, injustices sociales, mépris machistes divulgués en phrases introduisant les étapes de l’existence de chacune dans l’infinie diversité du monde.

Le ballet « Crowd » de Gisèle Vienne interprété par quinze danseurs fait exulter l’esprit rave par la musique et la gestuelle, créant l’harmonie entre respiration, mouvements, écoute pour exprimer l’amour sous forme de méditation sensuelle. Des pauses d’interviews scandent les ralentis physiques de ce documentaire illustrant la libération par l’envoûtement émotionnel auquel succomber ou non.

Enfermée dans l’esthétisme glaçant d’une demeure isolée une femme fuit son compagnon scientifique dont la possessivité la terrorise et dont le suicide ne la libère pas de son empreinte psychologique perverse et tyrannique. Une malfaisance intrusive et sournoise dans un premier temps déclarée hystérique et que la réalité de faits criminels transforme en folie post traumatique plutôt qu’en actes tangibles, à la fois échos des délires narcissiques et refus d’écoute des violences conjugales actuelles. Une double réactualisation du roman éponyme d’H.G Wells dont participent évidemment les effets spéciaux, les images accentuant la terreur de l’imaginaire subtilement porté par le jeu d’Elisabeth Moss. Frissons garantis. L’homme invisible-Henry-Georges Wells/1897-Editions Calmann-Levy-Livre de Poche.

Un jour d’anniversaire pour Lara soixante ans et un jour de fête pour le concert de Viktor son fils fulgurant jeune pianiste et compositeur, célébration que nous la voyons honorer ou affronter au fil de rencontres, préparatifs, achats, concert tous systématiquement contredits. La mise en scène répétitive dans les mêmes décors et en temps réel de comportements antinomiques ou absurdes, vécus ou projetés, nous entraîne subtilement vers le dédoublement de personnalité de l’héroïne et la confusion de ses ambitions avortées de mère hyper exigeante rejetée par le triomphe même de son enfant. Une folle journée de musicienne désespérée.

La guerre de sécession et ses lois restrictives ont eu des conséquences sur les colons français du Missouri, la fuite de la famille d’un parfumeur en est l’exemple à travers leur périple pour rejoindre la Côte Atlantique. Un western aux valeurs féminines et pouvoirs vaudous entre amours fatales et rêves d’égalité, film de « genre » où l’esthétique des grands espaces et la résonance des coups de feu, symboles de la mythologie culturelle américaine, s’intègrent dans l’aventure initiatique familiale et sentimentale.

Dans une petite commune du Nord ruinée par la fermeture du bassin minier, des chômeurs losers décident de rendre sa mémoire au charbon par la création d’un parc d’attractions. Train fantôme, chariots « tamponnants», baraques sur terrils...tout y passe et chacun s’y met effaçant les rancœurs, retrouvant les cœurs pour que tournoie ce généreux manège de solidarité ouvrière le temps d’une comédie sociale, familiale et très artisanale dans les corons.

Champion de la débrouille et des embrouilles ce presque trentenaire attardé, fils à papa alcoolique et à maman psy, ex-enfant comédien au succès unique et lointain, bloqué dans un refus de grandir qui l’exclut de toute éventuelle sexualité. Vincent Lacoste s’agite frénétiquement entre les affres de son irresponsabilité quotidienne, cumulées à un premier rôle dans une caricature du cinéma d’auteur, et surajoutées à l’angoisse de sa première fois amoureuse. Une quête de maturité miroir de celle d’un premier film inconsistant.

C’est la mer, effrayant un trentenaire terrien, qui a rapproché l’agriculteur solitaire du réalisateur en un pur échange d’humanité. Au plus profond du Puy de Dôme reprendre et développer un élevage laitier dans la ferme familiale désertée par un deuil maternel et un désintérêt paternel traduit un quotidien difficile, occupé de l’aube à la nuit aux vaches, leur traite, vêlage, pâturage, le beurre, sa vente, les prêts, leur comptabilité... hors tous loisirs ou évasion bridée par le tabou de l’homosexualité. Une illustration tout en délicatesse du monde agricole et des silhouettes taiseuses et fragiles qui le peuplent isolées, anonymes redevenues humaines par la grâce de ce portrait.

C’est la saison des moussons à Singapour où une malaisienne partage son quotidien entre les soins prodigués à son beau-père, ses espoirs déçus de maternité, le détachement de son mari, le mépris de l’administration de son collège pour les cours de chinois qu’elle y prodigue. L’intérêt d’un élève transformera cette indifférence affective générale par le partage de ses propres passions et nouveaux émois pour laisser place au soleil et à l’espoir d’une société plus humaine. Le choix de plans larges distanciant l’hyper-réalisme de certaines scènes, l’absence de musique additionnelle, le son des pluies, traduisent la pudeur des relations intergénérationnelles et prolongent après Ilo Ilo le regard d’Antony Chen.

Héros national cet agent de sécurité aux JO d’Atlanta 1996 ayant évité le pire, gentil fils à maman rondouillard ou criminel au profil type de poseur de bombes suspecté par le FBI ? Interrogatoires musclés, interventions intrusives, perquisitions, mises sur écoutes sont relayés par le harcèlement de la presse en un tourbillon accusatoire de 88 jours consécutifs de mise en accusation et 6 ans de doutes avant l’arrestation du coupable. Une histoire vraie, un fidèle film dossier parfaitement scénarisé, tourné et interprété et une interrogation sur la société américaine, ses dérives arbitraires et médiatiques voire présidentielles.

Un militaire en exercice anti-djihadiste déserte après une permission consécutive au décès de sa mère planqué entre campagne et banlieues tunisiennes, proscrit, blessé, dépouillé en état de survie de la terre à la mer. Une marche mutique sublimée par l’improbable rencontre d’une femme enceinte, en perte de repères avant de se transcender vers un retour aux sources de l’humanité celui du couple originel. Les plans diurnes et nocturnes, les soudaines ruptures de lumières ou écrans noirs les travellings dans la nature contrepoints silencieux de la seule communication de regards, iris contre iris mènent à la fusion symbolique des mots par les yeux et de la poésie en images pour créer un film mystique d’auteur en devenir.

Le jour se lève aux cris de l’annonce de la mort d’un voyou, crime de vengeance révélant l’intransigeance identitaire des siciliens quand dans l’envol des draps sous le soleil levant, des vagues méditerranéennes aux ruelles étroites jaillit la haine entre malédictions culturelles et stricts pouvoirs mafieux d’une mère sacrifiant sa fille à l’honneur ou l’horreur des traditions. La force des images, leur lumière s’opposent à l’obscurantisme des peurs identitaires, l’esthétique des plans-séquence et leur rythme effacent le temps, les silences unissent le mythe d’Antigone à notre présent pour donner toute son intensité à ce premier film.

En 1936 de Burgos à Salamanque, une junte de militaires s’est opposée à la République espagnole en place par les armes, cette prise de pouvoir est reconstituée à travers le regard de l’écrivain philosophe Miguel de Unamuno, aux convictions mouvantes, devenu un conservateur exaspéré par les désordres politiques, ignorant la montée du fascisme jusqu’à sa célébration officielle du Jour de la Race. Entre le glaive du général José Millan Astray fondateur de la Légion espagnole au slogan mortifère clamé par les phalangistes et le goupillon religieux de l’épouse du généralissime auto-proclamé Francisco Franco, il prit tardivement conscience des risques d’une guerre « incivile » précédant trente-six années de dictature. Déclarant que vaincre par la force n’était pas convaincre il épargna de justesse sa réputation littéraire tout comme l’avertissement politique d’Amenabar sur la résurgence actuelle des mouvements fascistes sauve son film de la stricte reconstruction historique.

