Pour combler le vide de sa condition de potiche décorative d’un foyer bourgeois, une jeune épouse et future mère est prise d’envies irrépressibles d’ingurgiter tout objet à sa portée. Cette compensation psychologique (syndrome de Pica) traitée avec une rigueur formelle d’images répondant à l’enfermement enduré, au mépris de classe sociale subi, à la dépossession mentale imposée, accentuée par le silence environnemental relevant de l’exercice du pouvoir patriarcal culturel. Des gestes du présent au causes du passé jusqu’à la quête d’un avenir, ce parcours contradictoire, jalonné de troubles, doutes, secrets portés par la maîtrise du scénario, de la mise en scène, l’esthétique des décors, le jeu de l’actrice, procurent à ce premier film un plaisir étrange de libération.

12000 euros c’est la somme butoir à s’offrir en partage de l’amour fou qui lie un couple en un ballet de désir et de plaisir à conquérir envers et contre la cruauté banale d’un monde socialement injuste. Un jeu érotique absolu entre les corps et les sentiments, leur sujétion et leur liberté qui privilégie leur intensité entre recherche esthétique, et regard politique, la sensualité se jouant de la réalité d’un quotidien effacé par les rêves. Après deux documentaires la réalisatrice/actrice s’évade elle-même vers la fiction entre romance et critique sociétale sans jamais trouver son équilibre entre forme et fond.

Léon Blum a gouverné le Front Populaire, institué les 40 heures et les Congés payés, continué à militer pour la SFIO après son départ du gouvernement en 1938, avant d’être arrêté par Pétain en 1940, jugé au Procès de Riom en 1942 puis livré par Pierre Laval en 1943 aux allemands et déporté dans le manoir d’Himmler près de Buchenwald partageant une captivité dorée avec son rival de droite Georges Mandel. Libéré et revenu en France il poursuit ses activités politiques avant d’être victime d’une crise cardiaque en 1950. Jeanne Reichenbach, amoureuse dès sa première rencontre avec cet ami de sa famille de trente ans son aîné, si elle n’attendit pas vraiment leurs veuvages respectifs pour partager sa passion le suivit de son refuge bordelais à ses prisons successives de Chazeron, du Fort de Portalet et de Riom jusqu’à Buchenwald pour l’épouser en 1943 et demeurer ainsi la dernière aventure sentimentale de cet homme à femmes. C’est cette histoire d’amour dans l’histoire de France que Laurent Heyneman dédouble en hommage académique et rappel mémoriel d’une époque reconstituée dans une authenticité compassée à laquelle Elsa Zylberstein offre sa flamme passionnelle, Hippolyte Girardot un charme désuet, Emilie Dequenne une réserve chaleureuse. Je vous promets de revenir - Dominique Missika - Robert Laffont - 2009.

Accros aux « like », addicts aux « selfies », proies des logiciels, héros ou victimes de tous âges et conditions, ils virevoltent entre fausses gloires et vaine reconnaissance, se ridiculisent en une ronde sautillante de sketchs où Blanche Gardin, Manu Payet et autres humoristes, se jouent des abus du numérique, entre leurs rires et nos larmes.

Une semaine en Ardèche pour transposer Roméo et Juliette en fiction amoureuse où virevoltent les fantasmes de séduction d’un réalisateur amateur au fil d’un marivaudage artisanal, musical, estival et bancal.

Une jeune actrice dans l’attente du rôle qui la sortira du recours aux pubs et prestations webcam est contactée pour une audition devant le producteur d’un long-métrage aux scènes érotiques annoncées. Une mise en abyme de la concurrence entre candidates, du harcèlement sexuel, de leur violence banalisée où le récit se décompose en flash-back, le personnage se démultiplie en trois comédiennes, les scènes se superposent en répétitions hallucinatoires, persécutions cauchemardesques, tabous de l’homosexualité féminine, confusions du réel et de l’imaginaire dévoilant la force compensatoire d’un traumatisme originel Le réalisateur fait flamboyer l’accès au tapis rouge de l’écarlate des robes de star, sa scénariste recherche les sources de son histoire en quête onirique d’une chambre numérotée, dédoublée en actrice elle dénonce les comportements réduisant la femme à son statut de poupée gonflable et ensemble ils nous entraînent dans un sulfureux labyrinthe accusateur voire libérateur.

Le nouveau conseil municipal de Montfermeil va tout changer, réduire les injustices, effacer les différences, transformer le quotidien, en obligeant chacun de ses concitoyens à la pratique de la méditation à heures fixes en alternance avec la sieste, à l’assistance sexuelle, l’apprentissage d’idiomes et langues diversifiées, le port alterné de tenues vestimentaires locales, l’écoute de l’autre et le retour à l’amour, la participation à des fêtes récurrentes... toutes directives aussi péremptoires que délirantes contrecarrées par leurs ennemis potentiels. Une fantaisie utopiste orchestrée en suite de saynètes déjantées, fausse farce dénonçant les absurdités sociétales, le racisme ambiant, la perte des sentiments en mode burlesque où règne Emmanuelle Béart en maîtresse femme, papillonne Jeanne Balibar en réalisatrice assumant avec légèreté une satire drolatique partagée avec sa bande de joyeux copains pour nous faire rire sur un ton décalé très inhabituel dans le cinéma français.

Autant pour résoudre un problème de blanchiment d’argent de trafiquants que pour libérer un mafieux généreux et se laisser séduire par une femme vénale, un policier ripoux va et vient entre Bucarest et les Canaries où il apprendra l’ancestral langage secret du sifflement. Les stridences de ce thriller résonnent en échos multiples au double jeu du héros, de ses amours fatales et de sa « conscience » professionnelle grinçante d’absurdité d’un puzzle retors.

Comment être face aux autres quand on a 16 ans et qu’il faut tout affronter parents, élèves d’un nouveau lycée, voire les filles ? pour résoudre cette insurmontable difficulté un jeune garçon recourt à l’aide de son frère aîné champion de basket et gagneur toutes catégories qui lui souffle les conduites à adopter face à chaque situation. Pour étayer cette période cruciale de construction individuelle le réalisateur a recours au subterfuge d’un dédoublement consécutif à un deuil, illustrant la fragilité de la conquête identitaire par une dualité fraternelle que les deux jeunes acteurs incarnent avec énergie. Après « Ce n’est pas un film de cow-boys » et la série « Les grands », Benjamin Parent affute son regard sur l’adolescence pour le rendre vrai.

Un artiste américain scénariste, réalisateur, directeur d’acteurs évolue dans un bonheur parfait de nouveau père amoureux de sa jeune et jolie femme, mais derrière ces apparences de rêve publicitaire la réalité quotidienne s’enrichit de flash-back d’addictions passées et dépassées, de jalousies présentes et des malheurs futurs des passions éternelles christique ou masculine voire autobiographique. Willem Dafoe incarne les souffrances narcissiques de son double trouble au fil de son chemin de croix dans une Rome hantée par Fellini, toutes chimères créatrices confondues en expérience cinématographique.

Une jeune danseuse fragilisée par l’abandon de son art perd subitement son père, brisée par cette disparition elle trouve un réconfort amoureux auprès du photographe qui avait mémorisé ses derniers moments. Un transfert du deuil qu’elle ne fera jamais mais que la réalisatrice développe entre l’espace et le temps unis par deux actrices recomposant chacune dans un présent douloureux leur passé de souffrance et leur futur de rêves inaccomplis. Un mal-être existentiel sans issue ni espoir de libération accentué par l’esthétisme des décors, le rythme des scènes, la lumière des images où passent les fantômes et demeurent les vivants. Dommage que l’idée de dédoublement réincarnée par Anouk Grinberg ne trouve pas suffisamment de consistance chez Astrid Bergès-Frisbey et que le film n’y perde à son tour sa résonance.

En 2003 la manipulation du gouvernement américain auprès du Conseil de Sécurité de l’ONU pour déclencher la guerre en Irak est transmise par une employée des services secrets anglais avant d’être révélée par la presse, reprise par un cabinet d’avocats et provoquer la comparution pour haute trahison de cette honnête lanceuse d’alerte. Traité au départ comme un classique sujet d’espionnage l’authenticité du vécu de Katherine Gun impliquant les répercussions sur sa vie quotidienne donnent insensiblement au film une dimension humaine et universelle à l’honnêteté ou la naïveté héroïque dont elle fait preuve. L’expérience cinématographique de Gavin Hood distancie l’autobiographie au profit de la dénonciation étatique avec justesse. The spy who tried to stop a war – Katharine Gun – Polipoint Press – 2008.

