Un jour d’anniversaire pour Lara soixante ans et un jour de fête pour le concert de Viktor son fils fulgurant jeune pianiste et compositeur, célébration que nous la voyons honorer ou affronter au fil de rencontres, préparatifs, achats, concert tous systématiquement contredits. La mise en scène répétitive dans les mêmes décors et en temps réel de comportements antinomiques ou absurdes, vécus ou projetés, nous entraîne subtilement vers le dédoublement de personnalité de l’héroïne et la confusion de ses ambitions avortées de mère hyper exigeante rejetée par le triomphe même de son enfant. Une folle journée de musicienne désespérée.

Dans une petite commune du Nord ruinée par la fermeture du bassin minier, des chômeurs losers décident de rendre sa mémoire au charbon par la création d’un parc d’attractions. Train fantôme, chariots « tamponnants», baraques sur terrils...tout y passe et chacun s’y met effaçant les rancœurs, retrouvant les cœurs pour que tournoie ce généreux manège de solidarité ouvrière le temps d’une comédie sociale, familiale et très artisanale dans les corons.

Enfermée dans l’esthétisme glaçant d’une demeure isolée une femme fuit son compagnon scientifique dont la possessivité la terrorise et dont le suicide ne la libère pas de son empreinte psychologique perverse et tyrannique. Une malfaisance intrusive et sournoise dans un premier temps déclarée hystérique et que la réalité de faits criminels transforme en folie post traumatique plutôt qu’en actes tangibles, à la fois échos des délires narcissiques et refus d’écoute des violences conjugales actuelles. Une double réactualisation du roman éponyme d’H.G Wells dont participent évidemment les effets spéciaux, les images accentuant la terreur de l’imaginaire subtilement porté par le jeu d’Elisabeth Moss. Frissons garantis. L’homme invisible-Henry-Georges Wells/1897-Editions Calmann-Levy-Livre de Poche.

Champion de la débrouille et des embrouilles ce presque trentenaire attardé, fils à papa alcoolique et à maman psy, ex-enfant comédien au succès unique et lointain, bloqué dans un refus de grandir qui l’exclut de toute éventuelle sexualité. Vincent Lacoste s’agite frénétiquement entre les affres de son irresponsabilité quotidienne, cumulées à un premier rôle dans une caricature du cinéma d’auteur, et surajoutées à l’angoisse de sa première fois amoureuse. Une quête de maturité miroir de celle d’un premier film inconsistant.

C’est la mer, effrayant un trentenaire terrien, qui a rapproché l’agriculteur solitaire du réalisateur en un pur échange d’humanité. Au plus profond du Puy de Dôme reprendre et développer un élevage laitier dans la ferme familiale désertée par un deuil maternel et un désintérêt paternel traduit un quotidien difficile, occupé de l’aube à la nuit aux vaches, leur traite, vêlage, pâturage, le beurre, sa vente, les prêts, leur comptabilité... hors tous loisirs ou évasion bridée par le tabou de l’homosexualité. Une illustration tout en délicatesse du monde agricole et des silhouettes taiseuses et fragiles qui le peuplent isolées, anonymes redevenues humaines par la grâce de ce portrait.

La guerre de sécession et ses lois restrictives ont eu des conséquences sur les colons français du Missouri, la fuite de la famille d’un parfumeur en est l’exemple à travers leur périple pour rejoindre la Côte Atlantique. Un western aux valeurs féminines et pouvoirs vaudous entre amours fatales et rêves d’égalité, film de « genre » où l’esthétique des grands espaces et la résonance des coups de feu, symboles de la mythologie culturelle américaine, s’intègrent dans l’aventure initiatique familiale et sentimentale.

En 1936 de Burgos à Salamanque, une junte de militaires s’est opposée à la République espagnole en place par les armes, cette prise de pouvoir est reconstituée à travers le regard de l’écrivain philosophe Miguel de Unamuno, aux convictions mouvantes, devenu un conservateur exaspéré par les désordres politiques, ignorant la montée du fascisme jusqu’à sa célébration officielle du Jour de la Race. Entre le glaive du général José Millan Astray fondateur de la Légion espagnole au slogan mortifère clamé par les phalangistes et le goupillon religieux de l’épouse du généralissime auto-proclamé Francisco Franco, il prit tardivement conscience des risques d’une guerre « incivile » précédant trente-six années de dictature. Déclarant que vaincre par la force n’était pas convaincre il épargna de justesse sa réputation littéraire tout comme l’avertissement politique d’Amenabar sur la résurgence actuelle des mouvements fascistes sauve son film de la stricte reconstruction historique.

Les causes de la sous-représentation des femmes dans l’industrie cinématographiques d’Hollywood sont universellement liées à l’exercice naturel et intemporel du pouvoir masculin, leurs conséquences s’inscrivent dans la lente conquête de leur place engagée en vain dès les années 70 et relayées aujourd’hui par Geena Davis via le travail de l’Institut qu’elle créa à cet effet en 2004 et que le mouvement « Me Too » relaye aujourd’hui. Le documentariste s’attache à replacer le sujet dans une discrimination historique générale malgré les règles du Civil Rights Act de 1964 n’ayant pu empêcher qu’à ce jour elles ne réalisent que 4% des films contre 24% en France. Alors montrons leur l’exemple !

A Bogota une avocate d’affaires ayant fait le libre choix de la monoparentalité partage son quotidien entre son travail, sa mère atteinte d’un cancer, de nouvelles amours et son jeune fils au fil d’une autofiction portée par des comédiens non-professionnels accentuant la réalité émotionnelle des situations par celle de l’improvisation. Sur fond de corruption municipale et de transmission familiale dans la bourgeoisie colombienne le film tourné comme un reportage en ne nous épargnant rien de la déchéance physique induites par la maladie souffre des limites autobiographiques du seul amour filial du réalisateur au détriment de son universalité.

A 5000 mètres d’altitude sur un haut plateau tibétain un mouton écrasé par un chauffeur et la vengeance d’un auto-stoppeur peuplent le désert en haltes successives brisant la seule splendeur des paysages en hallucinations multicolores explosant en Noir et Blanc, au fil d’un road-movie au parcours indéfini mais enchanté par le réalisateur de « The search » et « Tharlo ».

C’est la saison des moussons à Singapour où une malaisienne partage son quotidien entre les soins prodigués à son beau-père, ses espoirs déçus de maternité, le détachement de son mari, le mépris de l’administration de son collège pour les cours de chinois qu’elle y prodigue. L’intérêt d’un élève transformera cette indifférence affective générale par le partage de ses propres passions et nouveaux émois pour laisser place au soleil et à l’espoir d’une société plus humaine. Le choix de plans larges distanciant l’hyper-réalisme de certaines scènes, l’absence de musique additionnelle, le son des pluies, traduisent la pudeur des relations intergénérationnelles et prolongent après Ilo Ilo le regard d’Antony Chen.

Un militaire en exercice anti-djihadiste déserte après une permission consécutive au décès de sa mère planqué entre campagne et banlieues tunisiennes, proscrit, blessé, dépouillé en état de survie de la terre à la mer. Une marche mutique sublimée par l’improbable rencontre d’une femme enceinte, en perte de repères avant de se transcender vers un retour aux sources de l’humanité celui du couple originel. Les plans diurnes et nocturnes, les soudaines ruptures de lumières ou écrans noirs les travellings dans la nature contrepoints silencieux de la seule communication de regards, iris contre iris mènent à la fusion symbolique des mots par les yeux et de la poésie en images pour créer un film mystique d’auteur en devenir.

Héros national cet agent de sécurité aux JO d’Atlanta 1996 ayant évité le pire, gentil fils à maman rondouillard ou criminel au profil type de poseur de bombes suspecté par le FBI ? Interrogatoires musclés, interventions intrusives, perquisitions, mises sur écoutes sont relayés par le harcèlement de la presse en un tourbillon accusatoire de 88 jours consécutifs de mise en accusation et 6 ans de doutes avant l’arrestation du coupable. Une histoire vraie, un fidèle film dossier parfaitement scénarisé, tourné et interprété et une interrogation sur la société américaine, ses dérives arbitraires et médiatiques voire présidentielles.

Le jour se lève aux cris de l’annonce de la mort d’un voyou, crime de vengeance révélant l’intransigeance identitaire des siciliens quand dans l’envol des draps sous le soleil levant, des vagues méditerranéennes aux ruelles étroites jaillit la haine entre malédictions culturelles et stricts pouvoirs mafieux d’une mère sacrifiant sa fille à l’honneur ou l’horreur des traditions. La force des images, leur lumière s’opposent à l’obscurantisme des peurs identitaires, l’esthétique des plans-séquence et leur rythme effacent le temps, les silences unissent le mythe d’Antigone à notre présent pour donner toute son intensité à ce premier film.

Les hasards d’un rendez-vous plutôt raté sur Tinder, d’une fausse manœuvre de conduite, d’un contrôle routier et sa dérive policière entraînent un couple dans une semaine de folle cavale de l’Ohio à la Floride où racisme, injustice, aveuglement fusionnent avec la peur et riment avec cœur. Un road-movie dramatique autant qu’onirique, romantique et politique, où l’enchaînement inattendu des situations, leur montée en puissance, le rythme de l’action associent humour et réalisme, poésie et sentiments pour traduire la radicalité d’une réflexion engagée sur la violence systématique de l’inégalité raciale et ses conséquences. Ensemble, la scénariste, la réalisatrice et ses acteurs sur une bande-son New Orléans dénoncent l’ostracisme culturel avec flamboyance.