A 5000 mètres d’altitude sur un haut plateau tibétain un mouton écrasé par un chauffeur et la vengeance d’un auto-stoppeur peuplent le désert en haltes successives brisant la seule splendeur des paysages en hallucinations multicolores explosant en Noir et Blanc, au fil d’un road-movie au parcours indéfini mais enchanté par le réalisateur de « The search » et « Tharlo ».

A Bogota une avocate d’affaires ayant fait le libre choix de la monoparentalité partage son quotidien entre son travail, sa mère atteinte d’un cancer, de nouvelles amours et son jeune fils au fil d’une autofiction portée par des comédiens non-professionnels accentuant la réalité émotionnelle des situations par celle de l’improvisation. Sur fond de corruption municipale et de transmission familiale dans la bourgeoisie colombienne le film tourné comme un reportage en ne nous épargnant rien de la déchéance physique induites par la maladie souffre des limites autobiographiques du seul amour filial du réalisateur au détriment de son universalité.

Les causes de la sous-représentation des femmes dans l’industrie cinématographiques d’Hollywood sont universellement liées à l’exercice naturel et intemporel du pouvoir masculin, leurs conséquences s’inscrivent dans la lente conquête de leur place engagée en vain dès les années 70 et relayées aujourd’hui par Geena Davis via le travail de l’Institut qu’elle créa à cet effet en 2004 et que le mouvement « Me Too » relaye aujourd’hui. Le documentariste s’attache à replacer le sujet dans une discrimination historique générale malgré les règles du Civil Rights Act de 1964 n’ayant pu empêcher qu’à ce jour elles ne réalisent que 4% des films contre 24% en France. Alors montrons leur l’exemple !

Les hasards d’un rendez-vous plutôt raté sur Tinder, d’une fausse manœuvre de conduite, d’un contrôle routier et sa dérive policière entraînent un couple dans une semaine de folle cavale de l’Ohio à la Floride où racisme, injustice, aveuglement fusionnent avec la peur et riment avec cœur. Un road-movie dramatique autant qu’onirique, romantique et politique, où l’enchaînement inattendu des situations, leur montée en puissance, le rythme de l’action associent humour et réalisme, poésie et sentiments pour traduire la radicalité d’une réflexion engagée sur la violence systématique de l’inégalité raciale et ses conséquences. Ensemble, la scénariste, la réalisatrice et ses acteurs sur une bande-son New Orléans dénoncent l’ostracisme culturel avec flamboyance.

Dans le désert soudanais d’Aljazira l’évanouissement d’un derviche lors d’une cérémonie de bénédiction condamne le nourrisson à une existence limitée à 20 ans, prophétie déterminant son temps de survie à un deuil perpétuel. Père en fuite, mère en détresse, enfance solitaire, adolescence dévouée au Coran, tous sentiments exclus jusqu’à une rencontre critique et cinéphile libératrice. D’une robe noire à une autre trop blanche, de l’ignorance au consentement sacrificiel et d’interdits en délivrance des superstitions et traditions, la poussière tournoie, la terre se creuse en échange de tombes, les flots du Nil portent l’espoir en images poétiques sur de sublimes notes échos de la fatalité et de la malédiction politique contemporaine

Deux voisines de palier d’une ville de province forment un couple clandestin de septuagénaires aimantes partageant leur quotidien entre portes ouvertes à l’écoute de chacune et rêves impossibles d’évasion romaine. Car si l’une est libre, l’autre veuve, prisonnière de sa dignité de mère de famille ne peut dépasser le silence du secret ni transgresser le regard de la société. Inavouables ces sentiments que le pourtant le silence soudain imposé par un AVC délivrera du jugement des autres dans une lutte commune. Mêlant l’hyper-réalisme des corps entre sexe puis maladie au mystère d’images hypnotiques, le réalisateur mêle les genres pour échapper autant à l’homophobie qu’au mélodrame socio-sentimental par l’imaginaire offert aux spectateurs et la qualité de jeu du trio de comédiennes. Un premier film subtil.

Soupçonnée du meurtre de sa meilleure amie décédée après une soirée très mouvementée une jeune fille, bracelet à la cheville, attend depuis plus d’un an sa comparution. Son mutisme par rapport aux faits, leur imprécision, l’absence de preuves, les témoignages de ses copains lycéens révèlent des comportements, une maturité et liberté sexuels qu’aucun adulte n’aurait présumé, que son père se doit d’accepter, que les avocats ne savent expliquer, que les jurés devront à leur tour comprendre. C’est l’équilibre entre les regards parents/enfants, la distanciation et la compréhension mutuelles qui, hors verdict, donnent au film toute sa richesse émotionnelle. La chronique judiciaire à travers le réalisme impersonnel des murs d’un tribunal et ses envolées verbales est un plaidoyer sans réponse ni dénouement sur l’incommunicabilité générationnelle portés par le soutien de Roshdy Zem, la tendresse de Chiara Mastroianni et les silences de Mélissa Guers. Remake de : Acusada – Gonzalo Tobal – Argentine - 2019 -

Une jeune psychanalyste tunisienne expatriée à Paris revient s’installer dans son pays après son changement de régime mais ni de la bureaucratie, ni des traditions encore moins des préjugés afférents. Les fantasmes de sa clientèle pittoresque sont joyeusement sexuels et leurs rêves illustrent leurs désirs libérateurs au fil de saynètes enjouées dénonçant la corruption, le machisme et les travers d’une société à soigner. Golshifteh Farahani irradie cette petite comédie inégale mais pleine d’espoir.

Une jeune psychanalyste tunisienne expatriée à Paris revient s’installer dans son pays après son changement de régime mais ni de la bureaucratie, ni des traditions encore moins des préjugés afférents. Les fantasmes de sa clientèle pittoresque sont joyeusement sexuels et leurs rêves illustrent leurs désirs libérateurs au fil de saynètes enjouées dénonçant la corruption, le machisme et les travers d’une société à soigner. Golshifteh Farahani irradie cette petite comédie inégale mais pleine d’espoir.

De retour au Kurdistan iranien, Diako Yazdani cherche à comprendre les raisons du rejet des homosexuels à travers les mots de Kojin jeune homme gay engagé dans sa quête identitaire. Les divers entretiens avec des membres de sa famille, un Imam exorciste se revendiquant médecin prophétique chasseur de djinn, ou divers autres interlocuteurs révèlent l’irrationalité d’une haine dépassant la simple condamnation islamique, le pur tabou, niant toute historicité pour rejoindre la seule peur de la différence dont l’exil pourrait sauver s’il ne la confirmait pas. Un parcours documentaire riche en écoute, respect de la diversité humaine, choix de la liberté et partage de l’amitié.