C’est entourée de sa famille que, le soir de ses 70 ans, une veuve aimée est victime d’un AVC qui oblige ses quatre fils à prendre soin d’elle. N°1 l’aîné trop occupé la confie à N°2 qui endetté se libèrerait bien de sa charge sur N°3 parieur invétéré et ainsi de suite dans le respect des traditions provinciales de cette petite ville mise en lumière par un tableau de Huang Gongwang célèbre maître ancestral dont la toile se déroulait pour être découverte dans son intégralité. Le cinéaste utilise à son tour ses images pour au fil des saisons et d’un frère à l’autre faire évoluer l’espace et le temps entre la pérennité de la nature et les modalités changeantes de la vie. Ce premier volet d’une trilogie future traduit la mutation de la société chinoise dans l’équilibre d’une fiction poétique et l’authenticité du réel où le fleuve Yangtsé nous fera bientôt voguer.

Un voleur dit scientifique, looser en quête de son trésor sacralisé, un gardien de fausses reliques monétaires, des pèlerins invoquant la pluie, des paysans fuyant leurs terres asséchées, un aubergiste profiteur, un barbier coiffeur escroc, un médecin passe-temps de femmes désœuvrées et un chien édenté se croisent au pied d’un mausolée devenu tombe de fortune. L’absurdité des superstitions, croyances, malhonnêtetés en tous genres, dénonce sous forme de fable burlesque jubilatoire et ronde naïve de saynètes incantatoires, les travers de la société rurale marocaine.

Un escroc professionnel recyclé sur les sites de rencontre s’attaque à une veuve riche et distinguée mais ce thriller du 3ème âge pure illustration du « tel est pris qui croyait prendre » s’ankylose dans de poussifs et invraisemblables rebondissements vengeurs historiques sauvés par le seul talent des immarcescibles acteurs britanniques Helen Mirren et Ian McKellen. The good liar -Nicolas Searle - Penguin -2016.

Le plus grand chorégraphe américain a porté plus de 70 ans durant l’art de la danse comme une expression de liberté du corps à découvrir et interpréter individuellement par chacun des élèves au sein même de sa compagnie. Ensemble à l’écoute de leur émotion physique hors musique, dissociation rendue possible par les compositions de John Cage son compagnon. Un pari créatif de phrases, mouvements gérés en emplacements, comptés, ordonnés, associés en harmonie mathématique puis informatique engendrant l’esthétique même du langage corporel. Des 180 pièces qu’il créa, entouré de ses amis peintres Raushenberg, Andy Warhol...et de et de sa compagnie dissoute 2 ans après sa mort, reste un héritage visuel dont l’alternance technique entre archives et prestations réelles en images 3D restitue l’exigence même de Merce Cunningham.

Au fil d’une semaine entre Noël et le jour de l’An, dans les paysages glacés hivernaux, des islandais s’entrecroisent au long d’une succession de 56 saynètes filmées en plan fixe avec des acteurs non-professionnels reflétant par leur diversité et instantanéité l’état de la société et ses travers actuels : égoïsme, individualisme forcené, perte de solidarité... Un regard documentaire lucide et pessimiste sur le présent autant que l’avenir de l’humanité.

Au cœur des nuits pluvieuses d’une ville provinciale chinoise où des motards se réunissent en classes préparatoires de banditisme et partages de territoires, la rançon promise pour la capture d’un chef de gang rassemble la pègre et la police dans une même violence oppressante accentuée par le cadrage des plans, la luminosité froide des néons, la frénésie des images, l’esthétisme de capelines, la plastique même des acteurs. Voyou au grand cœur, femme fatale et ex-épouse unis dans la complicité d’un film aux codes et à l’humour noirs, aux temps brisés entre flash-back et courses effrénées, aux chorégraphies sanglantes traversent ce tourbillon de situations socio-romantiques, en témoins d’une Chine actuelle de survie humaine. Une mise en scène flamboyante pour ce troisième regard percutant après « Train de nuit » et « Black coal ».

Les relations de famille dans leur multiplicité mère-fille, belle-mère-gendre, grand-mère-petite fille, pères-filles et même beau-père rien ne manque à leur problématique universelle quand le réalisateur japonais, entouré de ses interprètes français voire américain articule son film autour de l’égocentrisme des comédiens, de leurs rivalités et angoisses existentielles ironiquement compensées par leurs défaillances mémorielles. En flamboyante sorcière Catherine Deneuve incarne la magie même du jeu d’acteur où la vérité nait de la fiction, réalité et mensonge se confondant dans leur double représentation entre vie privée et publique, spéculant entre la filiation et ses manques, rejetant toute sentimentalité en un tourbillon narcissique d’émotions exprimant le vrai par le faux ou inversement. Une chronique subtilement démultipliée en résonance avec les personnages de Juliette Binoche et Ethan Hawke.

Au jeu des 7 familles il occupe toutes les places ce fils d’une mère omniprésente, mari d’une épouse très absente, père de filles pré-adolescentes, frère d’un bi-sexuel officieux, petit-fils d’une grand-mère libérée, petit neveu d’un oncle prêtre, amant de sa séduisante cousine, finalement couronné ministre pour assumer toutes ces charges avec l’élégance de sa caste. Les apparences sont sauves malgré l’abandon du double voussoiement et le château pourra enrichir sa galerie de portraits illustrant les valeurs d’un réalisateur bien entouré de fidèles serviteurs et acteurs.

Un prêtre officiant dans un centre d’accueil pour migrants est muté dans une banlieue napolitaine ravagée par les pouvoirs de la Mafia, succédant à un curé ayant dénoncé les conséquences toxiques de l’enfouissement des déchets. Il prend sa relève à un niveau humain s’engageant en martyr dans une lutte contre le Mal, celui qui le ronge comme celui qui régit son environnement, sourd à l’esprit d’équilibre passif requis par l’Eglise et l’Etat. Un investissement et une intransigeance illimités que le réalisateur traduit dans la rigueur de sa mise en scène, par le seul suivi caméra à l’épaule et en plans séquences de son personnage mutique, pour rejoindre par les images et le silence son vain absolutisme christique face aux dérives consenties et complices de la société.

Tout feu tout flammes pour l’architecte du futur parvis de la cathédrale et son projet multidimensionnel élaboré dans un monde banalisé par les mauvaises nouvelles quotidiennes, une rupture conjugale doublement impossible, un pouvoir patronal abusif, une grossesse incongrue et des amours à rénover. Et rien ne s’écroule dans ce jeu de construction bâti sous la houlette magique de Valérie Donzelli (assistée par les sourires de Pierre Deladonchamps, la complicité de Bouli Lanners, l’irresponsabilité de Thomas Scimeca) où le temps rime avec sentiments, talents et enchantement d’une tendre et solide fantaisie.

Dans un taxi au pied de son immeuble une femme engage le chauffeur pour lui exprimer son mal être conjugal, sa prochaine séparation et ses doutes. Dans la solitude de son appartement un homme prend un rendez-vous pour partager une rencontre prise sur Internet avec un partenaire. La pudeur de leurs échanges sexuels met en lumière l’interdit de cette relation. Quand le réalisateur quitte le format carré de l’image pour réunir le couple au-delà des situations simultanément vécues par chacun, c’est par le hors cadre qu’ils conquièrent leur liberté face aux traditions matrimoniales et parentales, à l’environnement religieux, aux tabous homosexuels, et le rythme du temps réel (propre à la Nouvelle Vague du cinéma roumain) offre la subtilité de l’écoute et du partage pour donner sens à l’amour et ses dualités.

Un écran au format carré, des images N&B, la lumière des ténèbres nocturnes ou sous-marines, l’emprise de l’alcool, les mouettes et leurs sortilèges tourbillonnent en un retour à l’expressionnisme du cinéma de genre où les hallucinations et la réalité se confondent dans les tabous d’une sexualité symbolique. Une immersion oppressante où scénaristes, réalisateur et acteurs tentent d’immerger leurs spectateurs au risque de les engloutir dans leur hypnose baroque et cauchemardesque.

A Contagem petite ville du Brésil un coup de feu éclatant au milieu d’une fête rapproche des insatisfaits décidés à changer de vie. Fuir les violences inciviles, rétablir la justice en volant les riches au profit des pauvres de petites escroqueries en casses ratés, devenir chauffeur d’un Uber ou photographe scolaire...les petits rêves s’accumulent pour fuir le prosaïsme quotidien et faire rimer bonheur avec cœur. Une mosaïque de personnages filmés dans l’authenticité de leur quartier illustrent la banalité de leurs frustrations en dressant un tableau socio-culturel haut en couleurs et pourtant universel.

Quatre retraités du cinéma, condamnés au silence par la censure dictatoriale de leur pays avant d’y revenir après plus de 20 à 40 ans d’exil, se retrouvent pour transmettre leur passion et rouvrir une salle de projection à Khartoum. Des mètres de pellicules, des piles de boites cylindriques gardent derrière les façades démembrées les images d’un 7ème art soudanais talentueux qu’ils évoquent et nous font partager entre éclats de rires et tendresse pour refonder par la culture l’espoir de démocratie.