Dans le désert soudanais d’Aljazira l’évanouissement d’un derviche lors d’une cérémonie de bénédiction condamne le nourrisson à une existence limitée à 20 ans, prophétie déterminant son temps de survie à un deuil perpétuel. Père en fuite, mère en détresse, enfance solitaire, adolescence dévouée au Coran, tous sentiments exclus jusqu’à une rencontre critique et cinéphile libératrice. D’une robe noire à une autre trop blanche, de l’ignorance au consentement sacrificiel et d’interdits en délivrance des superstitions et traditions, la poussière tournoie, la terre se creuse en échange de tombes, les flots du Nil portent l’espoir en images poétiques sur de sublimes notes échos de la fatalité et de la malédiction politique contemporaine

Une jeune psychanalyste tunisienne expatriée à Paris revient s’installer dans son pays après son changement de régime mais ni de la bureaucratie, ni des traditions encore moins des préjugés afférents. Les fantasmes de sa clientèle pittoresque sont joyeusement sexuels et leurs rêves illustrent leurs désirs libérateurs au fil de saynètes enjouées dénonçant la corruption, le machisme et les travers d’une société à soigner. Golshifteh Farahani irradie cette petite comédie inégale mais pleine d’espoir.

Deux voisines de palier d’une ville de province forment un couple clandestin de septuagénaires aimantes partageant leur quotidien entre portes ouvertes à l’écoute de chacune et rêves impossibles d’évasion romaine. Car si l’une est libre, l’autre veuve, prisonnière de sa dignité de mère de famille ne peut dépasser le silence du secret ni transgresser le regard de la société. Inavouables ces sentiments que le pourtant le silence soudain imposé par un AVC délivrera du jugement des autres dans une lutte commune. Mêlant l’hyper-réalisme des corps entre sexe puis maladie au mystère d’images hypnotiques, le réalisateur mêle les genres pour échapper autant à l’homophobie qu’au mélodrame socio-sentimental par l’imaginaire offert aux spectateurs et la qualité de jeu du trio de comédiennes. Un premier film subtil.

Soupçonnée du meurtre de sa meilleure amie décédée après une soirée très mouvementée une jeune fille, bracelet à la cheville, attend depuis plus d’un an sa comparution. Son mutisme par rapport aux faits, leur imprécision, l’absence de preuves, les témoignages de ses copains lycéens révèlent des comportements, une maturité et liberté sexuels qu’aucun adulte n’aurait présumé, que son père se doit d’accepter, que les avocats ne savent expliquer, que les jurés devront à leur tour comprendre. C’est l’équilibre entre les regards parents/enfants, la distanciation et la compréhension mutuelles qui, hors verdict, donnent au film toute sa richesse émotionnelle. La chronique judiciaire à travers le réalisme impersonnel des murs d’un tribunal et ses envolées verbales est un plaidoyer sans réponse ni dénouement sur l’incommunicabilité générationnelle portés par le soutien de Roshdy Zem, la tendresse de Chiara Mastroianni et les silences de Mélissa Guers. Remake de : Acusada – Gonzalo Tobal – Argentine - 2019 -

De retour au Kurdistan iranien, Diako Yazdani cherche à comprendre les raisons du rejet des homosexuels à travers les mots de Kojin jeune homme gay engagé dans sa quête identitaire. Les divers entretiens avec des membres de sa famille, un Imam exorciste se revendiquant médecin prophétique chasseur de djinn, ou divers autres interlocuteurs révèlent l’irrationalité d’une haine dépassant la simple condamnation islamique, le pur tabou, niant toute historicité pour rejoindre la seule peur de la différence dont l’exil pourrait sauver s’il ne la confirmait pas. Un parcours documentaire riche en écoute, respect de la diversité humaine, choix de la liberté et partage de l’amitié.

Une jeune psychanalyste tunisienne expatriée à Paris revient s’installer dans son pays après son changement de régime mais ni de la bureaucratie, ni des traditions encore moins des préjugés afférents. Les fantasmes de sa clientèle pittoresque sont joyeusement sexuels et leurs rêves illustrent leurs désirs libérateurs au fil de saynètes enjouées dénonçant la corruption, le machisme et les travers d’une société à soigner. Golshifteh Farahani irradie cette petite comédie inégale mais pleine d’espoir.

1973, sur les terres volcaniques de la forêt rwandaise des pensionnaires de bonne famille sont éduquées dans une Institution catholique belge au rythme des cours, des offices et des processions à une Vierge noire, toutes bonnes manières enseignées en français. En contrepoint un planteur colon, peintre anthropologue et une sorcière locale, porteurs des légendes ancestrales vont révéler leurs valeurs ethniques primitives Tutsis à ces jeunes filles en majorité Hutus. Pharaons noirs antiques, colonialisme récusé et nouvelle indépendance vont alors s’affronter toutes croyances traditionnelles enfouies et chrétiennes enseignées s’entrechoquant dans la haine. Le film découpé en 4 chapitres « Innocence », « Sacré », « Sacrilège », « Sacrifice » mêle la splendeur naturelle des paysages à la rigidité des uniformes, les interdits de la langue Kinyarwanda aux pratiques spirites toutes magies religieuses et racismes originels confondus et unis dans la violence dévastatrice du génocide futur. Notre-Dame du Nil – Scholastique Mukasonga (Prix Renaudot 2012)- Folio.

Comblé par le succès de ses activités un baron de la drogue londonien décide de les céder au meilleur acheteur, parcours commercial de haute volée entre un maître chanteur, un israélien et les triades chinoises. Les négociations se démultiplient au rythme effréné des actions, versions et trahisons de chacun de flashback en flashforwards, trucages et cascades, images, narration et humour british entremêlés d’un personnage à l’autre entre les traditions aristocratiques, les clichés rétro 90’s et l’actualité des réseaux sociaux. Retour flamboyant du réalisateur de « Snatch ».

Une rencontre de hasard dans une fête foraine sort de son isolement et de l’orphelinat un gamin qui révèle à ses nouveaux amis son mystérieux pouvoir de mutation d’identité par le toucher. La magie de l’enfance se mêle au fil d’événements et rebondissements (à garder secrets) à la nostalgie de l’innocence, la force des sentiments familiaux et amoureux entre rêve et réalité, féérie, romantisme et poésie. La mise en images de l’atmosphère fantastique contrepoint du réalisme social se fond dans l’étrangeté de la musique et la grâce émotionnelle du jeune acteur Benjamin Voisin pour donner à ce premier film sa résonance fragile de conte initiatique.

Un jeune délinquant attiré dans son centre de détention par le séminaire dont ses actes lui interdisent l’accès débarque à la cure du bourg proche de la menuiserie où il était affecté et se substitue impunément au prêtre, exécutant confessions, messes, derniers sacrements, bénédictions, processions et sermons toutes tâches d’une paroisse spécifiquement marquée par la mort accidentelle d’adolescents. Son engagement spirituel, sa force réveillent les consciences mystiques, dévoilent les culpabilités conservatrices partagées, apaisent les douleurs communes. Le réalisme inspiré du jeune comédien accentue l’authenticité de ce chemin de croix sacrificiel dans une terre christique aux virulentes influences pieuses, passées toujours présentes, et dénonce subtilement les contradictions civiques entre pêché et rédemption, pouvoir et corruption, engendrés et perpétrés par la conjonction voire « communion » des influences politiques ou religieuses. Un film laïque et révélateur.

A Casablanca les pâtisseries d’une veuve vivant seule avec sa fillette vont adoucir le destin de Samia et de l’enfant qu’elle porte cet Adam symbole masculin des forces de la féminité. Les bruits de la Medina et leur résonance chaleureuse couvrent l’illégalité du célibat maternel, la complicité féminine construit avec sérénité l’avenir à déterminer pour l’offrir dans l’échange de sentiments entre une amie, une mère et un nouveau-né. Du rejet présupposé au déchirement imprévu, des cris aux larmes, surgit la violence de l’amour par l’échange de regards, le retournement du choix pour l’autre et contre soi. La beauté d’images en contre-jour reflète l’ombre et la lumière de la douleur et de l’espoir en une société oubliant ses tabous et interdits au nom de l’humanité. Un premier film empreint de grâce.

Après « Le sociologue et l’ourson » Mathias Théry et Etienne Chaillou poursuivent leur décryptage de la société française à travers le portrait d’un jeune militant picard au Front National sous forme de confidences reçues, rédigées et lues face micro sur une voix off littéraire ou décadrée, illustrée en images de meetings, archives, entretiens et tournages en direct relatant sa propre quête et par effet de miroir l’idéologie et les pratiques de son parti. La loyauté sans failles à l’idéologie de sa candidate traduit des ambitions, mais aussi un terrain, la compensation d’un mal-être solitaire, une exclusion cachée, une préalable adhésion extrémiste, des déceptions politiciennes internes, désillusion électorale, justifiant la future mutation du Front aux Patriotes de l’apprenti politique prêt à retrouver la cravate et le costume de la reconnaissance. Le traitement narratif du film par le moyen d’une lecture intime distanciant tout jugement remplace la stricte exemplarité du documentaire, l’implication émotionnelle du partisan exprimant l’évolution de son parcours en même temps qu’il révèle les rouages de la mécanique frontiste, communication, séduction, dédiabolisation et préparation efficace des élections présidentielles passées et futures. Une immersion subtile pour provoquer la réflexion par un cinéma de valeur rendant sa liberté à la pensée.

