Une commande d’enlèvement, un ridicule accident et le ratage de combines paternelles aux conséquences filiales mal partagées dans une même irresponsabilité ploient sous les menaces humaines et canines de meutes mafieuses et consciences religieuses. Les nuits miséreuses de Casablanca résonnent d’aboiements et de violences, combats chimériques entre solidarité et absurdité mises en images aussi noires que l’humour d’une réalité marocaine sordide sauvée par son humanité. La dramaturgie décalée du scénario, son rythme frénétique incarné par le choix et la direction d’acteurs pour la plupart amateurs révèlent le talent d’un jeune cinéaste au premier film récompensé à juste titre par le jury cannois d’Un Certain Regard.

Dédoublements secrets par sosies improbables interfèrent dans les rues de Téhéran traquant les interdits conjugaux, dévoilant les modes de vie des classes sociales au fil d’échanges, contre-vérités de sentiments et d’émotions gangrénées par le silence. La pluie incessante brouille l’irréalité des lieux, l’obscurité des plans distord l’identité des personnages, la multiplicité des fausses situations s’imbrique dans celle des jeux de rôles pour au-delà de la censure nous emprisonner dans l’atmosphère trouble d’un régime d’oppression dont le talent du cinéaste nous délivre par ses images.

Des actrices se cherchent entre expérience et espérances, un chat gourmand s’égare, un poète interdit d’alcool et de tabac s’enivre en fumant avec ses jeunes admirateurs et le temps s’écoule que les notes d’une guitare offerte font résonner des peines et plaisirs de la vie. Une nouvelle variation de plans fixes et de questionnements existentiels imbibés du charme perpétuel distillé par Hong Sang-Soo.

Nul prétexte ne peut troubler l’anniversaire d’une respectable mère de famille et si les bougies vacillent en l’absence impromptue de son époux, les couples d’enfants et les jeux des petits enfants pourvoient au mystère de cette disparition. Un titre de vaudeville théâtral pour cacher sous le tapis d’un premier film sensible les douleurs indicibles, embaumer les secrets de fleurs cueillies, caresser les corps de sensualité joyeuse, dénoncer les égoïsmes en échappées sportives, libérer les souffrances enfouies et partager la délivrance affective d’Ariane Ascaride et Bérénice Béjo dans l’union de leur talent.

La neige est profonde et le trajet infini pour rejoindre le bourg isolé de l’Anatolie que leurs professeurs rêvent de quitter à l’inverse du récit de plus de trois heures auquel le réalisateur nous lie hors notion de temps et pour notre plus grand plaisir. Une chorégraphie narrative de conte perpétuel où les réflexions jaillissent du rire d’élèves, s’usent dans le désintérêt d’enseignants, où les regards animent les photos de chasseurs locaux, l’actualité se glisse entre abus et attentats, gros plans où décors et sentiments se rejoignent d’un colocataire égaré dans les soupçons de trahisons aux illusions fusant du sourire d’une femme éblouie par le désir retrouvé jusqu’à la conquête de toutes libertés. Chaque instant s’illumine d’une esthétique où la nature rejoint l’humain, images dédoublées en narration, pensées et perceptions unies par le talent d’un cinéaste exceptionnel.

Les Chroniques bretonnes d’une journaliste de radio Morgan Large ont révélé les ravages des algues vertes sévissant sur les côtes d’Armor dès 1989, 1999, 2009 jusqu’à 2016 et 2019 successivement occultés par les institutions officielles ou locales du monde de l’agriculture productiviste. Un cheval, des sangliers avant deux joggeurs, un transporteur et un ostréiculteur y ont perdu la vie sans trop troubler l’ordre public ni engager les responsabilités malgré les diffusions télévisées de documentaires et plaintes en justice. C’est donc par la fiction qu’à son tour Inès Léraud a repris le flambeau de cette enquête d’abord avec sa BD puis par cette coadaptation avec Pierre Jolivet et partagée entre lanceurs d’alerte, scientifiques, cultivateurs, éleveurs voire élus repentis, riverains proches, associations des victimes et acteurs tous unis et solidaires d’un cinéma aussi nécessaire qu’engagé pour au nom de l’écologie sauver une terre et ses hommes. Les algues vertes - l’histoire interdite - BD Ines Léraud, Pierre Van Hove– 2019 Editions Delcourt / La revue dessinée.

Cheveux orange et collant rouge, sac à dos et chapeau pour porter ses livres et cacher ses pensées elle mendie sans relâche l’accès à l’enseignement et l’hospitalité refusés. Une quête drolatique de diplôme et de papiers égrenée sur le fil continu de vignettes de BD, saynètes colorées et délurées, échos éructés de citations littéraires d’un professeur alcoolique et loser assûmé. Le surréalisme d’un monde désertique traversé de silhouettes égarées ponctue l’univers poétique d’une cruelle dénonciation de l’inégalité sociale, du racisme et toutes dérives institutionnelles du pouvoir kazakh. Adikhan Yerzhanov était l’invité de la 51e Fema de La Rochelle avec la sélection de 7 de ses longs-métrages.

La folie des mains tranchées et le désespoir amoureux résonnent de vengeances mortelles fétichistes ou policières dans les bas-fonds en décomposition de Hong Kong hantés par un colporteur obsessionnel et traversés ensemble par une héroïne coupable et victime aussi révoltée que survoltée, un flic en mal de rédemption et un autre en souffrance dentaire. La violence expressionniste de la mise en scène, ses plans zénithaux de traques en bagarres, l’accumulation des décors orduriers accentués par un noir et blanc somptueux illuminent les images nocturnes venteuses et pluvieuses d’un thriller crépusculaire de cœur et d’horreur, hommage au film de genre précédemment sublimé par Johnie To, Tsui Hark ... Wisdom Tooth – Lei Mi -

Des vacances corses pour les deux filles de l’employée d’une famille parisienne qui vont découvrir l’île et ses dérives touristiques, affronter les disparités sociales et le racisme ordinaire, vivre ses premiers émois sexuels et traquer les secrets de leur mère. Chacune d’elles s’enrichira de ces libérations estivales que la beauté des paysages illumine, la tendresse maternelle caresse, la spontanéité adolescente égaye, le talent des acteurs accompagne le temps d’oublier le passé au profit de futurs à construire.

Une prise d’otages aussi improbable que les terroristes responsables et leurs sauveteurs amateurs dans une école isolée par la neige hivernale permet au réalisateur kazakh de nous entraîner dans un thriller blanc, tragi-comédie absurde peuplée de marionnettes pathétiques, incarnant l’héritage d’institutions politiques congelées par une corruption et un non-sens totalitaires. Adikhan Yerzhanov était l’invité de la 51e Fema de La Rochelle avec la sélection de 7 de ses longs-métrages.

Rude journée pour cet avocat des causes perdues aux retards successifs et à la volonté inflexible de résoudre toutes les injustices dans l’urgence absolue. Le traitement de la précarité, droits de séjour, de logement et leurs expulsions administratives et policières, la dénonciation des pouvoirs capitalistes, problèmes économiques sur les plus fragiles et leurs conséquences sur les relations familiales filiales, conjugales se superposent et s’accumulent en un tourbillon de situations égarant les émotions au détriment de bonnes intentions. Un premier film généreux qui malgré la participation et le talent d’acteurs de renom (Penelope Cruz & Luis Tosar) n’échappe pas aux limites nationales des chroniques militantes et à leur fragilité.

Dans l’Alsace envahie depuis près de cinquante ans vit ou survit recluse dans la ferme familiale une jeune femme que les soubresauts de la guerre vont bouleverser. Déserteur et meurtrière potentiels vont envahir sa solitude, trio de langages affrontant par leurs silences les traditions culturelles et religieuses et leurs interdits sexuels pour les transgresser et se libérer. Un parcours où s’affrontent esthétisme et hyperréalisme des images confondus en une même violence de pouvoirs et sentiments portée avec pudeur par son duo d’actrices. Le renard - D. H Lawrence - Editions Stock/ Bibliothèque cosmopolite 1994 .

