L’apaisement de la momie précolombienne, et le venin d’éternelle jeunesse du scorpion noir ayant cédé à la pression de l’espionnage international nous voilà entraînés de Bruxelles à Paris de faux baisers volés et déclarations picturales dédiées à Berthe Morisot en amours interdites, l’envers de vies réelles s’infiltrant dans l’inversion des décors étoilés ou enneigés, de duels d’espionnes surmultipliées en chômage politique. Et si le réalisateur se joue de nous c’est par défi aux normes intégrées de la production cinématographique et ses offres commercialisées standardisant l’intérêt des spectateurs au détriment du spectacle lui-même et de ses charmes. Alors, à suivre peut être…

Une bande de narcotrafiquants fait régner la terreur dans une campagne désertique mexicaine où un père ayant déjà vécu l’enlèvement de sa femme et de sa fille aînée tente par tous les moyens à sa portée de protéger la benjamine. Masquée et casquée c’est à travers son seul regard de fillette aimante d’un adulte toxico, de gamine innocente parmi ses copains camouflés, de victime menacée et proie annoncée que nous découvrons la réalité effrayante d’un monde corrompu et violent. Mais les armes de l’innocence volée ont une force onirique dépassant l’horreur par le rêve et le réalisateur un talent exceptionnel pour dénoncer l’emprise généralisée au Mexique, en Colombie… des barons de la drogue, milices paramilitaires et gouvernements incompétents.

Casanova se souvient d’une jeune courtisane comme d’un dernier amour, mais cette évocation traduit-elle l’amertume d’une conquête inaboutie ou l’improbable mélancolie du désir inassouvi ? Benoît Jacquot, à la lecture de cet épisode des Mémoires de l’écrivain se pose la question en cinéaste et nous l’offre en partage entre perruques et jardins anglais, maisons closes et dentelles froissées pour nous y égarer dans le labyrinthe des passions et de leurs souffrances. L’ambigüité de la séduction se démultiplie entre la pudeur de Vincent Lindon, le charme de Stacy Martin, le libertinage du XVIIIème siècle et l’élégance d’un film. Histoire de ma vie - Giacomo Casanova - Les classiques de Poche - 2014

L’été agité d’un post soixante-huitard grincheux, oublieux des solidarités et libertés défendues, incrusté au Larzac, quitté par sa femme, squatté par un petit-fils et en voie de redressement pour retrouver les valeurs de sa jeunesse. Une collection de clichés générationnels nostalgiques et libérateurs pour un feel-good movie garanti d’époque.

Il chante toujours cet enfant prodige brisé aujourd’hui trentenaire qui, suivi par la caméra de la documentariste Yolande Zauberman, revient à Bnei Brak quartier ultra-orthodoxe de Tel Aviv, d’où il s’est enfui il y a une quinzaine d’années, toujours en quête d’apaisement après avoir été abusé par des membres de sa communauté depuis l’âge de quatre ans. Illustrant la phrase de Kafka « je suis parmi les miens avec un couteau pour les agresser, je suis parmi les miens avec un couteau pour les protéger » la cinéaste cherche une justification à ces sévices dans l’exacerbation d’une sexualité interdite, dans le processus traditionnel d’explications et justifications mêlant irresponsabilité et culpabilité de souffrances partagées, de confessions familiales, à l’abri de protections séculaires pour perpétuer la sacralisation et l’essence même de la religion.

Une partie de rire que les chatouilles mais jeux de mains jeux de vilains quand celles des adultes s’égarent sur le corps d’enfants interdits de défense par leur innocence. Le respect induit le secret, les exutoires physiques confortent le mutisme jusqu’à la prise de conscience et la reconstruction par la parole devenue cri théâtral, images de cinéma. Alors la petite fille a chassé sur ses pointes la faute de l’autre, la danseuse s’est libérée en mots pour dénoncer les tabous culturels, condamner les dénis familiaux, délivrer des silences coupables et protéger par le rire et l’émotion la candeur infantile. Une résilience lumineuse récompensée par les Molière avant les César à surtout partager en famille.

Un enfant acteur, surdoué et esseulé entreprend une improbable correspondance avec le héros adulé d’une série télévisée jusqu’à la découverte de ces lettres par ses comparses collégiens, leur révélation sur les réseaux sociaux et les doubles conséquences de ce harcèlement. Dix ans plus tard, comédien confirmé, il justifie leur parution comme Xavier Dolan lui-même retrace les dérives du star-system, leur affligeante médiocrité, la pérennité de l’homophobie et toutes formes de préjugés, de jalousies précoces, de révélations médiatiques et d’intolérances primaires. Une lutte démultipliée par la quête de chacun pour rester fidèle à ses passions, conquérir son identité et sa liberté, discours à priori banal qui transcende l’autojustification en un tourbillon flamboyant. Le rythme de la mise en scène, la maîtrise des plans, le jeu des couleurs, les choix de la bande-son, la prestation des acteurs, l’éclatement du montage, brisent les rivalités hollywoodiennes pernicieuses, les interdits sexuels, valorisent les émotions maternelles entre tendresse et mélancolie. Les déboires avec les producteurs canadiens restreignent pour l’heure la distribution internationale, la part française échappant à cet interdit profitons donc du privilège qui nous est offert.

En route avec un convoyeur de charge non-identifiée livrée par l’Armée à destination de Belgrade, trajet bientôt partagé avec un jeune auto-stoppeur rêvant d’un avenir musical à Berlin. Un voyage sous une grisaille hivernale pluvieuse jalonné de rares étapes où le passé disparaît dans le présent d’un pays en conflit à l’avenir sombre. Un briquet souvenir de victoires antérieures, un emploi douteux justifié par une famille et un fils à protéger dans l’espoir de transmission générationnelle soutiennent ce road movie à la charge émotionnelle mutique porteuse des ravages invisibles des guerres répétitives.

Sandrine Kiberlain dans tous ses états de mère aimante, resplendissante et délirante pour une comédie libératoire, cri d’amour maternel à l’écho filial de bonheur partagé dont profiter joyeusement.

Trois ouvrières de la conserverie locale de poisson sont réduites à mettre en boite le cadavre de leur petit chef harceleur sexuel permanent, dealer conséquent, mort par accident mais recéleur d’un joli magot à se partager. Loin de tout repos ce nouveau boulot assumé à la fois par une ex Miss Pas de Calais réfugiée dans le mobile-home maternel, une mère célibataire et l’épouse d’un chômeur professionnel face à la violence machiste. Un authentique parcours régional et social de combattantes dans un délirant jeu de massacre où s’embrouillent la débrouille, les genres et les rires. Avec un peu d’entraînement le réalisateur s’échappera lui aussi des conventions pour accélérer le rythme et atteindre une prochaîne jubilation triomphante.

Une jeune franco-grecque revient à Lesbos pour vendre la maison de sa mère récemment décédée mais dont elle s’était séparée à son adolescence par jalousie envers son beau-père. Son simple désir de vacances à partager avec deux copains banlieusards va se heurter en cet été 2015 à l’arrivée de migrants sur les plages et aux conditions de leur rejet. Une prise de conscience de l’identité et des racines de chacun vécue par une jeunesse aux origines et religions diverses s’ouvrant à une générosité humaine commune.

Devenue infirmière aux USA une jeune roumaine en accession à la « greencard » est harcelée sexuellement par un employé des services d’immigration exploitant sa fragilité. C’est sans compter sur la double détermination de cette mère et de son gamin décuplant leurs forces entre une culture originelle acquise et une nouvelle à conquérir au nom d’une vie meilleure. Une persévérance que la réalisatrice illustre par la dignité de son actrice, sa distanciation des violences subies et la juste valeur de l’émotion partagée face au rejet social d’un pays et à la xénophobie de l’autre.

Une famille irlandaise heureuse se retrouve sans abri à la suite de la crise du logement sévissant à Dublin et contrainte à se loger à l’hôtel au jour le jour pour éviter le cauchemar d’une nuit passée en voiture sur un parking. Un véritable parcours de combattante pour cette mère attentionnée et aimante, un crève-cœur pour son époux à l’emploi exigeant, des problèmes pour chacun des 4 enfants confrontés aux regards des autres, bref une galère injuste et injustifiée. L’humour et l’amour sauvent le film du misérabilisme, les sourires des enfants et le talent des acteurs l’illuminent, des soupçons d’inceste ne suffisent pas à combler un manque d’analyse sociale pour rattraper le réalisme social britannique Ken Loach, Mike Leigh…

Le titre est clair et le travail de la documentariste sur son sujet tout autant, comment fonctionne la rédaction d’un journal en ligne avec pour strict exemple une campagne présidentielle et un nouveau candidat, avant, pendant et après. Délaissant les aspects provocateurs de lanceurs d’alerte ou d’investigation dénonciatrice, elle privilégie les débats engendrés par les surprises successives des résultats des primaires à la renonciation du Président en poste, coups de théâtre d’affaires et décompositions de partis. Son statut de témoin permet de montrer que de l’étonnement devant les faits, le journaliste doit passer à leur analyse, se distancier de ses propres positions partisanes, défi débattu librement entre tous avec passion et raison.

