Le « maalem » est un art ancestral de confection de caftans que pratiquent dans la médina de Salé un couple et leur apprenti vendant et festonnant de chatoyantes tenues de fêtes, le cinéma en est un autre que la réalisatrice brode avec une même perfection à travers les images et plans d’un film dédié aux lumières de sentiments subtilement incarnés par son trio d’acteurs. Le toucher d’un tissu dans un atelier, celui d’une peau dans un hammam et le parfum d’une mandarine lient chaque goût à sa jouissance, l’esthétisme d’un vêtement et la volupté des corps unis dans l’amour décliné entre beauté, tendresse et plaisirs. Ils sont trois à savoir gorger leur vie de paix, d’espoir et de sensualité qu’ils nous offrent dans l’émotion d’une danse partagée par un jeu d’épaules, dans l’écoute de leurs silences, dans le respect de leurs différences et par leur force intime ignorant les préjugés pour dépasser leurs peurs de la mort et nous envoûter des couleurs de la vie.

Naïade radieuse et gentil fils à papa en vacances corses ces étudiants promis à de brillantes fonctions d’énarques voient leur avenir déstabilisé par un acte inopiné d’auto-défense. Les prémisses d’une comédie romantique, d’un mélodrame criminel, d’une relation paternelle fragile s’immiscent subtilement dans une analyse médiatico-tactique au discours idéologique brillamment porté par des femmes au détriment de lâchetés sociales traditionnelles dans les entreprises, trahisons et pièges capitalistes récurrents. Une authentique gageure que de bâtir un monde plus juste par ses engagements sentimentaux, familiaux et politiques, un pari tout aussi risqué que de transcrire hors démonstration militante cette ambition sociologique en narration, situations et images. Le réalisateur y parvient avec efficacité ses acteurs y contribuent dans un même élan talentueux. De grandes espérances - Charles Dickens 1860 / Livre de Poche 1998.

Un manoir enveloppé de brumes cache ses fantômes pour nous égarer dans les souvenirs d’enfance d’une mère vieillissante et les affres d’écriture de sa fille scénariste, mots partagés ou occultés par leur mémoire, les secrets de la transmission, leurs pouvoirs psychologiques et les douleurs du deuil. Un parcours relationnel d’emprise maternelle mis en lumières nocturnes entre décors gothiques, ombres spectrales, ruptures de plans et silences immersifs d’un face à face mélancolique, reflet miroir d’un espace-temps introspectif fugace et envoûtant, doublement incarné dans sa pérennité affective filiale par une Tilda Swinton cathartique.

Réparer un corps auto-détruit, un esprit auto-satisfait par un combat entre physique et mental tel fut le défi pratiqué et rédigé par Sylvain Tesson à la suite d’une chute alcoolisée. Une expiation caillouteuse sur la route de la repentance traitée en double road-movie intérieur et extérieur entre paysages des Alpes et du Massif Central jusqu’à la Manche, sommets, vallées et plaines traversées dans leur naturalité pour échapper à la dualité même de l’écriture entre mots et images. Des chemins noirs « diagonale du vide » pour l’écrivain, une route magnifiée pour le réalisateur et colorée pour son acteur investi dans sa découverte de la nature, de ses habitants de rendez-vous en rencontres amicales, aventure illuminée par cette distanciation réussie offrant à tous l’évasion rêvée depuis le fauteuil d’une salle obscure. Sur les chemins noirs - Sylvain Tesson - 2016 Gallimard /Poche 2019.

Conditionnée à retrouver ce père adulé dont elle est soudainement séparée, déterminée à le réhabiliter envers et contre tous juges, éducateurs, mère, compagnes de foyer d’accueil cette gamine d’une douzaine d’années s’insurge bec et ongles cramoisis de maquillage et vernis, regard surmaquillé et corps déguisé par son géniteur pédophile. Pervertie par son emprise il lui faudra du temps, de l’attention, de la tendresse pour rétablir les valeurs de l’enfance qui lui ont été volées, les jeunes réalisatrice et actrice les ont miraculeusement trouvées et pratiquées pour habiter ce récit avec pudeur, distanciant la violence subie en révolte rédemptrice. L’inceste traité avec une maîtrise engendrant la renaissance et l’espérance font de ce premier film une réussite émouvante.

La force de l’autoritarisme politique c’est sa forme d’invisibilité tant dans la persuasion que dans l’action pour instiller la peur et exercer la terreur, le film de Manuela Martelli emprunte ce schéma à travers le parcours d’une banale bourgeoise, une grand-mère innocente poussée par le hasard et son éducation sociale et religieuse bases naturelles de conscience humaine. Des vacances scolaires en résidence secondaire, l’appel d’un prêtre fragile, un réfugié blessé vont l’entraîner vers le silence des interdits, leur action, la complicité avant la culpabilité finale et triomphante de la dictature. Cette aïeule de la cinéaste, suicidée sans raison connue, soutient le mystère du scénario, illustre la puissance d’une mémoire étouffée, incarne la violence quotidienne exercée plus de trente ans durant et toujours infiltrée, porte cette innocence de femme transgressant le silence arbitraire d’un patriarcat abusif et d’une société soumise à tous les pouvoirs. Les images d’Océan déchaîné, de pauvreté rurale et de dominance de classes soutenues par une composition musicale forte et le jeu subtil de l’actrice principale accentuent cette résonance d’un passé à ne jamais oublier.

Les ruines d’un improbable palais enfoui dans la jungle colombienne hébergent un centre expérimental de rééducation de jeunes délinquants aux pulsions et émotions gérées entre travail forcé et thérapie régénératrice. Un parricide et son complice s’y retrouvent illustrant l’irréversibilité d’une violence machiste ancestrale transmise et régénérée par la drogue et les cartels. Par ses images le cinéaste unit la nature et l’homme en une même emprise maléfique, les fantômes du passé rejoignant le présent pour briser les rêves du futur

A l’ombre des arènes l’Atlantic Bar résonne des accents provençaux, fait chanter les joies méditerranéennes et noie les peines dans les parfums du pastis. C’est ici le lieu de vie d’une femme rieuse avec l’homme qu’elle a sauvé de la rue et qui la soutient aujourd’hui dans ses addictions aux hasards, aux fumées et à l’alcool derrière ce comptoir où glissent les verres et leurs perpétuels coups de misère. La réalisatrice nous fait trinquer avec leurs espoirs, dans la chaleur de leur tendresse et sous le soleil de leur authenticité, à distance de tout voyeurisme pour témoigner du quotidien humain et nous faire partager sa dignité.

La lande sauvage du Yorkshire balayée de romantisme, trois sœurs pour la traverser de leurs romans et un frère complice d’Emily ensemble révoltés et en mal de liberté de la pensée contre une société rurale aux mœurs bourgeoises étouffantes. Les doubles format et objectifs choisis, le décor des collines à la grisaille lumineuse, leurs pluies continuelles échos des orages sentimentaux, les mots cachés d’une langue enseignée et les interdits religieux libèrent l’imagination de la réalisatrice pour la détourner d’un classique biopic familial offrant un miroir passionnel à la brève existence de la romancière et un rôle exceptionnel à son actrice Emma Macney dans une fiction fiévreuse inspirée des « Hauts de Hurlevent ».