Le confinement s’offre à notre mémoire récente au travers d’une parenthèse autobiographique vécue par un père partageant la garde de ses jeunes enfants. Le temps suspendu d’une pandémie se fait arrêt sur images du passé que l’avenir ravive par un nouvel amour au fil d’une promenade sentimentale dans un Paris germanopratin sublimé par la lumière du noir et blanc.

Ils n’étaient que des enfants jouant dans les rues de Cracovie que le ghetto enferma, l’un alors trouva refuge chez des paysans quand l’autre fut sauvé par Oskar Schindler mais les six années qui les séparent n’ont pas altéré l’amitié qu’ils ont forgé. Cinéaste et photographe déambulent ensemble d’un lieu et d’une mémoire à l’autre, leur voix en écho de guerre, de violence, de terreur, de souffrance forgeant leur résistance au malheur, constituant leur énergie fondamentale, la vigueur de leur humour développant une inépuisable créativité de rescapé. Leurs émotions surgissent d’une empreinte du passé, d’un album photo, d’une rencontre inespérée, de l’intimité même de leurs échanges, de l’intensité de leur partage pour nous offrir ce double portrait de survivants octogénaires heureux.

Kaouther Ben Hania, tout à la fois, femme quinquagénaire tunisienne, mère de quatre filles et cinéaste a décidé d’illustrer ce triple vécu dans son authenticité hors sa propre subjectivité, rejetant ensemble les formes simplificatrices de docu-fiction en associant les sœurs narratrices au jeu des actrices, et transposant la puissance masculine à son unicité. Ensemble elles racontent, écoutent, commentent, transcrivent, dissocient faits, émotions, interprétation et violences réelles des situations dans l’actualité d’une société elle-même en mouvement. Un dispositif répondant dans sa complexité à l’entrelacs des raisons ayant entraîné l’attirance des deux aînées vers les réseaux de Daech, pouvoirs du patriarcat, radicalisation de l’islamisme et des régimes politiques entremêlés dans une commune responsabilité des drames familiaux, sociaux et nationaux d’un peuple tout entier. Avec ce nouveau film Kaouther Ben Hania continue de tracer sa route de réalisatrice engagée provoquant une réflexion politique universelle.

Le quartier de tous les rêves, ceux de consolation radieuse dictée par la voyance, ceux d’un trésor volé à retrouver, ceux d’un quotidien de survie dans un système d’indifférence généralisée. Ramsès l’escroc empêtré dans ses arnaques se fait fantastiquement mage nocturne auprès d’une bande de gamins déracinés, l’ésotérisme se confondant à la réalité par les voies du chamanisme, les images heurtées de la nuit, les silences et souffles des émotions à dépasser pour au-delà et autrement dénoncer par l’invisible cette misère migratoire que l’on ne saurait voir. Entre Barbès et Saint-Denis, Clément Cogitore (après Ni le ciel ni la terre) a le don de nous provoquer par son regard décalé sur la violence de notre société et Guillaume Leklou de nous envoûter par la justesse de son jeu.

Nanni Moretti soi-même en voix off et à l’image dans un film dans son film démultipliant son amour du cinéma nous entraine de décors en tournages de scènes, d’insertions felliniennes en rappel historique insurrectionnel de Budapest et l’oubli du Parti communiste, dénonçant autant la disparition de la créativité italienne au profit de son internationalisation par Netflix que raillant son sauvetage Coréen dans un tourbillon d’autodérision. Alors, quand les amours à la dérive virevoltent et les idéologies égarées reprennent leur marche solidaire vers l’espérance, l’envie nous saisit de participer à ce magique élan libérateur.

Un enfant dans les bras, bientôt un autre visible sous son niqab, des prières aux lèvres pour l’exécution de son mari franco-portugais combattant de Daech et avant sa propre comparution son quotidien mutique de prisonnière étrangère parmi d’autres veuves du Jihad. L’énigme d’un engagement traité dans sa fausse authenticité par une reconstitution véridique interrogeant le fond par la forme dans les paysages désertiques irakiens d’où s’évadent les enfants vers une liberté impossible. Un troublant questionnement sans réponse.

Cinquième opus des célèbres aventures de l’archéologue réactualisées entre la seconde guerre mondiale et ses suites idéologico-aventurières, en retour aux sources accumulées à gérer par le chercheur suractif non suranné. Au tour d’Archimède d’y plonger, mathématiques ressuscitées et humour survivant à partager entre octogénaires mélancoliques et nouveaux venus recyclés, de train en montures diverses endiablées toujours embringués dans l’action façon BD sur-vitaminée pour se réjouir et ne jamais consentir à vieillir.

D’une grotte iranienne aux prisons syriennes, de Bonn à Amsterdam et du classicisme musical paternel à la starification hip-hop, Giwar Hajabi s’est mué en Xatar entre coups de poings, successions de deals, trafics, escroqueries dentaires entremêlées aux légendes rhénanes et contes kurdes. L’écho de l’Or du Rhin rythme l’odyssée échevelée d’un petit caïd chauve exilé devenu rappeur international et Fatih Akin fait résonner facétieusement cette success-story douteuse portée avec énergie par Emilio Sakraya.

La nostalgie du Paris des intellos anglo-saxons et le triangle amoureux déstructuré en bisexualité occupent l’espace toxique du dernier film d’Ira Sachs dénonçant le narcissisme de son personnage principal, son irresponsabilité inconséquente à travers ses doubles relations. La mode de l’acteur allemand Franz Rogowski rejoint celle de Ben Wishaw et Adèle Exarchopoulos dans cette démonstration aux seules valeurs esthétisantes sexuelles conclue par une Marseillaise dissonante rythmant les ratages passionnels.

Un petit trafiquant réfugié en Thaïlande, doublement recyclé en bagagiste et lutteur rêve naïvement d’une nouvelle vie de bonheur. Un pur film de genre entre plages, jungles et mafias locales où innocents et grands méchants s’affrontent dans l’intensité et la brutalité de leurs vengeances respectives entre arts martiaux et amulettes, sexualité tarifée, corruption, dénonciations, rédemption par action sans concession.

Un train entre en gare, les trois coups résonnent dans un théâtre, les multicolores années 50 illuminent l’écran, le champignon atomique les obscurcit, une météorite s’affiche, un extra-terrestre s’envole, une quarantaine paralyse...d’un décor de western à une répétition de l’Actors Studio, Wes Anderson agite sa baguette pour un nouveau spectacle. Au rythme de son imaginaire trépidant, sur scènes ou en plans séquence, des maquettes à l’animation, tourbillonnent auteurs et acteurs, stars et ringards, ados de génie et apprenties sorcières, personnages proches ou irréels, unis par leur talent et pour notre plaisir.

Dans Damas assiégée et bombardée survit une famille dont le père réfute la destruction de son appartement, obligeant épouse et fille à partager cet improbable déni devenant tout à la fois symbole d’autorité et d’évasion, les interdits ouvrant la voie des rêves, les pouvoirs dépassés menant à la liberté. Des draps fleuris s’envolent au souffle de l’adolescence jusqu’aux remous des vagues, des escarpins rouges colorent les gravats d’une ville en ruines, les tunnels libérateurs mènent à l’espoir de toutes les paix. Un conte chimérique où les béances des toits font scintiller les étoiles que nulle bombe n’atteindra, où la violence du patriarcat cède sous la force des femmes au profit de l’amour.

La chair est triste pour cet acteur de porno que son incarnation sexuelle d’Emiliano Zapata ne parvient à glorifier, ni ses milliers de followers sur les réseaux sociaux à consoler. Fellations, pénétrations, prestations professionnelles, observations filmées d’activités sans intimité jalonnent ce portrait d’un homme solitaire engagé pour l’unique virilité plastique de son corps et insatisfait par ses seuls plaisirs. Un très obscur objet de désir.

Un livret musical sur images, peinture des fastes libertins d’un XVIIIème siècle aux résonances prolifiques de Myslivecek, enfant de Bohème compositeur et séducteur emporté autant par la syphilis que par l’oubli. Dédié à l’opéra ce classique biopic offre sa place à l’acteur principal par sa stature de rock star et leur puissance aux femmes par leurs voix sur les notes de la fugacité des succès liés aux seules modes.