Il s’appelait Lee cet enfant des faubourgs qui de l’East End à la Maison Givenchy avant Gucci a bousculé les codes, transgressé les règles, choqué la critique et créé un nombre incalculable de défilés happenings pour exorciser ses propres démons de créateur et performer plus encore que de couturier. Cinq étapes jalonnent ce parcours d’artiste révolté, les témoignages, archives de sa mentor Issie Blow, de sa famille, de ses amis et collaborateurs se succèdent pour étayer au-delà de la drogue et l’alcool, le mal-être définitif d’un traumatisme familial d’enfance insurmontable au deuil de sa mère. Le tableau flamboyant d’une incarnation des 90 ties de la création britannique.

Un somptueux cadeau aux cinéphiles que cette œuvre de 14 heures tournée en 10 ans, divisées en 4 séances et 6 histoires qui se chevauchent ou s’ignorent, sont jouées simultanément par 4 actrices principales et rendent un hommage passionné au 7ème art dans toute sa diversité et temporalité. Un premier conte quechua hitchcockien suivi d’une romance musicale avant une poursuite d’agents secrets dédoublés en quatuors féminins internationaux, James Bond recyclées par les idéologies excentrées d’Europe en Amérique latine, puis un faux making of, réelle vengeance de sorcières traversé par Casanova et pour continuer une copie muette en N&B volée à Jean Renoir, avant une palette silencieuse inspirée de Léonard de Vinci ou d’autres, s’achèvent joyeusement sur un générique inversé et musical résumant l’humour rimant avec l’amour de l’image animée des Frères Lumière. Les maléfices intemporels, les pouvoirs machistes, les dominations multi-nationalistes, les vengeances secrètes, leurs emprises communes jaillissent en écho aux voix of murmurées sous des ciels étoilés argentins, au fil de paysages immaculés sibériens, sur des murs parisiens impressionnistes, dans l’envol poétique de ballets aériens . L’esthétisme de plans séquences, de contrechamps conceptualisés, la pureté de la lumière et le choix des pellicules et de leurs couleurs, les monologues en alternance de silences, sons, musiques et les réapparitions successives des comédiennes soulignent l’écriture propre à la caméra au service de la création artistique pour simplement nous envoûter. La force culturelle latino-américaine et l’héritage chilien de Raul Ruiz participent de cette offre d’un cinéaste passionné par son art et ses infinies facettes, à nous d’y répondre en intégrant l’expérience dans notre quotidien d’un jour ou d’une semaine à l’autre, pour prolonger le temps, partager la variété et atteindre la liberté.

Une jeune assistante sociale de banlieue se laisse convaincre par son frère engagé à Rakka par les forces de Daech de venir l’aider en Syrie, mais déchanter ne peut lui rendre sa liberté et tout retour auprès de son mari avec leur jeune enfant relève de l’impossible. C’est cette opération d’exfiltration vécue par le fils même de son producteur que, s’inspirant de cette aventure, le réalisateur authentifie par son expérience de documentariste et ses images tournées en Jordanie. Associant au rythme d’un thriller, l’émotion d’un drame familial à une problématique d’actualité, le film soutenu par son trio de jeunes acteurs sonne juste et fort.

Une jeune lectrice du milieu germanopratin de l’édition au compagnon écrivain méconnu découvre dans un bourg du Finistère une bibliothèque de rebut des manuscrits refusés et y déniche le chef d’œuvre dont elle fera un succès fulgurant. Sauf, que peu convaincu un critique littéraire soupçonne l’imposture et s’engage à la révéler. Une enquête doublée d’une analyse des milieux de l’ennui provincial et de l’arrogance parisienne, frustrations des uns et arrivisme forcené des autres se mêlant aux amours finissantes ou naissantes pour s’en moquer ou s’y attacher. Foenkinos connait les coulisses du métier autant que Fabrice Lucchini les ficelles du sien alors chacun joue alors sa partition de l’inspiration pour nous en délecter. Le mystère Henri Pick - David Foenkinos - Gallimard – 2016

Une jeune femme débarque dans un centre de désintoxication qu’elle va devoir partager avec une dizaine d’autres inconnus présents pour chacun parvenir à retrouver leur intégrité, dépasser la peur, la souffrance, la honte, le dégoût, aborder le manque de confiance, raconter la violence, la destruction, subir les émotions, reconnaître sa responsabilité, écouter pour lâcher prise, s’ouvrir, se soutenir, chanter, jouer, danser ensemble, retrouver les secrets enfouis jusqu’à les révéler pour au terme d’un processus de recherche reconquérir une liberté entravée par soi-même et partir, quitter la protection, affronter la vie. Un processus thérapeutique reconstitué par le découpage même des journées de séjour, sur la voix of du personnage principal, des acteurs filmés en plans serrés extériorisant les marques de leurs douleurs, des inflexions mutiques de réponses inavouables, des dans la contradiction du collectif figé en décor de chaises vides pour insérer la vraisemblance de la fiction et le jeu théâtral à la réalité du documentaire, rassemblant les genres à l’image des êtres par une même sensibilité.

Pour gagner du terrain sur la mer, Singapour importe des pays voisins sable, gravier et jusqu’aux ouvriers, la disparition sur un chantier du littoral de l’un parmi d’autres déclenche une enquête policière. Sujet de thriller classique détourné par l’imaginaire d’un inspecteur insomniaque dont les rêves prémonitoires s’entremêlent à une réalité chimérique de construction artificielle, de destruction côtière, d’esclavage humain, d’hypersexualité cybernétique en un tourbillon de flash-back, jeux vidéo et fantasmes jaillis de décors nocturnes lugubres. Un vertige onirique où les deux personnages se dédoublent et nous entraînent du réel de l’exploitation humaine et sa perte identitaire résultante à la libération compensatoire des corps par la danse et l’envoûtement musical vers la dénonciation d’un miracle économique bâti sur le cauchemar des migrants.

Dans les montagnes reculées de Turquie perdurent les peurs et légendes transmises par les sifflets qui résonnent d’une vallée l’autre, cette communication ancestrale par modulation des syllabes devenu le seul moyen d’expression d’une jeune femme muette. Alors comme en écho à son isolement et rejet elle traque le loup pour s’extraire de la meute d’une société patriarcale, découvrir l’amour et conquérir la liberté. Une sombre métaphore illuminée par le jeu de l’actrice, les émotions offertes par son mutisme permettant le dépassement du lieu, des époques et des genres pour atteindre l’universalité de l’intolérance.

Le désir d’une Mammie gâteau américaine de revoir sa petite fille devenue parisienne et retrouver son lieu de naissance pyrénéen provoque un voyage où vérité, quiproquos et mensonges s’embrouillent à la réalité. Trois générations de femmes vont échanger leurs joies, luttes et rires en compagnie d’un un ex-amant, fils en manque et père en devenir au long d’un road-movie enjoué où les manques affectifs maternels déterminent les fuites amoureuses et leurs éternels recommencements. Cette libre adaptation romanesque joue avec la musique, les voix et le talent de ses comédiennes en toute liberté. La valse des affluents - Théo Hakola - Editions Serpent à plumes/Fiction étrangère- 2003

Hébété et affamé un homme échevelé s’éveille parmi pique-niqueurs, champignons roses et vols d’oiseaux, en lisière des bois assoiffé il participe à l’hommage rendu à un jeune homme décapité et sur les routes de ses successives aventures oubliées croise son double imaginaire. Les errances poétiques du deuil impossible d’un amour brisé offrent à cet amnésique une survie aussi burlesque que libératrice, à partager pour délirer.

L’adaptation de la pièce de Samuel Beckett « May B » en spectacle de danse en 1981 sert de fil rouge, de répétitions en extraits pour expliquer le travail de la chorégraphe, sa relation entre art et politique, l’engagement et sa réflexion. Parvenir à l’essence de l’expression par une esthétique différente des corps recouverts d’argile, des mouvements inappropriés à l’harmonie, une logorrhée de sons inarticulés pour dépasser les clichés inhérents à la beauté et atteindre la vérité des chairs, os, sexes humains. Nous immergeant dans les reprises de cette pièce, tous danseurs confondus dans le temps, le documentariste évoque la transmission générationnelle des idéologies par le collectif et l’éthique d’une artiste réactive au présent pour offrir le devenir.

En 1975 les Khmers rouges prennent le pouvoir chassant leurs concitoyens au nom d’Angkar idéologie révolutionnaire meurtrière. Survivre devient alors un combat pour ne pas succomber aux exécrables conditions du quotidien, à la sous nutrition, aux travaux agricoles autant que pour échapper aux tortures, atrocités diverses et dénonciations de tous ordres… qu’un couple subit avec les déplacements abusifs de leur jeune enfant puis de leurs proches qu’ils feront tout pour retrouver et fuir le régime. C’est l’animation qu’a privilégiée le réalisateur pour reconstituer l’histoire de son pays à travers le passé de sa propre famille, et ce choix autobiographique souligné par la splendeur des dessins paysagers réduit la violence politique au profit de la paix retrouvée.

A Hong Kong les triades font leurs lois et la rencontre d’un policier, d’un agent de sécurité et de leurs femmes enceintes relève du challenge pour le cinéaste entre action, thriller et virtuosité esthétique.