L’échec à son concours d’un étudiant en médecine lui fait choisir pour continuer ses études la branche passerelle de « sage-femme », pis-aller caché voire honteux jusqu’à sa découverte à travers sa supérieure du métier, des actes, des femmes et de la vie. Un parcours en blouses roses offrant une prise de conscience du monde hospitalier de ses manques de moyens et de personnel, de ses absurdités et générosités, heureux film démonstration porté par l’énergie talentueuse de Karin Viard et l’émotion du jeune Melvin Boomer (Le monde de demain/Joey Starr).

L’errance dans Bogota d’un ado structuré par la seule violence preuve du pouvoir viril, indispensable à la survie, exprime la masculinité triomphante associée à toute sexualité et support impératif d’une société sans autres repères. Face aux accueils impossibles d’une famille autant qu’au refuge d’un centre institutionnel ne reste -t’il que le recours à une bande/gang et ses normes meurtrières ? Une alternative que le cinéaste transgresse par l’authenticité de son propre parcours, intégrant ses souvenirs aux images des quartiers, ses doutes personnels aux normes du machisme, fiction et conditions réelles inversant le déterminisme officiel et culturel de domination en dénonciation de force pacifique portée par la véracité sobre et douloureuse d’acteurs amateurs.

La violence masculine endémique brise les espoirs d’une jeune danseuse, ravive les années noires de la violence terroriste, unit les corps à corps de combats traditionnels entre béliers à ceux existentiels envers soi-même pour porter les désirs de survie et liberté d’une Algérie ensoleillée par l’énergie des femmes de « Papicha » réalisatrice et actrices réunies dans la même générosité. Celle des sans-voix du passé, des sans-espoirs du présent toutes souffrances tues, criées, étouffées à dépasser de gestes en signes, de larmes rageuses en mots sourds et de plans lumineux en espoirs féminins.

Nan Goldin, témoin de sa vie et de son temps par ses créations artistiques et son action politique, se démultiplie entre souvenirs d’une sœur disparue et mémoire des années 70 sous le regard de la documentariste Laura Poitras. Entremêlant photographies et autobiographie elle illustre ensemble son parcours combatif, son œuvre originale et sa participation militante au mouvement PAIN contre les laboratoires Purdue Pharma/héritiers de la famille Sackler mécènes et collectionneurs d’art aujourd’hui pourvoyeurs d’OxyContin opiacé addictif aux overdoses mortelles. Un authentique roman-photo, triple témoignage des ravages du marketing médical aux USA, de ses bénéfices recyclés en sponsoring artistique et des mouvements justiciers réparateurs.

Le criminel récidiviste c’est François Ozon coupable film après film de nous rendre captifs de ses créations mêlant théâtre et cinéma, reconstitutions passéistes mêlant théâtre et cinéma, reconstitutions passéistes et modernité décalée, popularité sans vulgarité, burlesque et artifices au talent et à la flamboyance de ses acteurs. Faire succéder ce succès boulevardier des années 30 à l’hommage de Peter Von Kant, diriger avec la même maîtrise la pléiade de comédiens français virevoltant avec sérieux de numéros facétieux en prestations bouffonnes sur un discours contemporain d’égalité féminine et de consentement Me-too est un régal dont profiter sans délai. Mon crime - Georges Berr et Louis Verneuil- 1934

Les rêves bleus volés d’une adolescente font exploser la couleur électrique d’une rage partagée avec son père contre un divorce, leurs nouvelles relations induites, sa découverte des lâchetés adultes, de leur sexualité et de la sienne dans un univers de tendresse, poésie et brutalité entrecroisées sous l’œil d’un chat et la peur d’une petite sœur victimes d’une égale détresse. Un premier film subtil dénonçant cette transmission ambigüe de la violence aussi archaïque qu’ordinaire et universelle.

Une avocate accomplie, un couple heureux, des gamines joyeuses brisés par une décision de l’inconscient hors tout raisonnement, authentique manipulation corporelle dirigée par le cerveau imposée aux organes, sujet tabou relevant parallèlement de la justice autant que de l’intime quand la sidération prend le pas sur le ressenti et qu’aucune circonstance sentimentale, sociale, médicale n’en a été la cause. Les fantômes familiaux psychanalytiques, les savoirs scientifiques, les condamnations religieuses, les juridictions d’assises se heurteront aux mêmes aberrations mystérieuses de l’être humain à laquelle cette transposition sur grand écran du déni de grossesse donne une dimension de film dossier nécessaire pour contrer méconnaissance et intolérance. L’enfant que je n’attendais pas - Bruno Garcia - Caroline & Eric Du Potet - Alix Poisson, Bruno Solo - F2 - 8 mai 2019.

L’amour, ses rêves ou ses déceptions, le célibat, sa liberté ou sa solitude, les applis de rencontre ou les arrangements traditionnels ? un tourbillon de questions posées par une charmante documentariste anglaise filmant de flamboyantes réponses Bollywoodiennes de Londres à Lahore, aux couleurs d’humour british et d’exotisme pakistanais pour s’enchanter des faux contes de fées et découvrir le Prince charmant.

La double rupture subie par une femme après vingt ans d’amour et actrice que l’âge condamne tout autant aux yeux de son mari metteur en scène de théâtre est transcendée par la magie de la transformation, le dépassement même de la réalité par la métamorphose. Une intime et passionnelle traversée des miroirs, cœurs et corps entraînés par les sortilèges subtilement infligés par Julie Gayet au ténébreux Benjamin Biolay dans l’univers fantastique d’un premier film de genre à l’issue offerte à l’imaginaire.

Dans le silence de neiges helvétiques, un jeu de pistes espionnes, de traces sonores, d’une poursuite féminine entre deux agents doublées de paranoïa amoureuse et de trahison sentimentale au rythme suisse d’un règlement de comptes esthétique.

Les mots bleus de Christophe résonnent en images déstructurées sur leurs notes décomposées, superpositions de lumières et couleurs échos de ses compositions et vibrations de ses interprétations entre Gros Plans de visages, intimité, studios de répétitions, scènes de concerts... Temps et réalité s’entremêlent en un hommage où cinéma et musique se confondent en création artistique.

Trois générations d’un siècle à l’autre et d’une ferme provinciale à la région parisienne, d’une culture catholique et patriarcale à l’émancipation féministe. Des parcours de lutte pour échapper au foyer lieu symbole de toutes contingences matrimoniales, sexuelles, ménagères, prison franchie par les lois Neuwirth et Weil, désir d’équilibre par le choix d’un emploi, échappatoire du privé vers le public, l’autonomie pécuniaire, l’altérité, le collectif, l’épanouissement personnel. Ponctué des commentaires de l’historienne Michèle Perrot, ce regard illustré de photos et images super8 et secrets intimes est un exemple sincère de cette conquête d’égalité.