L’hystérie d’un couple immature sanctuarisée par les Tables de la Loi, son prosélytisme frénétique contaminant son environnement d’une folie guerrière, surjeu des acteurs inclus, est à déconseiller au nom de la seule survie de la comédie.

Sans espoir de quitter sa cité HLM et sa famille nombreuse chaotique pour les vacances, Fifi s’offre une évasion en squattant la maison inhabitée d’une ex-copine d’école vite partagée avec le frère aîné étudiant. Drôle de cohabitation entre deux âges, deux univers sociaux, leurs différences et interrogations liées en une même pudeur, lignes de vie et lignes de cœur esquissées, effacées pour être redessinées dans la liberté acquise face à la mer. Le premier film d’un duo de jeunes réalisateurs et d’acteurs en devenir, franchissant les archétypes des trajectoires socio-culturelles, dépassant leurs habituels clichés entre réalisme et tendresse pour atteindre la luminosité partagée des lendemains à construire.

La poursuite d’une jeune mexicaine par un garde-frontière devenu sauveteur meurtrier se transforme en double fuite dans les décors désertiques, scènes de spectacles aux rythmes de flamencos, calypsos, tangos et hip-hop, voix et gestes en échos oniriques des corps portés par la danse et la boxe, hymne au destin passé et futur d’amour et de mort. Sans Prosper Mérimée ni Georges Bizet modernisés par l’émigration et la composition chorale de Nicholas Britell, le film scintille par l’esthétisme sensuel de ses images rougeoyantes et quelques splendides scènes chorégraphiques.

Sexe rémunérateur et perroquets racoleurs, rhum et décorum, exotisme pompeux et mots verbeux, révolution sandiniste et corruption américaine, errance et attirance imbriquées en actions dénuées de toute raison sur toile de fond esthétique et consolatrice des somptueuses images de Eric Gautier traversées par des acteurs égarés pourront-ils, tout ensemble, extirper cette création aux relents années 80 de leur pure créativité cinéphile ouvertement revendiquée par une cependant vaine sélection cannoise. Stars at noon - Denis Johnson – 1995 Editions Harper.

1958, les prémices de la révolution libanaise croisent ceux de la révolte patriarcale guerres civile, sociale et familiale confondues entre apparences et violence portés par le regard d’un enfant déjà complice des soumissions sociétales. Religion, éducation et conventions régissent le quotidien des notables locaux entre élégance des silhouettes, silences des sens et beauté des paysages figés dans leur éternité culturelle. Les images esthétisantes et mots feutrés sur les notes de Dalida se font le miroir et l’écho des illusions viriles d’un univers aveugle à sa proche dérive.

Wahou ! cri du cœur pour coup de cœur d’acheteur potentiel de biens immobiliers que leurs vendeurs quantifient pour conclure leur bonheur partagé. Et Bruno Podalydès de nous proposer la vente de biens d’exception en participation d’acteurs répondant aux mêmes critères pour une comédie au fort taux d’intérêt mais au plaisir hors de prix.

L’adolescence et ses rebonds familiaux et sociaux, héritages politiques, découvertes sexuelles et sursauts traditionnels partagés ou refusés entre cris et silences d’une mère et de sa fille les affrontant ensemble. Une grand-mère s’éteint, les empreintes dictatoriales perdurent dans les enseignements culturels et religieux, la cinéaste argentine au fil de ce quatrième film les dénonce subtilement à travers l’affrontement patriarcal, ses harcèlements coutumiers, les plaisirs des corps, toutes révoltes féminines transgressant le passé générationnel pour porter les nouvelles valeurs de l’avenir. Les choix des décors scolaires rigidifiés, des variations de luminosités, celui des gros plans reflétant la vigueur de la jeunesse autant que les ellipses du récit entre enfance et maturité traduisent avec finesse le combat de l’aliénation et sa transmission face à la force de toute libération.

Le dernier service nocturne d’un policier milanais fêtant sa retraite tourne au cauchemar mafieux italiens et chinois confondus, de poursuites en cascades, enquêtes et aveux, amours et amitiés superposées entre flics et gangsters tous pourris en toute moralité effrénée, douteuse et triomphante.

La vérité dans son mensonge, le réel dans le virtuel et la vie dans son humanité partagés entre les rues de Kinshasa et les rires de ses habitants par Armel Hostiou devenu documentariste de sa propre fiction. D’un profil Facebook faussement dédoublé aux images de véridiques castings supports d’une authentique escroquerie jaillissent enquête et thriller dans une métropole africaine aux empreintes colonialistes incontournables mais à la richesse inaliénable.

Comment réparer le plus courant des objets électroniques touché par une obsolescence rapide ? C’est à partir de ce simple constat quotidien que le réalisateur nous entraîne aussi lucidement que joyeusement vers les alternatives d’abord offertes sur les réseaux sociaux aux simples bricolo-inventeurs individuels avant sa généralisation idéologique pour mesurer et réguler la croissance de production en faveur d’un monde durable. Il suffirait de dépasser l’utopie par l’autonomie individuelle, éducative, collective pour échapper à la « haute technologie », réorienter les progrès de l’industrie, retrouver les fondements naturels de l’agriculture, conditionner les impératifs avec de nouveaux critères pour rétablir un authentique rapport à notre environnement. Elémentaire ? Non mais déjà en voie de développement à travers la France comme le prouve ce film à soutenir en allant le voir.

Traiter de l’évasion fiscale ses paradis, leurs identification, publication, dénonciation, sanction, pour une suppression illusoire, se présente comme une question strictement réservée aux initiés. « Panama papers » et autres actions et dénonciations de lanceurs d’alertes ont popularisé le sujet ici traité avec un humour implacable sur écrans mosaïques, bulles de BD, animations joyeuses, archives revisitées, interviews décalées pour rendre accessible à tous les mécanismes de pratiques illégalement intégrées aux systèmes mondiaux globalisés. « Sandwich hollandais » et « doublette irlandaise » pourvoient aux appétits tentaculaires de financiers jamais rassasiés laissant pour compte justice et démocratie dans l’exercice compétitif de leur pratique sportive. Un exposé dépassant tout militantisme par sa clarté au seul profit du rêve de justice.

Elle a choisi de quitter maris, fils et pays cette jeune africaine débarquant de Côte d’Ivoire avec ses deux plus jeunes enfants et la réalisatrice quant à elle a décidé de suivre ce parcours de mère et de frères en voix off du dernier gamin pour nous intégrer à cette saga qui échappe à tous les clichés mais rayonne d’humanité. Les hébergements, changements et sentiments résonnent des aspirations individuelles, liberté personnelle, ambitions scolaires, déceptions sociales, ressenti racial, mutations culturelles et rêves éclatés sur le scénario maîtrisé d’une triangulation familiale atteignant l’universel. Hors message politico-social ce second film après « Jeune femme » montre les invisibles du quotidien qui ici et ailleurs tracent des vies reliées par l’imaginaire, illuminées en images, incarnées talentueusement par les acteurs, offertes à l’émotion des spectateurs.

Le quotidien étriqué d’un couple de retraités provinciaux est brisé par une décision saugrenue liée à l’annonce de la mort annoncée d’une ancienne collègue. Pour la sauver, il traversera le pays à pied à moins qu’il ne cherche aussi à piétiner ses fautes et fouler ses remords. Rencontres et surprises jalonnent ce bonbon acidulé que seuls les anglais savent faire fondre délicieusement. La lettre qui allait changer le destin d’Harold Fry arriva le mardi – Rachel Joyce – XO Editions – 2012.

L’expansionnisme du narcissisme de soi-même vers le couple, les proches, les réseaux sociaux, de l’art, la publicité, tous médias et moyens confondus, par l’esthétisme dévoyé en extrémisme et l’engagement du corps en souffrance unis dans le voyeurisme environnemental. Un jeune couple s’y emprisonne et s’y complait tout autant que le réalisateur norvégien, concurrent de son confrère Ruben Ostlund engagés dans la satire drolatique et horrifique d’une société assumant sa monstruosité.