En 2015 la fermeture officielle de la frontière entre la France et l’Italie régit le passage de la migration entre Tende, Vintimille et la vallée de la Roya, par le droit à l’hébergement et aux soins et l’interdiction de transport. Pour déjouer cette aberration certains habitants sont entrés en résistance et expliquent les raisons et moyens de leur engagement humanitaire. Leurs paroles mêlées à celles de quelques migrants accompagnent ces mains tendues de part et d’autre en un échange solidaire de partage. Au fil de ce voyage sans fin entre la paix des montagnes et le ressac des plages de galets, les bandits expriment l’honneur des hommes.

Une star déchue de la télévision et sa doublure, voisins hollywoodiens de Sharon Tate, se retrouvent dans un pastiche hippie où l’imaginaire de Quentin Tarantino redonne vie aux mythes du cinéma américain, leur essence culturelle, des chevauchées aux acteurs losers, des clichés d’une industrie à ses paillettes vacillantes jusqu’à la nostalgie de son désenchantement transformée par la magie du rêve et du 7ème art.

En 1939 Franz Jägerstätter mari et père modèles, agriculteur dans les Alpes autrichiennes revient de sa première incorporation dans l’armée allemande brisé par la violence insufflée aux apprentis soldats du Reich, contraire à ses aspirations et pratiques spirituelles de respect et d’amour. Rejeté par un environnement rural civil ou religieux soumis aux théories nazies, insulté, emprisonné et torturé par les SS, il leur oppose sa foi et ses convictions idéologiques d’objecteur de conscience jusqu’à la mort. Les faits sont authentiques seront même reconnus et récompensés par sa béatification en 2009 (dont sa veuve et ses filles seront témoins). La force poétique des images et leur esthétisme transcendent la foi pour unir croyants ou non en une pure méditation philosophique dont la lumière s’oppose aux aveuglements politiques et leurs jouissances malsaines, dans une mise en scène virtuose faisant alterner moissons et prisons, authenticité de la terre et cruauté militaire, espérance divine et idéaux dévoyés. Sans renoncer à ses mouvements de caméra en contre-plongée ou grand angle, ses plans répétitifs et statiques, le double emploi des langues, les contrepoints symphoniques et silences surlignés, ni à sa fascination obsessionnelle pour la nature, le cinéaste renouvèle sa proposition d’un art cinématographique alliant la passion à la réflexion et à l’émotion.

écompenses 2019: Festival de Cannes/ Prix un Certain Regard Deux sœurs fusionnelles vont être séparées par l’amour fugitif de l’une pour un marin, sans que la passion éternelle de l’autre pour le piano ne les réunissent autrement que par leurs rêves. A Rio de Janeiro dans les années 50, le sexe a ses lois, ses châtiments patriarcaux, ses devoirs matrimoniaux et aujourd’hui les images conservent leurs pouvoirs mélodramatiques pour nous y envoûter dans un tourbillon d’émotions sociales et humaines. Eurydice devenue brésilienne assure son éternité par la force des sentiments, la fragilité des illusions égalitaires mises en scène en un Scope aux couleurs exotiques, évocatrices d’une délicate sororité portée avec éclat par Julia Stockler et Carol Duarte et le talent du réalisateur pour offrir au film une dimension flamboyante et anti-larmoyante. Les mille talents d’Euridice Gusmao - Martha Batalha - 2015 - Livre de Poche /2018.

L’insécurité professionnelle autant que sentimentale d’une jeune femme fragile la fait aller et venir entre le réel et l’imaginaire, à l’instar du réalisateur mêlant les émotions de la comédie romantique aux fantômes du genre fantastique. Un peintre provincial et solitaire visité par sa mère, une voisine par son père avec leur amoureuse commune vont croiser leurs visions, peurs et rêves incarnés par la crédibilité éphémère de Sara Giraudeau, la douceur sauvage de Nicolas Duvauchelle tenant en équilibre l’imaginaire de la para-normalité perpétrée d’un siècle à l’autre, des mots d’un écrivain aux images d’un cinéaste. Les amis des amis - Henry James - 1896 - Editions La Bibliothèque de Babel- 1980.

En 1927 une exploratrice russe installée à New York décide de revenir dans son pays natal en parcourant le pays à pied jusqu’au détroit de Béring, près de 100 ans plus tard c’est une même traversée d’Est en Ouest qu’entreprend le cinéaste et photographe Andreas Horvath filmant le parcours de Patrycja Planik jusqu’au Groenland où elle rejoindra Lillian Alling dans le mystère d’une même disparition. Une marche déterminée et mutique ponctuée par les sons de l’environnement rural, les bruits de fêtes locales, les répétitions de slogans publicitaires en écho aux images d’un périple à travers les carcasses de voitures, les ruines d’usines désaffectées, les rodéos désertés, les rencontres de hasard tous témoignages d’une société en mutation constante face à la force éternelle de la nature, de l’Iowa au Dakota jusqu’en Alaska. Un détournement du documentaire en odyssée authentique à travers le temps et l’espace.

L’adolescence ses émois et fantasmes qui se croisent et se superposent en famille et au collège entre cruauté, obésité, irresponsabilité, amitié pour dépasser les différences et sortir des refuges de l’enfance, affronter la réalité où grandir et s’épanouir. C’est Juliette elle-même qui donne le ton du franchissement de ces étapes, innocence, pudeur, spontanéité alternant en scènes naturelles qui estompent l’altérité en illuminant les cœurs. Joyeusement interprétée, une émouvante histoire dans la lignée d’un cinéma canadien fort en portraits de la jeunesse ses doutes, espoirs et certitudes d’avenir.

A Kaboul sous le pouvoir soviétique, un enfant des rues est placé dans un orphelinat où il découvre avec d’autres adolescents les rapports de pouvoir entre petits malfrats, la sexualité naissante, jusqu’au mausolée de Lénine au cours d’un voyage politiquement correct. Ce quotidien protecteur et initiatique est entrecoupé des rêves du gamin en séquences bollywoodiennes qui distancient de la violence extérieure jusqu’à l’arrivée moudjahidines. Avec ce deuxième volet de souvenirs après « Wolf & sheep », la réalisatrice afghane parcourt délicatement l’histoire de son pays, sa diversité ethnique, la richesse de sa culture passée, échappant par la maîtrise de son scénario aux horreurs de la violence.

Semblable à lui-même Elia Suleiman, plus lucide encore sous son chapeau, après les vingt années écoulées depuis « Intervention divine » et les dix depuis « Le temps qu’il reste » durées qui n’ont profité ni à la paix en Palestine ni à la sagesse universelle, alors il demeure spectateur lucide d’un monde uniformisé par son absurdité, des voleurs de citrons de son jardin aux échos militarisés d’un 14 juillet parisien jusqu’aux chorégraphies policières de Central Park. Digne héritier de Buster Keaton, Charlie Chaplin et Jacques Tati, il dénonce d’une situation à l’autre et de la liberté d’un pays à une servitude ennemie l’exercice de la violence par la pure absurdité des comportements de chacun. Un conte burlesque certes, mais par-delà la fable drolatique s’inscrit l’espoir pathétique de l’existence d’un paradis terrestre où les moineaux restent libres de picorer les ordinateurs et les cinéastes d’être poètes.

Années 50, le privé d’une agence new yorkaise est assassiné et son ami, collaborateur le plus proche atteint du syndrome de Gilles de la Tourette, décide de le venger fort des dérives de son handicap l’hypermnésie et ses compensations obsessionnelles. Le choix du thriller de Jonathan Lethem, le décalage de son adaptation en temps et récit, accentuent autant les règles du genre que la pérennité de la corruption immobilière réactualisée de Moses Randolph à Donald Trump, assortie de la gentrification de Manhattan ou l’institutionnalisation du racisme ordinaire. Avec une mise en scène inventive sur de sombres décors d’époque, des images sublimées par les meilleurs jazzmen, un discours inversant l’humour des tocs en rigueur de pensée, des acteurs rivalisant de talent, le réalisateur démultiplie une intrigue basique, son ancrage de film noir et sa variation romantique en regard social de lutte pour défendre la démocratie de l’abus des pouvoirs politiques et d’espoir sur la société et le respect de ses différences humaines. Edward Norton, 19 ans après « Au nom d’Anna » revient à la réalisation, des années propices à la maîtrise du 7ème art. Les orphelins de Brooklyn – Jonathan Lethem –2000 - Editions de l’Olivier/ 2003.

La disparition d’une femme unit mystérieusement les Causses enneigées aux rues ensoleillées d’Abidjan, par la solitude, les amours fantasmées, le profit de la sexualité reliant les rites sacrificiels aux technologies d’Internet toutes virtualités confondues dans l’exploitation mondialisée. Découpé en chapitres définissant chacun des personnages impliqués dans ce puzzle noir le film part des conditions austères de la ruralité pour rejoindre celles de la misère africaine surpeuplée, les inégalités économiques entremêlées aux frustrations humaines, au fil d’un intéressant cyber-thriller à voir et à lire. Seules les bêtes – Colin Niel – Editions du Rouergue 2017 – Babel Noir 2019 .