Amis à la vie à la mort ces deux garçons de 13 ans, voisins et collégiens dont le regard des autres va révéler une authenticité fragile et ses limites sociales. Copains depuis l’enfance ou plus à l’approche de l’adolescence ? Sensations nouvelles, puberté sexuelle et peurs inavouées vécues dans le silence, la culpabilité amicale, la douleur parentale. Rires et corps jaillissent de la lumière florale des saisons, esthétisme en images des premiers émois face aux normes sociétales assombries par la virilité sportive et sa violence compensatrice mélodramatique. Avec ce deuxième film après « Girl », le réalisateur renouvèle son questionnement sur la vulnérabilité de l’identité sexuelle.

Le quartier de tous les rêves, ceux de consolation radieuse dictée par la voyance, ceux d’un trésor volé à retrouver, ceux d’un quotidien de survie dans un système d’indifférence généralisée. Ramsès l’escroc empêtré dans ses arnaques se fait fantastiquement mage nocturne auprès d’une bande de gamins déracinés, l’ésotérisme se confondant à la réalité par les voies du chamanisme, les images heurtées de la nuit, les silences et souffles des émotions à dépasser pour au-delà et autrement dénoncer par l’invisible cette misère migratoire que l’on ne saurait voir. Entre Barbès et Saint-Denis, Clément Cogitore (après Ni le ciel ni la terre) a le don de nous provoquer par son regard décalé sur la violence de notre société et Karim Leklou de nous envoûter par la justesse de son jeu.

Le temps fane les fleurs topaze, égare une silhouette jaune sur le banc d’un square, illumine un ciel de ses feux d’artifices demi-souvenirs d’une mémoire en fuite et d’une autre oubliée l’une et l’autre partagées entre une mère et son fils. Des plans séquences successifs dans le clair-obscur des images s’enchevêtrent à cette troublante double quête pour mêler l’avenir à ce labyrinthe intemporel que le jeu subtil des acteurs distancie de la douleur inhérente à la maladie d’Alzheimer. A notre tour de ne pas oublier d’aller voir ce film ! N’oublie pas les fleurs - Genki Kawamura - Pocket /2022.

La construction d’un barrage entre soleil et eau se dédouble en élévation d’une tour qu’un ouvrier échappé du chantier bâtit entre sable et nuit, dressant la terre vers le ciel en un hommage ésotérique à la nature. Forces mutiques de l’univers contre paroles de violences militaires ou révolutionnaires s’égarent dans les hallucinations de jungle disparue sous le seul regard d’un chien témoin des errances humaines. Le réalisme d’un quotidien ouvrier s’élève vers le fantastique en un conte visuel mythologique dédié à la liberté humaine

La terre nourrit les récoltes et l’eau abreuve les fruits que les hommes cueillent, que les femmes trient dans une campagne espagnole régie par ses traditions et religion, sans autre issue pour la jeunesse que la fuite éperdue, à l’exemple des crues fluviales ravageuses mais porteuses d’espoir. La réalisatrice à travers la force d’une passion amoureuse naissante illustre les rôles sociétaux de pères et mères, dénonce le pouvoir imposé du patriarcat contre la liberté acceptée du matriarcat, délivrant dans l’envol des colombes aux plumes colorées les sortilèges mystiques pour combattre les réalités rurales. Fables et actualité, sorcières et machisme, croyances et premiers émois voguent entre interviews témoignages et images d’archives, émergent des mythes en fiction romancée, détournent les rives polluées de la nature en fiction libératrice adolescente pour nous charmer d’un premier film envoûtant.

Dix ans déjà qu’une lanceuse d’alerte tentait de dénoncer les dessous de tractations entre la Chine et EDF impliquant la concurrence industrielle contre AREVA et son démantèlement initié par le renvoi d’Anne Lauvergeon. Longtemps oubliée Maureen Kearney cette petite quinquagénaire syndicaliste CFDT défendant les employés tour à tour agressée, violentée, condamnée, disculpée mais brisée par la force des marionnettes économicopolitiques gérant une énergie nucléaire elle aussi malmenée. Mais en ces temps de réchauffement climatique et restrictions énergétiques, retour du film dossier dans une contre-enquête de fiction au casting aussi flamboyant qu’improbable mais permettant au cinéma de prendre le relais de l’émission radio de France Inter « Suspicion » puis de la mini-série documentaire récemment diffusée sur F3, pour à son tour lui rendre justice, décrypter les rapports aux pouvoirs, les tractations politico-industrielles, la misogynie ordinaire, son exercice généralisé (employeurs, enquêteurs de police, médecins, avocats, juges), en requalifiant ce tragique fait divers en affaire d’Etat. La syndicaliste - Caroline Michel-Aguirre - Editions Stock/2019. L’affaire Maureen Kearney - Nina Robert - F3 - 4 épisodes 8/09/2022.

Un tout petit village, son maire à la fois jeune institutrice et un vieil élève récemment endeuillé mais éternel illettré peuplent avec quelques poivrots sans bistrots, et commères sans boulangerie cette campagne bretonne désertifiée. Petits tracas et grands sentiments s’additionnent en sourires d’enfants et mots de Michel Blanc pour une sympathique comédie rurale et familiale.

Simon Panay documentariste familier des orpailleurs artisanaux du Bénin décide de suivre le parcours d’un gamin dans une mine du Burkina Faso, ses descentes dangereuses dans les galeries souterraines, ses sacs de cailloux brisés pour des gains aléatoires dans l’espoir de suivre une scolarité puis d’accéder au métier de soudeur. Deux années de tournage, regard mutique et rêve humaniste sur ces campagnes africaines brisées par le terrorisme djihadiste, de ces communautés familiales fragiles dans le seul but de les révéler pour que les choses soient connues, reconnues et au mieux évoluent.

Coup de foudre entre le gigolo d’une star vieillissante et une escort-girl d’opérette en décor affriolant d’une Côte d’Azur de comédie hollywoodienne scandée entre scénario boursoufflé de flash-back, trahisons répétitives, virtuosité accélérée, amoralité surjouée d’une mascarade aussi élégante qu’interminable.

Un écran mémoriel pour un train sans gare et un désert de western initient une passion illimitée pour le cinéma, son imaginaire et ses techniques, son inventivité de filmage, trucages, montage, ses effets scénaristiques, ses rythmes narratifs et sonores, ses jeux d’émotions et d’acteurs entre rires et larmes et couronnent les presque huit décades et quarante preuves d’amour du cinéma de Steven Spielberg. La précocité d’un engouement, sa constance enfantine et adolescente, sa virtuosité adulte s’incarnent ici de la première à l’ultime image dans le récit d’apprentissage habité par une mère extravagante, un père amoureux, un amant caché, des sœurs espiègles, des comparses harceleurs, des modèles hollywoodiens...Si caméra super8, pellicule, objectifs et projecteurs diffusent une exaltation technique c’est son association au regard porté sur les situations et les personnages qui déterminent la lucidité créatrice, lui procurent sa responsabilité d’auteur, sa légitimité artistique et sa valeur humaine propre. Origines culturelles, fragilités parentales, antisémitisme primaire, vocation irrépressible interfèrent alors dans cette flamboyante initiation offerte par et pour le 7ème art.