Après « Le sociologue et l’ourson » Mathias Théry et Etienne Chaillou poursuivent leur décryptage de la société française à travers le portrait d’un jeune militant picard au Front National sous forme de confidences reçues, rédigées et lues face micro sur une voix off littéraire ou décadrée, illustrée en images de meetings, archives, entretiens et tournages en direct relatant sa propre quête et par effet de miroir l’idéologie et les pratiques de son parti. La loyauté sans failles à l’idéologie de sa candidate traduit des ambitions, mais aussi un terrain, la compensation d’un mal-être solitaire, une exclusion cachée, une préalable adhésion extrémiste, des déceptions politiciennes internes, désillusion électorale, justifiant la future mutation du Front aux Patriotes de l’apprenti politique prêt à retrouver la cravate et le costume de la reconnaissance. Le traitement narratif du film par le moyen d’une lecture intime distanciant tout jugement remplace la stricte exemplarité du documentaire, l’implication émotionnelle du partisan exprimant l’évolution de son parcours en même temps qu’il révèle les rouages de la mécanique frontiste, communication, séduction, dédiabolisation et préparation efficace des élections présidentielles passées et futures. Une immersion subtile pour provoquer la réflexion par un cinéma de valeur rendant sa liberté à la pensée.

Comblé par le succès de ses activités un baron de la drogue londonien décide de les céder au meilleur acheteur, parcours commercial de haute volée entre un maître chanteur, un israélien et les triades chinoises. Les négociations se démultiplient au rythme effréné des actions, versions et trahisons de chacun de flashback en flashforwards, trucages et cascades, images, narration et humour british entremêlés d’un personnage à l’autre entre les traditions aristocratiques, les clichés rétro 90’s et l’actualité des réseaux sociaux. Retour flamboyant du réalisateur de « Snatch ».

Une rencontre de hasard dans une fête foraine sort de son isolement et de l’orphelinat un gamin qui révèle à ses nouveaux amis son mystérieux pouvoir de mutation d’identité par le toucher. La magie de l’enfance se mêle au fil d’événements et rebondissements (à garder secrets) à la nostalgie de l’innocence, la force des sentiments familiaux et amoureux entre rêve et réalité, féérie, romantisme et poésie. La mise en images de l’atmosphère fantastique contrepoint du réalisme social se fond dans l’étrangeté de la musique et la grâce émotionnelle du jeune acteur Benjamin Voisin pour donner à ce premier film sa résonance fragile de conte initiatique.

1973, sur les terres volcaniques de la forêt rwandaise des pensionnaires de bonne famille sont éduquées dans une Institution catholique belge au rythme des cours, des offices et des processions à une Vierge noire, toutes bonnes manières enseignées en français. En contrepoint un planteur colon, peintre anthropologue et une sorcière locale, porteurs des légendes ancestrales vont révéler leurs valeurs ethniques primitives Tutsis à ces jeunes filles en majorité Hutus. Pharaons noirs antiques, colonialisme récusé et nouvelle indépendance vont alors s’affronter toutes croyances traditionnelles enfouies et chrétiennes enseignées s’entrechoquant dans la haine. Le film découpé en 4 chapitres « Innocence », « Sacré », « Sacrilège », « Sacrifice » mêle la splendeur naturelle des paysages à la rigidité des uniformes, les interdits de la langue Kinyarwanda aux pratiques spirites toutes magies religieuses et racismes originels confondus et unis dans la violence dévastatrice du génocide futur. Notre-Dame du Nil – Scholastique Mukasonga (Prix Renaudot 2012)- Folio.

Un restaurateur basque quinqua et sympa en quête d’une nouvelle jeunesse transposée sur Instagram part découvrir les cerisiers en fleurs. Une évasion coréenne virtuelle vers une libération où les rêves déçus se reconstruisent dans une découverte gustative partagée, la communication tweetée mondialisée, un rappel à l’illusion amoureuse et les valeurs de l’amour filial retrouvées. Une comédie menée entre fourchettes et baguettes par le chef Alain Chabat dans tous ses états de virilité joyeuse !

A Casablanca les pâtisseries d’une veuve vivant seule avec sa fillette vont adoucir le destin de Samia et de l’enfant qu’elle porte cet Adam symbole masculin des forces de la féminité. Les bruits de la Medina et leur résonance chaleureuse couvrent l’illégalité du célibat maternel, la complicité féminine construit avec sérénité l’avenir à déterminer pour l’offrir dans l’échange de sentiments entre une amie, une mère et un nouveau-né. Du rejet présupposé au déchirement imprévu, des cris aux larmes, surgit la violence de l’amour par l’échange de regards, le retournement du choix pour l’autre et contre soi. La beauté d’images en contre-jour reflète l’ombre et la lumière de la douleur et de l’espoir en une société oubliant ses tabous et interdits au nom de l’humanité. Un premier film empreint de grâce.

Une symphonie aquatique dédiée à l’eau sous toutes ses formes, de la banquise sibérienne aux cascades amazoniennes, force monstrueuse indifférente aux humains qui l’auscultent (sous le gel), la traversent (sur leurs embarcations), la conquièrent et la capturent (entre canaux et barrages), la dégradent (par les pollutions). Un tourbillon d’images, ode musicale ponctuée de murmures et rugissements, affrontement de puissance en résonance avec le silence écologique des hommes.

Parfait élève des jeunesses nazies ce gamin solitaire aidé d’Hitler son copain imaginaire pour dépasser sa fragilité de héros patriote adepte d’idéologie aryenne glorieuse, d’antisémitisme et fanatisme triomphants. L’innocence enfantine trahit l’horreur des propos, la naïveté explose du sacrifice d’un lapin à une grenade dans un délire satirique contredit par la présence d’une jeune juive cachée par une mère résistante, le griffonnage de confidences sur un carnet intime et les cruautés environnementales d’une défaite annoncée. Un monde historique et didactique où les images hallucinatoires et le burlesque illustrent les souffrances du réel, rappel d’un cinéma initié par Groucho Marx, Charlie Chaplin poursuivi par Mel Brooks, Wes Anderson... et aujourd’hui l’humour ravageur et dénonciateur de Taika Waititi. Le ciel en cage - Christine Leunens - Editions Philippe Rey - 2007.

La disparition d’une voiture sombre dans l’opacité translucide des brouillards se rigidifie en plans fixes d’une maison où nuages et soleil jouent avec les sentiments d’un ancien flic, veuf inconsolable et grand-père attentif. Dans cette pureté aussi trouble qu’immaculée perdure la souffrance, apparait la jalousie, s’efface la raison dans une violence posthume. Un film noir sur fond blanc où la douleur se fige dans l’écoulement d’un temps mis en images à travers la lumière des paysages pour exprimer la libération du deuil. Avec ce deuxième film après « Winter Brothers », le réalisateur islandais confirme autant l’originalité de son style que son talent de direction d’acteur associé à la prestation d’Ingvar E. Sigurössonon.