Elle s’appelle Lola et son désespoir face à la mort de sa mère n’a d’égal que la violence du rejet de son père. Un voyage pour répandre les cendres sur la plage de la maison familiale apaisera au fil des étapes leurs douleurs respectives jusqu’à si ce n’est effacer leurs différences, les assumer dans un respect mutuel. Une histoire de corps et de cœurs subtilement mêlés pour aborder un tabou porté par l’énergie et la sincérité de Mya Bollaers habilement soutenue par Benoît Magimel.

Les rêves d’une jeune chirurgienne s’entrecroisent avec ceux d’un policier dans la moiteur estivale d’un paisible ville de province, la disparition du jeune frère de l’une s’entrecroisant avec celle de la fiancée de l’autre en une errance d’âmes égarées dans les rigueurs de la vie. Le parcours sinue entre les personnages virtuels ou réels, le drame s’attache à la culpabilité plus forte que les faits, le deuil se fond dans les émotions pour dépasser les douleurs, atteindre la résilience et retrouver l’espoir par l’amour et la poésie d’un cinéma dédoublé entre onirisme et réalisme.

Du rire dans les jeux de mots et des larmes dans les maux des corps transcendés par l’amitié indéfectible de deux copains d’enfance que rien ne saurait séparer pas même le tourbillon de quiproquos en dominos qui agitent ces chercheur ou flambeur que Fabrice Lucchini et Patrick Bruel incarnent en toute complicité masculine pour un succès mérité et annoncé.

Les étiquettes accrochées aux vêtements distribués de par le monde par les multinationales du prêt à porter ne révèlent rien du travail des esclaves de l’industrie textile, victimes des conditions sociales et culturelles du Bangladesh ou d’ailleurs. Si les luttes prolétariennes font partie de notre passé, elles perdurent dans bien d’autres pays et à Dacca, une jeune ouvrière en devient la porte-parole déterminée à affronter les dérives du capitalisme et les abus des traditions populaires sexistes. Avec ce second film d’une trilogie dédiée aux bangladaises, la réalisatrice évite les pièges du docu-fiction activiste, de la reconstitution militante, du misérabilisme économique, solidaire de ses actrices pour partager leur énergie dans ce combat de femmes pour leur émancipation,

Il était une fois le rêve, la poésie et les contes pour s’évader des contraintes de la vie, à l’Institut Benjamenta l’enseignement du travail domestique, par la seule valeur de la modestie, est prodigué hors temps et normes sous la baguette de biche d’une fée et la puissance d’un ogre égaré. L’enchantement du N& B, des décors gothiques, des images oniriques, des sons raffinés sur voix off lancinante, entremêle en un labyrinthe sophistiqué l’esthétique surréaliste à la perception de l’existence pour nous y envoûter au seul risque de nous y perdre. L’institut Benjamenta - Robert Walser - 1909 - Gallimard/1981.

Il était deux fois le Prince Laankos, car le voilà revenu cet inventeur et voyageur échappé de son Château des Singes (1995) échouant malencontreusement sur une terre inconnue. Recueilli par un gamin malin lui-même enfant trouvé vivant avec un couple de chercheurs dans une contrée dévorée par la forêt il découvre aux alentours une cité figée dans le conservatisme protectionniste et dominateur de ses maîtres à penser qu’il devra fuir au nom de la liberté d’être et d’agir. A l’habituelle élégance du graphisme, tout en nuances de couleurs et de rythme, au choix du stylisme de la mégalopole, à l’inventivité de son « animatique sauvage », à la poésie du récit Jean François Laguionie superpose l’actualité du sujet et la richesse de son regard sur les dérives de notre société pour nous offrir à tous un voyage exceptionnel de générosité et beauté.

Elles sont 13 sœurs de la nuit, stars transformistes à incarner leurs égéries dans la magie des possibles, grimées pour offrir l’illusion sur les planches de cabarets jusqu’aux coulisses de leurs vies. Avant tout gays et artistes, aux quotidiens nocturnes et diurnes dédoublés, ils se confient entre préparation de leurs shows, maquillages, prestations et interviews pour exprimer la découverte de leur homosexualité, la réception familiale et la détresse de cette différence, la décision de la scène, l’ambigüité entre masculinité/féminité et son choix physique, la difficulté de cette forme d’« inceste lesbien ». Les paillettes du glamour cachent la pudeur des confidences recueillies avec subtilité par la documentariste dans ce film humaniste.

L’adaptation d’une nouvelle de Dorothy M.Johnson relatant la capture d’un lord anglais et ses mésaventures permet au réalisateJur de traiter avec justesse les modes de vie des Sioux au XIXème siècle leur rendant une authenticité trop souvent négligée par les westerns commerciaux.

Les 3 concerts des Talking Heads filmés pour la tournée de leur album Speaking in Tongues restent un événement culte du rock & roll aux titres inoubliables : Psycho Killer / Heaven / Thank you for sending Me an Angel / Found a Job / Slippery People /Burning Down the House / Life During Wartime / Making Flippy Floppy / Swamp / What a Day That Was / This must be the place ( Naive Melody)/ Once in a Lifetime / Genius of Love / Girlfriend is Better / Take me to the River / Crosseyed and Painless.

Les visages et les corps des ouvriers d’une aciérie russe sont aussi rigides et rebelles à la torsion que les métaux traités dans les conditions de travail inflexibles de leur usine. Entrés en résistance contre sa fermeture, ils vont affronter la mafia oligarque patronale, la corruption policière jusqu’à la peur individuelle qui transforme la prise d’otage en état de siège, et le film en authentique thriller prolétaire où rançon rime autant avec action que rédemption avec désespoir face au pouvoir. Une métaphore violente, le temps d’une pluvieuse nuit d’hiver dans la noirceur de l’environnement, des coursives des ateliers aux voies tortueuses qui y conduisent ou nous en éloignent, pour qu’au final la violence transforme la conscience d’un homme en route vers la justice. Le quatrième engagement de Yuri Bykov après « Live », « The major » et « L’idiot ».

Dresde au fil des années de 1937 à 1963, de la découverte de l’art dégénéré par un gamin à la pratique de la peinture officielle communiste et de l’enfance brisée par la criminalité nazie à la maturité conquise au-delà du mur de Berlin, le parcours vers la liberté créative est infini. C’est celui de Gerhard Richter dont s’empare le cinéaste en mêlant l’intime à l’histoire, la fresque épique allemande et l’étude artistique individuelle. Formé au réalisme collectif soviétique le peintre devra dépasser les acquis, esthétiques politiques, les modes conceptuelles pour enrichi par elles autant que par sa vie personnelle dépasser toute subjectivité, s’inventer, se découvrir lui-même. C’est le sens de sa période 68 qualifiée de « photo sans auteur » où la réalité apparait dans le passé reflué dans le présent. A son tour le réalisateur traversant le siècle engage, par l’esthétisme de ses images, la maîtrise de la reconstitution, la prestation de ses acteurs, l’émotion du vécu et un certain lyrisme, une réflexion sur le pouvoir de l’environnement, jusqu’à utiliser sa résonance dans la fonction de l’art contemporain incluant l’objet du cinéma ?

Ils sont tous là les personnages de Guédiguian, en famille dans leur ville qu’ils traversent et qui, à leur exemple, évolue, se construit surajoutant à ses fondations la modernité de ses tours vitrées et à ses origines prolétaires celles d’arrivistes sans scrupules. A l’honnêteté sacrificielle de la génération ancienne incarnée par le respect de l’autre se substituent les dérives d’une société dominée par les pouvoirs des seuls profits sexe et argent confondus en écho aux pleurs de la dernière-née de la tribu. Les luttes collectives et leur union se fracassent contre l’individualisation de l’ubérisation, du recyclage commercial véreux, la misère contemporaine capitaliste prorogeant une pauvreté solidaire disparue. Les décors tourbillonnants des voies rapides urbanisées ou des enseignes de magasins « cash », les scènes répétitives de prises de cocaïne ou fumettes électroniques compulsives, d’érotisme détourné, de travail humiliant cause d’un racisme migratoire illustrent la dénonciation des régressions utopistes et politiques incarnées par une femme de ménage et un conducteur de bus, autant que les mutations sociétales réductrices de leurs enfants adeptes du néo-capitalisme actuel, en s’opposant aux images hors temps d’un héros symbole de l’humanité égarée. Ses promenades en poussette face à la mer, la poésie naïve de ses haïkus, son détachement mutique justifient son destin de condamné volontaire et l’espoir d’un futur porté par la conscience de classe disparue, propos que le cinéaste revendique et répète à la façon d’un Ken Loach phocéen militant et généreux soutenu par le talent des siens les « tradis » Ariane Ascaride, Gérard Meillan, Jean Pierre Darroussin et leurs héritiers Anaïs Demoustier, Grégoire Leprince-Ringuet, Robinson Stévenin et Lola Neymark réunis et unis.