A Sarajevo, une agence de speed-dating propose à ses candidats un accès au bonheur au fil de rencontres rigoureuses qui vont insensiblement révéler les fossés culturels, ethniques, religieux, les cicatrices indélébiles des conflits nationalistes dont nul anonymat vestimentaire ni questionnaire décalé ne sauraient occulter la violence inaltérable. C’est avec talent et sensibilité que, dans une unité de lieu et de temps la réalisatrice (Dieu existe son nom est Petrunya) expose face à face victimes et bourreaux, innocents et oublieux entre comique et tragique, haine et amour d’hommes et femmes unis et désunis par des guerres fratricides les ignorant au nom d’éternelles idéologies celles des peuples Balkans il y a trente ans comme d’autres hier et aujourd’hui en Ukraine

Révoltée cette ado de quinze ans contre son corps et une grossesse déniée avec l’aide irresponsable d’une mère modèle. Assignée à résidence dans un centre maternel en fuite éperdue sur ses rollers il lui faudra grandir, dépasser des schémas sociétaux répétitifs, apprendre à partager jusqu’à aimer l’autre en lui procurant la vie qu’elle n’a pas eue mais qu’elle lui offre. Abordant frontalement ce sujet « filles-mères » ce premier film engagé échappe au mélo par l’énergie de son réalisme, l’authenticité de son écriture, un rythme d’images trépidantes en écho aux vibrations musicales de Superpoze pour porter avec ses actrices une réflexion lucide.

Le retour dans sa province natale d’un écrivain renommé coïncide avec la rencontre fortuite du fils de son premier amour d’autant plus inoubliable qu’impossible à révéler. Les interdits de la société provinciale, fondements d’un vécu, explosent de flash-back adolescents en mal-être adulte jusqu’au dépassement de soi-même certes cousu de fil bleu mais très fidèlement adapté, mis en scène et interprété avec une même justesse pour libérer le passé de l’un et le présent de l’autre. Arrête avec tes mensonges – Philippe Besson – Julliard- 2017

Il court sur les toits de Téhéran ce presque trentenaire en équilibre instable entre le deuil d’un monde perdu et le présent excitant de la drogue, tel cet oiseau nocturne croisé au fil d’un conte persan porteur de la pérennité d’augures culturels et des valeurs immuables de la fraternité. Quant à la récompense suprême attribuée par le jury du Festival de Marrakech, sans doute rend-elle hommage au contexte politique actuel en l’associant à cette fable ogresse de la jeunesse iranienne.

La force malfaisante d’une passion non partagée traverse l’histoire d’amour d’une sorcière aux cheveux verts dont l’emprise toxique ne demeure qu’esthétique et musicale, Ni le rap et ni les cadres fluos ne suffisent à donner corps au faux duo d’actrices marionnettes de ce premier long métrage.

...ou plutôt son regard sur ce musicien dont elle s’enticha pour le meilleur et pour le pire dans un absolu romantico-hystérique dont s’empare à son tour le cinéaste pour dépeindre la société russe d’une fin de siècle décadente. De Moscou à Saint Petersbourg entre marchandages, vaine attente sexuelle, cruelles compensations, misogynie patriarcale et homosexualité occultée s’embrasent dans un même déni masqué en plans séquences ténébreux, cadrages picturaux, contre-plongées nocturnes reflets d’une mélancolie exacerbée et délires jaillis de chorégraphies érotiques unissant toutes les frustrations. Une symphonie d’images aux rythmes rigoureux menant à l’embrasement dévastateur de la folie celle d’une femme incarnée avec justesse par l’actrice Alyona Mikhailova ou celle du monde en résonance de l’actualité politique à savoir séparer de sa valeur artistique pour continuer d’admirer Kirill Serebrennikov.

Sens de la famille, responsabilité de garde alternée et quotidien modeste c’est avec ces problématiques qu’un ivoirien parisien se bat au jour le jour face à l’indifférence de ses sœurs, au regard de son ex-compagne aide-sociale et à l’aide douteuse d’anciens compagnons de prison. La misère de l’immigration, l’oubli de la fraternité, l’emprise carcérale, la violence de la corruption, la banalité du racisme sont portés ensemble entre héros (associations caritatives) et criminels (marchands de sommeil) au fil des situations d’un récit social et politique qui évite le pathos pour dénoncer une réalité partagée autant qu’occultée. Un premier film tout à la fois tragédie intime, drame sociétal et thriller engagé multipliant par sa triple puissance les émotions, réactions et réflexions pour une prise de conscience nécessaire.

Le héros californien de Raymond Chandler devenu irlandais par cousinage de romanciers poursuit les fantômes d’Humprey Bogart et Robert Mitchum à travers les studios hollywoodiens et leurs flamboyantes blondes fatales. Une reconstitution aux résonances sonores et luxuriance élégante des années 30 qui couronne le 100ème film de Liam Neeson. La blonde aux yeux noirs – John Banville – Ed 10/18 – 2015.

L’expropriation des habitants pour la construction d’une autoroute se fait entre les menaces, corruptions voire assassinats des récalcitrants. Parmi eux Domingo fermier partageant sa solitude entre sa vache, le litre de rhum négocié à un voisin et le fantôme de son épouse, en torsades raffinées de brume blanche. Violences contre violences, celles d’un passé transfiguré par une revenante et d’un présent socio-politique armé qui se lient au fantastique culturel latino-américain, s’égarant dans l’élégance de volutes rougeoyantes pour nous entraîner dans leurs mystères.

Une variation de regards entre images et mots, expressions du ressenti émotionnel d’une romancière, d’une jeune actrice, d’un vieux poète, d’un étudiant ensemble liés par les hasards d’une quête artistico-identitaire fantasmée. La saturation du Noir&Blanc illumine les chapitres successifs du « documentaire » au mystérieux épilogue coloré par le charme enivrant du cinéaste.

Du fond d’un chapeau noir jaillit l’adaptation d’une œuvre théâtrale et de ses sorcelleries surgit une sarabande d’acteurs ni chanteurs ni danseurs enfumés dans les volutes d’une fantaisie aux tours de magie désenchantés. La grande magia - Eduardo De Filippo /Théâtre de la Ville 7déc/8janv 2023/ Emmanuel Demarcy-Mota

Au plus profond de la province de Gansu le mariage arrangé de deux êtres maltraités fait s’épanouir toute l’humanité dont l’indignité de leur entourage les a privés. C’est le temps des semailles qu’ils vont accomplir avec leur âne et leur volonté conjointe en toute humilité à l’écoute des braiements de l’animal, des pluies sur les sillons, des faiblesses de leurs corps, du devenir de leur quotidien, jusqu’à la moisson et vente de leurs récoltes de blé et maïs. Une fleur de graines incrustée sur un poignet, un nid d’hirondelles sauvé, des briques de terre et meules de paille élevées en foyer illustrent cette subtile chronique rurale contemporaine .Et c’est avec la même simplicité d’écriture, de mise en scène, d’images lumineuses, de longs plans fixes associés au temps, de couleurs et de cadrages liés aux regards que le cinéaste et ses acteurs nous font partager dans un silence lénifiant la valeur de leurs sentiments, leur dignité humaine dans l’immatérialité du bonheur absolu. Ce sixième film (mais premier à être distribué en France) dénonçant l’idéologie oppressive et le consumérisme à outrance a été successivement censuré par une modification de sa fin pour une présentation politiquement positive à la Berlinale, avant une sortie chinoise en salles dont le succès a radicalement déclenché son interdiction totale. * Bravons donc les diktats pour célébrer la beauté en toute liberté !