Rejeté par son père douze ans plus tôt pour avoir quitté la ferme de son enfance et s’être expatrié au Canada, le fils aîné revient rappelé par sa mère en fin de vie. Accueilli par la jeune veuve de son frère cadet et leur gamin il constate la ruine économique de l’exploitation, les causes réelles du désarroi familial, les difficultés locales, le manque d’avenir corroborant les motifs de son départ. C’est dans le silence d’une culpabilité partagée face au regard buté paternel, entre les mots d’un enfant, la sexualité d’une femme, la force de la nature, l’état de l’environnement que revient le dilemme du choix de vie. Les non-dits des rancœurs et les incertitudes d’un contexte rural en crise se heurtent au futur auquel croire pour l’affronter ou non ? Si la problématique de la campagne est à la mode (Petit paysan, Au nom de la terre...) la réalisatrice et ses coscénaristes Diastème et Philippe Lioret ont opté pour un film à l’âpreté de ton semblable à celle des problèmes de la terre hors hyper-réalisme rustique, explications mélodramatiques que les sourires de Niels Schneider et la sensualité d’Adèle Exarcopoulos font simplement rayonner dans leur authenticité abrupte. L’amour sans le faire - Serge Joncour – 2012 - Editions Flammarion

Convoqués par l’éditeur d’une trilogie best-seller mondial à l’auteur anonyme, neuf traducteurs de nationalités diverses acceptent d’être isolés dans un bunker de luxe pour garantir le secret du dernier tome de l’œuvre. Sauf que les pages fuitent sur Internet assorties d’un chantage pécuniaire. Complicités internes, rivalités de talents, désespoir d’écrivains ratés, abus de pouvoir commerciaux soutiennent une énigme multiple où les égos s’affrontent, les arnaques se multiplient, les illusions se décomposent en images sur un rythme effréné brisé par les ressorts de mise en scène, flashback et artifices jaillis de la seule passion de l’écriture, sauvés par la magie de Proust, la transmission de la passion des mots retrouvés dans l’émotion d’un puzzle littéraire à l’égal d’un film d’auteur.

Fin des années 80 un étudiant en droit tout juste sorti d’Harvard s’installe dans une petite ville de l’Alabama pour offrir l’assistance juridique aux condamnés engagés dans le couloir de la mort. Incarnant lui-même de par sa couleur de peau la banalisation du racisme, sa permissivité officielle, l’institutionnalisation de l’injustice il fait face par son action aux faux témoignages, à toutes les formes de corruption morale, aux menaces diverses dans un climat d’intolérance culturelle consentie. Un film dossier inspiré de faits réels, au scénario documenté, à la mise en scène classique, aux acteurs suffisamment talentueux pour mêler l’émotion à la réflexion sur la la discrimination et ses conséquences. Just Mercy : a story of justice and redemption – Bryan Stevenson – 2015.

Un par un, père de famille, pilote d’essai... ils fuient Cuba pour Miami où ils s’intègrent dans une nouvelle vie, sollicités par des anticastristes investis dans des attentats terroristes. FBI et CIA s’en mêlent pour, des rues de La Havane aux espaces aériens internationaux, d’un discours de Castro à de trompeuses promesses américaines nous embrouiller dans une véridique opération d’espionnage /contre-espionnage soldée par l’emprisonnement des infiltrés. Le réalisateur survole l’opposition politique, se complait dans un tourisme caribéen, expérimente un nouveau genre à l’américaine qu’il traite sentimentalement hors engagement autre que la démonstration hors contexte du charme féminin de Victoria Abril. Articulé en trois parties et dans un retournement révélateur, le film s’embrouille tout autant que les faits sans réussir à nous impliquer dans l’authenticité de l’opération « Avispa». Les derniers soldats de la guerre froide - Fernando Morais – Companhia das Letras Brésil 2011 -

S’il est aisé de reconnaître toute œuvre de Botero c’est sans doute parce qu’elle s’expose en miroir du peintre lui-même, de sa passion pour l’art et de son incessante quête créative. Enfant de Medellin, étudiant européen découvrant la Renaissance et Pierio de la Francesca et la monumentalité, jeune coloriste new-yorkais attaché à la figuration face au Pop Art, il n’a cessé d’affiner entre cube et volume, couleurs et matières, sa propre expression. La réinterprétation de Vinci, Rembrandt, Picasso...l’actualisation et l’engagement politique du passé des fusillades de Goya, à Guernica jusqu’à Pablo Escobar et Abou Ghrai, l’approfondissement d’un thème privilégié tauromachie, cirque... font partie de ses continuelles démarches. Le documentariste fait classiquement alterner en situations diverses entrevues directes, archives du peintre, de ses enfants, de spécialistes détracteurs ou admirateurs pour au fil de ses innombrables tableaux et sculptures, tracer le portrait d’un homme célèbre, populaire certes mais surtout encore et toujours passionné.

Ses deux ou trois boitiers autour du cou n’ont pas protégé Gilles Caron des dangers de son travail de photoreporter à l’agence Gamma, mais ont illuminé son regard de témoin de l’humanité, de atrocités commises et de ses désirs illimités. 6 années d’événements vécus du Sinaï au Biafra jusqu’au Cambodge, des pavés parisiens à ceux des irlandais, illustrent les mêmes révoltes, douleurs et espoirs, expression en Noir et Blanc et couleurs d’un engagement éthique, politique et esthétique. Reliant une quête et un deuil personnels à la disparition du photographe et à l’étude technique de son travail, la documentariste cherche sur chacun des clichés numérisés, numérotés et exposés le mystère de la création individuelle et sa force universelle pour l’offrir à notre connaissance. www.fondationgilles-caron.org / info@fondationgillescaron.org

Seuls les fantômes ont le pouvoir de survie par-delà la mort et la LLorona depuis des siècles se doit de l’exercer pour sauver le peuple Maya-Ixiles, décimé dans les années 80 par un dictateur investi d’un anticommunisme cachant ses désirs luxurieux effrénés et son racisme primaire. La pleureuse légendaire va s’emparer de la raison des coupables à travers les cauchemars du militaire harceleur, de son épouse bafouée, des doutes de leur fille et l’innocence de leur petite fille. Insensiblement l’envoûtement maléfique agit sur chacun des coupables, atteint les manifestants dans un crescendo sonore de lamentations, insidieux de transformations visuelles, invisible d’évolutions mentales, révélateur du génocide initié dès la conquête espagnole et chanté du Mexique (Chavela Vargas) au Guatemala pour exprimer la révolte contre toute forme d’injustice et d’oppression. Le réalisateur avec ce troisième volet poursuit sa dénonciation du colonialisme « Ixcanul », de l’obscurantisme sexuel « Tremblements » et ici du totalitarisme politique avec à son tour le même talent diabolique.

L’histoire est authentique et connue, le limogeage par Robert Murdoch de Roger Ailes patron de Fox News dénoncé pour harcèlement sexuel en 2016. Pas de surprise non plus quant à la qualité de ce type de docufiction que le cinéma américain pratique de longue date, écriture du scénario et choix des actrices inclus. Le point fort réside dans la maîtrise du déroulement des faits, l’implacabilité de l’engrenage, l’inhumanité du formatage en silhouettes de Barbie, le jeunisme des maquillages, la toxicité de l’ambition personnelle, le poids de la gloire médiatique, la complicité silencieuse dans la peur, fusionnées pour le triomphe libidineux de leur employeur. Les prothèses surajoutées de Charlize Theron, Nicole Kidman et Margot Robbie, les plans rapprochés de jambes, parures et chaussures tout autant que les regards égrillards dans la transparence de bureaux open space participent de cette mécanique d’humiliation, de division, de bureaux open space participent de cette mécanique d’humiliation, de division, de pression instaurée en système de domination masculine culturelle généralisée dont les dédommagements pécuniaires étouffaient l’injustice. L’involontaire participation d’Harvey Weinstein à cet état systémique aura fait naître le mouvement #metoo, auquel Jay Roach offre un viril écho féminin.