Un restaurateur basque quinqua et sympa en quête d’une nouvelle jeunesse transposée sur Instagram part découvrir les cerisiers en fleurs. Une évasion coréenne virtuelle vers une libération où les rêves déçus se reconstruisent dans une découverte gustative partagée, la communication tweetée mondialisée, un rappel à l’illusion amoureuse et les valeurs de l’amour filial retrouvées. Une comédie menée entre fourchettes et baguettes par le chef Alain Chabat dans tous ses états de virilité joyeuse !

Une symphonie aquatique dédiée à l’eau sous toutes ses formes, de la banquise sibérienne aux cascades amazoniennes, force monstrueuse indifférente aux humains qui l’auscultent (sous le gel), la traversent (sur leurs embarcations), la conquièrent et la capturent (entre canaux et barrages), la dégradent (par les pollutions). Un tourbillon d’images, ode musicale ponctuée de murmures et rugissements, affrontement de puissance en résonance avec le silence écologique des hommes.

Convoqués par l’éditeur d’une trilogie best-seller mondial à l’auteur anonyme, neuf traducteurs de nationalités diverses acceptent d’être isolés dans un bunker de luxe pour garantir le secret du dernier tome de l’œuvre. Sauf que les pages fuitent sur Internet assorties d’un chantage pécuniaire. Complicités internes, rivalités de talents, désespoir d’écrivains ratés, abus de pouvoir commerciaux soutiennent une énigme multiple où les égos s’affrontent, les arnaques se multiplient, les illusions se décomposent en images sur un rythme effréné brisé par les ressorts de mise en scène, flashback et artifices jaillis de la seule passion de l’écriture, sauvés par la magie de Proust, la transmission de la passion des mots retrouvés dans l’émotion d’un puzzle littéraire à l’égal d’un film d’auteur.

Un par un, père de famille, pilote d’essai... ils fuient Cuba pour Miami où ils s’intègrent dans une nouvelle vie, sollicités par des anticastristes investis dans des attentats terroristes. FBI et CIA s’en mêlent pour, des rues de La Havane aux espaces aériens internationaux, d’un discours de Castro à de trompeuses promesses américaines nous embrouiller dans une véridique opération d’espionnage /contre-espionnage soldée par l’emprisonnement des infiltrés. Le réalisateur survole l’opposition politique, se complait dans un tourisme caribéen, expérimente un nouveau genre à l’américaine qu’il traite sentimentalement hors engagement autre que la démonstration hors contexte du charme féminin de Victoria Abril. Articulé en trois parties et dans un retournement révélateur, le film s’embrouille tout autant que les faits sans réussir à nous impliquer dans l’authenticité de l’opération « Avispa». Les derniers soldats de la guerre froide - Fernando Morais – Companhia das Letras Brésil 2011 -

Ses deux ou trois boitiers autour du cou n’ont pas protégé Gilles Caron des dangers de son travail de photoreporter à l’agence Gamma, mais ont illuminé son regard de témoin de l’humanité, de atrocités commises et de ses désirs illimités. 6 années d’événements vécus du Sinaï au Biafra jusqu’au Cambodge, des pavés parisiens à ceux des irlandais, illustrent les mêmes révoltes, douleurs et espoirs, expression en Noir et Blanc et couleurs d’un engagement éthique, politique et esthétique. Reliant une quête et un deuil personnels à la disparition du photographe et à l’étude technique de son travail, la documentariste cherche sur chacun des clichés numérisés, numérotés et exposés le mystère de la création individuelle et sa force universelle pour l’offrir à notre connaissance. www.fondationgilles-caron.org / info@fondationgillescaron.org

S’il est aisé de reconnaître toute œuvre de Botero c’est sans doute parce qu’elle s’expose en miroir du peintre lui-même, de sa passion pour l’art et de son incessante quête créative. Enfant de Medellin, étudiant européen découvrant la Renaissance et Pierio de la Francesca et la monumentalité, jeune coloriste new-yorkais attaché à la figuration face au Pop Art, il n’a cessé d’affiner entre cube et volume, couleurs et matières, sa propre expression. La réinterprétation de Vinci, Rembrandt, Picasso...l’actualisation et l’engagement politique du passé des fusillades de Goya, à Guernica jusqu’à Pablo Escobar et Abou Ghrai, l’approfondissement d’un thème privilégié tauromachie, cirque... font partie de ses continuelles démarches. Le documentariste fait classiquement alterner en situations diverses entrevues directes, archives du peintre, de ses enfants, de spécialistes détracteurs ou admirateurs pour au fil de ses innombrables tableaux et sculptures, tracer le portrait d’un homme célèbre, populaire certes mais surtout encore et toujours passionné.

Parfait élève des jeunesses nazies ce gamin solitaire aidé d’Hitler son copain imaginaire pour dépasser sa fragilité de héros patriote adepte d’idéologie aryenne glorieuse, d’antisémitisme et fanatisme triomphants. L’innocence enfantine trahit l’horreur des propos, la naïveté explose du sacrifice d’un lapin à une grenade dans un délire satirique contredit par la présence d’une jeune juive cachée par une mère résistante, le griffonnage de confidences sur un carnet intime et les cruautés environnementales d’une défaite annoncée. Un monde historique et didactique où les images hallucinatoires et le burlesque illustrent les souffrances du réel, rappel d’un cinéma initié par Groucho Marx, Charlie Chaplin poursuivi par Mel Brooks, Wes Anderson... et aujourd’hui l’humour ravageur et dénonciateur de Taika Waititi. Le ciel en cage - Christine Leunens - Editions Philippe Rey - 2007.

La disparition d’une voiture sombre dans l’opacité translucide des brouillards se rigidifie en plans fixes d’une maison où nuages et soleil jouent avec les sentiments d’un ancien flic, veuf inconsolable et grand-père attentif. Dans cette pureté aussi trouble qu’immaculée perdure la souffrance, apparait la jalousie, s’efface la raison dans une violence posthume. Un film noir sur fond blanc où la douleur se fige dans l’écoulement d’un temps mis en images à travers la lumière des paysages pour exprimer la libération du deuil. Avec ce deuxième film après « Winter Brothers », le réalisateur islandais confirme autant l’originalité de son style que son talent de direction d’acteur associé à la prestation d’Ingvar E. Sigurössonon.

Fin des années 80 un étudiant en droit tout juste sorti d’Harvard s’installe dans une petite ville de l’Alabama pour offrir l’assistance juridique aux condamnés engagés dans le couloir de la mort. Incarnant lui-même de par sa couleur de peau la banalisation du racisme, sa permissivité officielle, l’institutionnalisation de l’injustice il fait face par son action aux faux témoignages, à toutes les formes de corruption morale, aux menaces diverses dans un climat d’intolérance culturelle consentie. Un film dossier inspiré de faits réels, au scénario documenté, à la mise en scène classique, aux acteurs suffisamment talentueux pour mêler l’émotion à la réflexion sur la la discrimination et ses conséquences. Just Mercy : a story of justice and redemption – Bryan Stevenson – 2015.

Rejeté par son père douze ans plus tôt pour avoir quitté la ferme de son enfance et s’être expatrié au Canada, le fils aîné revient rappelé par sa mère en fin de vie. Accueilli par la jeune veuve de son frère cadet et leur gamin il constate la ruine économique de l’exploitation, les causes réelles du désarroi familial, les difficultés locales, le manque d’avenir corroborant les motifs de son départ. C’est dans le silence d’une culpabilité partagée face au regard buté paternel, entre les mots d’un enfant, la sexualité d’une femme, la force de la nature, l’état de l’environnement que revient le dilemme du choix de vie. Les non-dits des rancœurs et les incertitudes d’un contexte rural en crise se heurtent au futur auquel croire pour l’affronter ou non ? Si la problématique de la campagne est à la mode (Petit paysan, Au nom de la terre...) la réalisatrice et ses coscénaristes Diastème et Philippe Lioret ont opté pour un film à l’âpreté de ton semblable à celle des problèmes de la terre hors hyper-réalisme rustique, explications mélodramatiques que les sourires de Niels Schneider et la sensualité d’Adèle Exarcopoulos font simplement rayonner dans leur authenticité abrupte. L’amour sans le faire - Serge Joncour – 2012 - Editions Flammarion

Un gamin hypersensible et isolé, élevé seul par sa mère infirmière dans un centre psychiatrique y rencontre une jeune fille récemment internée et en tombe raide amoureux. Elle l’entraînera dans une fugue démentielle jalonnée de ses premiers émois et son aveuglement au rythme d’images oniriques hallucinatoires nous immergeant à vau-l’eau entre violence, enfance et romance au risque de nous y engloutir en dépit du passage brièvement salvateur de Benoît Poelvoorde.