Années 50 à 60 la guerre froide ne peut empêcher les sentiments de dépasser les idéologies ou les frontières entre la Pologne et Paris et la musique fait résonner la passion sur les notes du romantisme et l’esthétique de l’image au fil de dix années de rencontres. Une mise en scène à juste titre récompensée, un Noir et Blanc raffiné, des plans au rythme de la pudeur des amants sur fond d’exil douloureux rythmé par un jazz inoubliable comme le film

Une quinqua professeur de littérature, mère de famille en mal d’amour après l’abandon de son mari pour une plus jeune raconte à sa psy son échange confusionnel du réel au virtuel dans la réalité de Facebook par un transfert d’âge et de situation avec un amant potentiel. Sujet d’un roman d’où les lignes s’évadaient, sa transcription en images affronte l’ambigüité même du thème, et tout le talent de Safy Nebbou est de s’en emparer, transfigurant sous les traits de Juliette Binoche écoutée par Nicole Garcia, le désir féminin interdit par le couperet de l’âge, violence déterminant le vertige des jeux de miroir sans tain des moyens d’Internet jusqu’à leur remise en question entre les mots, l’imaginaire, la parole et leur vérité contredites par l’épanouissement de la liberté. Avec ce 6ème film, suite d’une précédente adaptation du livre de Sylvain Tesson le réalisateur confirme sa maîtrise du genre, et si ses actrices n’avaient elles non plus rien à prouver, leurs prestations confortent la réussite du film. Celle que vous croyez - Camille Laurens - Gallimard - 2015 - Folio Poche 2017.

La pègre locale de Datong petite ville du Shanxi répond aux codes d’honneur et règles d’équité habituelles, quand l’autorité de Bing leur caïd est mise en péril par une bande de jeunes, sa compagne Qiao le sauve mais écope de cinq ans de prison. Sa libération l’entraîne vers le barrage des Trois Gorges en quête de son amant oublieux avant de revenir seule dans sa province où reprendre ses activités. Une histoire d’amour, ses tourments et retournements et au fil de son déroulement le tableau d’une Chine en pleine mutation, l’évolution des sentiments en résonance avec la fulgurance du progrès économique illustrée des scènes virevoltantes de danse aux roulis de bateaux surpeuplés, des visages burinés aux paysages striés par les trains à grande vitesse, des habitats bétonnés à la beauté d’un volcan pacifié. Si « La blancheur de la cendre est la plus pure » titre originel de ce film noir, l’image éblouissante d’Eric Gautier, le jeu du couple d’acteurs et la maîtrise du réalisateur illuminent la gravité de cette traversée du temps.

Le Chili vécut avant le 11septembre 1973 sous le régime élu de l’Unité Populaire trois années d’utopie politique que le coup d’Etat de Pinochet brisa pour instituer au fil de sa dictature un seul affrontement binaire, c’est cette disparition de l’analyse nécessaire à l’idée de démocratie que le cinéaste devenu documentariste engagé explore aujourd’hui au travers d’images d’archives et d’interviews d’exilés ou survivants socialistes chiliens. Une mise en parallèle des solidarités spontanées de l’ambassade et conditions d’accueil de son pays à cette époque avec l’attitude actuelle de rejet des migrants, dûes à la disparition des idéologies, au triomphe de l’individualisme, responsables de l’implantation du populisme. Le discours ultime de Salvador Allende sous les bombardements du palais présidentiel, les exactions militaires sur des civils, leur fuite dans les refuges diplomatiques, alternent avec les témoignages actuels suffisamment distanciés pour justifier cette réflexion que l’on pourrait aisément rendre européenne autant que mondiale. Pour rappel, Pierre de Menthon à l’ambassade de France recueillit plus de 800 réfugiés, et l’implication du ministère des Affaires étrangères du Président Pompidou, des associations humanitaires, partis politiques, syndicats, personnalités porta ce chiffre de 5 à 15000 personnes, action naturellement inscrite dans le contexte de mobilisations sociales et intégration multinationale dont l’esprit a malencontreusement disparu. Les paroles des cinéastes Patricio Guzman et Miguel Littin s’ajoutent aux images de Raoul Ruiz, aux voix des Quilapayun et Inti-ilimani, aux mots de Pablo Neruda et à l’héritage de Pablo Larrain, transmission culturelle de l’inoubliable revendiquée par Nanni Moretti.

Wardi est une gamine vivant dans le camp de réfugiés Burj El Barajneh de Beyrouth où son arrière-grand-père a échoué depuis la Nakba consécutive au traité de 1948 expulsant les Palestiniens de leur terre. Quatre générations qui au fil des années ont remplacé les tentes par des juxtapositions verticales branlantes, tours fragiles soufflées par les bombardements des conflits successifs et qui du trisaïeul à ses fils, des oncles aux mères et à leurs filles se transmettent l’espoir d’un retour ou d’un ailleurs. Elle est craquante cette mini combattante mais sa silhouette de marionnette qui carapate sur fond de dessins entre souvenirs d’exode, photos de familles ghettoïsées, archives guerrières nous renvoie à la cruelle réalité des 21000 enfants encore abrités intra-muros sans identité reconnue ni statut juridique. Ce film combinant l’animation stop motion/en volume et celle traditionnelle en 2D réalisé en France par les studios Foliascope est à partager entre enfants et adultes pour rêver ensemble de la liberté offerte par l’envol des pigeons.

Mary Stuart épisodique reine de France revient dans son royaume d’Ecosse et ce retour après douze ans d’absence réanime les rivalités entre les protestants anglicans et les catholiques écossais chacun sous l’autorité de deux héritières, cousines germaines en lutte au nom de la transmission d’une religion et d’une famille. Un duel royal vengeur au terme duquel la jeune Mary perdra la liberté et la tête et l’ultime Tudor sans descendance cèdera l’hérédité du trône à Jack Stuart. Pour simplifier cette mémoire historique, la jeune réalisatrice nous entraîne des paysages des Highlands traversés par les cavaliers à la Cour de Londres fréquentée par ses mâles conseillers jusqu’à une rencontre où dissimulées en leur labyrinthe de toiles, les doubles rivales se voilent et dévoilent en un chassé-croisé de pur exercice du pouvoir. La reconstitution joue avec la féminité des couleurs rougeoyantes des chevelures royales, des fards masquant une petite vérole ravageuse face à la virilité débridée des scènes de guerre et de sexe, homosexualité et viols dans leur naturalisme conquérant, ce choix de lecture théâtralisée valorisant avec éclat le talent des deux actrices. Star du cinéma depuis 1894 avec quelques images tournées par Edison, Marie Stuart continue de survivre à sa décapitation avec ce 8ème film très honorable.

La réalisatrice d’un téléfilm remake des « Larmes amères de Petra Von Kant » tente de choisir son actrice principale et affronte successivement toutes les difficultés liées aux égos des comédiens, aux pressions des producteurs, à ses propres ambigüités, à la mémoire de Fassbinder…Des maquillages aux coiffures, des accessoires aux décors, des loges aux coulisses, entre caméras et plateau chaque détail incarne au fil des successives répétitions les angoisses, frustrations, ambitions, humiliations ressenties au nom de la création en un tourbillon de simulation propriété intrinsèque de l’interprétation. Un miroir décapant du jeu dans et par le jeu.

Une étudiante physicienne, un petit vendeur épicier, un conseiller financier, un camionneur et un jeune fan de jeux dits d’évasion se retrouvent pris au piège des énigmes à résoudre pour sortir de chaque espace dans lequel ils seront catapultés. Lieux de tous les extrêmes chaleur, froid, sonorités, drogues, centres médicaux, entrepôts…reliant les traumatismes de chacun à sa mort potentielle. Invraisemblable à souhait mais efficace et ludique pour les amateurs du genre.

Proche de la quarantaine un couple d’américains moyens investis dans la rénovation immobilière décide de dépasser leur égoïsme en fondant une famille et s’inscrit dans une association spécialisée. Convaincus par un stage de préparation les voilà à la tête d’une fratrie latino-américaine qui bien sûr va faire défiler toute l’ampleur méconnue de leur mission, les problèmes liés à l’adoption et toutes leurs solutions empreintes de générosité et bonne volonté évidemment récompensées. Même enjouée et généreuse, la démonstration garde ses spécificités purement américaines de feel good movie.

L’image de la mitre rayonnante du cardinal Barbarin prélat de Lyon en surplomb de la ville nous plonge d’emblée dans l’actualité dérangeante de la pédophilie illustrée par la lutte entre la force ecclésiastique et l’insoumission de ses fidèles. Un affrontement moral entre le pouvoir séculaire et la foi pour traduire la pérennité de la souffrance, les ravages du silence imposé à de jeunes garçons enfermés dans le mutisme tabou de l’innocence sexuelle doublement violée par la négation d’écoute des familles tous milieux confondus et des autorités religieuses. Pour porter l’indicible à l’écran et lui offrir une visibilité, le cinéaste a choisi la fiction qui permet d’exposer toutes les informations, réactions, de rassembler les témoignages, condenser le parcours des trop nombreuses victimes et désinhiber leurs traumatismes tout autant que dénoncer les rouages d’un système de défense jésuite expérimenté donnant sens aux actions antagonistes par la parole libérée des personnages. Les questionnements, (en situations réalistes, distanciés par une voix of ou les flash-back) le devoir et la morale, la culpabilité et le déni, la croyance en Dieu et les perversions cléricales, les dévoiements et le pardon des aveux, alternent en contrepoint des hontes communes incarnées à la perfection par chacun des comédiens (tous rôles confondus dans la maîtrise du choix et la direction d’acteurs). Cette dimension humaine compassionnelle participe de la réussite totale d’une œuvre engagée dans les valeurs mêmes de l’espérance en l’homme. A ce jour son objectivité est cependant contestée par le dépôt d’un recours des avocats du Père Preynat pour obtenir le report de sortie en salle après rendu du jugement du procès le 7 mars.