Algérie 1960, un « conflit » d’Indépendance et ses atrocités offertes à l’écran en rappel historique par les combattants de toute guerre coloniale, civile, mondiale... car les affres individuelles d’un colonel retraité en chasse de son supérieur, déserteur passé dans le camp ennemi, se rejoignent dans la terreur et les douleurs infligées entre commandos, pilleurs, violeurs, partagés de l’honneur au déshonneur dans une violence exacerbée. Sans pitié aucune les images rythmées par l’enchaînement d’actions ou d’attentats déterminent la réflexion, la cruauté des rôles de chacun des acteurs traduisant l’authenticité d’un passé oblitéré par les autorités militaires ou politiques, cicatrices indélébiles généralisées et irrémédiablement réactivées d’un pays et d’un affrontement à l’autre.

A Mumbai la rencontre d’un photographe de rues et d’une étudiante timide illustre les modes et codes de la vie indienne en ville et en province, chez les pauvres et les riches à travers les conseils d’une grand-mère et d’un père petit bourgeois partageant les traditions face à la modernité et à l’amour entre résonances sociales ou sentimentales. Une comédie romantique aux sentiments bollywoodiens et regards sociétaux.

Un gamin hypersensible et isolé, élevé seul par sa mère infirmière dans un centre psychiatrique y rencontre une jeune fille récemment internée et en tombe raide amoureux. Elle l’entraînera dans une fugue démentielle jalonnée de ses premiers émois et son aveuglement au rythme d’images oniriques hallucinatoires nous immergeant à vau-l’eau entre violence, enfance et romance au risque de nous y engloutir en dépit du passage brièvement salvateur de Benoît Poelvoorde.

Sur le tapis rouge du Festival de Cannes en 2018 elles furent 82 sous la houlette d’Agnès Varda à symboliser le nombre de films féminins en sélection contre les 1688 masculins. En se référant à cette inégalité de chiffres (internationale), le documentariste Quentin Delcourt s’interroge sur l’industrie cinématographique française à travers les parcours de 11 de ses participantes agent, exploitante, technicienne, actrice, réalisatrice. Une réflexion sur l’ensemble des différences contractuelles, salariales, techniques, artistiques applicables par le poids des traditions à toutes les minorités culturelles, et que seules, la personnalité, les convictions, leur force conjointe parviennent à affronter pour les dépasser. Des paroles libérées et libératrices, entrecoupées d’extraits forment une joyeuse chaîne de mots, reflets par l’image, de l’état de notre société.

Sortir de prison, mais comment ne pas y retourner et associer la libération à la réinsertion ? C’est ce propos qu’illustre le parcours d’un jeune délinquant affrontant la dépression de sa mère et ses besoins de survie quotidienne immédiats compensés par la débrouille et les magouilles. La juxtaposition d’enfermement maternel mental et pénitentiaire filial entre la vente illicite de drogues et leur emploi médical officiel permet à la réalisatrice d’en montrer les contradictions, d’en dénoncer les failles tout en évitant le manichéisme démonstratif. Entre food-truck, rave-party, contrôles hospitaliers et douaniers, musiques et mots rythment les actions, accentuent l’authenticité de personnages portés par l’expérience documentaire de Sarah Marx et la finesse de jeu des acteurs unis dans un même engagement.

Pour combler le vide de sa condition de potiche décorative d’un foyer bourgeois, une jeune épouse et future mère est prise d’envies irrépressibles d’ingurgiter tout objet à sa portée. Cette compensation psychologique (syndrome de Pica) traitée avec une rigueur formelle d’images répondant à l’enfermement enduré, au mépris de classe sociale subi, à la dépossession mentale imposée, accentuée par le silence environnemental relevant de l’exercice du pouvoir patriarcal culturel. Des gestes du présent au causes du passé jusqu’à la quête d’un avenir, ce parcours contradictoire, jalonné de troubles, doutes, secrets portés par la maîtrise du scénario, de la mise en scène, l’esthétique des décors, le jeu de l’actrice, procurent à ce premier film un plaisir étrange de libération.

12000 euros c’est la somme butoir à s’offrir en partage de l’amour fou qui lie un couple en un ballet de désir et de plaisir à conquérir envers et contre la cruauté banale d’un monde socialement injuste. Un jeu érotique absolu entre les corps et les sentiments, leur sujétion et leur liberté qui privilégie leur intensité entre recherche esthétique, et regard politique, la sensualité se jouant de la réalité d’un quotidien effacé par les rêves. Après deux documentaires la réalisatrice/actrice s’évade elle-même vers la fiction entre romance et critique sociétale sans jamais trouver son équilibre entre forme et fond.

Léon Blum a gouverné le Front Populaire, institué les 40 heures et les Congés payés, continué à militer pour la SFIO après son départ du gouvernement en 1938, avant d’être arrêté par Pétain en 1940, jugé au Procès de Riom en 1942 puis livré par Pierre Laval en 1943 aux allemands et déporté dans le manoir d’Himmler près de Buchenwald partageant une captivité dorée avec son rival de droite Georges Mandel. Libéré et revenu en France il poursuit ses activités politiques avant d’être victime d’une crise cardiaque en 1950. Jeanne Reichenbach, amoureuse dès sa première rencontre avec cet ami de sa famille de trente ans son aîné, si elle n’attendit pas vraiment leurs veuvages respectifs pour partager sa passion le suivit de son refuge bordelais à ses prisons successives de Chazeron, du Fort de Portalet et de Riom jusqu’à Buchenwald pour l’épouser en 1943 et demeurer ainsi la dernière aventure sentimentale de cet homme à femmes. C’est cette histoire d’amour dans l’histoire de France que Laurent Heyneman dédouble en hommage académique et rappel mémoriel d’une époque reconstituée dans une authenticité compassée à laquelle Elsa Zylberstein offre sa flamme passionnelle, Hippolyte Girardot un charme désuet, Emilie Dequenne une réserve chaleureuse. Je vous promets de revenir - Dominique Missika - Robert Laffont - 2009.

Accros aux « like », addicts aux « selfies », proies des logiciels, héros ou victimes de tous âges et conditions, ils virevoltent entre fausses gloires et vaine reconnaissance, se ridiculisent en une ronde sautillante de sketchs où Blanche Gardin, Manu Payet et autres humoristes, se jouent des abus du numérique, entre leurs rires et nos larmes.

Une semaine en Ardèche pour transposer Roméo et Juliette en fiction amoureuse où virevoltent les fantasmes de séduction d’un réalisateur amateur au fil d’un marivaudage artisanal, musical, estival et bancal.

Une jeune actrice dans l’attente du rôle qui la sortira du recours aux pubs et prestations webcam est contactée pour une audition devant le producteur d’un long-métrage aux scènes érotiques annoncées. Une mise en abyme de la concurrence entre candidates, du harcèlement sexuel, de leur violence banalisée où le récit se décompose en flash-back, le personnage se démultiplie en trois comédiennes, les scènes se superposent en répétitions hallucinatoires, persécutions cauchemardesques, tabous de l’homosexualité féminine, confusions du réel et de l’imaginaire dévoilant la force compensatoire d’un traumatisme originel Le réalisateur fait flamboyer l’accès au tapis rouge de l’écarlate des robes de star, sa scénariste recherche les sources de son histoire en quête onirique d’une chambre numérotée, dédoublée en actrice elle dénonce les comportements réduisant la femme à son statut de poupée gonflable et ensemble ils nous entraînent dans un sulfureux labyrinthe accusateur voire libérateur.