La mort d’un richissime auteur de polars rassemble en son manoir, les membres dévoués de son personnel, ceux avides de sa famille, deux inspecteurs de police et un détective privé anonymement commandité. Tout ce beau monde va se croiser, s’épier, se déchirer autour d’un testament inattendu pour nous entraîner de soupçons en rebondissements, de fausses pistes en querelles, dans la résolution d’un jeu de Cluedo réussi porté par brillant casting sous la houlette d’un espion recyclé.

Dans les rizières cambodgiennes familiales un ado frustré fuit pour travailler en usine en Thaïlande ignorant que faute d’argent il sera vendu au patron d’un chalutier exploitant dans ses filets des poissons destinés à la fabrication de farines animales et des migrants sans papiers voués à l’esclavage. Balloté entre ciel et mer sur ce rafiot où survivre il saura exploiter la violence transmise par ses bourreaux pour leur échapper plutôt que de la partager, ce choix lui rendant son humanité pour retrouver ses terres d’origine, apprendre à vivre avec un autre regard en ayant reconquis sa liberté. Les images aériennes de cette coque perdue dans les flots, l’alternance des plans entre le pont brûlé par le soleil et les peurs nocturnes de la cale, le mutisme des victimes et le silence de l’océan accentuent l’authenticité d’une fiction politique distanciée de son propos documentaire pour traduire avec émotion la réalité de l’exploitation humaine analysée, tournée sur place et interprétée avec justesse par des non professionnels locaux.

A Kaboul sous le pouvoir soviétique, un enfant des rues est placé dans un orphelinat où il découvre avec d’autres adolescents les rapports de pouvoir entre petits malfrats, la sexualité naissante, jusqu’au mausolée de Lénine au cours d’un voyage politiquement correct. Ce quotidien protecteur et initiatique est entrecoupé des rêves du gamin en séquences bollywoodiennes qui distancient de la violence extérieure jusqu’à l’arrivée moudjahidines. Avec ce deuxième volet de souvenirs après « Wolf & sheep », la réalisatrice afghane parcourt délicatement l’histoire de son pays, sa diversité ethnique, la richesse de sa culture passée, échappant par la maîtrise de son scénario aux horreurs de la violence.

Correspondant de guerre pour les radios francophones Paul Marchand publia dix ans après le siège de Sarajevo un récit halluciné de ses expériences transposé sur écran carré, images nocturnes symboles d’un enfermement journalistique réducteur ou diurnes reflets de l’éblouissement hivernal pour traduire l’absurdité de la violence armée en même temps que son addiction insatiable au risque. Un portrait hommage à ce provocateur accro au bonnet noir autant qu’au cigare où les crissements de pneus d’une Alfa Roméo immortelle et sifflements de balles illustrent l’ambivalence du regard et de la participation fantasmée à l’action, par le rappel d’un conflit oublié parmi la succession de ceux de Syrie et d’ailleurs. Sympathie pour le diable - Paul M.Marchand - Grasset 1998 - J’ai Lu 2001.

Avoir été un gamin choyé et heureux, être devenu l’enfant prodige de la mode parisienne, connaître la gloire et le succès ne peuvent compenser le manque ressenti par Olivier Rousteing né sous X et en quête de ses origines. C’est cette démarche que la documentariste nous fait suivre des rendez-vous avec l’Aide sociale de Bordeaux à la création des collections jusqu’au succès international des défilés de la Maison Balmain, reconnaissance extérieure insuffisante à compenser son manque originel. Ses éclats de rires se mêlent à ses larmes, la tendresse de sa famille adoptive à l’amitié de ses relations professionnelles sans jamais apaiser ses doutes ni l’émotion naturelle que sa sincérité suscite en dépassant son cas pour atteindre l’universalité de cette situation administrative (jusqu’à agir pour en modifier certains modes) et à titre personnel devenir un « wonder boy » rêvant qu’une jeune fille de 14 ans l’identifiera comme son fils.

Seule femme astronaute d’une prochaine expédition spatiale sur Soyouz, une scientifique française se doit d’être à la hauteur de sa sélection et d’affronter autant le machisme primaire d’un collègue américain que son devoir culturel maternel. A chacun sa place et à chacune de l’assumer. Le sujet est abordé à égalité de réalisme entre l’environnement (préparation et entraînements physiques, décors authentiques des divers cosmodromes de Darmstadt à Baïkonour) et la complexité des sentiments familiaux (rapports fusionnels fille/mère, célibat...) pour une expérience féministe certes mais où l’émotion de l’intime l’emporte sur la démonstration.

1961 à l’aéroport du Bourget un danseur du Ballet de Kirov de Léningrad demande l’asile politique, inoubliable scandale aux répercussions politiques, artistiques et humaines qui ont transformé Rudolf Noureev, jeune Tatar pauvre, bisexuel et rebelle, en héros international. Affronter une légende en dépassant les limites du biopic est un challenge, la reconstitution de l’époque, Guerre froide, décors, environnement, choix de l’acteur transforment la chronologie de flash-back et incarnations historiques en arabesques de rébellion individuelle élevée en symbole de liberté. Rudolf Noureev: Une vie - Julie Kavanagh – Editions Archipel 2019 (Arts & Spectacle)

Le voilà revenu Simba dans la splendeur d’images ultraréalistes offertes par la modernité d’effets spéciaux de synthèse, prises de vues réelles et animation 3D entremêlées, alors pourquoi chercher vainement à privilégier la nostalgie de la version originelle de 1994 ou de la comédie musicale de 1997, les enfants eux seront éblouis et le film leur est dédié.

Blacks, blancs, beurs unis tous drapeaux brandis le temps d’une fête sur les Champs Elysées, se retrouvent la fête finie au cœur des cités entre gamins, flics, frères musulmans, petits trafiquants et gitans dans un même élan de survie quotidienne. Le vol d’un lionceau, le témoignage d’un drone, une bavure et l’explosion de sa riposte font s’entremêler l’irresponsabilité des uns et l’impuissance des autres pour que jaillisse une violence latente, filmée au rythme de sa montée, d’un défilé à une cage d’escalier, entre huis clos d’adultes et courses de gamins, dans sa réalité de terrain et le talent de jeu d’acteurs professionnels ou non. Si, aujourd’hui à Montfermeil, l’innocence de l’enfance mise à mal par l’absence d’attention et de repères, l’inconséquence de radicalités diverses officielles ou officieuses mêlées aux abus de force policière, aux peurs de l’altérité, aux luttes de pouvoirs résonnent encore des mots de Victor Hugo et des cris de tout Gavroche, c’est que la misère s’adapte à toutes les formes de progrès sociaux-économiques et perdure sans jamais éradiquer son injustice. Ladj Li nous le prouve au fil d’une œuvre portée par l’authenticité de son statut d’habitant en ces lieux et maîtrisée par son expérience de documentariste au groupe Kourtrajmé, unissant ses images et son discours en un double reflet de l’humanité et ses ambigüités sociales à travers les temps.

La démolition des vieux quartiers de Chengdu au profit de la rénovation immobilière est en phase avec la modernisation du pays, son rajeunissement, alors lutter contre l’évolution est un pari impossible qu’engage pourtant la directrice d’un petit théâtre local avec sa troupe d’opéra chinois traditionnel. Les costumes flamboient sous les pelleteuses monstrueuses, l’onirisme culturel s’oppose à la matérialité administrative, les chorégraphies resplendissent sous les regards des anciens, mais sous les paillettes des night-clubs le raffinement des maquillages s’efface, la magie des masques disparait et le présent chasse le passé. Ou plutôt tente en vain d’y parvenir grâce à ce film aussi fragile qu’émouvant inscrit avec tendresse dans une authenticité à protéger.

Dans un pays indéterminé du Maghreb, sur les routes du bled ou dans les rues citadines polluées d’ordures, des commandos paramilitaires sèment la terreur rançonnant des voyageurs innocents, poursuivant des journalistes, menaçant, torturant et exécutant aveuglément tout opposant présupposé à leur pouvoir absolu de vie et de mort, jusqu’à un chirurgien aussi neutre qu’intègre et malgré leur précédent recours à son aide. Des sons de tirs d’armes, de cris de souffrance physique se mêlent aux comptines de femmes en deuil, d’air d’opéra en résonance aux violences perpétrées autrefois et perpétuées aujourd’hui, sous la domination française autant que dans une Algérie contemporaine ou autre contrée méditerranéenne. Dommage que l’allégorie politique et son anonymat terroriste soient contrecarrés par l’hyperréalisme des images jusqu’à brouiller le propos et dévaloriser sa force.

Le soudain engagement d’une classique famille catholique vers l’intégrisme remet en cause le quotidien de leur fillette aînée, insensiblement emprisonnée dans un nouveau mode de vie solidaire certes mais formellement sectaire. Echapper à cette emprise devient alors un double combat parallèle et frontal entre prières, exorcismes, premiers émois amoureux, culpabilité jusqu’au désengagement total de la réalisatrice au travers de ce film non distancié de sa dimension autobiographique.