Sur le tapis rouge du Festival de Cannes en 2018 elles furent 82 sous la houlette d’Agnès Varda à symboliser le nombre de films féminins en sélection contre les 1688 masculins. En se référant à cette inégalité de chiffres (internationale), le documentariste Quentin Delcourt s’interroge sur l’industrie cinématographique française à travers les parcours de 11 de ses participantes agent, exploitante, technicienne, actrice, réalisatrice. Une réflexion sur l’ensemble des différences contractuelles, salariales, techniques, artistiques applicables par le poids des traditions à toutes les minorités culturelles, et que seules, la personnalité, les convictions, leur force conjointe parviennent à affronter pour les dépasser. Des paroles libérées et libératrices, entrecoupées d’extraits forment une joyeuse chaîne de mots, reflets par l’image, de l’état de notre société.

Seuls les fantômes ont le pouvoir de survie par-delà la mort et la LLorona depuis des siècles se doit de l’exercer pour sauver le peuple Maya-Ixiles, décimé dans les années 80 par un dictateur investi d’un anticommunisme cachant ses désirs luxurieux effrénés et son racisme primaire. La pleureuse légendaire va s’emparer de la raison des coupables à travers les cauchemars du militaire harceleur, de son épouse bafouée, des doutes de leur fille et l’innocence de leur petite fille. Insensiblement l’envoûtement maléfique agit sur chacun des coupables, atteint les manifestants dans un crescendo sonore de lamentations, insidieux de transformations visuelles, invisible d’évolutions mentales, révélateur du génocide initié dès la conquête espagnole et chanté du Mexique (Chavela Vargas) au Guatemala pour exprimer la révolte contre toute forme d’injustice et d’oppression. Le réalisateur avec ce troisième volet poursuit sa dénonciation du colonialisme « Ixcanul », de l’obscurantisme sexuel « Tremblements » et ici du totalitarisme politique avec à son tour le même talent diabolique.

L’histoire est authentique et connue, le limogeage par Robert Murdoch de Roger Ailes patron de Fox News dénoncé pour harcèlement sexuel en 2016. Pas de surprise non plus quant à la qualité de ce type de docufiction que le cinéma américain pratique de longue date, écriture du scénario et choix des actrices inclus. Le point fort réside dans la maîtrise du déroulement des faits, l’implacabilité de l’engrenage, l’inhumanité du formatage en silhouettes de Barbie, le jeunisme des maquillages, la toxicité de l’ambition personnelle, le poids de la gloire médiatique, la complicité silencieuse dans la peur, fusionnées pour le triomphe libidineux de leur employeur. Les prothèses surajoutées de Charlize Theron, Nicole Kidman et Margot Robbie, les plans rapprochés de jambes, parures et chaussures tout autant que les regards égrillards dans la transparence de bureaux open space participent de cette mécanique d’humiliation, de division, de bureaux open space participent de cette mécanique d’humiliation, de division, de pression instaurée en système de domination masculine culturelle généralisée dont les dédommagements pécuniaires étouffaient l’injustice. L’involontaire participation d’Harvey Weinstein à cet état systémique aura fait naître le mouvement #metoo, auquel Jay Roach offre un viril écho féminin.

Algérie 1960, un « conflit » d’Indépendance et ses atrocités offertes à l’écran en rappel historique par les combattants de toute guerre coloniale, civile, mondiale... car les affres individuelles d’un colonel retraité en chasse de son supérieur, déserteur passé dans le camp ennemi, se rejoignent dans la terreur et les douleurs infligées entre commandos, pilleurs, violeurs, partagés de l’honneur au déshonneur dans une violence exacerbée. Sans pitié aucune les images rythmées par l’enchaînement d’actions ou d’attentats déterminent la réflexion, la cruauté des rôles de chacun des acteurs traduisant l’authenticité d’un passé oblitéré par les autorités militaires ou politiques, cicatrices indélébiles généralisées et irrémédiablement réactivées d’un pays et d’un affrontement à l’autre.

A Mumbai la rencontre d’un photographe de rues et d’une étudiante timide illustre les modes et codes de la vie indienne en ville et en province, chez les pauvres et les riches à travers les conseils d’une grand-mère et d’un père petit bourgeois partageant les traditions face à la modernité et à l’amour entre résonances sociales ou sentimentales. Une comédie romantique aux sentiments bollywoodiens et regards sociétaux.

Sortir de prison, mais comment ne pas y retourner et associer la libération à la réinsertion ? C’est ce propos qu’illustre le parcours d’un jeune délinquant affrontant la dépression de sa mère et ses besoins de survie quotidienne immédiats compensés par la débrouille et les magouilles. La juxtaposition d’enfermement maternel mental et pénitentiaire filial entre la vente illicite de drogues et leur emploi médical officiel permet à la réalisatrice d’en montrer les contradictions, d’en dénoncer les failles tout en évitant le manichéisme démonstratif. Entre food-truck, rave-party, contrôles hospitaliers et douaniers, musiques et mots rythment les actions, accentuent l’authenticité de personnages portés par l’expérience documentaire de Sarah Marx et la finesse de jeu des acteurs unis dans un même engagement.

Accros aux « like », addicts aux « selfies », proies des logiciels, héros ou victimes de tous âges et conditions, ils virevoltent entre fausses gloires et vaine reconnaissance, se ridiculisent en une ronde sautillante de sketchs où Blanche Gardin, Manu Payet et autres humoristes, se jouent des abus du numérique, entre leurs rires et nos larmes.

Léon Blum a gouverné le Front Populaire, institué les 40 heures et les Congés payés, continué à militer pour la SFIO après son départ du gouvernement en 1938, avant d’être arrêté par Pétain en 1940, jugé au Procès de Riom en 1942 puis livré par Pierre Laval en 1943 aux allemands et déporté dans le manoir d’Himmler près de Buchenwald partageant une captivité dorée avec son rival de droite Georges Mandel. Libéré et revenu en France il poursuit ses activités politiques avant d’être victime d’une crise cardiaque en 1950. Jeanne Reichenbach, amoureuse dès sa première rencontre avec cet ami de sa famille de trente ans son aîné, si elle n’attendit pas vraiment leurs veuvages respectifs pour partager sa passion le suivit de son refuge bordelais à ses prisons successives de Chazeron, du Fort de Portalet et de Riom jusqu’à Buchenwald pour l’épouser en 1943 et demeurer ainsi la dernière aventure sentimentale de cet homme à femmes. C’est cette histoire d’amour dans l’histoire de France que Laurent Heyneman dédouble en hommage académique et rappel mémoriel d’une époque reconstituée dans une authenticité compassée à laquelle Elsa Zylberstein offre sa flamme passionnelle, Hippolyte Girardot un charme désuet, Emilie Dequenne une réserve chaleureuse. Je vous promets de revenir - Dominique Missika - Robert Laffont - 2009.

Pour combler le vide de sa condition de potiche décorative d’un foyer bourgeois, une jeune épouse et future mère est prise d’envies irrépressibles d’ingurgiter tout objet à sa portée. Cette compensation psychologique (syndrome de Pica) traitée avec une rigueur formelle d’images répondant à l’enfermement enduré, au mépris de classe sociale subi, à la dépossession mentale imposée, accentuée par le silence environnemental relevant de l’exercice du pouvoir patriarcal culturel. Des gestes du présent au causes du passé jusqu’à la quête d’un avenir, ce parcours contradictoire, jalonné de troubles, doutes, secrets portés par la maîtrise du scénario, de la mise en scène, l’esthétique des décors, le jeu de l’actrice, procurent à ce premier film un plaisir étrange de libération.

12000 euros c’est la somme butoir à s’offrir en partage de l’amour fou qui lie un couple en un ballet de désir et de plaisir à conquérir envers et contre la cruauté banale d’un monde socialement injuste. Un jeu érotique absolu entre les corps et les sentiments, leur sujétion et leur liberté qui privilégie leur intensité entre recherche esthétique, et regard politique, la sensualité se jouant de la réalité d’un quotidien effacé par les rêves. Après deux documentaires la réalisatrice/actrice s’évade elle-même vers la fiction entre romance et critique sociétale sans jamais trouver son équilibre entre forme et fond.

Une semaine en Ardèche pour transposer Roméo et Juliette en fiction amoureuse où virevoltent les fantasmes de séduction d’un réalisateur amateur au fil d’un marivaudage artisanal, musical, estival et bancal.

Le nouveau conseil municipal de Montfermeil va tout changer, réduire les injustices, effacer les différences, transformer le quotidien, en obligeant chacun de ses concitoyens à la pratique de la méditation à heures fixes en alternance avec la sieste, à l’assistance sexuelle, l’apprentissage d’idiomes et langues diversifiées, le port alterné de tenues vestimentaires locales, l’écoute de l’autre et le retour à l’amour, la participation à des fêtes récurrentes... toutes directives aussi péremptoires que délirantes contrecarrées par leurs ennemis potentiels. Une fantaisie utopiste orchestrée en suite de saynètes déjantées, fausse farce dénonçant les absurdités sociétales, le racisme ambiant, la perte des sentiments en mode burlesque où règne Emmanuelle Béart en maîtresse femme, papillonne Jeanne Balibar en réalisatrice assumant avec légèreté une satire drolatique partagée avec sa bande de joyeux copains pour nous faire rire sur un ton décalé très inhabituel dans le cinéma français.