Le nouveau conseil municipal de Montfermeil va tout changer, réduire les injustices, effacer les différences, transformer le quotidien, en obligeant chacun de ses concitoyens à la pratique de la méditation à heures fixes en alternance avec la sieste, à l’assistance sexuelle, l’apprentissage d’idiomes et langues diversifiées, le port alterné de tenues vestimentaires locales, l’écoute de l’autre et le retour à l’amour, la participation à des fêtes récurrentes... toutes directives aussi péremptoires que délirantes contrecarrées par leurs ennemis potentiels. Une fantaisie utopiste orchestrée en suite de saynètes déjantées, fausse farce dénonçant les absurdités sociétales, le racisme ambiant, la perte des sentiments en mode burlesque où règne Emmanuelle Béart en maîtresse femme, papillonne Jeanne Balibar en réalisatrice assumant avec légèreté une satire drolatique partagée avec sa bande de joyeux copains pour nous faire rire sur un ton décalé très inhabituel dans le cinéma français.

Autant pour résoudre un problème de blanchiment d’argent de trafiquants que pour libérer un mafieux généreux et se laisser séduire par une femme vénale, un policier ripoux va et vient entre Bucarest et les Canaries où il apprendra l’ancestral langage secret du sifflement. Les stridences de ce thriller résonnent en échos multiples au double jeu du héros, de ses amours fatales et de sa « conscience » professionnelle grinçante d’absurdité d’un puzzle retors.

Comment être face aux autres quand on a 16 ans et qu’il faut tout affronter parents, élèves d’un nouveau lycée, voire les filles ? pour résoudre cette insurmontable difficulté un jeune garçon recourt à l’aide de son frère aîné champion de basket et gagneur toutes catégories qui lui souffle les conduites à adopter face à chaque situation. Pour étayer cette période cruciale de construction individuelle le réalisateur a recours au subterfuge d’un dédoublement consécutif à un deuil, illustrant la fragilité de la conquête identitaire par une dualité fraternelle que les deux jeunes acteurs incarnent avec énergie. Après « Ce n’est pas un film de cow-boys » et la série « Les grands », Benjamin Parent affute son regard sur l’adolescence pour le rendre vrai.

Un artiste américain scénariste, réalisateur, directeur d’acteurs évolue dans un bonheur parfait de nouveau père amoureux de sa jeune et jolie femme, mais derrière ces apparences de rêve publicitaire la réalité quotidienne s’enrichit de flash-back d’addictions passées et dépassées, de jalousies présentes et des malheurs futurs des passions éternelles christique ou masculine voire autobiographique. Willem Dafoe incarne les souffrances narcissiques de son double trouble au fil de son chemin de croix dans une Rome hantée par Fellini, toutes chimères créatrices confondues en expérience cinématographique.

Une jeune danseuse fragilisée par l’abandon de son art perd subitement son père, brisée par cette disparition elle trouve un réconfort amoureux auprès du photographe qui avait mémorisé ses derniers moments. Un transfert du deuil qu’elle ne fera jamais mais que la réalisatrice développe entre l’espace et le temps unis par deux actrices recomposant chacune dans un présent douloureux leur passé de souffrance et leur futur de rêves inaccomplis. Un mal-être existentiel sans issue ni espoir de libération accentué par l’esthétisme des décors, le rythme des scènes, la lumière des images où passent les fantômes et demeurent les vivants. Dommage que l’idée de dédoublement réincarnée par Anouk Grinberg ne trouve pas suffisamment de consistance chez Astrid Bergès-Frisbey et que le film n’y perde à son tour sa résonance.

En 2003 la manipulation du gouvernement américain auprès du Conseil de Sécurité de l’ONU pour déclencher la guerre en Irak est transmise par une employée des services secrets anglais avant d’être révélée par la presse, reprise par un cabinet d’avocats et provoquer la comparution pour haute trahison de cette honnête lanceuse d’alerte. Traité au départ comme un classique sujet d’espionnage l’authenticité du vécu de Katherine Gun impliquant les répercussions sur sa vie quotidienne donnent insensiblement au film une dimension humaine et universelle à l’honnêteté ou la naïveté héroïque dont elle fait preuve. L’expérience cinématographique de Gavin Hood distancie l’autobiographie au profit de la dénonciation étatique avec justesse. The spy who tried to stop a war – Katharine Gun – Polipoint Press – 2008.

C’est entourée de sa famille que, le soir de ses 70 ans, une veuve aimée est victime d’un AVC qui oblige ses quatre fils à prendre soin d’elle. N°1 l’aîné trop occupé la confie à N°2 qui endetté se libèrerait bien de sa charge sur N°3 parieur invétéré et ainsi de suite dans le respect des traditions provinciales de cette petite ville mise en lumière par un tableau de Huang Gongwang célèbre maître ancestral dont la toile se déroulait pour être découverte dans son intégralité. Le cinéaste utilise à son tour ses images pour au fil des saisons et d’un frère à l’autre faire évoluer l’espace et le temps entre la pérennité de la nature et les modalités changeantes de la vie. Ce premier volet d’une trilogie future traduit la mutation de la société chinoise dans l’équilibre d’une fiction poétique et l’authenticité du réel où le fleuve Yangtsé nous fera bientôt voguer.

Un voleur dit scientifique, looser en quête de son trésor sacralisé, un gardien de fausses reliques monétaires, des pèlerins invoquant la pluie, des paysans fuyant leurs terres asséchées, un aubergiste profiteur, un barbier coiffeur escroc, un médecin passe-temps de femmes désœuvrées et un chien édenté se croisent au pied d’un mausolée devenu tombe de fortune. L’absurdité des superstitions, croyances, malhonnêtetés en tous genres, dénonce sous forme de fable burlesque jubilatoire et ronde naïve de saynètes incantatoires, les travers de la société rurale marocaine.

Un escroc professionnel recyclé sur les sites de rencontre s’attaque à une veuve riche et distinguée mais ce thriller du 3ème âge pure illustration du « tel est pris qui croyait prendre » s’ankylose dans de poussifs et invraisemblables rebondissements vengeurs historiques sauvés par le seul talent des immarcescibles acteurs britanniques Helen Mirren et Ian McKellen. The good liar -Nicolas Searle - Penguin -2016.

Le plus grand chorégraphe américain a porté plus de 70 ans durant l’art de la danse comme une expression de liberté du corps à découvrir et interpréter individuellement par chacun des élèves au sein même de sa compagnie. Ensemble à l’écoute de leur émotion physique hors musique, dissociation rendue possible par les compositions de John Cage son compagnon. Un pari créatif de phrases, mouvements gérés en emplacements, comptés, ordonnés, associés en harmonie mathématique puis informatique engendrant l’esthétique même du langage corporel. Des 180 pièces qu’il créa, entouré de ses amis peintres Raushenberg, Andy Warhol...et de et de sa compagnie dissoute 2 ans après sa mort, reste un héritage visuel dont l’alternance technique entre archives et prestations réelles en images 3D restitue l’exigence même de Merce Cunningham.

Au fil d’une semaine entre Noël et le jour de l’An, dans les paysages glacés hivernaux, des islandais s’entrecroisent au long d’une succession de 56 saynètes filmées en plan fixe avec des acteurs non-professionnels reflétant par leur diversité et instantanéité l’état de la société et ses travers actuels : égoïsme, individualisme forcené, perte de solidarité... Un regard documentaire lucide et pessimiste sur le présent autant que l’avenir de l’humanité.