Ramona revenue de Londres à Madrid, pour devenir Ona future actrice, trentenaire brune heureuse en couple, découvre Bruno précédemment croisé dans un bistrot pour le casting. Brune ou blonde, d’hésitations en impulsions, au fil d’une narration chapitrée d’un film dans le film elle va illuminer de quelques scènes colorées le profond Noir & Blanc des images, faire résonner la bande sonore de sa propre voix, rendre fou d’amour son réalisateur et tourbillonner telle une poupée. Tchaïkovski et Beethoven accompagnent Woody Allen, Hong Sangsoo et Julie Delpy dans les méandres sentimentaux et confusions entre rôle, jeu, réalité et cinéma d’une charmante bluette romantique.

Copains et voisins depuis leur plus tendre enfance aujourd’hui ados et musiciens rien ne saurait les séparer hors peut être une sexualité fragile à déterminer entre les notes et les mots des chansons de leur groupe rock. Une mélodie au rythme suave de premiers émois, échos d’une bienveillance familiale et sociale, berçant sa tendre réalité poétique.

VRP en vente de papiers peints d’autrefois, jeune femme en recherche d’emploi actuelle et petit patron en quête de rentabilité éternelle illustrent le monde du travail démultiplié en trois puis en deux pour soustraire l’efficacité, additionner les volontés et faire gagner l’humanité. De contestations en concessions le compte est bon au fil des situations et d’une sympathique agitation.

Un conte de magie cinématographique où les fées donnent la parole aux monstres politiques de la seconde guerre mondiale, réincarnés en fantômes d’archives bégayant leurs discours idéologiques fallacieux pour que leurs pouvoirs illimités leur ouvrent les portes du paradis. Staline ombre de Lénine, Hitler et Mussolini en cousinage dictatorial, Churchill en héritier royal rejoindront-ils Napoléon en son purgatoire ou Jésus en son éternelle espérance ? En format 4 :3 et Noir et Blanc granuleux, images d’archives transformées, langues originales et tableaux expressionnistes, technique deepfake, décors, plans, voix, musiques se chevauchent pour condamner les chimères de leur conscience à l’infini de leurs délires. Une subversive et intemporelle cacophonie sonore, visuelle, onirique, esthétique sublimée par la maîtrise d’Alexandre Sokourov .

Le quotidien de gamins entrant ou sortant de l’adolescence en survie dans leur réserve amérindienne du Dakota Sud au cœur de leurs rêves et de la misère de leur tribu Oglala Lakota. Orphelin à 12 ans et père à 18 l’un comme l’autre traque de débrouille en échecs une reconnaissance, l’espoir d’un sourire, accrochés à une solidarité de rejetés de la société. Un road- trip brisé, un élevage de chiots raté, le mépris blanc affiché et vengé jalonnent cette fiction tournée telle une simple chronique naturaliste sans ressort scénaristique ni projection socio-politique dans la réserve de Pine Bridge avec des locaux non professionnels libérant une énergie naturelle, la poésie fragile d’un monde déshérité.

Un centre de détention pour jeunes délinquants, son quotidien d’ateliers de soudure, les énergies endiguées par les autorités entre caméra obscura, foot, basket et boxe, ou échouées sur les rives de la mer du Nord, et aux manques affectifs subitement comblés par un coup de foudre liant deux solitudes. Espoirs et déceptions administratives, atmosphère carcérale, transgressions illégales et sentimentales, embrasements des corps, des cœurs et des lieux, paradoxes d’autonomie et liberté en cellules et hors murs, s’entremêlent des décors authentiques à la justesse de ton du récit et à la prestation des jeunes acteurs au fil d’un premier film prometteur.

Exemplaire ce Principal adjoint d’un collège provincial, mais prisonnier du respect et de l’incarnation de l’ordre que le dépassement de ses origines sociétales lui impose en échange de sa réussite administrative. Vainqueur par son intransigeance appliquée à son entourage professionnel et familial, il incarne les contradictions de l’ambition, les limites de l’arrivisme et ses débordements. Un exercice réussi de scénario modèle et de mise en scène classique où des acteurs certifiés passent leur examen avec succès sans tricherie.

Choisir la seule pratique du sexe pour échapper aux pouvoirs de l’amour est une donnée qu’une jeune sismologue ne saurait scientifiquement résoudre, ni son compagnon de hasard pris dans le même envoûtement de désirs irrépressibles et de sentiments avenants. Chapitrées en mois lunaires, et filmées au plus près de leur union érotique, de rencontres en ruptures et de fermentations en éruptions, leurs relations volcaniques se déchaînent ou s’apaisent au rythme de leurs corps libérés et insatisfactions affectives sans trouver de réponse aux mystères de la passion.

Le cinéma c’est la vie et la vie c’est du cinéma pour une scénariste projetant dans une master-class les secrets de la réalité faite fiction par les images de l’amour à ses élèves incarnés en acteurs au rythme de sa propre histoire. Une émouvante boucle de pellicule et de souvenirs échos des sonorités passées de Vladimir Cosma portés par l’énergie d’Agnès Jaoui et la rêverie de Jonathan Zaccaï. Atelier d’écriture + Une vie de scénariste - Alain Layrac - 2017 + 2019 - Hémisphères /Collection Ciné-cinéma.

Ainsi surnommé depuis son enfance pour sa détermination notre vrai héros faux oiseau va de coïncidences en découvertes, d’ellipses en flash-back nous entraîner d’une croissance tardive à une fratrie brisée et amours adolescentes inassouvies vers son destin d’éternel amoureux transi. Dommage que les battements d’aile énergiques portés par des acteurs talentueux au fil d’une vie fragmentée se figent en masques vieillissants aux relents mélodramatiques. Le colibri -Sanso Veronesi -Editions Grasset 2021 - Le livre de Poche 2022

Les vacances commencent mal pour cette ado que son père n’est pas venu accueillir à la gare et dont la présence gène autant son frère que sa mère la renvoyant dans sa plus chaleureuse famille d’accueil. De silences en aberrations et inventions le comportement maternel ne relève que d’une indifférence forcenée et narcissique d’obtention de sa liberté quand celui fraternel trahit son malaise face à l’acharnement mutique d’une sœur déterminée à trouver la vérité. La relation fictionnée d’un fait divers dans sa plus stricte exemplarité, sans rajout psychosocial d’aucune sorte ni la moindre émotion, tel un rigoureux exercice de style à analyser ou pas.

Portland et son milieu de contre-culture bohème au sein des expositions d’une école de sculpture, les amitiés et querelles de voisinages, les triples difficultés familiales, coups de griffes et d’ailes entre chat et pigeon, pannes de chaudière et ratage de cuisson émaillent la banalité du quotidien d’une artiste aux poupées de glaise colorées. L’essence même de la conception et son expression créatrice dans toutes ses contradictions d’individualisme et de partage revendiqués à égalité avec l’environnement familial et relationnel. Les regards de l’autre offerts par l’œuvre en don, inspiration, discours et vision, fond et forme confondus dans les images de la réalisatrice, leur montage et le jeu de ses actrices unis en un même essai naturaliste du cinéma américain indépendant.

Une biologiste a disparu à Trenque Lauquen cité originelle mapuche où elle répertoriait des variétés florales autant que des secrets épistolaires entre les champs, la bibliothèque et la radio locale. A sa recherche deux hommes qui l’ont aimée mais trois voix à conter cette quête étrange où les érotismes se croisent entre interdits passéistes, apparitions lacustres et féminismes sensuels. Une escapade irrationnelle entre reconstitution de jungle hypnotique et tours de passe-passe de gauchos unis dans la pampa désertique en écho aux rengaines classiques, musiques décalées et sons d’ambiance pour en deux parties et une trentaine de chapitres nous immerger dans une ensorcelante errance libératoire. Une production du collectif « El Pampero Cine » regroupant Mariano Llinas « La flor » et Alejo Moguillansky, Agustin Mendilaharzu au sein du nouveau cinéma argentin.