Le monologue caustique de Pierre Paul dernier porte-parole de Denys Arcand dans cette nouvelle déclinaison de l’empire américain, nous situe d’emblée au sein des contradictions humaines d’ordre social, financier et humain, unissant pragmatisme et idéologie généreuse en toute immoralité. Profitant du hasard, un prof de philo coincé devenu livreur s’improvise recéleur au service des sans-abris, tombe en amour d’une sublime escorte-girl aux amis généreux, recourt aux services d’un faux repenti réinséré et d’un brillant avocat fiscaliste, évite des braqueurs justiciers, échappe aux flics impuissants au fil d’une course effrénée et au nom de valeurs compassionnelles triomphant du règne de l’argent. La critique est enjouée, le film dénonce l’évasion fiscale avec entrain et si le réalisateur ne résout pas la misère du monde, son cinéma, une nouvelle fois, la soulage le temps d’un divertissement intelligent et vengeur.

Une jeune kamikaze débarque de son train en gare centrale de Baghdad à l’occasion d’une cérémonie officielle commémorative, arrache son voile et se fond dans la foule de ses victimes potentielles où s’entrecroisent des voyageurs, un escroc hâbleur, un gamin cireur de chaussures, une fillette vendeuse de fleurs, des musiciens, des soldats américains et d’autres iraniens tous animés d’une rage de survie commerciale, amoureuse ou religieuse. Leurs déterminations respectives révèlent la cruauté d’un pays que l’exécution de Saddam Hussein ne libère ni du fanatisme, ni de la violence de l’injustice et de la misère mais que l’humanité de chacun se doit de sauver. Des trains aux quais, dans une violence partagée, le réalisateur nous entraine dans une course entre les rails et les vies des victimes potentielles vers l’imaginaire d’une autre réalité, celle d’un cinéma de qualité dont profiter.

Dans un présent politique imaginaire immergés en profondeurs marines, deux navires nucléaires français jouent entre eux à la guerre pour sauver l’humanité. Entre règlements militaires et effets spéciaux s’infiltre la virilité humaine, le chant du loup rivalisant avec celui des sirènes. Après « Volontaire » la marine nationale poursuit sa quête de galons, exercice à haut risque pour un premier film de genre au scénario solide, à la tension soutenue plus par ses images que par ses acteurs flottant sans direction entre les eaux.

Sur les hauts plateaux de l’Est de l’Afrique du Sud perdure une communauté de colons reclus dans leurs traditions et le strict exercice d’un protestantisme originel, régi par le seul pouvoir divin. L’immensité de l’environnement naturel, des cultures de maïs, des travaux de moissons, du galop des troupeaux s’inscrit à l’encontre du retranchement identitaire de femmes en prières, de pères autoritaires, d’adolescents perturbés par leur sexualité et leur place à conquérir, pour illustrer à travers l’accueil d’un nouvel enfant les failles de structures ancestrales toujours défendues par les Afrikaners. Soutenu par la musique d’Evgueni Galperine, ce premier film à l’ampleur classique révèle la fragilité de l’autarcie culturelle face à l’inéluctable évolution de la société.

En 1941 le régime roumain a procédé au massacre de 20 000 juifs à Odessa, son responsable le Maréchal Antonescu se justifiant lors de son exécution par cette phrase titre au film. Pour remettre en mémoire cet événement et échapper à la banalisation d’une reconstitution, le réalisateur nous propose la conception et les répétitions du futur spectacle. Nous suivons alors une jeune créatrice au fil de sa conception théâtrale, son analyse documentaire, son travail de mise en scène, les implications des figurants, ses luttes contre la censure municipale avant la représentation finale en place publique avec projection d’archives et les réactions en direct des spectateurs, échos douteux à la xénophobie tzigane, à l’antisémitisme, au communisme et toutes exactions passées résonnant dans le présent. Un travail mémoriel et une question sur l’art porteur d’engagement politique, de vérité historique, de questionnement philosophique.

Ils sont deux frères l’aîné n’a quitté ni sa province, ni son emploi de prof, ni même son épouse pour sa jeune maîtresse, le benjamin est parti à Rome y faire exulter son corps et son esprit, une mauvaise nouvelle va faire renaître leur fraternité. Un duel aux escarmouches sociales, aux touches mensongères s’engage entre cocaïne et cortisone leurs euphories partagées au nom de la mort annoncée et du bonheur à retrouver avant qu’il ne soit trop tard. Avec ce second film, Valeria Golino affine son regard sur le deuil entre émotion et distanciation et privilégie le rôle de deux acteurs talentueux.

Quinze ans après un casse parisien le meneur libéré retrouve ses riches complices sur les plages de Phuket, l’enfer de la pègre et du sexe devenu paradis pour Xavier Durringer et ses acteurs et castagne thaïlandaise pour touristes en manque de cartes postales.

A Casabianda, en Haute-Corse une prison « ouverte » accueille une centaine d’hommes condamnés pour des crimes sexuels intrafamiliaux. Au fil de rencontres acceptées, une dizaine d’entre eux se sont exprimés pour analyser leurs actes, leur pourquoi et leur après, réflexions sur la responsabilité, la culpabilité ineffaçable, la colère cause du passage à l’acte, l’échange du pardon, la réinsertion future, la peur des autres autant que de soi-même… mais l’absence de barreaux, les travaux agricoles, les promenades de chats jusqu’à la plage, les matchs de ping-pong, les exercices d’haltères, la correspondance épistolaire ne délivrent pas aisément de la mémoire des gestes subis et infligés. Les peines requises participent de l’écoulement du temps, du quotidien rythmé par les sirènes, à celui de la communication dans la durée même des plans, des silences pour espérer, des années passées à celles à venir, retrouver le cours de la vie.

1 - DUELLE (Une quarantaine) - 2h01’ - 1976 - France Juliet Berto, Bulle Ogier, Hermine Karagheuz, Nicole Garcia, Jean Babilée Avec Jacques Rivette tout est faux, tout est vrai, écrit mais improvisé, fantastique et réel, entre soleil et lune jouent avec la terre et nous entraînent dans leurs mystères. Bonus : - JACQUES RIVETTE À PROPOS DU CYCLE "SCÈNES DE LA VIE PARALLÈLE" – PREMIÈRE PARTIE (22 mn) Dans cet entretien, mené par Karlheinz Oplustil le 4 mai 1990 à Paris, Jacques Rivette parle de son projet d’une tétralogie « Scènes de la vie parallèle », dont seuls Duelle et Noroît furent réalisés. - -SOUVENIRS DE "DUELLE" : BULLE OGIER ET HERMINE KARAGHEUZ (11 mn) Filmées en 2015 à Paris, les deux actrices évoquent leur collaboration avec Jacques Rivette sur Duelle. 2 - NOROÎT (Une vengeance) - 2h 09’ - 1976 - France Géraldine Chaplin, Bernadette Lafont, Kika Markham Une aventure insulaire et un face à face de femmes au pour se jouer des pirates et nous entraîner de références mythologiques en allégorie psychédélique et utopies éternelles. Bonus : - JACQUES RIVETTE À PROPOS DU CYCLE "SCÈNES DE LA VIE PARALLÈLE" – SECONDE PARTIE (28 mn) 3 - MERRY GO ROUND - 2h40’ - 1981 - France Maria Schneider, Joe Dallessandro, Daniel Gégauff, Maurice Garrel Course poursuite et thriller d’espionnage de fausses pistes en histoires parallèles Bonus : - UN FILM FANTÔME : STÉPHANE TCHAL GADJIEFF À PROPOS DE JACQUES RIVETTE ET "HISTOIRE DE MARIE ET JULIEN" (1975) (22 mn) - BANDE-ANNONCE 2018

15 ans l’âge du devenir pour l’ado en lutte acharnée contre son corps qu’il maîtrise pour à la fois intégrer le ballet de l’Opéra d’Anvers et subir l’opération de sa mutation sexuelle. Aidée par un père exemplaire, une équipe médicale à l’écoute elle s’impose une discipline physique excessive pour affirmer l’identité féminine qui l’habite. La double souffrance de ce corps à corps relève d’une frustration accentuée par le bouleversement anatomique et l’autodestruction latente propres à l’adolescence, ce qui permet au réalisateur de dépasser les limites de la transsexualité et à son acteur de la porter autant physiquement dans ses exercices et chorégraphies que mentalement par sa sensibilité et sa véracité.

Il avait donc tous les vices ce vice-président peu connu puisqu’éminence grise durant deux mandats de Georges W Bush, alcoolique, irresponsable, avide de pouvoir, sans scrupules et à la solde d’une épouse arriviste attisant son cynisme. Hors normes le méconnu Dick Cheney responsable, sans remords ni regrets ni excuses de toutes les dérives catastrophiques de la Maison Blanche post 11 septembre, guerre contre l’Irak incluse, et hors limites ce pamphlet incendiaire dénonçant le boulevard érigé pour l’avènement de Daech et préparant une voie royale à l’élection de Trump. Images d’archives, reconstitution historique, tractations machiavéliques, réincarnation intégrale via Christian Bale, gags burlesques cardio-vasculaires, saynètes shakespeariennes, tracent un portrait lapidaire boursoufflé d’humour et offrent une vision désastreuse des institutions américaines. Et jusqu’à la dernière seconde après faux et vrai génériques tous les coups sont permis dans ce biopic politique.