Autant pour résoudre un problème de blanchiment d’argent de trafiquants que pour libérer un mafieux généreux et se laisser séduire par une femme vénale, un policier ripoux va et vient entre Bucarest et les Canaries où il apprendra l’ancestral langage secret du sifflement. Les stridences de ce thriller résonnent en échos multiples au double jeu du héros, de ses amours fatales et de sa « conscience » professionnelle grinçante d’absurdité d’un puzzle retors.

Comment être face aux autres quand on a 16 ans et qu’il faut tout affronter parents, élèves d’un nouveau lycée, voire les filles ? pour résoudre cette insurmontable difficulté un jeune garçon recourt à l’aide de son frère aîné champion de basket et gagneur toutes catégories qui lui souffle les conduites à adopter face à chaque situation. Pour étayer cette période cruciale de construction individuelle le réalisateur a recours au subterfuge d’un dédoublement consécutif à un deuil, illustrant la fragilité de la conquête identitaire par une dualité fraternelle que les deux jeunes acteurs incarnent avec énergie. Après « Ce n’est pas un film de cow-boys » et la série « Les grands », Benjamin Parent affute son regard sur l’adolescence pour le rendre vrai.

Une jeune actrice dans l’attente du rôle qui la sortira du recours aux pubs et prestations webcam est contactée pour une audition devant le producteur d’un long-métrage aux scènes érotiques annoncées. Une mise en abyme de la concurrence entre candidates, du harcèlement sexuel, de leur violence banalisée où le récit se décompose en flash-back, le personnage se démultiplie en trois comédiennes, les scènes se superposent en répétitions hallucinatoires, persécutions cauchemardesques, tabous de l’homosexualité féminine, confusions du réel et de l’imaginaire dévoilant la force compensatoire d’un traumatisme originel Le réalisateur fait flamboyer l’accès au tapis rouge de l’écarlate des robes de star, sa scénariste recherche les sources de son histoire en quête onirique d’une chambre numérotée, dédoublée en actrice elle dénonce les comportements réduisant la femme à son statut de poupée gonflable et ensemble ils nous entraînent dans un sulfureux labyrinthe accusateur voire libérateur.

Un artiste américain scénariste, réalisateur, directeur d’acteurs évolue dans un bonheur parfait de nouveau père amoureux de sa jeune et jolie femme, mais derrière ces apparences de rêve publicitaire la réalité quotidienne s’enrichit de flash-back d’addictions passées et dépassées, de jalousies présentes et des malheurs futurs des passions éternelles christique ou masculine voire autobiographique. Willem Dafoe incarne les souffrances narcissiques de son double trouble au fil de son chemin de croix dans une Rome hantée par Fellini, toutes chimères créatrices confondues en expérience cinématographique.

Une jeune danseuse fragilisée par l’abandon de son art perd subitement son père, brisée par cette disparition elle trouve un réconfort amoureux auprès du photographe qui avait mémorisé ses derniers moments. Un transfert du deuil qu’elle ne fera jamais mais que la réalisatrice développe entre l’espace et le temps unis par deux actrices recomposant chacune dans un présent douloureux leur passé de souffrance et leur futur de rêves inaccomplis. Un mal-être existentiel sans issue ni espoir de libération accentué par l’esthétisme des décors, le rythme des scènes, la lumière des images où passent les fantômes et demeurent les vivants. Dommage que l’idée de dédoublement réincarnée par Anouk Grinberg ne trouve pas suffisamment de consistance chez Astrid Bergès-Frisbey et que le film n’y perde à son tour sa résonance.

En 2003 la manipulation du gouvernement américain auprès du Conseil de Sécurité de l’ONU pour déclencher la guerre en Irak est transmise par une employée des services secrets anglais avant d’être révélée par la presse, reprise par un cabinet d’avocats et provoquer la comparution pour haute trahison de cette honnête lanceuse d’alerte. Traité au départ comme un classique sujet d’espionnage l’authenticité du vécu de Katherine Gun impliquant les répercussions sur sa vie quotidienne donnent insensiblement au film une dimension humaine et universelle à l’honnêteté ou la naïveté héroïque dont elle fait preuve. L’expérience cinématographique de Gavin Hood distancie l’autobiographie au profit de la dénonciation étatique avec justesse. The spy who tried to stop a war – Katharine Gun – Polipoint Press – 2008.

Le plus grand chorégraphe américain a porté plus de 70 ans durant l’art de la danse comme une expression de liberté du corps à découvrir et interpréter individuellement par chacun des élèves au sein même de sa compagnie. Ensemble à l’écoute de leur émotion physique hors musique, dissociation rendue possible par les compositions de John Cage son compagnon. Un pari créatif de phrases, mouvements gérés en emplacements, comptés, ordonnés, associés en harmonie mathématique puis informatique engendrant l’esthétique même du langage corporel. Des 180 pièces qu’il créa, entouré de ses amis peintres Raushenberg, Andy Warhol...et de et de sa compagnie dissoute 2 ans après sa mort, reste un héritage visuel dont l’alternance technique entre archives et prestations réelles en images 3D restitue l’exigence même de Merce Cunningham.

Au fil d’une semaine entre Noël et le jour de l’An, dans les paysages glacés hivernaux, des islandais s’entrecroisent au long d’une succession de 56 saynètes filmées en plan fixe avec des acteurs non-professionnels reflétant par leur diversité et instantanéité l’état de la société et ses travers actuels : égoïsme, individualisme forcené, perte de solidarité... Un regard documentaire lucide et pessimiste sur le présent autant que l’avenir de l’humanité.

Un escroc professionnel recyclé sur les sites de rencontre s’attaque à une veuve riche et distinguée mais ce thriller du 3ème âge pure illustration du « tel est pris qui croyait prendre » s’ankylose dans de poussifs et invraisemblables rebondissements vengeurs historiques sauvés par le seul talent des immarcescibles acteurs britanniques Helen Mirren et Ian McKellen. The good liar -Nicolas Searle - Penguin -2016.

Un voleur dit scientifique, looser en quête de son trésor sacralisé, un gardien de fausses reliques monétaires, des pèlerins invoquant la pluie, des paysans fuyant leurs terres asséchées, un aubergiste profiteur, un barbier coiffeur escroc, un médecin passe-temps de femmes désœuvrées et un chien édenté se croisent au pied d’un mausolée devenu tombe de fortune. L’absurdité des superstitions, croyances, malhonnêtetés en tous genres, dénonce sous forme de fable burlesque jubilatoire et ronde naïve de saynètes incantatoires, les travers de la société rurale marocaine.

C’est entourée de sa famille que, le soir de ses 70 ans, une veuve aimée est victime d’un AVC qui oblige ses quatre fils à prendre soin d’elle. N°1 l’aîné trop occupé la confie à N°2 qui endetté se libèrerait bien de sa charge sur N°3 parieur invétéré et ainsi de suite dans le respect des traditions provinciales de cette petite ville mise en lumière par un tableau de Huang Gongwang célèbre maître ancestral dont la toile se déroulait pour être découverte dans son intégralité. Le cinéaste utilise à son tour ses images pour au fil des saisons et d’un frère à l’autre faire évoluer l’espace et le temps entre la pérennité de la nature et les modalités changeantes de la vie. Ce premier volet d’une trilogie future traduit la mutation de la société chinoise dans l’équilibre d’une fiction poétique et l’authenticité du réel où le fleuve Yangtsé nous fera bientôt voguer.

Un prêtre officiant dans un centre d’accueil pour migrants est muté dans une banlieue napolitaine ravagée par les pouvoirs de la Mafia, succédant à un curé ayant dénoncé les conséquences toxiques de l’enfouissement des déchets. Il prend sa relève à un niveau humain s’engageant en martyr dans une lutte contre le Mal, celui qui le ronge comme celui qui régit son environnement, sourd à l’esprit d’équilibre passif requis par l’Eglise et l’Etat. Un investissement et une intransigeance illimités que le réalisateur traduit dans la rigueur de sa mise en scène, par le seul suivi caméra à l’épaule et en plans séquences de son personnage mutique, pour rejoindre par les images et le silence son vain absolutisme christique face aux dérives consenties et complices de la société.

Les relations de famille dans leur multiplicité mère-fille, belle-mère-gendre, grand-mère-petite fille, pères-filles et même beau-père rien ne manque à leur problématique universelle quand le réalisateur japonais, entouré de ses interprètes français voire américain articule son film autour de l’égocentrisme des comédiens, de leurs rivalités et angoisses existentielles ironiquement compensées par leurs défaillances mémorielles. En flamboyante sorcière Catherine Deneuve incarne la magie même du jeu d’acteur où la vérité nait de la fiction, réalité et mensonge se confondant dans leur double représentation entre vie privée et publique, spéculant entre la filiation et ses manques, rejetant toute sentimentalité en un tourbillon narcissique d’émotions exprimant le vrai par le faux ou inversement. Une chronique subtilement démultipliée en résonance avec les personnages de Juliette Binoche et Ethan Hawke.