Au cœur des nuits pluvieuses d’une ville provinciale chinoise où des motards se réunissent en classes préparatoires de banditisme et partages de territoires, la rançon promise pour la capture d’un chef de gang rassemble la pègre et la police dans une même violence oppressante accentuée par le cadrage des plans, la luminosité froide des néons, la frénésie des images, l’esthétisme de capelines, la plastique même des acteurs. Voyou au grand cœur, femme fatale et ex-épouse unis dans la complicité d’un film aux codes et à l’humour noirs, aux temps brisés entre flash-back et courses effrénées, aux chorégraphies sanglantes traversent ce tourbillon de situations socio-romantiques, en témoins d’une Chine actuelle de survie humaine. Une mise en scène flamboyante pour ce troisième regard percutant après « Train de nuit » et « Black coal ».

Les relations de famille dans leur multiplicité mère-fille, belle-mère-gendre, grand-mère-petite fille, pères-filles et même beau-père rien ne manque à leur problématique universelle quand le réalisateur japonais, entouré de ses interprètes français voire américain articule son film autour de l’égocentrisme des comédiens, de leurs rivalités et angoisses existentielles ironiquement compensées par leurs défaillances mémorielles. En flamboyante sorcière Catherine Deneuve incarne la magie même du jeu d’acteur où la vérité nait de la fiction, réalité et mensonge se confondant dans leur double représentation entre vie privée et publique, spéculant entre la filiation et ses manques, rejetant toute sentimentalité en un tourbillon narcissique d’émotions exprimant le vrai par le faux ou inversement. Une chronique subtilement démultipliée en résonance avec les personnages de Juliette Binoche et Ethan Hawke.

Au jeu des 7 familles il occupe toutes les places ce fils d’une mère omniprésente, mari d’une épouse très absente, père de filles pré-adolescentes, frère d’un bi-sexuel officieux, petit-fils d’une grand-mère libérée, petit neveu d’un oncle prêtre, amant de sa séduisante cousine, finalement couronné ministre pour assumer toutes ces charges avec l’élégance de sa caste. Les apparences sont sauves malgré l’abandon du double voussoiement et le château pourra enrichir sa galerie de portraits illustrant les valeurs d’un réalisateur bien entouré de fidèles serviteurs et acteurs.

Un prêtre officiant dans un centre d’accueil pour migrants est muté dans une banlieue napolitaine ravagée par les pouvoirs de la Mafia, succédant à un curé ayant dénoncé les conséquences toxiques de l’enfouissement des déchets. Il prend sa relève à un niveau humain s’engageant en martyr dans une lutte contre le Mal, celui qui le ronge comme celui qui régit son environnement, sourd à l’esprit d’équilibre passif requis par l’Eglise et l’Etat. Un investissement et une intransigeance illimités que le réalisateur traduit dans la rigueur de sa mise en scène, par le seul suivi caméra à l’épaule et en plans séquences de son personnage mutique, pour rejoindre par les images et le silence son vain absolutisme christique face aux dérives consenties et complices de la société.

Tout feu tout flammes pour l’architecte du futur parvis de la cathédrale et son projet multidimensionnel élaboré dans un monde banalisé par les mauvaises nouvelles quotidiennes, une rupture conjugale doublement impossible, un pouvoir patronal abusif, une grossesse incongrue et des amours à rénover. Et rien ne s’écroule dans ce jeu de construction bâti sous la houlette magique de Valérie Donzelli (assistée par les sourires de Pierre Deladonchamps, la complicité de Bouli Lanners, l’irresponsabilité de Thomas Scimeca) où le temps rime avec sentiments, talents et enchantement d’une tendre et solide fantaisie.

Dans un taxi au pied de son immeuble une femme engage le chauffeur pour lui exprimer son mal être conjugal, sa prochaine séparation et ses doutes. Dans la solitude de son appartement un homme prend un rendez-vous pour partager une rencontre prise sur Internet avec un partenaire. La pudeur de leurs échanges sexuels met en lumière l’interdit de cette relation. Quand le réalisateur quitte le format carré de l’image pour réunir le couple au-delà des situations simultanément vécues par chacun, c’est par le hors cadre qu’ils conquièrent leur liberté face aux traditions matrimoniales et parentales, à l’environnement religieux, aux tabous homosexuels, et le rythme du temps réel (propre à la Nouvelle Vague du cinéma roumain) offre la subtilité de l’écoute et du partage pour donner sens à l’amour et ses dualités.

Un écran au format carré, des images N&B, la lumière des ténèbres nocturnes ou sous-marines, l’emprise de l’alcool, les mouettes et leurs sortilèges tourbillonnent en un retour à l’expressionnisme du cinéma de genre où les hallucinations et la réalité se confondent dans les tabous d’une sexualité symbolique. Une immersion oppressante où scénaristes, réalisateur et acteurs tentent d’immerger leurs spectateurs au risque de les engloutir dans leur hypnose baroque et cauchemardesque.

A Contagem petite ville du Brésil un coup de feu éclatant au milieu d’une fête rapproche des insatisfaits décidés à changer de vie. Fuir les violences inciviles, rétablir la justice en volant les riches au profit des pauvres de petites escroqueries en casses ratés, devenir chauffeur d’un Uber ou photographe scolaire...les petits rêves s’accumulent pour fuir le prosaïsme quotidien et faire rimer bonheur avec cœur. Une mosaïque de personnages filmés dans l’authenticité de leur quartier illustrent la banalité de leurs frustrations en dressant un tableau socio-culturel haut en couleurs et pourtant universel.

Quatre retraités du cinéma, condamnés au silence par la censure dictatoriale de leur pays avant d’y revenir après plus de 20 à 40 ans d’exil, se retrouvent pour transmettre leur passion et rouvrir une salle de projection à Khartoum. Des mètres de pellicules, des piles de boites cylindriques gardent derrière les façades démembrées les images d’un 7ème art soudanais talentueux qu’ils évoquent et nous font partager entre éclats de rires et tendresse pour refonder par la culture l’espoir de démocratie.

En 2015 la fermeture officielle de la frontière entre la France et l’Italie régit le passage de la migration entre Tende, Vintimille et la vallée de la Roya, par le droit à l’hébergement et aux soins et l’interdiction de transport. Pour déjouer cette aberration certains habitants sont entrés en résistance et expliquent les raisons et moyens de leur engagement humanitaire. Leurs paroles mêlées à celles de quelques migrants accompagnent ces mains tendues de part et d’autre en un échange solidaire de partage. Au fil de ce voyage sans fin entre la paix des montagnes et le ressac des plages de galets, les bandits expriment l’honneur des hommes.

Une star déchue de la télévision et sa doublure, voisins hollywoodiens de Sharon Tate, se retrouvent dans un pastiche hippie où l’imaginaire de Quentin Tarantino redonne vie aux mythes du cinéma américain, leur essence culturelle, des chevauchées aux acteurs losers, des clichés d’une industrie à ses paillettes vacillantes jusqu’à la nostalgie de son désenchantement transformée par la magie du rêve et du 7ème art.