Trente ans dont douze passés en prison, un « détenu non-accompagné » hésite devant la porte du logement de sa petite sœur, lourd d’une peur indicible, de soi-même, des autres et d’un monde devenu inconnu. Dès les premiers plans à travers la réalité sociale d’un quotidien à partager, le film nous implique dans l’angoisse du rejet, le mystère de troubles du comportement mêlant la violence aux uniques besoins de confiance, d’affection et d’amour. Cette souffrance intime s’exprime par le tic d’une main passée sur un crâne rasé, le silence des regards partagés, les non-dits de situations dont l’enchaînement et l’atmosphère créée, font naître insensiblement notre compassion et l’espoir de reconstruction d’un être blessé. A tout juste 20 ans Nathan Ambrosiani, hors toute autobiographie ou souvenirs, s’empare d’un sujet fort pour son premier long-métrage pro de gamin rivé à sa caméra dès l’adolescence. Habité par sa passion du cinéma il a su convaincre producteur et comédiens de participer à sa suite d’essais amateurs et sa volonté au service d’une mise en scène et en images avec la complicité de ses acteurs prouve aujourd’hui son talent.

A peine sortie du centre de rétention pour mineurs, Angèle retrouve sa jeune sœur et part à la recherche de leur père coupable du meurtre de leur mère mais libéré pour manque de preuves. Un périple de libération d’une enfance meurtrie par la violence, retrouvée dans les souvenirs d’une complicité jaillie des flots de l’océan, dépassée par l’abandon de la vengeance au profit d’une fraternité à privilégier. Ensemble sur les routes, leur quête affective mutique et boudeuse, empreinte de sensibilité est incarnée par deux jeunes actrices aussi prometteuses que la réalisatrice de ce subtil premier film.

1977, en Espagne la loi de l’oubli est votée moins de 2 ans après 40 ans de dictature empêchant dès lors tout jugement des crimes ou malversations commis, injustice complémentaire effaçant les exécutions sommaires et disparitions des corps dans des fosses communes, les actes de tortures, les enlèvements de nouveaux nés… Pour détourner cette juridiction négationniste des rescapés se sont tournés vers la Cour d’Argentine et qualifier ces actes de « crimes contre l’Humanité » devenant alors imprescriptibles. Après 6 ans et 450 heures de tournage, rien n’est gagné hors la libération de la parole, la révélation d’exactions insoupçonnées et l’espoir de mères, de filles, de veuves, d’hommes humiliés d’obtenir justice en continuant leur lutte envers et contre tout. Une démarche en cours soutenue par les frères Almodovar pour ce film hommage actif aux toujours 130 000 disparus.

La mort d’un frère aîné brise ce père de deux fils, quinquagénaire dépressif qui se voit vieillir plus qu’il ne les voit grandir et qu’un même lien unit face à la vie qu’ils ne savent affronter seuls. Alors le trio titube chassant le drame existentiel au profit d’une comédie initiatique, où émotion paternelle, regards filiaux et émois amoureux s’échangent dans le désordre de l’adolescence pour juste apprendre ensemble à mieux accepter la réalité, générations et sentiments confondus. Le ton est moqueur, les situations se juxtaposent chassant religion, éducation et idéalismes, les acteurs rivalisent de justesse entre la légèreté de Vincent Lacoste, la malice d’Anaïs Demoustier et la tendresse pathétique de Benoît Poelvoorde, pour faire de ce premier film un charmant essai prometteur.

Si les consommateurs ont pris conscience des menaces pesant sur l’environnement les multinationales engagées dans le seul profit n’ont aucunement initié les changements indispensables au contraire, elles développent l’écho-blanchiment pour continuer leurs ventes d’huile de palme engendrant la déforestation par défrichage et brûlage, l’exploitation pétrolière et ses ravages … la liste est sans fin. Aller les constater et nous en rendre compte tel est l’engagement écologiste du documentariste

A la Pépinière, centre d’accueil pour jeunes handicapés aux troubles divers, le monde est clos, pour dépasser cet enfermement les réalisatrices les ont suivis d’une allée à un sous-bois, d’une chambre à une salle de sports ou de musique les filmant comme au hasard des moments, sans rimes ni raisons autres que l’émotion. Hors limites cette juxtaposition qui nie celles que la vie a refusé à ces adolescents joyeux.

La découverte du corps d’une prostituée sur les rives du Tibre nous entraîne dans la Rome des années 60 et son sous-prolétariat que l’écriture du scénario autant que les images, la mise en scène vont auréoler d’une intrigante poésie. Jouant avec le temps, de flash-back en scènes réelles, de gros-plans en silhouettes errantes, de travellings en perspectives entre variations de ton et dialogues fragmentés, le très jeune réalisateur se démarque du cinéma pasolinien de l’époque et fait preuve avec ce premier film d’une étonnante maîtrise annonciatrice en particulier de son film « Le Conformiste".

Que faire quand on ne s’aime plus assez pour se supporter mais trop pour se séparer avec des enfants que l’on adore ensemble ? et bien justement se rassembler dans deux appartements communicants pour y partager ses indépendances affectives. Une expérience vécue et offerte en images par Romane Bohringer, Philippe Rebot, Raoul, Rose et le chien, en collaboration avec les psychanalystes, les copains et les autres… où le quotidien fait rimer en tendresse optimisme avec anti-conformisme, avant d’y surajouter plus sérieusement idéologismes, individualisme et marxisme. « Sé-partement » une utopie à rendre vraie !

A l’aube du XVIII ème siècle la Cour royale d’Angleterre fardée, poudrée et saupoudrée dans sa déliquescence subit les atermoiements d’Anne Stuart, dernière reine de ce nom, au rythme des crépages de perruques de ses favorites en titre ou en attente, arrivistes forcenées, manipulatrices assoiffées d’un pouvoir conquis par l’inversion de l’ordre masculin. Jeux de dupes et enjeux politiques, duplicité de dominant/dominé se règlent entre tirs aux pigeons, courses de canards en couloirs, collections de lapins nains, troubles lancers d’oranges dans les salons, caresses saphistes et batifolages sado-maso en chambre royale, toute trivialité et raffinement dilués dans la porcelaine de tasses de thés empoisonnés. C’est souverainement que le réalisateur met en scène ce tableau baroque diversifié en décors somptueux et costumes fastueux qui virevolte en travellings circulaires, se distend en plans anamorphosés dans une esthétique grandiloquente aux clairs-obscurs bariolés où sous les lumières des candélabres vacille une société décadente. Son trio de comédiennes rivalise de rage et ses pantins grimés de ridicule pour raviver l’éclat du cinéma historique, genre où la liste est longue de Griffith, Mankiewicz, Visconti…à Peter Greenaway pour que Yorgos Lanthimos y trouve une dérangeante place d’honneur.

Au Mexique, dans un élevage de taureaux la vie suit son cours au rythme de la nature, du dressage des animaux, les enfants se couvrent de la boue de l’étang, des adolescents cherchent l’amour avec lequel badine un couple libéré de toutes contraintes. Le temps s’étire, le mezcal coule, l’harmonie règne entre concerts, poésie et chevauchées, jusqu’à un plan séquence infini qui rompt l’équilibre des sentiments et le cours du quotidien. L’emprise de la jalousie, la possessivité, l’expression du pouvoir par le sexe assorti de voyeurisme, le narcissisme pervers sont brisés par l’inéluctable libération d’une femme. C’est à travers la splendeur des images, l’immensité des paysages, les rapports entre les sons, les alternances pluvieuses et ensoleillées, les plans nocturnes, les lumières de brume, de troubles rêves hallucinatoires, un humour confus, la dualité de ses rôles d’acteur et réalisateur que Carlos Reygadas mêle la violence animale de mâles conquérants à la banalité des souffrances sentimentales humaines. Un cinquième film, nouvelle variation de la provocation, cette fois égocentrique mais toujours artistique.

L’affaire Viguier se résume à la subite disparition en février 2000 d’une mère de famille, l’accusation de son époux, les témoignages à charge de son amant, l’absence totale de preuves, l’acquittement par la Cour d’Assises avant l’Appel du Parquet impliquant un nouveau procès. Aucun enjeu puisque les verdicts ont été successivement rendus en 2009 et 2010, hors le cheminement vers une vérité portée par l’instruction policière ou les plaidoiries judiciaires. Pour accompagner cette quête, le réalisateur a introduit un personnage semi fictif porteur du doute sous toutes ses formes face à la rigueur d’un avocat et c’est ce traitement qui donne toute sa force et son efficacité au film. Marina Foïs investie d’une folie passionnelle outrepasse la défense d’Olivier Gourmet double d’Eric Dupont-Moretti, révélant par son acharnement aveugle la fragilité même de la présomption d’innocence. 9 ans de préparation au plus près du réel pour clarifier par une fiction argumentée notre système judiciaire, oublier les séries ou productions américaines et leurs diverses tractations et savoir différencier nos cultures entre « doute raisonnable » et « intime conviction ».