Deux gamins algériens, une enfance brisée par les choix parentaux paternel de préférence et maternel d’émigration vers la France, des parcours de vie entre petite délinquance ou rectitude militaire, des destins réglés par le hasard et le partage familial, moral et religieux du sens universel de l’honneur. A la cadence d’un duel fraternel, d’une permission romantique et d’une fresque tricolore cadrées par des acteurs médaillés cette marche mémorielle rend un hommage intime et subtil à un authentique fait divers Saint Cyrien.

Perché dans ses chimères ce paysagiste porteur d’un projet de jardin urbain dans un quartier de Marseille, et dont l’utopie généreuse et obsessionnelle sera tranchée par les réalités sociales, pouvoirs politiques, contradictions économiques. C’est au travers des espaces, de la végétalisation, des coupes d’arbres et de leur repousse que frondaisons et racines illustrent le parcours personnel de ce Robin des Bois face aux rouages d’une corruption traditionnelle adaptable aux situations pour en tirer profit au détriment de tout idéalisme. Une croisade socio-écologique illuminée par l’humanité rêveuse d’un toujours exceptionnel Swann Arlaud.

Août 1955 dans une petite ville du Mississipi pour une poignée de bonbons et un compliment à une épicière blanche un gamin de 14 ans sera lynché, tué, noyé et ses assassins disculpés. Les crimes ségrégationnistes ont eu leurs martyrs tout comme leurs héros, la mère de cet ado joyeux sera des leurs en participant activement au combat de reconnaissance des droits civiques qui perdure indéfiniment, la loi condamnant le lynchage et portant son nom n’ayant été promulguée que cet été 2022 soit 67 ans plus tard. Une reconstitution réaliste en technicolor et musiques d’époque, des acteurs talentueux pour un rappel indispensable en ces temps où les suprémacistes blancs n’ont pas renoncé à leur idéologie répugnante.

La violence des traditions rurales païennes et religieuses rôde tels les chiens d’un village où l’animalité humaine dévore impunément, hommes et femmes confondus, tout sentiment de justice et de respect de l’autre. L’innocence fragile du simplet martyr culturel se perpétue sous la puissance nouvelle du vent dans les éoliennes, beauté naturelle et bonté individuelle détruites à égalité. Une dramaturgie portée par la sérénité des images au rythme de la narration et le talent des acteurs.

La semaine d’une gamine en vacances turques avec son père et un camescope témoin de ces jours de complicité vécus il y a vingt ans dans une angoisse existentielle paternelle et de premiers émois sensuels. Souvenirs de crème solaire et baignades, de billards et de bière, de karaoké et vidéo-moto, de mouvements tai-chi et tapis coloré, d’envols rêvés en parapente ou d’un balcon diffusent une indéfinissable inquiétude entremêlant un passé d’homme dépressif et un présent furtif de femme épanouie. Ces fragilités sentimentales incarnées subtilement dans la différenciation d’un adulte et d’une enfant s’enchevêtrent en touches mélancoliques intemporelles offrant à chacun son choix de réalité, celle d’un cinéma de libre émotion à recréer.

Elle a choisi de quitter maris, fils et pays cette jeune africaine débarquant de Côte d’Ivoire avec ses deux plus jeunes enfants et la réalisatrice quant à elle a décidé de suivre ce parcours de mère et de frères en voix off du dernier gamin pour nous intégrer à cette saga qui échappe à tous les clichés mais rayonne d’humanité. Les hébergements, changements et sentiments résonnent des aspirations individuelles, liberté personnelle, ambitions scolaires, déceptions sociales, ressenti racial, mutations culturelles et rêves éclatés sur le scénario maîtrisé d’une triangulation familiale atteignant l’universel. Hors message politico-social ce second film après « Jeune femme » montre les invisibles du quotidien qui ici et ailleurs tracent des vies reliées par l’imaginaire, illuminées en images, incarnées par les acteurs et offertes à l’émotion des spectateurs.

Fuir la mort, celle du père de son gamin, esquiver le présent et se réfugier avec sa sœur dans le passé complice des rêves d’enfance que pourtant leur âge, leurs parcours contradictoires ont effacés. Echapper à tout prix, partir contre toute raison au fil des étapes d’une révolte irrésolue, échanges de silences et cris, tentatives boomerang de soi-même vers l’autre. Ces douleurs de femmes le cinéaste les fait jaillir en flashes d’images et plans éclatés en mouvements, les apaise en un face à face d’Elodie Bouchez aux hurlements mutiques et Alysson Paradis aux débordements fragiles, les maîtrise dans la sensibilité lumineuse de son premier film.

Un ingénieur parisien, simple amateur d’escalade est soudainement happé par la montagne et irrésistiblement séduit, envoûté, ensorcelé par sa splendeur, son immensité et se cramponne de glaciers en parois vertigineuses jusqu’aux lueurs telluriques de grottes où formes mouvantes, poussières rougeoyantes enserrent son corps et son esprit proies d’une nature anthropophage bienveillante. Après l’eau de « Vincent n’a pas d’écailles » l’épopée écologique de Thomas Salvador se poursuit dans l’ivresse poétique et fantastique des sommets.

A Bethléem s’affrontent occupants israéliens et résistants palestiniens leurs combats occultes instrumentalisant les femmes réduites au pur et seul état de victimes. Une coiffeuse et son amie cliente en feront les frais, sous les menaces et violences de ce thriller dénonciateur. Les plans séquences souterrains accentuent l’oppression politique et patriarcale, les lumières de la ville irradient de leur emprise virile un peuple sous sa double emprise culturelle et guerrière, le piège est sans issue.

Les séquences d’un casting de mannequins puis du partage d’une addition de restaurant servent d’introduction pour embarquer avec un couple de jeunes influenceurs sur une Arche de Noé rassemblant, millionnaires en tous genres (« escrocsialiste » revendiqué, industriel criminel...), brigades d’employés esclavagisés et capitaine suralcoolisé marxiste attardé. La croisière va délirer plutôt que de s’amuser avant de s’échouer au troisième acte de cette fable où oppresseurs et opprimés se rejoindront dans une même satire aussi ostentatoire que jubilatoire du monde de l’argent et ses inégalités afférentes. Le rythme chaotique, les cadres et leurs images provocatrices superposés dans leur démesure s’essoufflent cependant dans un final attendu qui relativise la valeur d’une brillante farce sociétale (troisième opus du réalisateur suédois après « Snow therapy » & «The Square »).

Une famille complice et son quotidien d’années vécues, déterminées et fantasmées par les prises de vues d’un objectif faux révélateur de toute objectivité mais seul support de créativité du plus jeune. Prendre la pose, fixer l’instantané, transférer les réalités de passés figés en émotions du présent, pour dépasser la mémoire, ses rires et silences, en offrant à l’image la valeur absolue de la vie. Cette quête de sens et d’immortalité le réalisateur s’en empare à son tour en feuilletant le parcours authentique du photographe Masahi Asada tel un album des événements d’un foyer joyeux à celui d’une nation endeuillée par le séisme de 2011. La récupération collective de petits cartons personnels dépasse alors la banalité de la collection pour conquérir par l’entraide l’apaisement des victimes, le film s’associant positivement à son effet miroir d’éternité.