La France dans ses fantasmes, la Légion étrangère dans sa rigide réalité pour un jeune migrant biélorusse fabriqué soldat pour libérer des otages dans le golfe du Niger sacrifié à l’industrialisation et y croiser le destin d’un autre guerrier. L’ordre et la discipline égarés dans la luxuriance de la jungle et ses mystères au fil d’un conte onirique où les rites de possession se confondent aux virées nocturnes en danses de combattants de la nuit, échanges de regards vairons illuminés en images synthétiques et prises de vues aériennes fusionnant toutes les ambigüités de survies humaines par les sens, les visions, les sons, leur magie esthétique et rédemptrice. Un premier film à la hauteur de ses ambitions.

Le temps mort c’est celui suspendu à l’extérieur de la prison pour une liberté recouvrée 48 heures en famille dont trois détenus vont profiter pour le meilleur de leurs espoirs et le pire de leur vécu. L’un, après deux décennies d’enfermement est trop vieux pour des enfants qui ne l’ont pas connu, l’autre trop jeune pour une mère déçue, et le troisième trop différent pour quelque réintégration normalisée que ce soit. Les murs abritent anxiétés et violences, endiguent inhibitions et désirs, leur délivrance le temps d’une évasion temporaire unit les victimes aux coupables impactés dans une peur commune de liberté. La réalisatrice (à la double expérience de documentariste et scénariste) à travers ces portraits dépasse la vaine dénonciation des institutions carcérales, échappe par l’authenticité émotionnelle de ses acteurs à toute démonstration pour y associer les conditions de la réparation voire rédemption humaine.

Une année de souvenirs éclatés en crises d’angoisse et flashbacks successifs pour retracer l’inoubliable nuit vécue au Bataclan par un couple et leurs amis, tous sentiments exacerbés pour échapper à l’emprise de la violence subie. Le travail de deuil et ses conséquences illustré par les images d’un réalisateur après celui d’un écrivain transcrit par ses mots induisent la différenciation de perception entre reconstitution réaliste et reconstruction psychique, pour refouler ou extérioriser un traumatisme commun à dépasser individuellement, spectateur ou lecteur compris. Mikhaël Hers décalait « Amanda » par l’innocence d’un enfant, Alice Winocour dans « Revoir Paris » par la quête d’une mémoire, Cédric Jimenez dans « Novembre » par la stricte recherche policière, à chacun face au terrorisme de trouver la paix. Paz, amor y Death metal - Ramon Gonzalez- 2018 - Tusquets Editores

Sexe rémunérateur et perroquets racoleurs, rhum et décorum, exotisme pompeux et mots verbeux, révolution sandiniste et corruption américaine, errance et attirance imbriquées en actions dénuées de toute raison sur toile de fond esthétique et consolatrice des somptueuses images de Eric Gautier traversées par des acteurs égarés pourront-ils, tout ensemble, extirper cette création aux relents années 80 de leur pure créativité cinéphile ouvertement revendiquée par une cependant vaine sélection cannoise. Stars at noon - Denis Johnson – 1995 Harper.

En 2011 un fonctionnaire de police ayant fui le régime syrien révèle les 27000 clichés de cadavres répertoriés officiellement par les services de l’Etat. Aujourd’hui classés et codés sous le nom de César, ils témoignent de l’horreur des crimes perpétrés et ont permis à des familles espagnoles, allemandes, françaises concernées d’engager les poursuites nécessaires auprès des tribunaux européens dans le but de les dénoncer auprès de la Cour Internationale de Justice. Leur action fondée sur plus de 600 000 pages de documentation ont atteint le but de soulager les douleurs des proches des victimes et de citer voire condamner certains des bourreaux de ces crimes contre l’Humanité dont Bassar el Hassad rejette froidement toute responsabilité. Un constat historique nécessaire face aux dérives pérennes des exercices de pouvoirs politiques.

Un parfum vert aux sombres effluves pour un film noir résonnant des mots de Corneille et des voix de la Comédie Française en une illusion cinématographique plutôt que comique. Les trois coups du théâtre, de feu d’assassinats voire de la foudre sentimentale rythment une poursuite échevelée entre une organisation criminelle internationale, les errances ashkénazes et leurs racines européennes, tous messages codés, BD infiltrées références assumées d’un film de genre espionnage décalé.

Un gamin de banlieue à la dérive est renvoyé au Mali par sa mère où l’Imam du village le recadre dans la religion islamique pour laquelle revenu à Montfermeil il décide de s’engager. Ses principes l’ont sauvé de la délinquance, les communiquer aux jeunes, les offrir aux plus vieux en organisant des pèlerinages à La Mecque, s’impliquer dans une pratique quotidienne respectueuse et respectée. Dans l’alternance et le rythme des situations d’un récit familial, action et passion s’entremêlent aux problématiques intimes et socioreligieuses (reconnaissance maternelle, rêves de « hajj », escroqueries) à l’actualité du réel dissociant expérience et apprentissage dans la spiritualité d’une société nouvelle. Un pari généreux et réussi que cette distanciation positive des détournements et extrémismes dévots porté avec mesure et talent par le réalisateur son scénariste Ladj Ly et ses acteurs auxquels nous associer dans cet essai humaniste.

« Fer, cuivre et batteries » c’est le cri de survie lancé dans les rues de Beyrouth par un réfugié syrien amoureux d’une employée éthiopienne esclave ménagère de l’épouse abusive d’un colonel libanais harceleur sexuel sénile. Rien ne va plus au pays du cèdre, rongé par la xénophobie, la corruption économique et la misère à l’image de ce bras pourri par les blessures métalliques guerrières. Le décalage entre réalité et absurdité des situations traduit en images esthétiques et mirages légendaires donne une force loufoque à cette dénonciation décalée jouant avec les conquêtes de l’humour, de l’amour et de la liberté.

Innocent ce jeune procureur fraîchement débarqué à la veille des élections municipales dans un bourg d’Anatolie divisé par des problèmes d’approvisionnement d’eau, loi des hommes contre celles de la nature. Manipulé, grisé par une soif de justice, victime des tractations locales, hanté par des souvenirs confus et une mémoire hallucinatoire il se heurte dans le même désordre aux traditions culturelles, aux normes virilistes, aux relents homophobes, aux haines racistes et à la corruption généralisée. Une alternance entre confusion, réalité et liberté entre chasse au sanglier ou à l’homme sublimée par la beauté des images, la signification des plans, le talent des acteurs, la rigueur des idées, la force symbolique d’un cinéma politique turc engagé.

A Baltimore la traque d’un imprévisible tueur de masse réunit une jeune enquêtrice, son patron expérimenté et les politiciens locaux véreux dans une imprévisible chasse à l’homme où efficaces scènes d’action et démons intérieurs généralisés s’affrontent pour le meilleur d’un film de genre échappant jusqu’au dernier tiers aux classicismes et moralismes nord-américains au détriment de la liberté latino des « Nouveaux Sauvages » argentins de Damian Zsifron.

Mimi la sangsue c’est le surnom attribué par une mère à sa fille rejetée dans son centre de mineures. Un non maternel suivi d’un non à l’institution conduisent Noémie vers la les faux refuges d’amitié et d’amour, dépendance proxénète vers le oui d’illusions perdues et celui libérateur d’un retour protecteur. L’enchaînement de 37 passes consécutives filmées dans le contrechamp frontal nauséeux de pulsions assouvies et de billets échangés révoque avec force la sexualité déviante et les rouages d’une prostitution québécoise précoce. Voyeurs en tous genres s’abstenir, la mise en scène, caméra à l’épaule de la réalisatrice (précédemment documentariste) dénonce sans concession dans leur banalité sexuelle les causes de consentements forcés que la première prestation déterminée et multiple de la jeune actrice soutient avec conviction.