Au jeu des 7 familles il occupe toutes les places ce fils d’une mère omniprésente, mari d’une épouse très absente, père de filles pré-adolescentes, frère d’un bi-sexuel officieux, petit-fils d’une grand-mère libérée, petit neveu d’un oncle prêtre, amant de sa séduisante cousine, finalement couronné ministre pour assumer toutes ces charges avec l’élégance de sa caste. Les apparences sont sauves malgré l’abandon du double voussoiement et le château pourra enrichir sa galerie de portraits illustrant les valeurs d’un réalisateur bien entouré de fidèles serviteurs et acteurs.

Au cœur des nuits pluvieuses d’une ville provinciale chinoise où des motards se réunissent en classes préparatoires de banditisme et partages de territoires, la rançon promise pour la capture d’un chef de gang rassemble la pègre et la police dans une même violence oppressante accentuée par le cadrage des plans, la luminosité froide des néons, la frénésie des images, l’esthétisme de capelines, la plastique même des acteurs. Voyou au grand cœur, femme fatale et ex-épouse unis dans la complicité d’un film aux codes et à l’humour noirs, aux temps brisés entre flash-back et courses effrénées, aux chorégraphies sanglantes traversent ce tourbillon de situations socio-romantiques, en témoins d’une Chine actuelle de survie humaine. Une mise en scène flamboyante pour ce troisième regard percutant après « Train de nuit » et « Black coal ».

Tout feu tout flammes pour l’architecte du futur parvis de la cathédrale et son projet multidimensionnel élaboré dans un monde banalisé par les mauvaises nouvelles quotidiennes, une rupture conjugale doublement impossible, un pouvoir patronal abusif, une grossesse incongrue et des amours à rénover. Et rien ne s’écroule dans ce jeu de construction bâti sous la houlette magique de Valérie Donzelli (assistée par les sourires de Pierre Deladonchamps, la complicité de Bouli Lanners, l’irresponsabilité de Thomas Scimeca) où le temps rime avec sentiments, talents et enchantement d’une tendre et solide fantaisie.

Un écran au format carré, des images N&B, la lumière des ténèbres nocturnes ou sous-marines, l’emprise de l’alcool, les mouettes et leurs sortilèges tourbillonnent en un retour à l’expressionnisme du cinéma de genre où les hallucinations et la réalité se confondent dans les tabous d’une sexualité symbolique. Une immersion oppressante où scénaristes, réalisateur et acteurs tentent d’immerger leurs spectateurs au risque de les engloutir dans leur hypnose baroque et cauchemardesque.

Une star déchue de la télévision et sa doublure, voisins hollywoodiens de Sharon Tate, se retrouvent dans un pastiche hippie où l’imaginaire de Quentin Tarantino redonne vie aux mythes du cinéma américain, leur essence culturelle, des chevauchées aux acteurs losers, des clichés d’une industrie à ses paillettes vacillantes jusqu’à la nostalgie de son désenchantement transformée par la magie du rêve et du 7ème art.

A Contagem petite ville du Brésil un coup de feu éclatant au milieu d’une fête rapproche des insatisfaits décidés à changer de vie. Fuir les violences inciviles, rétablir la justice en volant les riches au profit des pauvres de petites escroqueries en casses ratés, devenir chauffeur d’un Uber ou photographe scolaire...les petits rêves s’accumulent pour fuir le prosaïsme quotidien et faire rimer bonheur avec cœur. Une mosaïque de personnages filmés dans l’authenticité de leur quartier illustrent la banalité de leurs frustrations en dressant un tableau socio-culturel haut en couleurs et pourtant universel.

En 2015 la fermeture officielle de la frontière entre la France et l’Italie régit le passage de la migration entre Tende, Vintimille et la vallée de la Roya, par le droit à l’hébergement et aux soins et l’interdiction de transport. Pour déjouer cette aberration certains habitants sont entrés en résistance et expliquent les raisons et moyens de leur engagement humanitaire. Leurs paroles mêlées à celles de quelques migrants accompagnent ces mains tendues de part et d’autre en un échange solidaire de partage. Au fil de ce voyage sans fin entre la paix des montagnes et le ressac des plages de galets, les bandits expriment l’honneur des hommes.

Quatre retraités du cinéma, condamnés au silence par la censure dictatoriale de leur pays avant d’y revenir après plus de 20 à 40 ans d’exil, se retrouvent pour transmettre leur passion et rouvrir une salle de projection à Khartoum. Des mètres de pellicules, des piles de boites cylindriques gardent derrière les façades démembrées les images d’un 7ème art soudanais talentueux qu’ils évoquent et nous font partager entre éclats de rires et tendresse pour refonder par la culture l’espoir de démocratie.

Dans un taxi au pied de son immeuble une femme engage le chauffeur pour lui exprimer son mal être conjugal, sa prochaine séparation et ses doutes. Dans la solitude de son appartement un homme prend un rendez-vous pour partager une rencontre prise sur Internet avec un partenaire. La pudeur de leurs échanges sexuels met en lumière l’interdit de cette relation. Quand le réalisateur quitte le format carré de l’image pour réunir le couple au-delà des situations simultanément vécues par chacun, c’est par le hors cadre qu’ils conquièrent leur liberté face aux traditions matrimoniales et parentales, à l’environnement religieux, aux tabous homosexuels, et le rythme du temps réel (propre à la Nouvelle Vague du cinéma roumain) offre la subtilité de l’écoute et du partage pour donner sens à l’amour et ses dualités.

écompenses 2019: Festival de Cannes/ Prix un Certain Regard Deux sœurs fusionnelles vont être séparées par l’amour fugitif de l’une pour un marin, sans que la passion éternelle de l’autre pour le piano ne les réunissent autrement que par leurs rêves. A Rio de Janeiro dans les années 50, le sexe a ses lois, ses châtiments patriarcaux, ses devoirs matrimoniaux et aujourd’hui les images conservent leurs pouvoirs mélodramatiques pour nous y envoûter dans un tourbillon d’émotions sociales et humaines. Eurydice devenue brésilienne assure son éternité par la force des sentiments, la fragilité des illusions égalitaires mises en scène en un Scope aux couleurs exotiques, évocatrices d’une délicate sororité portée avec éclat par Julia Stockler et Carol Duarte et le talent du réalisateur pour offrir au film une dimension flamboyante et anti-larmoyante. Les mille talents d’Euridice Gusmao - Martha Batalha - 2015 - Livre de Poche /2018.

L’adolescence ses émois et fantasmes qui se croisent et se superposent en famille et au collège entre cruauté, obésité, irresponsabilité, amitié pour dépasser les différences et sortir des refuges de l’enfance, affronter la réalité où grandir et s’épanouir. C’est Juliette elle-même qui donne le ton du franchissement de ces étapes, innocence, pudeur, spontanéité alternant en scènes naturelles qui estompent l’altérité en illuminant les cœurs. Joyeusement interprétée, une émouvante histoire dans la lignée d’un cinéma canadien fort en portraits de la jeunesse ses doutes, espoirs et certitudes d’avenir.

En 1939 Franz Jägerstätter mari et père modèles, agriculteur dans les Alpes autrichiennes revient de sa première incorporation dans l’armée allemande brisé par la violence insufflée aux apprentis soldats du Reich, contraire à ses aspirations et pratiques spirituelles de respect et d’amour. Rejeté par un environnement rural civil ou religieux soumis aux théories nazies, insulté, emprisonné et torturé par les SS, il leur oppose sa foi et ses convictions idéologiques d’objecteur de conscience jusqu’à la mort. Les faits sont authentiques seront même reconnus et récompensés par sa béatification en 2009 (dont sa veuve et ses filles seront témoins). La force poétique des images et leur esthétisme transcendent la foi pour unir croyants ou non en une pure méditation philosophique dont la lumière s’oppose aux aveuglements politiques et leurs jouissances malsaines, dans une mise en scène virtuose faisant alterner moissons et prisons, authenticité de la terre et cruauté militaire, espérance divine et idéaux dévoyés. Sans renoncer à ses mouvements de caméra en contre-plongée ou grand angle, ses plans répétitifs et statiques, le double emploi des langues, les contrepoints symphoniques et silences surlignés, ni à sa fascination obsessionnelle pour la nature, le cinéaste renouvèle sa proposition d’un art cinématographique alliant la passion à la réflexion et à l’émotion.

L’insécurité professionnelle autant que sentimentale d’une jeune femme fragile la fait aller et venir entre le réel et l’imaginaire, à l’instar du réalisateur mêlant les émotions de la comédie romantique aux fantômes du genre fantastique. Un peintre provincial et solitaire visité par sa mère, une voisine par son père avec leur amoureuse commune vont croiser leurs visions, peurs et rêves incarnés par la crédibilité éphémère de Sara Giraudeau, la douceur sauvage de Nicolas Duvauchelle tenant en équilibre l’imaginaire de la para-normalité perpétrée d’un siècle à l’autre, des mots d’un écrivain aux images d’un cinéaste. Les amis des amis - Henry James - 1896 - Editions La Bibliothèque de Babel- 1980.