Les flammes jaillissent de silhouettes, fantômes nocturnes politiques, policiers, machistes, corrompus ou seulement proies du désespoir, ensemble dévorés par les injustices d’une société tunisienne dont la révolte s’est consumée dans les ruines de constructions inachevées. Une femme traverse ces banlieues désertifiées dans l’alternance d’ombres et de lumières, impuissante face à cette immolation mortifère symbolique dans laquelle le réalisateur nous immerge sous couvert d’enquête policière. Les décors bétonnés, le graphisme incendié abruptement entrecoupés par la banalité de scènes familiales ou professionnelles illustrent silencieusement par le fantastique (sous couvert de censure) le désespoir d’une société brisée par les pouvoirs d’Etat réprimant par la force toute éventualité de justice et de liberté. Si l’énigme des immolations révolutionnaires reste irrésolue, le talent du cinéaste est lui certifié par ce deuxième long-métrage.

Un hymne à la perfection harmonisé par cette femme chef d’orchestre prestigieuse à la vie publique somptueuse, professionnelle mélodieuse, privée merveilleuse jusqu’à la fausse note qui brise tout, l’équilibre entre autorité, vision créatrice et passion dévastatrice aux soudaines sonorités dissonantes. Elles résonnent des dénonciations du milieu artistique, de son élitisme autant que de ses prérogatives, des pouvoirs du machisme de « maestro » autant que du féminisme, réglés en une symphonie de mise en scène sublimée par talent de Cate Blanchett.

Les vacances annuelles d’ultra-orthodoxes pour la récolte des cédrats fait croître la crise de conscience religieuse de la fille du rabbin, sa rencontre avec le jeune propriétaire des agrumes sacrés va unir traditions et transmission entre ciel et terre confondus en jardin d’Eden. Stéphane Freiss pour son premier film a choisi de dépasser ce sujet tabou tour à tour enfermé dans ses propres règles, leur conscience, obéissance ou à contrario abordé par la dérision, en l’abordant symboliquement par l’amour et le respect pour le dénoncer. Alors faut-il croire en un Dieu ou aux contes de fées pour échapper à tous les pouvoirs esclavagistes du passé ?

Une harmonie familiale, sociale et musicale en écho au talent et à l’acharnement d’une jeune élève du Conservatoire de Stains puis d’une section artistique du lycée Racine, va vont faire résonner les notes du succès de « Divertimento », orchestre symphonique créé en 1998 et toujours dirigé sous la baguette internationale de Zahia Ziouani. L’intégration prend une double résonance, au rythme de cultures algérienne et française, des privilèges bourgeois et pouvoirs masculins, mais sa maîtrise reste scandée par le combat incessant contre soi-même autant que les autres, et offerte à toutes les vibrations d’émotions.

Elles vont soudainement rêver ces adolescentes sans repères hébergées dans un centre d’accueil de Bogota en répondant à la proposition de s’inventer une camarade fictive. Huit d’entre elles vont tour à tour compenser leurs manques, transférer leurs angoisses, apaiser leurs douleurs sur un double, sœur miroir de malheur et d’espérance. Le procédé psychologique du questionnement/dialogue, son alternance de face à face caméra et décors de leur strict environnement actuel, déterminent leur personnalité autant que les normes de la société (sexualité, prostitution, drogue, violence quotidienne...), toutes souffrances accumulées depuis l’enfance qu’une peluche rose géante ne saurait consoler. Une émouvante promesse de résilience offerte par la construction narrative de ce documentaire.

Les migrants des alpes piémontaises sont encore dans nos souvenirs ceux qui accueillaient les « macaronis » travailleurs économiques, ouvriers acharnés, exilés anti-mussoliniens, français de cœur. La minutie de la technique « Stop-motion » anime ces humbles marionnettes aux costumes effilochés traversant des décors sophistiqués à l’ombre d’arbres brocolis et restituent l’authenticité de l’imaginaire mémoriel par leur pure poésie.

Un banal plan drague après une rencontre de hasard et la mise en place de normes strictes, plaisir sans avenir telles sont les règles édictées par une jeune femme déterminée et acceptées par son partenaire marié et intimidé. D’improvisations ratées en rendez-vous choisis, des cadres clos de plans séquences en balades forestières ouvertes à la nature, dans l’élégance des mots et l’ellipse des corps, les ambigüités sexuelle et sentimentale virevoltent de la séduction au désir et inversement au fil d’une parenthèse ensorcelée d’amour. Sur les notes de Ravi Shankar et les arpèges de piano, Emmanuel Mouret continue de marivauder pour nous enchanter de sa subtilité et des talents évanescent de Sandrine Kiberlain et émouvant de Vincent Macaigne.

Hors temps ces trois heures d’images tourbillonnantes, hymne déstructuré jaillissant de l’âge d’or hollywoodien, fantasmes assumés, délires muets et jazz inspiré, virevoltant de leur prémices aux mécanismes industriels et du Noir et Blanc au parlant tous désordres créatifs revendiqués en hommage à la seule magie du 7ème art. Stars du passé revisitées de John Gilbert à Joan Crawford ou Clara Bow aux carrières ruinées par le son, producteurs en folie éléphantesque décadente, techniques nouvelles donnant naissance aux comédies musicales ou autres genres réalistes, qu’importe Damien Chazelle propulse ses acteurs pour offrir sa passion sans modération aucune aux amoureux du cinéma.

Le naufrage d’un projet marin plonge une scientifique dans une dépression dont ses petites voix crayonnées dans sa tête et animées sur l’écran ne l’aident guère à submerger du saut fatal de sa mère laissant à Lisbonne un appartement à partager en héritage avec son frère. Restent des retrouvailles improbables dans un aéroport pour s’envoler avec un charmeur dans cette fantaisie douce-amère dessinée en bande de comédiens.

Le directeur de l’Alliance Française d’Irkoutsk, ciblé, emprisonné et condamné par le Service Fédéral de Sécurité russe après un spectacle jugé déplacé se doit de fuir le pays. Une course éperdue où s’entremêlent épouse, avocat, corps diplomatique, victimes et bourreaux d’un pouvoir absolu, s’enchaînent accusations, subversion, corruption, hallucinations et actions au rythme d’une poursuite effrénée, celle même d’un classique film de genre, inspiré pour corser l’émotion de faits réels.