Le quotidien déjà dysfonctionnel d’un EPHAD provincial est subitement perturbé par l’invasion d’écoliers en panne de cantine. Jeunesse contre vieillesse pour effacer les détresses, anciens et gamins réunis entre découvertes et souvenirs, aide soignants et enseignants alliés contre leurs administrations. Entre chorales, casques de skate, cascades cinéma, gros et bons mots, vitalité et mortalité rythment le désordre du scénario et l’accumulation de clichés sauvés par la tendresse d’acteurs amateurs et professionnels tous unis aux spectateurs dans une même bienveillance.

Un portrait de cet illustre maître de l’estampe japonaise traité en touches légères celles de sa vie et de son œuvre, au rythme même de son pinceau, des formes et couleurs de ses gravures, évoluant d’une révolte intime à son renouveau créatif au fil de ses exigences artistiques. Pour incarner à son tour cette quête incessante prolongée par une reconnaissance mondiale et perpétuelle, le réalisateur enrichit sa reconstitution historique et la célébration d’une vague bleue envahissante à travers le sens culturel de l’art japonais.

Transformer le harcèlement en adultère et inverser les sanctions est un privilège officiel de la justice tunisienne qui va transformer la vie d’une mère aimante autant que celle de son fils irréversiblement entraîné dans les bas-fonds de la prostitution rimant avec humiliations, désillusions et corruption réservées aux plus fragiles, femmes et adolescents soumis à l’exercice de tous les pouvoirs. Une fresque hyperréaliste aux images nocturnes rougeoyantes du sang contrepoints d’une lutte pour l’égalité, fraternité et sororité engagées pour les espoirs détruits d’un printemps du jasmin aujourd’hui ignoré.

L’évasion verte de reconnexion à la nature d’un couple de souriants écologistes les entraîne de Mexico sous les auspices de la Pachamama aux toitures arborées de Chicago avant les caves champignonnières bruxelloises, les graffiti floraux d’agriculture zurichoise, les aspirations gastronomiques parisiennes dévorant balcons et jardins ouvriers jusqu’à celles de Milan ou du Japon... Un petit road-movie urbain, allers et retours inclus aux quatre coins d’un monde à reverdir.

Si..si et si ...petits et grands hasards entrainent une jeune concertiste de piano de la chute du mur de Berlin à celle d’un livre dans une librairie, de la conduite d’un scooter à l’échec ou la réussite d’un concours, à moins que conscients ou non nos choix ne déterminent le sort ? Quatre variations successivement incarnées et démultipliées en enchainements mélodramatiques, ritournelles amoureuses au rythme d’envols musicaux jusqu’à donner le tournis.

Irlande, années 80, une famille de paysans démunis et taiseux confient leur fillette à des cousins lointains. Elle y découvre le temps d’un été tout ce dont elle avait été privée l’attention, la bienveillance jusqu’à la tendresse à apprendre à partager. Le talent du réalisateur jaillit du dépassement des secrets et leurs douleurs intimes, par le minimalisme même d’un quotidien de simplicité, de respect de l’autre, d’harmonie entre nature et humanité des images d’une corde à linge au papier peint d’une chambre désertée, d’une course vers une boite à lettres à celle de bras tendus ensemble refermés sur l’espoir. L’apprentissage estival des sentiments en toute délicatesse d’images et de ton se fait l’écho gaélique d’une ruralité effacée par le temps. Les trois lumières - Claire Keegan- 2010 Editions Sabine Wespieser /Poche 2012.

La mémoire d’un soldat ariégeois s’est perdue dans un accident militaire au Mali, sa volonté de survie et convalescence en terre familiale restent ses seuls recours pour la recouvrer. Ses blessures physiques aussi douloureuses soient-elles, sont moins invalidantes que celles mentales de l’amnésie aux invisibles cicatrices. Un authentique combat que d’échapper à leurs contraintes inconnues par la puissance de la nature pyrénéenne, fuir leurs propres secrets générés par une protection sororale fusionnelle, échanger les souvenirs éphémères en rappels virils, le tout dans un environnement de profonde solitude rurale et sociale. Une triple lutte, fuite et conquête de liberté au fil d’un parcours de délivrance des tabous sexuels, de réinvention individuelle et d’épanouissement personnel que le réalisateur harmonise subtilement entre hyperréalisme médical, luminosité des paysages, intensité sonore, ambigüité des sentiments, choix et prestation de ses acteurs.

Un tueur à gages soudainement pris de malaise à la vue du sang se doit pour sa survie de recourir à l’aide d’un gentil voisin et sa naïve compagne. Un joyeux parcours rimant avec humour, cumulant absurdité et férocité au fil de situations rocambolesques démontrant les difficultés d’un métier sous-estimé dans un monde du travail violent, les compétences d’une scénariste/réalisatrice surdouée et le talent de ses acteurs zélés

Sur une île des Açores entre ciel et mer, religion et traditions, jeunesse et sexualité s’enchevêtrent entre réalité et fiction d’une narration où l’onirisme valorise dans un film binaire incarné par les seuls comédiens amateurs insulaires tout autant les libérations d’une communauté queer, des rébellions adolescentes, des trafics de stupéfiants que les exorcismes ancestraux, intolérances viriles et rêves migratoires. Une lumineuse ode transgenre aux ambiances crépusculaires arc en ciel, aux images impressionnistes, aux résonances musicales choisies et aux fortes espérances communautaires.

...c’est entre Calais et Douvres celui de l’échange entre une mère célibataire marginale et un clandestin irakien, d’un lieu de misère sociale au pays de l’espoir migratoire, échange humanitaire et profit monétaire, dénonciation et action entremêlés à une réalité locale et internationale portées par l’émotion d’Adam Bessa et l’énergie d’Alice Isaaz.

Un coup de foudre entre deux jeunes parisiennes, une insémination désirée, un abandon inattendu, une maladie mortelle, la mutation d’un frère en oncle jalonnent cette déclinaison passionnelle, filiale et fraternelle de toutes les formes de l’amour rédigées, déclamées sur les planches avant d’être portées à l’écran par un même auteur, acteur , metteur en scène et réalisateur. Et pourtant...nous susurre la voix d’Aznavour sur les dernières images...

Un regard ingénu que celui d’une fillette sur sa famille franco-portugaise au long d’un séjour dans leurs montagnes originelles à l’écart des villes et du temps, sous le pouvoir d’esprits ancestraux et la protection religieuse de Saint Georges, transmissions protectrices contre les jalousies familiales, les rancunes de voisinage, les tabous séculaires, tous sortilèges, incantations et hallucinations enchevêtrés. La réalisatrice telle une sorcière transforme ces traditions orales en images au réalisme banalisé par l’innocence ambigüe de sa jeune actrice.

L’héritage de Pina Bausch à travers deux nouvelles interprétations celle du Sacre du Printemps à l’Ecole des Sables et d’Iphigénie en Tauride par le Semperoper de Dresde. Chacune est dirigée par d’anciens membres du Tanztheater de la chorégraphe dans son esprit de transmission transcendée par le hip hop ou le ballet classique en une même métamorphose des corps libérés pour atteindre l’essence de leur identité. Le classicisme des décors écho des voix de Gluck et l’envol du sable sur les notes de Stravinsky résonnent ensemble de l’héritage d’une artiste en perpétuelle création offerte à la seule liberté. Le COVID ayant empêché la représentation de Dakar, les images et témoignages des répétitions et de la représentation filmées dans l’énergie de leur travail par le documentariste pourvoient à ce manque.

Un village provençal, ses rues désertes du stade de foot au tabac, ses bandes, ses petits trafics, ses murmures de voisinage et de copinage de la communale au collège, premières amours et décisions d’avenir s’incarnent en cette banlieue rurale dans l’amitié d’un jeune taiseux, d’un flamboyant tchatcheur et de Malabar son chien. Un trio bien rôdé entre jappements, idéalisme vindicatif généreux et mutisme solitaire qu’une expérience extérieure pourrait déstabiliser voire libérer. Le cinéaste fait s’entrecroiser dans une authenticité subtile les sentiments à l’environnement, les personnages à leur entourage, leur place à trouver dans l’ailleurs de l’armée ou les illusions de l’amour parfait, la valeur de la fraternité jaillissant de la cruauté des mots aux détours d’une narration irradiée par le jeu flamboyant de Raphaël Quenard et la justesse d’un premier film exceptionnel où s’harmonisent les images et les mots au ton et à l’émotion.