En 1927 une exploratrice russe installée à New York décide de revenir dans son pays natal en parcourant le pays à pied jusqu’au détroit de Béring, près de 100 ans plus tard c’est une même traversée d’Est en Ouest qu’entreprend le cinéaste et photographe Andreas Horvath filmant le parcours de Patrycja Planik jusqu’au Groenland où elle rejoindra Lillian Alling dans le mystère d’une même disparition. Une marche déterminée et mutique ponctuée par les sons de l’environnement rural, les bruits de fêtes locales, les répétitions de slogans publicitaires en écho aux images d’un périple à travers les carcasses de voitures, les ruines d’usines désaffectées, les rodéos désertés, les rencontres de hasard tous témoignages d’une société en mutation constante face à la force éternelle de la nature, de l’Iowa au Dakota jusqu’en Alaska. Un détournement du documentaire en odyssée authentique à travers le temps et l’espace.

Elle s’appelle Lola et son désespoir face à la mort de sa mère n’a d’égal que la violence du rejet de son père. Un voyage pour répandre les cendres sur la plage de la maison familiale apaisera au fil des étapes leurs douleurs respectives jusqu’à si ce n’est effacer leurs différences, les assumer dans un respect mutuel. Une histoire de corps et de cœurs subtilement mêlés pour aborder un tabou porté par l’énergie et la sincérité de Mya Bollaers habilement soutenue par Benoît Magimel.

Il était deux fois le Prince Laankos, car le voilà revenu cet inventeur et voyageur échappé de son Château des Singes (1995) échouant malencontreusement sur une terre inconnue. Recueilli par un gamin malin lui-même enfant trouvé vivant avec un couple de chercheurs dans une contrée dévorée par la forêt il découvre aux alentours une cité figée dans le conservatisme protectionniste et dominateur de ses maîtres à penser qu’il devra fuir au nom de la liberté d’être et d’agir. A l’habituelle élégance du graphisme, tout en nuances de couleurs et de rythme, au choix du stylisme de la mégalopole, à l’inventivité de son « animatique sauvage », à la poésie du récit Jean François Laguionie superpose l’actualité du sujet et la richesse de son regard sur les dérives de notre société pour nous offrir à tous un voyage exceptionnel de générosité et beauté.

La disparition d’une femme unit mystérieusement les Causses enneigées aux rues ensoleillées d’Abidjan, par la solitude, les amours fantasmées, le profit de la sexualité reliant les rites sacrificiels aux technologies d’Internet toutes virtualités confondues dans l’exploitation mondialisée. Découpé en chapitres définissant chacun des personnages impliqués dans ce puzzle noir le film part des conditions austères de la ruralité pour rejoindre celles de la misère africaine surpeuplée, les inégalités économiques entremêlées aux frustrations humaines, au fil d’un intéressant cyber-thriller à voir et à lire. Seules les bêtes – Colin Niel – Editions du Rouergue 2017 – Babel Noir 2019 .

Semblable à lui-même Elia Suleiman, plus lucide encore sous son chapeau, après les vingt années écoulées depuis « Intervention divine » et les dix depuis « Le temps qu’il reste » durées qui n’ont profité ni à la paix en Palestine ni à la sagesse universelle, alors il demeure spectateur lucide d’un monde uniformisé par son absurdité, des voleurs de citrons de son jardin aux échos militarisés d’un 14 juillet parisien jusqu’aux chorégraphies policières de Central Park. Digne héritier de Buster Keaton, Charlie Chaplin et Jacques Tati, il dénonce d’une situation à l’autre et de la liberté d’un pays à une servitude ennemie l’exercice de la violence par la pure absurdité des comportements de chacun. Un conte burlesque certes, mais par-delà la fable drolatique s’inscrit l’espoir pathétique de l’existence d’un paradis terrestre où les moineaux restent libres de picorer les ordinateurs et les cinéastes d’être poètes.

Les rêves d’une jeune chirurgienne s’entrecroisent avec ceux d’un policier dans la moiteur estivale d’un paisible ville de province, la disparition du jeune frère de l’une s’entrecroisant avec celle de la fiancée de l’autre en une errance d’âmes égarées dans les rigueurs de la vie. Le parcours sinue entre les personnages virtuels ou réels, le drame s’attache à la culpabilité plus forte que les faits, le deuil se fond dans les émotions pour dépasser les douleurs, atteindre la résilience et retrouver l’espoir par l’amour et la poésie d’un cinéma dédoublé entre onirisme et réalisme.

Elles sont 13 sœurs de la nuit, stars transformistes à incarner leurs égéries dans la magie des possibles, grimées pour offrir l’illusion sur les planches de cabarets jusqu’aux coulisses de leurs vies. Avant tout gays et artistes, aux quotidiens nocturnes et diurnes dédoublés, ils se confient entre préparation de leurs shows, maquillages, prestations et interviews pour exprimer la découverte de leur homosexualité, la réception familiale et la détresse de cette différence, la décision de la scène, l’ambigüité entre masculinité/féminité et son choix physique, la difficulté de cette forme d’« inceste lesbien ». Les paillettes du glamour cachent la pudeur des confidences recueillies avec subtilité par la documentariste dans ce film humaniste.

A Kaboul sous le pouvoir soviétique, un enfant des rues est placé dans un orphelinat où il découvre avec d’autres adolescents les rapports de pouvoir entre petits malfrats, la sexualité naissante, jusqu’au mausolée de Lénine au cours d’un voyage politiquement correct. Ce quotidien protecteur et initiatique est entrecoupé des rêves du gamin en séquences bollywoodiennes qui distancient de la violence extérieure jusqu’à l’arrivée moudjahidines. Avec ce deuxième volet de souvenirs après « Wolf & sheep », la réalisatrice afghane parcourt délicatement l’histoire de son pays, sa diversité ethnique, la richesse de sa culture passée, échappant par la maîtrise de son scénario aux horreurs de la violence.

Années 50, le privé d’une agence new yorkaise est assassiné et son ami, collaborateur le plus proche atteint du syndrome de Gilles de la Tourette, décide de le venger fort des dérives de son handicap l’hypermnésie et ses compensations obsessionnelles. Le choix du thriller de Jonathan Lethem, le décalage de son adaptation en temps et récit, accentuent autant les règles du genre que la pérennité de la corruption immobilière réactualisée de Moses Randolph à Donald Trump, assortie de la gentrification de Manhattan ou l’institutionnalisation du racisme ordinaire. Avec une mise en scène inventive sur de sombres décors d’époque, des images sublimées par les meilleurs jazzmen, un discours inversant l’humour des tocs en rigueur de pensée, des acteurs rivalisant de talent, le réalisateur démultiplie une intrigue basique, son ancrage de film noir et sa variation romantique en regard social de lutte pour défendre la démocratie de l’abus des pouvoirs politiques et d’espoir sur la société et le respect de ses différences humaines. Edward Norton, 19 ans après « Au nom d’Anna » revient à la réalisation, des années propices à la maîtrise du 7ème art. Les orphelins de Brooklyn – Jonathan Lethem –2000 - Editions de l’Olivier/ 2003.

Du rire dans les jeux de mots et des larmes dans les maux des corps transcendés par l’amitié indéfectible de deux copains d’enfance que rien ne saurait séparer pas même le tourbillon de quiproquos en dominos qui agitent ces chercheur ou flambeur que Fabrice Lucchini et Patrick Bruel incarnent en toute complicité masculine pour un succès mérité et annoncé.

Les étiquettes accrochées aux vêtements distribués de par le monde par les multinationales du prêt à porter ne révèlent rien du travail des esclaves de l’industrie textile, victimes des conditions sociales et culturelles du Bangladesh ou d’ailleurs. Si les luttes prolétariennes font partie de notre passé, elles perdurent dans bien d’autres pays et à Dacca, une jeune ouvrière en devient la porte-parole déterminée à affronter les dérives du capitalisme et les abus des traditions populaires sexistes. Avec ce second film d’une trilogie dédiée aux bangladaises, la réalisatrice évite les pièges du docu-fiction activiste, de la reconstitution militante, du misérabilisme économique, solidaire de ses actrices pour partager leur énergie dans ce combat de femmes pour leur émancipation,

Il était une fois le rêve, la poésie et les contes pour s’évader des contraintes de la vie, à l’Institut Benjamenta l’enseignement du travail domestique, par la seule valeur de la modestie, est prodigué hors temps et normes sous la baguette de biche d’une fée et la puissance d’un ogre égaré. L’enchantement du N& B, des décors gothiques, des images oniriques, des sons raffinés sur voix off lancinante, entremêle en un labyrinthe sophistiqué l’esthétique surréaliste à la perception de l’existence pour nous y envoûter au seul risque de nous y perdre. L’institut Benjamenta - Robert Walser - 1909 - Gallimard/1981.

L’adaptation d’une nouvelle de Dorothy M.Johnson relatant la capture d’un lord anglais et ses mésaventures permet au réalisateJur de traiter avec justesse les modes de vie des Sioux au XIXème siècle leur rendant une authenticité trop souvent négligée par les westerns commerciaux.