La rencontre inattendue de deux êtres endeuillés par la vie auxquels la puissance de la nature rendra l’énergie propre à leur survie, culpabilité et rédemption liées par la violence des sociétés afghane, italienne ou française et unies par une politique migratoire inhospitalière autant qu’inhumaine. Elle est afghane, il est savoyard, la montagne et sa neige les engloutissent physiquement autant que légalement la haine de brigades identitaires et les lois frontalières. Triompheront-ils de leurs combats contre eux-mêmes et leurs deuils, leurs environnements naturels et politiques ? Dépassant le traitement de documentaires et films militants (Ceux de la nuit + Les engagés...) nous ayant déjà sensibilisés à cet état de notre société, la fiction de Guillaume Renusson est un rappel indispensable soutenu par la splendeur de ses plans, la rigueur de ses cadrages, l’authenticité de leurs décors, la force de paysages répondant à celle des situations, aux souffrances corporelles et douleurs morales portées par le physique de Denis Ménochet et le mental de Zar Amir Ebrahimi. Un peu moins de débordements horrifiques n’auraient pas nui à ce premier long métrage dont la sobriété d’interprétation illustre la dénonciation et rédemption pour la libération humaine.

Ils sont africains, parlent le peul, le wolof ces tirailleurs surnommés sénégalais et destinés en 1917 à mourir pour la France, sauf que l’un d’entre eux opposé à ce destin ne reculera devant rien pour l’épargner à son fils. Des sables du désert aux sombres tranchées de Verdun, rien ni personne, ni le patriotisme du jeune soldat lui-même ne sauraient le détourner de son rôle paternel. Et le réalisateur non plus qui cherche sa cible entre film d’action militaire, protection tutélaire, dénonciation colonialiste et symboles pacifistes sans vraiment décrocher sa médaille.

Revoir Naples et ... se souvenir d’une mère négligée à consoler, d’une jeunesse égarée à retrouver, d’une amitié brisée à sauver pour s’épanouir et trouver le bonheur. Mais la ville, sa misère, la drogue et la prostitution gérées par la Camorra, combattues par les poings de l’Eglise perdurent autant que les haines fraternelles, leurs rancœurs à l’ombre du Vésuve, veilleur mélancolique de la tragédie humaine. Une errance entre ombres et lumières, déterminismes du passé et du futur portée sobrement par Pierfrancesco Favino.

L’autoritarisme du régime de Ceausescu résonne encore dans cette fidèle et sage reconstitution des années 70 où l’écoute d’une radio musicale relevait du crime d’Etat. Les uniformes scolaires cachent les premiers émois, la désobéissance familiale répond aux appels de l’adolescence, la musique délivre les corps et la corruption politique est active pour récupérer les espions d’une jeunesse éveillée par les rythmes anglo-saxons. L’écho passéiste des intemporelles déviations autoritaires.

Malin, sympathique, foutraque, poétique, brillant, drôle, inventif tout y passe qualités, défauts, incompréhension, admiration ; univers et métavers, alors rien à ajouter, regardez sans hésitation.

Années 20, l’absurdité de la guerre civile irlandaise contamine les habitants d’un îlot proche que ni ses falaises, ni ses crucifix celtiques ou foi catholique ne protègeront de la seule folie humaine. Et pourtant tous chantaient au son des violons, se grisaient de bière, rêvaient d’amours, chassaient leurs solitudes à l’ombre d’une épicière cancanière, d’un curé blasé, d’un policier indigne, de banshees réincarnées en sorcière et à l’aide d’une sœur attentive, de la tendresse d’une ânesse et de la fidélité d’un chien berger sans moutons. Alors ? L’insularité cause de haine sociétale, les plaines verdoyantes d’enfermement traditionnel, les deuils responsables de lassitude existentielle ou l’isolement de violences drolatiques irrationnelles tranchant l’amitié, avec la fuite pour toute issue ? A ces questionnements répondent les talents mutiques d’acteurs chuchotant leur humanité, la force d’images unissant espoirs, sourires, virtuosité et irradiant le film de sa magie pour nous enivrer de ses plaisirs. Après (Bons baisers de Bruges, les 7 psychopathes et Three Bilboards), revenu en ses terres et mers d’origine, Martin McDonagh nous y engloutit littéralement. Profitons donc d’une sortie sur les écrans à la veille d’une année nouvelle pour les clore et recommencer en beauté.

Brebis galeuse ce second fils apeuré qui ne peut égorger la chèvre traditionnellement sacrifiée, autorise sa femme à travailler sans même lui faire d’enfant, ne répond à aucun des critères d’une famille traditionnelle, et trouve un emploi honteux dans un cabaret. Mais il y découvre aussi l’amour et ses complications entre corps emprisonnés par les non-dits, délivrés par la danse, libérés par la mort. Les sentiments opprimés jaillissent de l’obscurité en costumes de scènes et paillettes, d’un manège de parc d’attraction et ses vertiges aux flots de l’évasion. Un parcours mélancolique où désirs tabous et interdits sexuels, diktats patriarcaux, virilité performante, oppression féminine se juxtaposent portés subtilement ensemble par sa narration, ses images et ses acteurs dans l’émotion magique du cinéma.

La rigidité règlementaire et mutique d’un fonctionnaire municipal anglais est brisée par l’annonce d’un sursis de vie de six mois à intégrer, rejeter, ajuster voire savourer dans le cadre de plus de six décennies de respect et d’obéissance culturelle. Chef d’une armée de chapeaux melons et parapluies il va mener un combat pour se sauver lui-même en offrant rires et joies aux enfants de l’après-guerre. Le remake d’ « Ikiru » film d’Akira Kurosawa est porté par la dignité nostalgique de Billy Nighy aux échos charmeurs de Love Actually à Good Morning England et la réalisation équilibrée entre émotion, tradition et humour d’Olivier Hermanus . Une programmation de fin d’année pour profiter de ses espoirs consolateurs. La mort d’Ivan Ilitch - Léon Tolstoï - 1886 / J’ai Lu 2005. Kazuro Ishiguro - scénario Ikiru.

Michelangelo Merisi dit Le Caravage proclamait « chercher le réel » dans ses œuvres y entremêlant les aléas d’une existence tumultueuse, à son égal et au travers de ses images le cinéaste Michele Placido poursuit cette même quête. Il nous propose de revisiter le XVIIème siècle romain et napolitain, ses violences partagées entre rixes machistes, sexualités transgressives, élans créateurs, pouvoirs religieux, protections artistiques illuminant ses plans du clair-obscur pictural, ses décors de leur véracité, son scénario de son historicité dramatique, ses acteurs de leur intensité pour nous entrainer dans un tourbillon artistique revendicateur. S’impose dès lors une visite au Louvre pour contempler les trois tableaux y figurant : « La diseuse de bonne aventure », « le portrait d’Alof de Wignancourt » et « La mort de la Vierge ».

Un jeune stagiaire de milieu bourgeois débarque chez des marins pêcheurs au bout du monde de l’Océan. Entre découvertes maritimes noirmoutrines, éducation sentimentale, risques adultérins et ouragan amoureux une traversée agitée au fil des tourmentes quotidiennes, différences sociales, générationnelles, bien-pensances et liberté à sauvegarder. Un premier film d’atmosphère, aux mouvances de cœurs et silences de vents.