Un tragique accident a privé Isadora Duncan de ses deux jeunes enfants, brisée elle créa un solo chorégraphique dont il ne reste que l’écriture des pas. C’est ce cri dont s’empare le cinéaste pour perpétuer cette douleur transcrite successivement au travers des mouvements d’une jeune femme en quête de ce deuil, d’une fillette trisomique guidée par son enseignante pour l’interpréter en public et d’une spectatrice handicapée regagnant son domicile avec difficulté. C’est en s’attardant esthétiquement sur leurs visages caressés en Gros Plans successifs ou dans le seul suivi de leur quotidien que sa caméra transgresse la mort à travers leur attitude gestuelle devenue symbole de transmission. Dans un pur parti-pris intellectuel le réalisateur, ancien danseur, s’approprie alors la tragédie de « La mère » rejetant tout formalisme plastique corporel au profit de l’analyse émotionnelle de l’esprit sur la manipulation de l’image.

C’est le colonel Picquart qui mène l’enquête de cette erreur judiciaire historique dépassant l’irrationnalité de l’antisémitisme et la rigidité d’un patriotisme fourvoyé tout en partageant les mêmes sens de l’honneur que ses pairs revendiquent et de la justice qu’ils bafouent, en héros d’un valeureux combat de droiture. Polanski avec une égale rigueur dans son écriture, ses images, ses décors, ses costumes, sa direction d’acteurs s’empare de la défense de la vérité, dénonce les ressorts de ses dévoiements, empourpre la morgue des militaires du rouge garance de leurs pantalons et du bruit creux de leurs bottes, dénonce par l’ironie de leur comportements l’impréparation d’une guerre proche, glisse une affaire de cœur en clin d’œil à la liberté féminine, orchestre un duel flamboyant en miroir de l’époque. Le cinéaste, entouré d’une myriade de comédiens patentés aux réputations et rôles inversés les distanciant avec lyrisme de la poussière du passé, nous offre Zola dans le texte en un hommage loyal à l’innocence de Dreyfus.

En Tunisie où perdure la loi punissant l’adultère pas évident de trouver sa place entre un mari délinquant, trois enfants et un amant alors quand la corruption policière se surajoute aux lenteurs administratives demeurent la violence masculine et les peurs féminines face à cet article du code pénal doublé des traditions obscurantistes. Hors tout manichéisme, ils sont trois à se débattre à corps et à cris entre leurs dignité bafouée et lâchetés partagées chacun traduisant par ses larmes et combines les inégalités et déterminismes sociaux en vigueur. La détermination et la force du rêve l’emporteront elles un jour ? la subtilité du scénario, la maîtrise de la mise en scène et l’interprétation talentueuse des acteurs permettent d’y croire.

Un couple et leurs amis accueillent en leur pays de Caux un ami soudanais exilé, trois mineurs guinéen et malien isolés, l’été résonne alors des sons du groupe « les Liminanas » sous les ombres et lumières de l’été, de l’amitié, de l’amour dans le partage des tâches, des plaisirs et des questions sur la fragilité de leur futur. Au creux des vagues de la Manche et à l’ombre des pommiers, l’harmonie n’est pas un mirage et Pierre Creton dans la lignée de « Maniquerville » ou « Va Toto » continue de créer un cinéma expérimental où l’écriture et l’improvisation liées aux langages et à la poésie se rejoignent dans l’espérance et la paix.

Créée génétiquement pour répandre le bonheur mais dépourvue de toute pollinisation une plante se venge en répandant exagérément ses bienfaits, authentique fleur zombie frustrée dont les pollens transforment à son gré ses victimes renifleuses. Empotées sous les lumières blafardes de leur laboratoire elles règnent dans un univers sophistiqué, traversé de silhouettes aux uniformes colorés, allant et venant en plans structurés, cadres géométriques répétitifs dont l’esthétisme accentue la fausse fragilité. Un regard sur les manipulations industrielles triomphantes, une association entre croissance adolescente et incompréhension maternelle, un jugement sur la psychanalyse, ou un jeu sans enjeu autre qu’un improbable Prix d’interprétation attribué au spectre d’Emily Beecham ?

Comment la justice est-elle rendue en France, tous les rouages de cette institution nous sont exposés par leurs membres eux-mêmes ceux du « parquet » qui exposent les faits, requièrent au nom de la société « debout » et ceux du « siège » qui prononcent les jugements « assis ». Substituts, adjoints des procureurs et juges, tribunaux et Cours d’assises, d’appels, de cassation un vrai casse-tête pour ceux qui n’ont pas eu à requérir leur aide, entendre leurs réquisitoires, écouter leurs verdicts. Pour alléger les sanctions, le réalisateur, à leur écoute conjointe sous la protection de sculptures éternelles nous fait parcourir les lieux, à l’ombre de leurs ors et leur splendeur, de salles en galeries, du Louvre et de la Sainte Chapelle jusqu’à Bordeaux, et du Tribunal Européen de Strasbourg à ceux de Bobigny et aujourd’hui des Batignolles, de l’apparat à la modernité. En contrepoint de l’esthétique des lieux, du cérémonial des costumes, de l’hermétisme du langage, c’est la passion qui surgit des paroles de ces justiciers que le documentariste met en valeur, leur désir d’écoute et leur volonté magnanime envers et contre tout malgré les restrictions budgétaires et lourdeurs administratives responsables de lenteurs et dysfonctionnements divers. Alors leurs mots se font l’écho de la compassion qu’ils portent, du pouvoir qu’ils partagent pour apaiser les victimes et réinsérer les coupables. Un film en leur honneur et un pari où la peine dédoublée répond à la seule humanité.

Quatre soignants de trois ultimes lieux de vie pratiquent par les seuls regard, écoute et toucher la communication avec des êtres ayant égaré le sens de la pensée, la perception normalisée de la réalité. Affrontant les corps diminués, les esprits en perdition chacun déploie une attention infinie pour apaiser les dérives de ces vieillards et leur offrir l’éventualité d’un plaisir passager. Un hommage rendu à la pratique de ce métier, son éthique, sa vocation de sacerdoce d’humanité exercé ici dans des unités Alzheimer doublé d’un témoignage sur la société et ses responsabilités.

Pour justifier de son sens le Mémorial de la Shoah de Paris a organisé avec une équipe de bénévoles une collecte des souvenirs des derniers survivants de la Shoah, ils ont partagé les souvenirs de leurs disparus, reçu leurs témoignages qu’à leur tour ils ressentent le besoin de transmettre pour que jamais l’oubli ne les efface. Témoin et auditeur assis côte à côte, face caméra mêlent questions, évocations, décryptent photos et objets méticuleusement conservés créant une chaîne mémorielle humaine où les paroles prononcées, leur émotion visuelle sur les visages marqués par les années donnent leur force au temps pour pérenniser leur présence. A montrer dans toutes les écoles, à diffuser sans relâche d’un pays à l’autre.

En Virginie, fin des années 80 un adolescent se réfugie dans l’amitié d’un lapin géant qui va l’aider à grandir, dépasser l’environnement du lycée, des premiers émois, les jugements psy et trouver des réponses aux questionnements du monde par son propre imaginaire. Le jeu de Jake Gyllenhaal, la mise en scène de Richard Kelly nous entraîne dans un étrange tourbillon fantastique où la fin du monde initie le début de soi-même. Le film, mal compris à sa sortie est à découvrir ou revoir en version restaurée et complétée.

Les régimes politiques argentins sous toutes leurs formes, d’affrontements de factions diverses en dictatures militaires ont engendré un univers sans foi ni loi, régi par le seul exercice du pouvoir. C’est le tableau de cette société prête au pire en toute sérénité que nous dépeint le réalisateur en nous replongeant en 1975 au sein du milieu de notables provinciaux. Une provocation de hasard sert de déclencheur à un engrenage de silences coupables, de corruption révélatrice de pratiques hypocrites, de déliquescence générationnelle, de convictions religieuses excessives, toutes imperceptiblement causes du coup d’Etat en suspens. L’esthétique de la reconstitution entre paysages désertiques de western et décors intérieurs aussi feutrés que fanés ajouté au décalage des scènes par l’humour et au rythme lancinant de la banalité des événements, décantent la dénonciation satirique d’une bourgeoisie portée par le jeu subtil des acteurs valorisant le pur propos politique du film. Un thriller analytique argentin d’époque que nos mémoires européennes pourraient aisément rapprocher de causes et conséquences aussi proches qu’universelles.

Boursoufflée de frustration une bourgeoise rejoint son mari qu’elle paralyse de son seul regard et retrouve son fils qu’elle aimante de son amour dans la folie qui lui a fait supprimer une dizaine d’enfants puinés. Préparatrice de bouillons phosphorés elle enchante ses amies pour les réduisant en biscuits savoureux et savons doucereux qui qui caressent leur virilité inversée et parfument leur causticité féminine. Mauro Bolognini accompagne les délires de son ogresse avec un plaisir raffiné où l’obscurité des décors et les interdits de l’époque se confondent dans le détournement d’un authentique fait divers de maternité abusive. Resté inédit en France, ce chef d’œuvre de noirceur est à découvrir.