Les 3 concerts des Talking Heads filmés pour la tournée de leur album Speaking in Tongues restent un événement culte du rock & roll aux titres inoubliables : Psycho Killer / Heaven / Thank you for sending Me an Angel / Found a Job / Slippery People /Burning Down the House / Life During Wartime / Making Flippy Floppy / Swamp / What a Day That Was / This must be the place ( Naive Melody)/ Once in a Lifetime / Genius of Love / Girlfriend is Better / Take me to the River / Crosseyed and Painless.

Dresde au fil des années de 1937 à 1963, de la découverte de l’art dégénéré par un gamin à la pratique de la peinture officielle communiste et de l’enfance brisée par la criminalité nazie à la maturité conquise au-delà du mur de Berlin, le parcours vers la liberté créative est infini. C’est celui de Gerhard Richter dont s’empare le cinéaste en mêlant l’intime à l’histoire, la fresque épique allemande et l’étude artistique individuelle. Formé au réalisme collectif soviétique le peintre devra dépasser les acquis, esthétiques politiques, les modes conceptuelles pour enrichi par elles autant que par sa vie personnelle dépasser toute subjectivité, s’inventer, se découvrir lui-même. C’est le sens de sa période 68 qualifiée de « photo sans auteur » où la réalité apparait dans le passé reflué dans le présent. A son tour le réalisateur traversant le siècle engage, par l’esthétisme de ses images, la maîtrise de la reconstitution, la prestation de ses acteurs, l’émotion du vécu et un certain lyrisme, une réflexion sur le pouvoir de l’environnement, jusqu’à utiliser sa résonance dans la fonction de l’art contemporain incluant l’objet du cinéma ?

Les visages et les corps des ouvriers d’une aciérie russe sont aussi rigides et rebelles à la torsion que les métaux traités dans les conditions de travail inflexibles de leur usine. Entrés en résistance contre sa fermeture, ils vont affronter la mafia oligarque patronale, la corruption policière jusqu’à la peur individuelle qui transforme la prise d’otage en état de siège, et le film en authentique thriller prolétaire où rançon rime autant avec action que rédemption avec désespoir face au pouvoir. Une métaphore violente, le temps d’une pluvieuse nuit d’hiver dans la noirceur de l’environnement, des coursives des ateliers aux voies tortueuses qui y conduisent ou nous en éloignent, pour qu’au final la violence transforme la conscience d’un homme en route vers la justice. Le quatrième engagement de Yuri Bykov après « Live », « The major » et « L’idiot ».

La mort d’un richissime auteur de polars rassemble en son manoir, les membres dévoués de son personnel, ceux avides de sa famille, deux inspecteurs de police et un détective privé anonymement commandité. Tout ce beau monde va se croiser, s’épier, se déchirer autour d’un testament inattendu pour nous entraîner de soupçons en rebondissements, de fausses pistes en querelles, dans la résolution d’un jeu de Cluedo réussi porté par brillant casting sous la houlette d’un espion recyclé.

A Kaboul sous le pouvoir soviétique, un enfant des rues est placé dans un orphelinat où il découvre avec d’autres adolescents les rapports de pouvoir entre petits malfrats, la sexualité naissante, jusqu’au mausolée de Lénine au cours d’un voyage politiquement correct. Ce quotidien protecteur et initiatique est entrecoupé des rêves du gamin en séquences bollywoodiennes qui distancient de la violence extérieure jusqu’à l’arrivée moudjahidines. Avec ce deuxième volet de souvenirs après « Wolf & sheep », la réalisatrice afghane parcourt délicatement l’histoire de son pays, sa diversité ethnique, la richesse de sa culture passée, échappant par la maîtrise de son scénario aux horreurs de la violence.

Seule femme astronaute d’une prochaine expédition spatiale sur Soyouz, une scientifique française se doit d’être à la hauteur de sa sélection et d’affronter autant le machisme primaire d’un collègue américain que son devoir culturel maternel. A chacun sa place et à chacune de l’assumer. Le sujet est abordé à égalité de réalisme entre l’environnement (préparation et entraînements physiques, décors authentiques des divers cosmodromes de Darmstadt à Baïkonour) et la complexité des sentiments familiaux (rapports fusionnels fille/mère, célibat...) pour une expérience féministe certes mais où l’émotion de l’intime l’emporte sur la démonstration.

Ils sont tous là les personnages de Guédiguian, en famille dans leur ville qu’ils traversent et qui, à leur exemple, évolue, se construit surajoutant à ses fondations la modernité de ses tours vitrées et à ses origines prolétaires celles d’arrivistes sans scrupules. A l’honnêteté sacrificielle de la génération ancienne incarnée par le respect de l’autre se substituent les dérives d’une société dominée par les pouvoirs des seuls profits sexe et argent confondus en écho aux pleurs de la dernière-née de la tribu. Les luttes collectives et leur union se fracassent contre l’individualisation de l’ubérisation, du recyclage commercial véreux, la misère contemporaine capitaliste prorogeant une pauvreté solidaire disparue. Les décors tourbillonnants des voies rapides urbanisées ou des enseignes de magasins « cash », les scènes répétitives de prises de cocaïne ou fumettes électroniques compulsives, d’érotisme détourné, de travail humiliant cause d’un racisme migratoire illustrent la dénonciation des régressions utopistes et politiques incarnées par une femme de ménage et un conducteur de bus, autant que les mutations sociétales réductrices de leurs enfants adeptes du néo-capitalisme actuel, en s’opposant aux images hors temps d’un héros symbole de l’humanité égarée. Ses promenades en poussette face à la mer, la poésie naïve de ses haïkus, son détachement mutique justifient son destin de condamné volontaire et l’espoir d’un futur porté par la conscience de classe disparue, propos que le cinéaste revendique et répète à la façon d’un Ken Loach phocéen militant et généreux soutenu par le talent des siens les « tradis » Ariane Ascaride, Gérard Meillan, Jean Pierre Darroussin et leurs héritiers Anaïs Demoustier, Grégoire Leprince-Ringuet, Robinson Stévenin et Lola Neymark réunis et unis.

Correspondant de guerre pour les radios francophones Paul Marchand publia dix ans après le siège de Sarajevo un récit halluciné de ses expériences transposé sur écran carré, images nocturnes symboles d’un enfermement journalistique réducteur ou diurnes reflets de l’éblouissement hivernal pour traduire l’absurdité de la violence armée en même temps que son addiction insatiable au risque. Un portrait hommage à ce provocateur accro au bonnet noir autant qu’au cigare où les crissements de pneus d’une Alfa Roméo immortelle et sifflements de balles illustrent l’ambivalence du regard et de la participation fantasmée à l’action, par le rappel d’un conflit oublié parmi la succession de ceux de Syrie et d’ailleurs. Sympathie pour le diable - Paul M.Marchand - Grasset 1998 - J’ai Lu 2001.

Dans les rizières cambodgiennes familiales un ado frustré fuit pour travailler en usine en Thaïlande ignorant que faute d’argent il sera vendu au patron d’un chalutier exploitant dans ses filets des poissons destinés à la fabrication de farines animales et des migrants sans papiers voués à l’esclavage. Balloté entre ciel et mer sur ce rafiot où survivre il saura exploiter la violence transmise par ses bourreaux pour leur échapper plutôt que de la partager, ce choix lui rendant son humanité pour retrouver ses terres d’origine, apprendre à vivre avec un autre regard en ayant reconquis sa liberté. Les images aériennes de cette coque perdue dans les flots, l’alternance des plans entre le pont brûlé par le soleil et les peurs nocturnes de la cale, le mutisme des victimes et le silence de l’océan accentuent l’authenticité d’une fiction politique distanciée de son propos documentaire pour traduire avec émotion la réalité de l’exploitation humaine analysée, tournée sur place et interprétée avec justesse par des non professionnels locaux.

Avoir été un gamin choyé et heureux, être devenu l’enfant prodige de la mode parisienne, connaître la gloire et le succès ne peuvent compenser le manque ressenti par Olivier Rousteing né sous X et en quête de ses origines. C’est cette démarche que la documentariste nous fait suivre des rendez-vous avec l’Aide sociale de Bordeaux à la création des collections jusqu’au succès international des défilés de la Maison Balmain, reconnaissance extérieure insuffisante à compenser son manque originel. Ses éclats de rires se mêlent à ses larmes, la tendresse de sa famille adoptive à l’amitié de ses relations professionnelles sans jamais apaiser ses doutes ni l’émotion naturelle que sa sincérité suscite en dépassant son cas pour atteindre l’universalité de cette situation administrative (jusqu’à agir pour en modifier certains modes) et à titre personnel devenir un « wonder boy » rêvant qu’une jeune fille de 14 ans l’identifiera comme son fils.

1961 à l’aéroport du Bourget un danseur du Ballet de Kirov de Léningrad demande l’asile politique, inoubliable scandale aux répercussions politiques, artistiques et humaines qui ont transformé Rudolf Noureev, jeune Tatar pauvre, bisexuel et rebelle, en héros international. Affronter une légende en dépassant les limites du biopic est un challenge, la reconstitution de l’époque, Guerre froide, décors, environnement, choix de l’acteur transforment la chronologie de flash-back et incarnations historiques en arabesques de rébellion individuelle élevée en symbole de liberté. Rudolf Noureev: Une vie - Julie Kavanagh – Editions Archipel 2019 (Arts & Spectacle)