Protecteur, attentif et responsable ce père parfait qui découvre avec stupeur l’addiction à la drogue de son fils adolescent et s’engage à l’en sortir, sauf que ni son amour inconditionnel, ni les moyens divers et successifs de désintoxication n’en viennent à bout, faute à la banalisation précoce du cannabis, de la coke, de l’extasy …en milieu scolaire, à l’exemplarité obsolète de cellules familiales, à la composition chimique spécifique de la méthamphétamine, à l’angoisse existentielle propre à tout être en devenir ? Compenser le vide intérieur ressenti ne peut aboutir qu’à perpétuer la réponse positive obtenue alors, quand s’y ajoute le mécanisme propre à la dépendance plus rien n’y fait, hors le parcours mélodramatique de la souffrance partagée. Le talent de Felix Van Groeningen et de ses acteurs Steve Carell et Timothée Chalamet est de nous faire admettre et jusqu’à partager la violence imposée et le choix d’une issue par le seul rejet. Faire le deuil d’un enfant vivant au même titre que s’il était mort, au risque de l’abandonner à cette issue et de s’en culpabiliser sa vie durant répond frontalement à la terreur imposée aux proches. Si le réalisateur a quitté sa Belgique d’Alabama Monroe, il a gardé l’acuité de son regard sur les souffrances familiales et sa distanciation pour les traiter sur une bande son époustouflante et faire se rejoindre cinémas américain et européen en lutte commune. Beautiful Boy : A Father’s journey through his son addiction -David Sheff- 2009 + Tweak : Growing up on methamphetamines - Nic Sheff- 2009.

A Buenos Aires un galeriste cynique et son vieux peintre aigri illustrent par leurs relations agitées et passionnelles les luttes ente l’art et la spéculation, opposant la vacuité à l’authenticité de la création contemporaine. Une succession de situations improbables, de rebondissements émouvants, de complicité inattendue dessine un tableau aux seules couleurs de l’amitié auxquels l’esthétique raffinée des décors et paysages, le talent exceptionnel du duo d’acteurs et l’humour du réalisateur apportent la touche finale à ce « coup de maître ».

Persuadée de vivre son dernier jour, la chatelaine du village organise un vide grenier pour se débarrasser au plus vite des réminiscences d’un passé qui lui échappe. Présent et réalité se décomposent en moments d’absence, les objets accumulés depuis des générations ranimant les souvenirs d’où surgissent les êtres aimés, disparus ou rejetés, réapparaissent les bonnes et mauvaises décisions, jaillissent les drames mêlés aux joies. Le retour d’une fille mal rangée dans cet improbable fouillis complique le désordre des sentiments d’une collectionneuse égarée dans l’oubli. Du Texas à l’Oise, l’adaptation a traversé les mers pour offrir au film sa valeur fragile de conte enchanté par Catherine Deneuve. Le dernier vide grenier de Faith Bass Darling - Lynda Rutlege - Actes Sud -2012 - Babel Poche 2014

Le vol d’un flacon de parfum à l’envoûtement contagieux fait revenir le détective cartoonesque du manga culte de Tsukasa Hôjô, adulé par les habitués du Club Dorothée. 144 épisodes, 37 numéros de BD sont transposés pour leurs fans aujourd’hui trentenaires, qui retrouveront leur héros déjanté obsédé sexuel à la gâchette facile et son assistante au marteau agile dans une adaptation fidèle à la liberté débridée de l’époque au rythme endiablé d’une succession de situations burlesques, tous degrés d’humour superposés pour raviver une nostalgie jubilatoire ou repousser les grincheux.

Une épave d’avion et un survivant, un crash d’hélicoptère et une survivante pour un duo de naufragés échoués dans le cercle polaire arctique, et si le premier est valeureux la seconde est comateuse ce qui transforme le manuel de survie en conditions extrêmes en guide d’héroïsme. Un parcours minimaliste et mutique contre le froid, le relief, les ours, le blizzard, les crevasses et le désespoir que l’anorak rouge de Mads Mikkelsen illumine de sa seule générosité.

Ils se sont perdus de vue ce collégien et sa voisine provinciaux exilés dans la capitale et leur rencontre dix ans plus tard va nous révéler, à travers leurs différences, celles de la Corée du Sud entre la modernité revendiquée et l’authenticité du traditionalisme. Et autant elle papillonne brillamment fragile et légère entre ses rêves et mensonges jusqu’à s’y perdre, autant il semble passif face aux événements qu’il parviendra à dominer. La subtilité du réalisateur procède des non-dits traduits en plans séquences ou plans fixes rythmant l’évolution des sentiments d’un amoureux transi et d’un amant pervers, du lien qui les unira dans un même embrasement final. La beauté des images jaillit d’une danse libératoire du passé sur les notes de Miles Davis, de la folie destructrice d’actes gratuits illuminant une campagne morne, strophes visuelles d’une poésie reflétant les tourments sentimentaux et dénonçant les profonds déséquilibres de la société. Un troisième film (après Secret Sunshine & Poetry) où les temps se diluent dans une ambigüité raffinée.

C’est la guerre à l’Est de l’Ukraine et chacun le nie pour en profiter à son avantage mais aux dépends de tous acteurs, faux civils d’une équipe de cinéma, vraies victimes de la corruption dans la survie quotidienne, prédateurs armés de tous bords. Difficile de s’y retrouver dans une succession de saynètes reflétant le désordre ambiant en nous incluant, pire pour ceux qui le vivent évidemment…

A Oakland, un jeune vendeur d’une société de télémarketing se prend successivement au jeu de la réussite et du profit, champion toutes catégories de l’efficacité commerciale, il agit et s’agite tel un pantin, proie surexcitée d’un capitalisme dévorant successivement son identité, ses amitiés, son amour jusqu’à son humanité. Aucun répit à son ascension sociale qui répond aux délires du système, à l’emprise de l’establishment blanc et les dénonce en un tourbillon burlesque et généreux auquel participer à tout prix.

Fin prête pour sa victoire à un concours de bodybuilding cette candidate entraînée, nourrie, dopée, déterminée, en lutte avec son anatomie surpuissante, sa peau luisante, sa sueur dégoulinante. Avec son vieux coach elle forme un duo d’excellence engagé dans le désir forcené de réussite, dominé par une fusion de violence entre corps et mental, compétition passionnelle soudainement remise en cause par la seule fragilité d’un enfant. Un combat intime féminin et/ou maternel, exercice entrepris par une réalisatrice sous les caresses de sa caméra, dans des décors éphémères plastifiés contrecarrés par l’esthétique sculpturale des scènes, les lumières des paillettes et les contrepoints musicaux, authentifié par le choix de la culturiste Julia Fory et l’expérience de Peter Mullan réunis pour dépasser les apparences d’un premier film musclé.

Une ensorcelante étudiante aux Beaux-Arts d’une ville provinciale a décidé seule et surtout contre lui, de retrouver un artiste réfugié dans la solitude d’un manoir en ruines. Par sa rencontre forcée elle va jalonner le parcours d’un misanthrope pour oublier un passé de cœurs brisés, construire un présent d’amitiés et rêver d’un futur partagé. Offert sur un écran carré, le film s’échappe du cadre par son ironie et sa poésie enchantées par la force fragile des frères Cantona, l’énergie volatile d’une fée réparatrice traversant cette fable légère et charmante. Après « 2 automnes 3 hivers », « Marie et les naufragés » et ses voyages au Groenland, Sébastien Betbeder prolonge ses contes pour nous ravir.

Le parcours à travers Paris de jeunes provinciaux, ex-amoureux, venus vivre et partager leurs passions de cinéma, musique, sciences au travers de leurs rencontres sentimentales, espoirs et peurs engendrés par la fragilité des premières fois comme celui de ce film choral initiatique, tendre et ingénu aux résonances rohmériennes.

A la mort de son père, un homme revient dans la ville de sa jeunesse en quête d’une femme aimée, fantôme allant et venant ici et là sous diverses allures, d’une voie ferrée aux ruines d’une mine désaffectée, grottes ou tunnels parcourus entre passé suspendu et recomposé, illusion et imaginaire. Faux souvenirs de mémoire et fantasmes du réel s’entrelacent d’une dimension à l’autre de l’image, la 3D d’un improbable plan séquence unissant l’errance labyrinthique d’âmes égarées à la poésie créatrice d’une chimère. Après « Kaili Blues », ce nouveau rêve de Bi Gan lie l’éphémère à l’éternité du cinéma

La réunion annuelle estivale dans la demeure familiale dévoile les failles de chacun de ses membres, partenaires et employés inclus, trois générations marivaudant entre fiction, onirisme et réalité dans un chaos hystérique doublement orchestré par Valeria Bruni-Tedeschi. La douleur des ruptures, des deuils, des ratages, l’indifférence aux et des autres toutes classes sociales confondues, la solitude pour surmonter les problèmes se succèdent de situations cocasses en évocations cyniques, sur un rythme trépidant qu’un dernier plan distancie pour rejoindre le seul mystère de l’existence. Après « Il est plus facile pour un chameau » et « Un château en Italie » la réalisatrice poursuit sa quête dans les entrelacs de son énergie narcissique.

Une jeune fille solitaire découvre l’amitié auprès d’une petite bande de skateboardeuses, avec sa planche elle traverse banlieues et métros pour accéder aux rues de New York, les rejoindre et, toutes origines, milieux sociaux ou sexuels confondus, rouler en quête d’une même liberté, celle de l’adolescence qui virevolte entre mouvements des corps et des cœurs. Crystal Moselle prolonge par la fiction son court-métrage documentaire dédié au collectif Skate Kitchen mettant en valeur l’énergie généreuse de leur jeunesse.