20 Janvier1942 l’inoubliable date de la mise œuvre de la Solution Finale lors de la conférence de Wannsee réunissant secrètement une quinzaine de dignitaires du IIIème Reich. 11 millions de juifs à éliminer pour regermaniser la nation aryenne et une journée durant 15 dignitaires manipulant profits et débits, calculs de stricte rentabilité d’un ministère à la gestion d’un territoire et d’une reconnaissance éventuelle espérée à la peur d’un échec bureaucratique, lâchetés et racisme au seul service de la soif de pouvoir. A son tour le cinéaste, en écho à la mise en place de cette méthodologie répond à la mise en abime de cette entreprise par sa rectitude de mise en scène, la rationalité de plans, le huis-clos de décors, l’austérité du jeu d’acteurs en strictes illustrations d’alignement de chiffres traduisant le cynisme des faits et leur intégrale déshumanisation par la parole et le sens des mots.

Fin des années 80 le gouvernement conservateur de Margaret Thatcher promulgue une loi assimilant l’homosexualité à la pédophilie (abrogée en 2003), pour lutter contre toute épidémie de lesbianisme. Une « déviance » portée par une jeune enseignante de gymnastique victime des conventions de l’époque, tiraillée entre une société réactionnaire et une communauté libertaire, la perte de son emploi ou celle de son cœur. Privatiser sa vie ou la politiser par son attitude devient alors une autre forme de combat social que développe la réalisatrice à travers ces portraits de femmes en lutte et cette spécialité britannique de films engagés.

Saint François d’Assise en Molenbeek pour exaucer les vœux d’un jeune marocain jeune acteur en devenir mais musulman en famille, et tous décalages identitaires réunis sur le chemin vers le firmament d’une figuration auprès de Catherine Deneuve. Une double quête libératrice de comédien et de fils pour émerger de la morne plaine belge vers une errance aventureuse, entre humour décalé et hallucinations joyeuses de Bastien Ughetto.

L’Adamant péniche hospitalière de jour, en lien avec les structures médicales complémentaires, fait flotter sur la Seine les remous de troubles psychiques que patients et soignants abordent en ce lieu collectif d’accueil. Du bar associatif aux ateliers de rédaction d’un journal à parution aléatoire, webradio, studios musicaux, chevalets picturaux voire sorties culturelles, les solitudes côtoient les interactions cliniques nous rapprochant de failles humaines communes. La caméra de Nicolas Philibert (dans la continuité des actions du centre de La Borde « La moindre des choses ») suit le rythme même des confusions mentales dans l’improvisation et l’authenticité des scènes et situations pour lier ces fragilités poétiques, schizophréniques, douloureuses à nos propres différences pour, au-delà des souffrances, en changer notre regard extérieur. Le premier volet d’un triptyque consacré à la pluralité et aux soins de nos désordres émotionnels

Des bidonvilles de Lima à la mine de La Rinconada, des rives du Pacifique au toit des Andes à plus de 5000 mètres d’altitude la ruée vers l’or se perpétue, quête sans fin entre traditions et superstitions des déshérités victimes séculaires de toutes les sociétés unissant la fragilité des hommes à la force du diable dans les galeries terriennes. La réalité et la fiction fusionnées par les images N&B du documentariste et le naturalisme des situations quotidiennes dissocient rêves, traditions et superstitions de la procession carnavalesque de leur fatal destin pour les dénoncer violemment hors toute démonstration militante.

Déterminée cette lycéenne provinciale à forger son avenir par sa réussite en stage d’alternance dans un centre d’appel téléphonique malgré des conditions de travail indues soumises au seul culte de la performance. L’abandon de la dance-pop, passion pourtant partagée, le suicide de son supérieur direct, les concurrences malsaines entre collègues, les injustices successives jalonnent sa mutique et pernicieuse déshumanisation. Tout aussi engagée l’inspectrice de police dédoublée en lanceuse d’alerte au fil de son enquête révélant les rouages pernicieux d’une corruption des systèmes éducatifs et socio-professionnels et dénonçant une société ultra-libérale en écho directs de compétition /humiliation /corruption mais aussi compassion en un dernier plan de pure émotion. La différenciation du récit d’une héroïne à l’autre, révélant l’intimité de chacune accentue la force narrative liée à l’authenticité des plans, au choix des lumières et au rôle des deux actrices offrant par ce film tout autant une incertaine espérance que la confirmation après « A girl at my door » du talent de la cinéaste.

Ils croisent l’épée avec dextérité, cultivent l’amitié en toute fraternité, et d’une attaque à main armée à la restitution d’un collier transforment Dumas en auteur policier voire en de bluettes amoureuses ces mousquetaires héros imaginaires transfigurés par la force majestueuse des images en justiciers historiques du pouvoir politique souverain. Alors vive le roi Louis XIII Garrel, le cardinal Ruf Richelieu, la Reine Vicky Krieps et attendons décembre pour être encore séduits par Milady. Les trois mousquetaires – Alexandre Dumas – 1844 – Livre de Poche/2002.

Jeux vidéo zombies, joints et pizzas s’unissent contre écriture romanesque, dessins et rêves d’un père et de sa fille dans l’humour et par l’amour d’une biker disparue pour affronter ensemble la maladie et la menace des services sociaux. Une lutte affective commune où fantastique et naturalisme se confondent pour chasser les apparences misérabilistes banlieusardes, dépasser les dimensions environnementales scolaires de sexualités adolescentes et sublimer la détresse d’une relation parentale inversée. Porté par la sensibilité extrême d’un Benoît Poelvoorde physiquement transfiguré et la voix off d’une ado déterminée, le film d’Olivier Babinet (Swagger) transcende la réalité par la poésie et le romanesque de sa propre adaptation de l’œuvre théâtrale de David Greig. Le monstre du couloir- David Greig- 2014 Le Préau- 2015 Le théâtre de l’Opprimé

Les lendemains de Mai 68 vécus par l’un des militants de la Gauche Prolétarienne qui prônaient « l’établissement » des idées maoïstes dans le milieu social d’où jaillirait la révolution. Etudiant à l’Ecole Normale Supérieure, Robert Linhart devint ouvrier à l’usine Citroën de Choisy en application de ses convictions idéalistes, dans les conditions du travail à la chaîne, sous le bruit assourdissant des machines, subissant le harcèlement des contremaîtres, la méfiance des patrons comme des ouvriers avant de faire naître la solidarité et la grève pour que triomphe la lutte des classes. Le réalisateur par sa reconstitution naturaliste des lieux, la transmission en paroles des idées et la prestation de ses acteurs offre une dimension aujourd’hui historique au témoignage minutieux de cet « OS 2 expérimental » autant qu’il traduit les enthousiasmes collectifs d’une époque où destins personnels et aventure intellectuelle se confondaient dans l’authenticité et l’utopie, l’auteur ayant après son licenciement prolongé son engagement à la Fac de Vincennes. L’Etabli - Robert Linhart - Editions de Minuit 1981. + Pièce de théâtre 2018/ L’Epée de bois Cartoucherie de Vincennes et Festival Off d’Avignon

Qui est-il ce soldat revenu sans mémoire des tranchées de la guerre de 14/18 ? Le sait-il autant que ses présupposées veuves où le sérieux du chagrin d’amour de Leila Bekti rivalise avec la légèreté du partenariat artistique de Louise Bourgoin face à l’indétermination mystérieuse de Karim Leklou. A nous de choisir et c’est là tout l’intérêt et l’humour de ce film qui dédouble notre rôle de spectateur en celui de juge et parti dans l’élégante reconstitution des fantasmes amnésiques.