Grognon ce sexagénaire créateur de BD en panne d’inspiration jeté à la porte par son épouse mais entraîné par un ami de son fils dans une désopilante aventure redonnant vie aux souvenirs. Entre scènes de ménage de tous âges, satire ludique sur fond romantique, le fantastique se joue des dimensions en toute confusion des réalités pour entremêler les genres, les images aux mots d’auteur, l’écriture scénaristique à la théâtralité, la magie du cinéma à celle des illusions. Dans ce tourbillon, le réalisateur fait virevolter sa bande d’acteurs d’une époque à l’autre au rythme de nos inconstances humaines, de son narcissisme flamboyant et d’un talent évident.

Au sein de l’Ensemble National Georgien régi par la discipline des ballets, la danse mue par la force du désir et le désespoir d’un premier amour transcende la violence des tabous et le pouvoir des traditions culturelles. Les forces du corps liées à celles de la passion expriment par la plastique gestuelle l’intimité interdite et l’innocence sentimentale. Le réalisateur dépasse les clichés des stricts films de genre à travers un regard sur le conservatisme du pays, son héritage soviétique et en contrepartie l’élan vers la conquête de la liberté portée par la flamboyance symbolique d’une jeunesse en mouvement à découvrir.

Le partage du Moyen Orient en mandats coloniaux franco-britanniques, la partition de 1947 avant la création en 1948 d’un Etat juif par Ben Gourion ont généré 70 ans de conflits successifs dans une terre berceau des trois religions aux principes solidaires oubliés. De déclarations en résolutions, d’expulsions en exodes, de guerres en occupations, d’Intifada en accords de paix, jusqu’aux dernières menaces d’annexion de Netanyahu aucune solution ne semble envisageable. Réviser l’histoire de la Palestine et l’exposer à travers une analyse géopolitique, les interviews d’intervenants des deux bords est donc indispensable à la compréhension d’un pays où « vivre est déjà résister ». Ce film indispensable à notre compréhension des faits est donc à voir et revoir au plus tôt.

Un archet et des violons pour ce professeur de musique investie au Conservatoire de Berlin, épouse d’un luthier, maîtresse d’un concertiste, mère exigeante, engagée corps et âme dans la réussite de son art au détriment de toute autre écoute. Des notes, de la rigueur, hors toute mesure pour que le jeune candidat qu’elle prépare à l’examen annuel efface ses propres échecs passés, occulte le présent et détruise l’avenir. La réalisatrice à son tour orchestre ce drame, incarné à la perfection par Nina Hoss en contrepoint d’un Scherzo frénétique de Bach.

Georges quadragénaire dénué de tout sens humain plaque femme et boulot pour s’offrir un blouson à franges qui l’enferme dans sa folie et libère la passion cinéphile du réalisateur. L’absurdité de ses comportements névrotiques entre non-sens et humour, trouve un écho anxiogène dans la prestation de Jean Dujardin et l’angélisme douteux d’Adèle Haenel ensemble égarés au plus profond des vallées pyrénéennes pour un voyage narcissique auquel participer en spectateur.

Années 20, à Londres une jeune aristocrate libérée, Vita Sackville-West auteure d’un premier roman scandaleux, jette son dévolu érotique et littéraire sur Virginia Woolf. Un pari scandaleux et risqué dans une époque d’interdits et de conventions que la cinéaste transcrit par l’authenticité des décors, l’élégance des costumes, le délavé des couleurs, l’harmonie des plans, le phrasé même des dialogues. Une illustration purement esthétique diffusant les rouages de la société anglaise, ses silences, son hypocrisie sexuelle au rythme du processus créatif du détournement romanesque de « Orlando, une biographie ». Inspiré de la correspondance entre les deux femmes et adapté de la pièce de théâtre éponyme de Eileen Atkins également co-scénariste, le film se feuillète comme une page d’amours saphiques fardées. Orlando - Virginia Woolf - Gallimard - 2018 –

Un viol, un meurtre, une enquête et un chef d’œuvre consacré à la justice, ses rouages procéduriers, dédoublant les failles entre hommes et société mis en lumière par la mise en scène d’Otto Preminger, les notes de Duke Ellington et la qualité inoubliable du jeu des acteurs.

Ils sont tous là Woody le protecteur, Andy et Bonnie sauf que tout pourrait changer avec l’arrivée de Forky.

Tomaso Buscetta sicilien membre de la Cosa Nostra a-t-il été un héros, un traître, un repenti engagé dans la lutte fratricide mafieuse, un redoutable trafiquant de drogue menacé ou un lâche profitant de l’Etat pour venger ses fils ? Tout à la fois peut être au fil de sa vie de Palerme à Rio de Janeiro jusqu’aux USA où il s’éteint en toute tranquillité. C’est ce parcours jonché de cadavres, traversé de séjours en prison, enrichi d’aveux auprès du Juge Falcone, animé de confrontations grand guignolesques devant les tribunaux que le réalisateur reconstitue brillamment en une fresque tourbillonnante qui retrace l’effondrement de « La pieuvre », la condamnation de 366 accusés et l’espoir d’une justice future. 54 ans d’activité pour 26 longs métrages et l’énergie triomphante d’un réalisateur équilibrant l’intime, l’action, l’histoire, la théâtralité avec un inépuisable talent.

Un écrivain et scénariste médiocre, mari décevant d’une épouse dépressive, père désabusé d’une tribu d’enfants gâtés voit son quotidien bouleversé par l’arrivée d’un chien squatteur, obsédé sexuel en tous genres. Cette compagnie inattendue sème le chaos et libère les frustrations égocentriques de chacun, ados attardés et parents irresponsables ou inversement. De la Californie à la Côte basque en passant par le rêve romain, Yvan Attal revisite le roman de John Fante, joue avec son cynisme, s’empare des déceptions inhérentes à la vie de couple des quinquagénaires, s’amuse à y mêler sa propre famille et au rythme des notes de Brad Mehldau nous divertit sérieusement. Mon chien stupide - John Fante - 1985 - 10/18 Domaine étranger 2002 .

Un village perché cache dans ses ruelles et sur les pentes de ses sommets les souvenirs de trois copains revenus pour l’enterrement de l’un des leurs. Leur trio de gamins et gamine renait entre connivences, souvenirs et hallucinations d’adultes fragiles égarés dans une réalité bancale et inaboutie. Une comédie décalée où la tendresse se joue du réel pour libérer les sentiments, rassembler les cœurs en lumineux délires magnétiques et poétiques, jaillis de la magie de l’enfance de Sébastien Betbeder et ses acteurs complices.

Oleg jeune garçon boucher incarne le rêve du travailleur « détaché » ou plutôt son cauchemar des lacs gelés de sa Lettonie natale aux embrouilles et débrouilles de survie en Belgique sous l’emprise mafieuse de ses compagnons polonais de misère. Entre vodka, chantages et illusions d’agneau sacrificiel il tournoie tel un pantin dans une spirale esclavagiste européenne contemporaine. Le film tourné comme un documentaire, caméra à l’épaule se démarque de tout regard politique au profit de l’humain, de ses doutes, espoirs et luttes pour échapper aux contingences et violences de la société.

Une technicienne du son anéantie à la suite de la disparition de son mari part en Mongolie apaiser sa douleur auprès d’une chamane en enregistrant des chants traditionnels, des incantations, souffles et mots jusqu’à s’intégrer elle-même à la cérémonie hallucinatoire. Dans l’espoir de prolonger ces visions et dépasser la mort, elle reviendra, s’intègrera au quotidien du peuple tsaatan éleveur de rennes dont la culture et les traditions lui offrent le bonheur et la reconnaissance de son statut. Cette expérience authentique de transes participatives analysées médicalement permet une double évasion ethnographique à travers la splendeur naturelle des steppes et forêts locales et fantastique par l’éveil spirituel initiatique. Mon initiation chez les chamanes - Albin Michel 2006/ Pocket - + Les esprits de la steppe - 2013 - Albin Michel/2019 Pocket- Corinne Sombrun -

Patricio Guzman, après « Nostalgie de la lumière » et la poussière d’étoiles du désert d’Atacama, « Le bouton de nacre » et ses racines aquatiques, conclut avec « La cordillère des songes » et ses sommets le tableau du Chili, son pays terre de météorites et de glace coincé entre les Andes et l’Océan Pacifique, l’utopie de l’égalité et la folie de la dictature. La nature, ses 20000 années de formation en roches labyrinthiques et les plus de 80% d’occupation du territoire ont engendré une nation à son image, à laquelle rendre sa mémoire, celle des exactions d’un régime tortionnaire, des mutations ultra-libérales dévastatrices pour retrouver sa force dans ses racines.Un regard prémonitoire face aux événements actuels.La beauté des images des montagnes et la réalité insupportable de celles des hommes se répondent en un même affrontement minéral ou social, poésie des sources et cruauté des êtres confondus pour faire naître l’espoir, celui d’un grand cinéaste distancié par l’exil pour mieux filmer le monde.et porter un regard prémonitoire face aux événements actuels.