Attablé au fond d’un bistrot lui servant de bureau un homme inscrit sur un registre les vœux de ses clients et les épreuves qu’il leur impose pour leur issue, annotant scrupuleusement les souhaits et obligations, authentiques reconnaissances de dettes conquises contre les maux et la morale, les rêves et leurs contraintes cauchemardesques. Ils seront dix à défiler, allant et revenant au fil du respect des contrats engagés avec ce comptable pervers ou ce conteur diabolique qui tel « Le Joueur de flûte » de notre enfance entraîne sa cohorte d’âmes humaines.

Années 60 dans l’Amérique de la ségrégation raciale un pianiste de renom afro-américain part en tournée à travers son pays accompagné d’un videur/chauffeur blanc au chômage. La traversée Nord/Sud agitée permet d’aborder la thématique des communautés noire ou italienne, révélant d’étape en étape les préjugés ancrés dans chacune des cultures, leurs divergences traditionnelles s’estompant par la prise de conscience de leur seule humanité à travers l’amitié. Le guide des hôtels autorisés se fait manuel du respect des droits civiques façon mafieuse par le serviteur musclé d’un souverain solitaire, toutes différences et intolérances sociales et sexuelles confondues pour dépasser, par l’humour et l’émotion, les clichés et leur simple affrontement binaire à travers ce biopic toujours d’actualité. Peter Farelly sans son frère et leur complicité burlesque offre à Viggo Mortensen et Mahershata Ali un duo rayonnant d’altérité.

Un vieil horticulteur primé avant d’être ruiné se laisse alpaguer pour devenir convoyeur de drogue d’un cartel mexicain, de course en course il répare le passé, reconstruit le présent et investit l’avenir. Mais les voyages ne forment pas la vieillesse et toute floraison tardive est fragile comme ce film aux accents mélancoliques et bien-pensants. Derrière et devant la caméra Clint Eastwood s’amuse comme un jeune homme de 90 ans alors profitons-en tant qu’il en est encore temps.

Une mère un peu oublieuse de son fils aujourd’hui à la dérive s’investit dans un voyage vers leurs racines à travers le Kirghizistan pour une improbable chevauchée vers une double reconnaissance. Il parle à l’oreille des chevaux mais hurle sa violence, elle rédige ses espoirs mais cache ses regrets, leur rejet et manques résonnent des steppes aux montagnes entre hennissements et galops pour rétablir leurs liens perdus. Pour à son tour répondre au souffle littéraire des mots de l’écrivain, le réalisateur investit ses images à la fois de la force de la nature par l’aridité des décors et de la violence des sentiments par un mutisme douloureux dont se libérer par l’écoute de l’autre. Continuer - Laurent Mauvignier - Les Editions de Minuit - 2016 -

Starr ainsi prénommée par son père pour illuminer une existence dédoublée entre le ghetto noir où elle vit et le lycée où elle étudie parmi les blancs, est confrontée à une trop banale bavure policière. Sollicitée pour témoigner ou se taire, elle devra assumer ce choix pour briser le cycle de la haine raciale, culturellement entretenue et subie par l’ensemble de la société américaine. Le réalisateur met en images les mots de la romancière Angie Thomas, illustrant avec l’énergie de ses acteurs culture rap et préjugés raciaux, violences des trafiquants et espoirs familiaux, émois amoureux et espoirs sociaux, générosité de discours et atavisme inégalitaire entre voix off et brusques ruptures de ton, pour conforter grâce au cinéma la lutte toujours indispensable contre l’intolérance. Donc à voir et à lire. La haine qu’on vous donne - Angie Thomas - Editions Nathan - 2018 .

Au Sénégal un gamin fait l’école buissonnière et traverse le pays pour faire dédicacer son livre préféré par un acteur venu de Paris pour Dakar à cet effet. Une improbable rencontre évoluant en voyage initiatique inversé, traversée d’une Afrique aussi poussiéreuse que joyeuse et fallacieuse, anecdotique que touristique au fil de la quête d’un bounty vers ses racines culturelles.

Plongés en immersion immédiate dans les couloirs de l’hôpital où exerce un pneumologue, nous le suivons au rythme des arrivées, départs, examens, analyses, diagnostics, soins de chaque malade, d’un couloir à une chambre, d’un service à un autre. Un rythme effréné et une attitude pragmatique que l’admission de sa mère pour une rechute de cancer va briser au profit de l’intime. Ce qui est d’ailleurs le propre de ce film familialement autobiographique qui s’inscrit dans une lignée de succès commerciaux hippocratiques frôlant l’allergie avant l’overdose des traitements sur grands ou petits écrans.

En 1975 la libération de l’Angola par le Portugal provoque des affrontements entre les factions indépendantistes FNLA, UNITA et MPLA, véritable chaos dans lequel le journaliste polonais Ryszard Kapuscinski va jouer un rôle déterminant en rencontrant parmi d’autres la combattante Carlotta et le Commandant Farrusco. Pour nous évoquer ces faits historiques, les réalisateurs ont eu recours à l’animation et ses techniques de motion capture, mêlées à des interviews de survivants et archives, nous intégrant et nous distanciant à la fois des événements, leur cruauté humaine d’exils en massacres et leurs implications politiques internationales. « Confusao » qualificatif des trois semaines d’intervention de la CIA, de l’Afrique du Sud et de Cuba suivies de 17 années de guerre civile. Lanceur d’alerte interventionniste au nom de la déontologie de l’information et ses responsabilités, l’héroïsme de ce journaliste est honoré par ce docu/animation exceptionnel. D’une guerre à l’autre/ Angola 1975 - Ryszard Kapuscinski - 2011 - Flammarion.

Légende vivante du blues et du rock, le guitariste du groupe Cream fait rythmer ses souvenirs au fil d’archives musicales et personnelles résonant sur une B.0 de 32 titres de 50 ans de notes partagées avec BB King, Jimmy Hendrix, George Harrison, Bob Dylan… nous offrant les souffrances d’une vie chaotique dès l’enfance, 20 années d’addictions à la drogue et à l’alcool, les drames de l’âge adulte avant un apaisement rédempteur et une vieillesse heureuse.

Qui donc est Jean Lasalle député européen candidat à la présidence de la République sans moyens ni soutiens, sans programme ni parti, chanteur à L’Assemblée Nationale, gréviste de la faim, engagé dans un Tour de France à pied avec pour seuls atouts béret, baguette et bon sens. Le qualifier d’auteur d’art brut politique, de berger illuminé ou d’objet poétique n’explique en rien l’obtention de 500 parrainages, ni l’auto-proclamation de deux documentaristes en conseillers de campagne d’une grosse farce égalitaire.

La rencontre d’un éditeur et son auteur met en jeu les rapports entre fiction et création autant que les moyens de parution sur papier ou support numérique et les interférences de la vie conjugale, toutes liberté et modernité revendiquées par chacun des intellectuels parisiens du milieu littéraire. A chacun alors de se justifier, s’affronter entre non-dits et faux-semblants écrits ou vécus d’une société face à son évolution humaine, ses mutations techniques, dans un questionnement incessant, va et vient verbal de mots en images résonances des tweets et blogs de la révolution numérique, à l’ombre des dualités sentimentales gardant leurs secrets protégés en toute dérision par Guillaume Canet, malmenés par les rires de Juliette Binoche au grand dam de Vincent Macaigne. Du raffinement de langage d’un Sacha Guitry à l’humour francisé de Woody Allen, les mots fusent, les idées se superposent, l’écriture cinématographique dialogue au rythme des changements de plans, répliques égocentriques d’acteurs, dans le pur classicisme d’un film choral réjouissant.

En fuite dans Moscou enneigée cette jeune clandestine kirghize qui abandonne son nouveau-né à l’hôpital, tente de survivre d’un emploi précaire à un autre, sous les menaces de mafieux, de logeurs et policiers véreux, des rappels de son corps d’accouchée et appels d’instinct maternel. Une course effrénée au rythme d’une caméra subjective sous une grisaille glaciale, emportée par une détermination rageuse chassant toute émotion misérabiliste dans une dénonciation des conditions réservées aux migrants, ici ou ailleurs. Le réalisateur (par ailleurs documentariste et dix ans après « Tulpan »), filme un combat éperdu contre l’indifférence individualiste de nos sociétés, son actrice récompensée à l’unanimité par le Prix d’interprétation porte cette errance avec l’énergie du désespoir contre l’inhumanité ambiante.

Déterminée cette mère de famille accro à la manière forte pour aider son fils toxicomane, engagée dans un combat désespéré contre une addiction accidentelle devenue mortifère. Entre espoir et emprise, le Réveillon se transforme en nuit de lutte acharnée contre la drogue et les responsabilités diverses de l’environnement social (lâcheté généralisée, acceptation des institutions, banalisation policière) pour surpasser les clichés du sujet et la performance oscarisable de Julia Roberts.

« Le Palace… rassemble en ses murs des plaisirs ordinairement dispersés, la joie de la danse, le charme des rencontres possibles… tout un dispositif de sensations destiné à rendre les gens heureux, le temps d’une nuit. Le nouveau, c’est cette impression de synthèse, de totalité, de complexité d’être dans un lieu qui se suffit à lui-même. » C’est ainsi que Roland Barthes qualifiait cet ancien music-hall rénové sur le modèle du Studio 54 de New York où les soirées à thème, les défilés se succédaient dans l’utopie du mélange des classes sociales, des fortunes, des générations, tous artistes créateurs et leurs courtisans confondus dans la poudre blanche et les fards écarlates. Eva Ionesco évoque ces années flamboyantes et insouciantes à travers deux couples, masquant leur romantisme ou leur décadence en jeux érotiques, pouvoirs fanés portés par Isabelle Huppert et Melvil Poupaud, innocence perdue par Lukas Ionesco, libération gagnée par Galatéa Bellugi, ensemble égarés en un kaléidoscope sophistiqué de souvenirs. Après « My little Princess » et l’enfance, la réalisatrice poursuit sa nostalgique quête d’elle-même.