Pour pallier le sentimentalisme des passions ratées, rien de mieux que d’utiliser son corps et de l’offrir en spectacle à des fins uniquement pécuniaires, la scène et les spectateurs d’un cabaret de strip-tease autoriseraient cette distanciation. Un jeu de désirs offerts aux voyeurs avides de fantasmes sexuels et illusions d’intimité dédoublé en emploi d’actrice, mise en scène, échanges de regards, pratiques de séductions, réussite professionnelle dans une troupe où jalousies, complicités, amitiés, bisexualité et plus, bouclent la boucle d’une interminable histoire d’amours entremêlées de pseudo libération socio-érotico-féministe.

Rroû et ses comparses chatons pour triompher en ronronnant de tous les autres chien, lynx, laie, rats, mulots et humains unis en vain contre leurs charmes facétieux et leur sens de la liberté. Une fable féline miaulante d’initiation familiale. Rroû -Maurice Gènevoix – Flammarion 1931- La Table Ronde 2016 - 2022

Instaurées depuis 2014 (comme précédemment en Belgique et au Québec) les instances de la Justice Restaurative établissent des rencontres entre victimes et coupables pour tenter de les délivrer par leur seule prise de conscience des actes commis ou subis. Un dispositif d’encadrants professionnels aidés de bénévoles, accompli en accord avec les participants en tête à tête ou dans les centres pénitentiaires, pour et par l’écoute à juste distance, parvenir à la réparation et prévenir la récidive. La banalité de vols, braquages voire viols incestueux actés par les uns face à la destruction intime irréversible ressentie par les autres, sont illustrées d’une part dans le face à face d’une jeune femme refusant toute éventualité de rencontre avec son frère remis en liberté et d’autre part à travers les dialogues sous contrôle d’un collectif de condamnés et de victimes aux souffrances insurmontables. Ce sujet propre à un film dossier évite l’écueil du documentaire voyeur par sa distanciation via des acteurs reconnus traduisant l’enquête et portant les mots destinés à notre stricte attention avant réflexion de simples spectateurs entraînés dans une commune aventure humaine. La maîtrise du scénario, de son découpage en alternance, différenciant les émotions entre GP de visages et lieux clos, le choix, la direction et la prestation des comédiens intégrés dans l’intimité de leurs récits offrent une intense émotion (non dépourvue d’humour) à ce 3ème long-métrage de Jeanne Herry (« Elle l’adore » & « Pupille ») à aller voir sans contrainte judiciaire.

Seul un vaillant sujet de la monarchie anglaise pouvait s’emparer du combat d’une roturière en quête des ossements égarés d’un Plantagenet détrôné par les Tudor, et dénoncer plus de quatre siècles d’injustice historique. Le défi jubilatoire d’une banale obsédée de vérité, luttant contre les pouvoirs d’universitaires et d’opportunistes patentés, pour une triomphale réhabilitation couronnée par une Windsor et portée par la flamme de Sally Hopkins. Stephen Frears contre Shakespeare pour une joute entre théâtre et cinéma au royal et respectable service des spectateurs.

Pour perdurer, les pleins pouvoirs d’un chef politique se doivent d’être surveillés et Staline sait y pourvoir à travers des citoyens tour à tour, au hasard de leurs comportements, soupçonnés, emprisonnés ou exécutés par prévention par des militaires eux-mêmes associés à ces purges de hasard. Soudainement victime du slogan « servir la patrie ou aller au Paradis » un petit colonel de l’Armée Rouge choisit la deuxième partie et s’investit dans une croisade de pardon aux seules fins de sa propre rédemption. Course poursuite et chasse à l’homme à travers l’histoire soviétique et les exactions staliniennes de l’avant-guerre, précurseurs des délires totalitaires russes.

Ils courent ils courent, ils tchatchent ils tchatchent, ils rêvent tout autant ces deux copains de banlieue en chasse d’un trésor, artefact en mains et complots en prime dans les tunnels d’un métro futur aux pouvoirs francs-maçons passés. Un périple absurde, un trajet fraternel aspirés dans le fantastique de transports urbains dysfonctionnels, à grande vitesse émotionnelle d’un réalisateur à ne pas perdre en chemin.

Gamins de Medellin et sniffeurs de colle cinq gamins s’élancent vers la reconquête de leurs racines au plus profond des forêts colombiennes ravagées par des années de combats entre narco-trafiquants et paramilitaires, toutes populations citadines ou rurales unies par une même violence. Leurs envols des camions aux jungles et fleuves, leurs pauses dans les bordels maternels ou refuges paternels s’entremêlent à leurs hallucinations et fantasmes au rythme de cette odyssée adolescente de princes de la misère poétique et désespérée.

Quatre jours au soleil pour réveiller le désir éteint d’un couple usé par le quotidien au fil d’une volcanique évasion sicilienne, clin d’œil cinéphile à Roberto Rossellini et colliers souvenirs de clichés touristiques accumulés pour tourner les pages du guide du Routard et fuir les séances de psychothérapie de ménage fatigué. Paysages de cartes postales et selfies de sentiments pour une comédie burlesque allumée par Philippe Katerine. Rira qui voudra

La société perd ses repères, les employeurs leur responsabilité de protecteurs, les employés leur part de respect, les maris leur implication d’assistant, les femmes d’assistées, alors au fil d’un burn-out banlieusard forestier les uns les autres vont fuir l’absurdité de leur quotidien au profit de fantasmes écolo-sociéto-romantico libérateurs d’humour helvético-belge à partager ou non.

Une jeune décoratrice d’intérieur encore étudiante prise au piège par un faux médecin le poignarde pour échapper à sa tentative de viol, dénoncée par un complice de cet agent des services secrets, elle est accusée d’homicide, emprisonnée, fouettée, torturée et condamnée par la loi du Talion à exécution à charge du pardon du fils de l’agresseur « victime ». Les accusations, pressions et menaces portées contre sa famille ainsi que son comportement vont contrairement à leur but développer une dénonciation internationale du système judiciaire, son regard sur l’agression sexuelle viol ou soumission de la victime menant à une même condamnation. Prises de vues des lieux, (prisons et parloirs) des manifestations filmées clandestinement, tournées sur des portables, interviews des proches, enregistrements audios, lectures en voix off de textes exprimant la vérité muselée résonnent de l’injustice officielle d’un régime qui sept années durant (2007/2014) avait déjà prouvé sa cruauté et la perpétue tout autant que l’héroïsme féminin qui lui fait face. Un cri de résistance à partager dans l’émotion de ce témoignage.

Le « maalem » est un art ancestral de confection de caftans que pratiquent dans la médina de Salé un couple et leur apprenti vendant et festonnant de chatoyantes tenues de fêtes, le cinéma en est un autre que la réalisatrice brode avec une même perfection à travers les images et plans d’un film dédié aux lumières de sentiments subtilement incarnés par son trio d’acteurs. Le toucher d’un tissu dans un atelier, celui d’une peau dans un hammam et le parfum d’une mandarine lient chaque goût à sa jouissance, l’esthétisme d’un vêtement et la volupté des corps unis dans l’amour décliné entre beauté, tendresse et plaisirs. Ils sont trois à savoir gorger leur vie de paix, d’espoir et de sensualité qu’ils nous offrent dans l’émotion d’une danse partagée par un jeu d’épaules, dans l’écoute de leurs silences, dans le respect de leurs différences et par leur force intime ignorant les préjugés pour dépasser leurs peurs de la mort et nous envoûter des couleurs de la vie.

Naïade radieuse et gentil fils à papa en vacances corses ces étudiants promis à de brillantes fonctions d’énarques voient leur avenir déstabilisé par un acte inopiné d’auto-défense. Les prémices d’une comédie romantique, d’un mélodrame criminel, d’une relation paternelle fragile s’immiscent subtilement dans une analyse médiatico-tactique au discours idéologique brillamment porté par des femmes au détriment de lâchetés sociales traditionnelles dans les entreprises, trahisons et pièges capitalistes récurrents. Une authentique gageure que de bâtir un monde plus juste par ses engagements sentimentaux, familiaux et politiques, un pari tout aussi risqué que de transcrire hors démonstration militante cette ambition sociologique en narration, situations et images. Le réalisateur y parvient avec efficacité ses acteurs y contribuent dans un même élan talentueux. De grandes espérances - Charles Dickens 1860 / Livre de Poche 1998.