En 1939 Franz Jägerstätter mari et père modèles, agriculteur dans les Alpes autrichiennes revient de sa première incorporation dans l’armée allemande brisé par la violence insufflée aux apprentis soldats du Reich, contraire à ses aspirations et pratiques spirituelles de respect et d’amour. Rejeté par un environnement rural civil ou religieux soumis aux théories nazies, insulté, emprisonné et torturé par les SS, il leur oppose sa foi et ses convictions idéologiques d’objecteur de conscience jusqu’à la mort. Les faits sont authentiques seront même reconnus et récompensés par sa béatification en 2009 (dont sa veuve et ses filles seront témoins). La force poétique des images et leur esthétisme transcendent la foi pour unir croyants ou non en une pure méditation philosophique dont la lumière s’oppose aux aveuglements politiques et leurs jouissances malsaines, dans une mise en scène virtuose faisant alterner moissons et prisons, authenticité de la terre et cruauté militaire, espérance divine et idéaux dévoyés. Sans renoncer à ses mouvements de caméra en contre-plongée ou grand angle, ses plans répétitifs et statiques, le double emploi des langues, les contrepoints symphoniques et silences surlignés, ni à sa fascination obsessionnelle pour la nature, le cinéaste renouvèle sa proposition d’un art cinématographique alliant la passion à la réflexion et à l’émotion.

écompenses 2019: Festival de Cannes/ Prix un Certain Regard Deux sœurs fusionnelles vont être séparées par l’amour fugitif de l’une pour un marin, sans que la passion éternelle de l’autre pour le piano ne les réunissent autrement que par leurs rêves. A Rio de Janeiro dans les années 50, le sexe a ses lois, ses châtiments patriarcaux, ses devoirs matrimoniaux et aujourd’hui les images conservent leurs pouvoirs mélodramatiques pour nous y envoûter dans un tourbillon d’émotions sociales et humaines. Eurydice devenue brésilienne assure son éternité par la force des sentiments, la fragilité des illusions égalitaires mises en scène en un Scope aux couleurs exotiques, évocatrices d’une délicate sororité portée avec éclat par Julia Stockler et Carol Duarte et le talent du réalisateur pour offrir au film une dimension flamboyante et anti-larmoyante. Les mille talents d’Euridice Gusmao - Martha Batalha - 2015 - Livre de Poche /2018.

L’insécurité professionnelle autant que sentimentale d’une jeune femme fragile la fait aller et venir entre le réel et l’imaginaire, à l’instar du réalisateur mêlant les émotions de la comédie romantique aux fantômes du genre fantastique. Un peintre provincial et solitaire visité par sa mère, une voisine par son père avec leur amoureuse commune vont croiser leurs visions, peurs et rêves incarnés par la crédibilité éphémère de Sara Giraudeau, la douceur sauvage de Nicolas Duvauchelle tenant en équilibre l’imaginaire de la para-normalité perpétrée d’un siècle à l’autre, des mots d’un écrivain aux images d’un cinéaste. Les amis des amis - Henry James - 1896 - Editions La Bibliothèque de Babel- 1980.

En 1927 une exploratrice russe installée à New York décide de revenir dans son pays natal en parcourant le pays à pied jusqu’au détroit de Béring, près de 100 ans plus tard c’est une même traversée d’Est en Ouest qu’entreprend le cinéaste et photographe Andreas Horvath filmant le parcours de Patrycja Planik jusqu’au Groenland où elle rejoindra Lillian Alling dans le mystère d’une même disparition. Une marche déterminée et mutique ponctuée par les sons de l’environnement rural, les bruits de fêtes locales, les répétitions de slogans publicitaires en écho aux images d’un périple à travers les carcasses de voitures, les ruines d’usines désaffectées, les rodéos désertés, les rencontres de hasard tous témoignages d’une société en mutation constante face à la force éternelle de la nature, de l’Iowa au Dakota jusqu’en Alaska. Un détournement du documentaire en odyssée authentique à travers le temps et l’espace.

L’adolescence ses émois et fantasmes qui se croisent et se superposent en famille et au collège entre cruauté, obésité, irresponsabilité, amitié pour dépasser les différences et sortir des refuges de l’enfance, affronter la réalité où grandir et s’épanouir. C’est Juliette elle-même qui donne le ton du franchissement de ces étapes, innocence, pudeur, spontanéité alternant en scènes naturelles qui estompent l’altérité en illuminant les cœurs. Joyeusement interprétée, une émouvante histoire dans la lignée d’un cinéma canadien fort en portraits de la jeunesse ses doutes, espoirs et certitudes d’avenir.

A Kaboul sous le pouvoir soviétique, un enfant des rues est placé dans un orphelinat où il découvre avec d’autres adolescents les rapports de pouvoir entre petits malfrats, la sexualité naissante, jusqu’au mausolée de Lénine au cours d’un voyage politiquement correct. Ce quotidien protecteur et initiatique est entrecoupé des rêves du gamin en séquences bollywoodiennes qui distancient de la violence extérieure jusqu’à l’arrivée moudjahidines. Avec ce deuxième volet de souvenirs après « Wolf & sheep », la réalisatrice afghane parcourt délicatement l’histoire de son pays, sa diversité ethnique, la richesse de sa culture passée, échappant par la maîtrise de son scénario aux horreurs de la violence.

Semblable à lui-même Elia Suleiman, plus lucide encore sous son chapeau, après les vingt années écoulées depuis « Intervention divine » et les dix depuis « Le temps qu’il reste » durées qui n’ont profité ni à la paix en Palestine ni à la sagesse universelle, alors il demeure spectateur lucide d’un monde uniformisé par son absurdité, des voleurs de citrons de son jardin aux échos militarisés d’un 14 juillet parisien jusqu’aux chorégraphies policières de Central Park. Digne héritier de Buster Keaton, Charlie Chaplin et Jacques Tati, il dénonce d’une situation à l’autre et de la liberté d’un pays à une servitude ennemie l’exercice de la violence par la pure absurdité des comportements de chacun. Un conte burlesque certes, mais par-delà la fable drolatique s’inscrit l’espoir pathétique de l’existence d’un paradis terrestre où les moineaux restent libres de picorer les ordinateurs et les cinéastes d’être poètes.

Années 50, le privé d’une agence new yorkaise est assassiné et son ami, collaborateur le plus proche atteint du syndrome de Gilles de la Tourette, décide de le venger fort des dérives de son handicap l’hypermnésie et ses compensations obsessionnelles. Le choix du thriller de Jonathan Lethem, le décalage de son adaptation en temps et récit, accentuent autant les règles du genre que la pérennité de la corruption immobilière réactualisée de Moses Randolph à Donald Trump, assortie de la gentrification de Manhattan ou l’institutionnalisation du racisme ordinaire. Avec une mise en scène inventive sur de sombres décors d’époque, des images sublimées par les meilleurs jazzmen, un discours inversant l’humour des tocs en rigueur de pensée, des acteurs rivalisant de talent, le réalisateur démultiplie une intrigue basique, son ancrage de film noir et sa variation romantique en regard social de lutte pour défendre la démocratie de l’abus des pouvoirs politiques et d’espoir sur la société et le respect de ses différences humaines. Edward Norton, 19 ans après « Au nom d’Anna » revient à la réalisation, des années propices à la maîtrise du 7ème art. Les orphelins de Brooklyn – Jonathan Lethem –2000 - Editions de l’Olivier/ 2003.