Une rencontre officielle entre le Pape François et Wim Wenders détermine un film tout ensemble portrait, biographie, message de transcendance entre Saint François d’Assise, la tradition jésuite et le présent catholique à partager avec tous, en privilégiant les plus pauvres et en tous lieux, écoute, parole et actions offertes à l’humanité dans un monde nouveau où perpétuer la force de la religion.

Comment expliquer l’accueil hostile des élèves surdoués de cette classe de 3ème d’un Institut privé élitiste envers leur nouveau prof ? le suicide du précédent ne justifie pas l’attitude d’une dizaine d’entre eux enfermés dans une complicité secrète et dangereuse, voire sectaire. Dépassant la pure révolte d’ados refusant la société au profit de choix écologistes, en proie à la peur de chaos présupposés terroristes ou environnementaux, leur violence se radicalise jusqu’à un extrémisme aussi dangereux que la négligence ou l’aveuglement des adultes qui les entourent. Les ellipses du scénario, les sons, l’irréalité de certaines situations, les hallucinations de Laurent Lafitte participent de cette atmosphère de rejet, d’intolérance et d’irresponsabilité partagés et subis, contaminant jusqu’aux spectateurs pour le meilleur de l’adaptation réussie de ce roman d’initiation. L’heure de la sortie – Christophe Duffosé – 2012 - Editions DENOËL –

Ni images, ni sexe pour un cameraman de télévision dont la grand-mère se meurt en même temps que disparait l’humanité d’un monde auquel il survit. Le parcours initiatique de ce loser égaré entre pluies hivernales et grisaille affective avant d’affronter la désertification d’un univers post-apocalyptique inexpliqué évolue insensiblement sous les lumières estivales vers un avenir sensoriel ouvert à la liberté. Cette renaissance d’un individu à travers son harmonie avec les animaux, la nature, l’amour échappe aux références écologiques au profit d’une sensibilité originelle illustrée par l’hyper-réalisme des images, incarnée par le mutisme d’un acteur talentueux et la force d’un rêve sur la condition humaine.

Des boucles blondes d’angelot et l’innocence d’un sourire enfantin offrent à un lycéen argentin les apparences d’une pureté dévoyée par le seul goût du jeu, celui du crime qui l’entoure en ces temps d’une dictature exerçant le mal pour le bien du peuple. Les faits sont réels et le tueur sociopathe emprisonné à vie, mais le réalisateur avec une égale perversité nous distancie de leur réalité, participe au déni de son héros, laisse irradier ses charmes, abuse de notre propre innocence pour affronter entre noirceur et lumière, élégance et sensualité, le mystère diabolique d’un ange exterminateur. Le duo des jeunes acteurs assure la relève du cinéma argentin.

Les portes d’une prison de femmes s’ouvrent et se refermeront le temps d’une peine, parenthèse à la fatalité sociale qu’une entraide éphémère peut apaiser. La compassion alterne avec le cynisme, les hurlements résonnent en appels à la tendresse inconnue, au fil d’une chronique interne miroir de la misère humaine et d’un face à face d’actrices exceptionnelles les Magnani et Massina à voir et revoir (en version restaurée).

En Afrique du Sud successivement les peuples ont revendiqué, lutté et obtenu leur liberté entre tribus locales, contre les colons puis l’apartheid avant l’obtention de l’égalité symbolisée par Nelson Mandela. Mais des siècles d’injustice ne peuvent être effacés sans aide mémorielle et en 1994 une commission de Vérité et Réconciliation est mise en place dans ce but avec à sa tête l’archevêque Desmond Tutu que le réalisateur va symboliquement faire affronter un porte-parole fictif des tortionnaires blancs. Forest Whitaker contre Eric Bana devient vite le champ-contrechamp d’acteurs de talent aux dépens d’une explication historique de la xénophobie et de ses conséquences. L’adaptation de l’œuvre théâtrale originelle de Michael Ashton The Archbishop and the Antichrist ne prend pas la dimension qu’un environnement social ou politique auraient pu lui conférer.

Des images de Mai 68 en cette année anniversaire du cinquantenaire des événements ont été montrées et diffusées, mais l’intérêt de ce documentaire réside à la fois dans leurs sources (ISKRA) et la classification analytique qu’en font Michel Andrieu et Jacques Kébadian (alors membres de l’ARC, des groupes Medvekine...) Du 3 mai au 15 juin les manifestations étudiantes parallèles à celles des ouvriers se rejoignent entre Nantes, Quimper, Flins et Sochaux et de la Sorbonne, l’Odéon aux usines Renault et Peugeot, entrecoupées d’affiches et discours, sur fond de chansons engagées, grenades et slogans pour illustrer l’apprentissage mondial (Berkeley, Prague…) d’une révolution possible contre les dérives du capitalisme.

Vendre son corps par nécessité et romantisme, double gageure pour le personnage du film autant que pour son réalisateur qui illustre dans sa fiction sans lyrisme déplacé ni naturalisme documentaire la vie de jeunes prostitués au Bois de Boulogne. Moments et fulgurance, compassion et violence s’entremêlent dans l’anonymat d’une errance de la douleur à l’espérance portés par le corps et incarnés par la quête d’amour d’un jeune acteur solaire à revoir après ses rôles dans « 120 battements par minute » et « Un couteau dans le cœur ».

Il n’a que 17 ans cet ado marseillais qui fuit le foyer pénitentiaire, est fui par sa mère et sans repères joue avec ses propres valeurs pour vivre son amour. En immersion totale dans le milieu de la prostitution des mineurs, le film inspiré d’un fait divers récent est une authentique « Education sentimentale » contemporaine, hors pseudo poésie réaliste des banlieues, juste un cri vers le bonheur possible, à construire en toute responsabilité. Une rédemption née des premières images d’archives où débarquent ceux qui ne portaient pas le nom de migrants mais dont les générations suivantes dans leurs barres d’immeubles perdirent leurs racines au fil de « glorieuses » qui chantaient le seul profit, la libération des corps et leurs revenus faciles. Le talent du réalisateur éclate dans cette évolution très structurée d’une vérité sentimentale, force passionnelle incontrôlable face à une société dénuée de solidarité, traduite par l’énergie de ses images et de ses acteurs non professionnels, échappant à tout voyeurisme mélodramatique au profit de la force pure de la tragédie. Un premier long-métrage coup de poing et de cœur.

Le meurtre d’une romancière américaine sur un îlot turc pose des problèmes à l’inspecteur stambouliote chargé de l’affaire, les recherches d’ADN s’emmêlent inextricablement aux traditions rurales, liens claniques, rejets communautaire surinvestis d’une improbable romance libératrice. Tout à la fois comédie aux images burlesques et drame identitaire, le film comme le pays va et vient entre ses genres pour les mêler au profit de tous.

En équilibre cette rencontre imprévue entre un policier fatigué et un jeune escroc menacés d’une même chute sur les toits de Paris, mais des vertiges de l’amour à ceux de la solitude, la comédie résiste à l’attrait du vide par son énergie, ses dialogues, le charme de ses personnages, son sens poétique et le talent de ses acteurs. Une première fantaisie aérienne et enjouée à laquelle donner suite.

Mark Hogancamp traumatisé par une agression néo-nazie s’est réfugié à Marwencol monde chimérique de pseudo poupées Barbie agissant avec un Ken héros de la seconde guerre mondiale pour le sauver des angoisses du monde extérieur. L’imaginaire d’une fantaisie pour moitié jouée ou plastiquement reconstituée permet au réalisateur de Forrest Gun en renouant avec les techniques de l’animation, de dénoncer la violence extrême de la société américaine, de valoriser le rôle des femmes, de rendre un hommage décalé à la résilience de l’authentique victime.

Un coup de foudre partagé, la pureté et l’intensité de premières amours fusionnelles dérivent en écho de l’imaginaire, entre mémoire et oubli d’Osaka à Tokyo. De la disparition de l’être aimé à la rencontre de son sosie, l’irréalité d’une passion de jeunesse évolue vers une douce tendresse quotidienne et ses valeurs adultes. Un cheminement poétique et sinueux, délicates variations « rohmériennes » qui font rimer destin avec chagrin.

Le centre artistique de Checkford, situé dans l’ancienne usine à pain d’une petite ville imaginaire de l’Etat de New York, ouvert depuis plus de quarante ans est soudainement mis en péril par l’ouverture d’un lieu concurrent plus commercial et superficiel au grand dam de ses fondatrices heurtées par cette modernité de pacotille, trompeuse et débilitante. Leur lutte contre la corruption locale, la disparition des connaissances théâtrales et musicales, la perte des valeurs humaines, le non-respect du goût intellectuel et jusqu’à gustatif du public participe d’une véritable épopée naturaliste au nom de la création indépendante contre l’économie capitaliste. En deux parties complémentaires et différentes dans leur narration, Patrick Wang ouvre notre regard avec l’énergie joyeuse du désespoir à cet état du monde d’aujourd’hui qui n’a rien d’irrémédiable, preuve en est le propos et l’humanisme de ses films.