Engagé comme analyste militaire pendant la guerre d’Irak, Bradley Edward Manning dénonce sur WikiLeaks les bavures perpétrées par l’armée. Condamné pour haute trahison à 35 ans d’internement il n’en effectuera que 7 grâce à l’intervention d’Obama. A sa sortie de prison, devenue Chelsea Elizabeth pour l’état civil, elle continue sa lutte pour le respect des droits humains, se présente comme sénatrice et poursuivie par l’administration de Trump est de nouveau incarcérée pour refus de témoignage au procès contre Julian Assange. Pour retracer cette double lutte identitaire et militante, le documentariste déstructure le récit du parcours entre images d’archives, flash-back familiaux, interviews de presse, entretiens autobiographiques, entremêlant le passé au présent pour construire le puzzle même de cet engagement multiple qui traduit autant la détermination que ses failles, la volonté que sa fragilité.

Un but que devenir « un mec en camion blanc » comme tous ceux qui sillonnent les rues de Newcastle esclaves des patrons d’un monde ultra-libéral, enchaînés à la rentabilité forcenée du capitalisme triomphant c’est celui de ce mari et père aimant, son épouse chaleureuse et leur fils lucide qui incarnent le quotidien d’un prolétariat disparu au profit d’un monde sans espoir, et que seul l’honneur peut encore sauver par le respect de soi-même envers les autres. A 82 ans Ken Loach ne lâche rien de sa dénonciation des conditions réservées aux travailleurs, dépeignant avec son scénariste Paul Laverty « l’ubérisation » et ses dérives, acteurs professionnels ou amateurs partageant sobrement l’authenticité du film.

Hors normes ces êtres qui atteints d’autisme ignorent les règles d’une société qui n’est pas plus prête à les reconnaitre hors deux éducateurs exceptionnels, chacun au sein d’associations combattantes prêtes à forcer les règles administratives au profit de l‘écoute et l’action humanitaire. A « L’escale » ou au « Silence des justes » la gouaille des banlieues gérée par Reda Kateb ne fait pas trembler la kipa de Vincent Cassel complices pour effacer les différences, bannir l’intolérance et nous offrir sans complaisance un film où le handicap trouve sa place dans les joies et les peines d’un quotidien à partager entre tous et encore plus.

Années 70, au plus profond des nuits napolitaines résonnent des armes de la Camorra, les silhouettes des tueurs à gages rythmant de leur mitraille les codes de l’honneur, illustrant la vengeance, scandant l’inexorable éthique mafieuse. Le graphiste Igort chorégraphie les bulles de sa BD en strictes images stylisées, fait jaillir la nostalgie des mots susurrés par Tony Servillo pour un film noir, très noir.

Quatrième adaptation du Comics de Lowell Cunningham cette nouvelle formule permet à ses héros Tessa Thomson et Chris Hemsworth sous la houlette de Felix Gary Gray de sauver une Terre glorifiée par la 3D qui renforce les effets spéciaux propres à la SF.

Ils sont trois ces frères revenant au kibboutz de leur enfance enterrer leur père et voir partir le plus jeune à la guerre, prisonniers de la mort qui les guette en combats incessants, jeunesses brisées survivant sans espoir entre devoir patriotique alcool et humour sur fond sonore d’hélicoptères et de bombes. Un trio fraternel authentique engagé dans un rêve pacifique de rires et de larmes.

Ils vont et viennent sans jamais se quitter ces potes d’enfance, trentenaires et adolescents attardés traînant leur hystérique irresponsabilité jusqu’à un pari brisant leur innocence. Un simple baiser pour un film amateur déstabilise leur amitié au profit du désir et de ses leurres, des peurs et pudeurs intimes, celles de Xavier Dolan retrouvant la fébrilité de ses premiers films, sa fragilité exposée en fulgurances, révélée dans l’hypersensibilité et les doutes de ses personnages, authentiques doubles offerts à la richesse émotionnelle partagée entre l’affection maternelle, le copinage et la passion amoureuse. Un film aussi brillant qu’intimiste où la tendresse explose sur des images trépidantes entre silences et sonorités ambiantes, faites pour plaire autant que déplaire.

Mai 2014 en Centrafrique une photoreporter française succombe victime de son engagement professionnel et passionnel dans une guerre civile entre Seleka et anti-Balaka. A l’inverse de l’absence de distanciation émotionnelle et d’objectivité de la jeune femme entre son appareil photo et la violence culturelle locale, le réalisateur surplombe les écueils du biopic par le biais d’une reconstitution où s’entremêlent actrice et acteurs, archives d’actualités et clichés authentiques jusqu’à nous proposer au travers de la troublante ressemblance entre Nina Meurisse et Corinne Lepage un double regard révélateur tant au plan politique qu’humain.

Si des ruelles de Dakka et ses conflits religieux jusqu’à la Tour Eiffel les dangers et persécutions varient de politiques au Bangla Desh à administratives en terre d’accueil, les fantasmes eux survivent jusqu’à se faire réalités, pour un gamin surdoué au jeu d’échecs et son père intrépide. Leur parcours est authentique, jalonné de bonnes rencontres et mauvaises règles administratives, marqué par les difficultés du droit d’asile, tempéré par la passion d’un maître aussi teigneux que généreux, embué de sourires et de larmes, entremêlant naïveté et volonté pour une victoire méritée. Echec et mat au racisme primaire, aux souffrances migratoires pour une adaptation subtile qui dépasse la véracité au profit de l’humanité. Un roi clandestin - Fahim, Sophie Le Callennec, Xavier Parmentier -Editions Les Arènes 2014 - J’ai lu 2016.

Exercices à la barre et grands écarts, sexualité et glamour côté corps, formation en commando de charme côté tête une véritable formation pour ce bataillon de stripteaseuses capables d’arnaquer les traders hors pair de Wall Street et de les plumer en toute moralité avec nos félicitations en prime. Sexe, drogue et dollars voltigent sans tabou, les paillettes font miroiter féminité et amitié au rythme endiablé d’une histoire vraie, trivial reflet de notre société que Jennifer Lopez et ses comparses illuminent avec volupté.

Du temps a passé entre 1909 date du roman de Jack London et les années70 choisies pour son adaptation napolitaine au cinéma, mais la société s’est- elle transformée à l’aune de la théorie de l’évolution de Spencer que revendique le personnage. Humble marin sans éducation conquérant la gloire par la culture, la littérature et la philosophie, torturé par la trahison de ses origines, son parcours traverse le siècle et le monde pour en révéler les rêves sociétaux inaboutis ou pervertis par les pouvoirs en place. Le réalisateur cherche sur les visages et leurs Gros Plans le mal être des uns, la domination innée des autres, et sans effets de style ni de mise en scène introduit subtilement des actualités d’archives, dédouble son analyse pour traduire chronologiquement les étapes de la quête individuelle et la pérennité des conflits de classe en dépit des progrès économiques ou des éveils culturels. Une parabole socio-politique récompensée par un étonnant prix d’interprétation que la seconde partie du film efface par ses exagérations. Martin Eden – Jack London – 1909 - Gallimard / Folio Classique 2016

La crise économique soudaine des années 80 au Mexique déstabilise la haute société locale atteinte dans son intégrité sociale. Ces filles de bonne famille accrochées à leurs privilèges telles des marionnettes gonflées par le seul vide de leur arrogance et prisonnières sans âme de leur statut culturel peinent à transgresser des apparences proprement vitales. Une mise en scène sophistiquée en harmonie avec l’élégance ambiante nous envoûte insensiblement en dénonçant des traditions de classes qui ont irrémédiablement rigidifié ces bourgeoises dressées pour échapper à tout déclassement. Adaptation du roman éponyme de Guadalupe Loaeza.

Sans histoire et sans passion ce quadra black qui va et vient entre son emploi d’emballeur de guitares refusant d’en jouer, son appartement de banlieue avec vue sur les voisins d’en face, les envies d’une bourgeoise plus amoureuse que lui et le mystère de son involontaire don à l’invisibilité. Disparaître aux yeux des autres, voir sans être vu privilège ou malédiction que cette différence aussi étrange que le destin d’un homme qui occulte sa personnalité, ses sentiments, ses responsabilités. Un parcours d’illusionniste à travers un film fantastique jouant avec la réalité de chacun, son individualité et sa solitude au sein de la société. Après « Dancing » et « l’Autre », le duo de l’étrange poursuit sa voie insolite et talentueuse.

La réunion et l’union de Buster Keaton et Samuel Becket tourné à New York durant l’été 1965 en un court-métrage d’avant-garde muet indescriptible à seulement découvrir. + Documentaire analytique de cette unique expérience de Samuel Beckett dans l’univers des images, mêlé d’archives et témoignages.2015.