Festival d’Avignon, juillet 2022 à la veille de la représentation de « La Cerisaie », Isabelle Huppert se prépare et parallèlement à l’Hôtel Calvet Fabrice Luchini répète son « seul-en-scène » consacré à Nietzsche pendant que Benoît Jacquot ami et admirateur de chacun d’eux (déjà réunis en 1998 dans son film « Par cœur ») met tout en place pour nous exposer leurs émotions d’acteurs. Un triple jeu entre le réalisateur, ses personnages et les spectateurs pour capter l’authenticité de l’interprétation et ses sources au fil des mots, intériorisés par l’emprisonnement de phrases chez l’une, extériorisés par leur signification sonore chez l’autre, unis par la parole et sa représentation. Tour à tour jouet du Mistral ou proie de la mémoire, points d’achoppement déterminants de leur défi technique, ils en dépassent les contraintes intimes pour, face à Tchekhov et Nietzsche, combattre indéfiniment en l’offrant aux autres le « Moi » qui habite leur passion.

Terre de feu cette île volcanique, terres de Dieu ces étendues désolées, chemin de croix ce parcours vers une église à bâtir par un jeune pasteur et ses charpentiers occupants danois du sol islandais et pur miracle de cinéma offert aux spectateurs. Le format carré surligné choisi par le réalisateur nous intègre à la splendeur des paysages, la radicalité d’un ailleurs terrien reflète l’exigüité de la condition humaine, l’hostilité de la nature répond à la violence de ses habitants, la photographie et ses clichés se font miroir inversé des idéaux effacés. Au mutisme primitif de l’environnement ciels, chiens et chevaux de la première partie du film succède un regard sur une société érigée en inégales luttes perpétuelles, foi, principes et pardon brisés par les peurs et pouvoirs implacables scandés par un hymne final aux certitudes conquérantes dénoncées avec superbe par Hlynur Palmason que les successifs « Un jour si blanc » et « Winter brothers » avaient anticipés.

Indonésie années 60, les régimes politiques se succèdent, à leurs rythmes coloniaux ou communistes ou militaires, une jeune mère trouve refuge auprès d’un autre époux volage se conformant à cet équilibre patriarcal traditionnel partagé ou détourné entre femmes pour échapper à leur enfermement. Des ellipses énigmatiques façon Apichatpong Weerasethakul, une apparente langueur, une élégance trompeuse, un esthétisme évoquant Wong Kar Wai, dissimulent les secrets de la complicité féminine, leur force conjointe pour ouvrir les voies de l’émancipation.

Un parfum vert aux sombres effluves pour un film noir résonnant des mots de Corneille et des voix de la Comédie Française en une illusion cinématographique plutôt que comique. Les trois coups du théâtre, du feu d’assassinats voire de la foudre sentimentale rythment une poursuite échevelée entre une organisation criminelle internationale, les errances ashkénazes et leurs racines européennes, tous messages codés, BD infiltrées références assumées d’un film de genre décalé.

Une amitié de vacances entre gamins de la ville et de la montagne qui se perd avec l’enfance, s’égare dans les rejets paternels et revient à l’heure des choix de vie pour construire la fraternité dans l’authenticité des racines, celles, par la force des valeurs, inhérente aux vallées et sommets ici ou ailleurs des Alpes à l’Himalaya. Un parcours de maturité filmé en format carré pour accentuer l’esthétique des paysages, décors naturels d’une quête intimiste entre vertiges de musiques pop/folk, discours socio-écologique et étirement du temps. Les Huit Montagnes - Paolo Cognetti - Stock - Prix Médicis 2017.

Si..si et si ...petits et grands hasards entrainent une jeune concertiste de piano de la chute du mur de Berlin à celle d’un livre dans une librairie, de la conduite d’un scooter à l’échec ou la réussite d’un concours, à moins que conscients ou non nos choix ne déterminent le sort ? Quatre variations successivement incarnées et démultipliées en enchainements mélodramatiques, ritournelles amoureuses au rythme d’envols musicaux jusqu’à donner le tournis.

Le hasard seul définit-il nos actes, un vieil escalier ou un nouveau voisinage les déterminent-ils tout autant que nos cultures et environnements ? Réponse en Haïfa dans la rencontre et l’amitié improbables d’un dépressif chronique et d’un suractif optimiste illustrant toutes les contradictions humaines de palestiniens devenus israéliens unis par leurs apparences trompeuses et leurs secrets complices au fil d’une intrigue dédoublée entre ironie et tragédie, pamphlet politique et comédie noire aux couleurs douces-amères. Le deuxième film (après « Personal affairs ») d’une réalisatrice héritière de l’humour d’Elia Suleiman.

Symbole absolu de l’Empire austro-hongrois cette première dame aux quarante années de représentation et dont le personnage a été analysé, décrypté, mis en images du glamour kitch de Sissi à la splendeur de Visconti. Une gageure que de vouloir dépasser ces empreintes à travers ses obligations protocolaires, devoirs patriarcaux, quêtes affectives, tendances narcissiques, désirs d’émancipation. D’un anniversaire à l’autre un vécu officiel transposé en regard compensatoire de femmes ici investies dans la production, écriture, réalisation et subtile interprétation d’un film en délivrant un corps-sage de sa rébellion, pré-modèle historique de libération féminine.

Un rêve de gamine dans un fantasme d’ado pour un film dans le film et une comédie voyageuse entre Rouen et New York tous sentiments filiaux et maternels entrelacés entre rires français et clichés américains, fantaisie et hystérie, illusions et réalité allègrement assumées par des french comédiennes à l’ombre d’une super star hollywoodienne. Une gageure que de vouloir dépasser ces empreintes à travers ses obligations protocolaires, devoirs patriarcaux, quêtes affectives, tendances narcissiques, désirs d’émancipation. D’un anniversaire à l’autre un vécu officiel transposé en regard compensatoire de femmes aujourd’hui investies dans les productions, écriture, réalisation et subtile interprétation d’un film en délivrant un corps-sage de sa rébellion, pré-modèle historique de libération féminine

17 ans et l’année du bac pour cette ado sans repères familiaux qui privilégie l’apprentissage sentimental aux études, les résonances parisiennes disco des « Bains » à l’ennui des bancs du lycée. Un énième récit d’initiation, errances mutiques et complicités amicales sauvées par l’énergie musicale des années 80, les souvenirs de la réalisatrice prolongeant la mémoire de « Stella » de l’enfance à l’adolescence.

La mondialisation fragilise l’expression culturelle, l’usage des langues originelles se perd au profit d’un outil commercial unique, la littérature s’internationalise, l’alphabet kazakh va disparaître. A un jeune auteur de résister se dédoublant près de deux siècles plus tard en Makhambet Utemisov, mémoire et présent vivifiés par l’élan créatif du réalisateur unissant par la beauté de ses images poésie et politique, liberté et résistance par l’espoir des mots, leur résonance dans l’éternité du silence.

La Durance au pied du col de Montgenèvre enfouit ses secrets du passage des éléphants d’Hannibal à ceux des bergers et leurs troupeaux, des exilés italiens aux migrants d’aujourd’hui, images familiales en super 8, extraits de films en N&B, et stations touristiques hivernales en surplus. Les frontières aux marquages effacés demeurent pour être franchies en douleur la nuit et la documentariste les montre et les conte pour les révéler avec dignité. A nous de les découvrir.

L’achat d’une caméra super8 en 1972 permettra à l’écrivaine Annie Ernaux de mettre des images sur les mots de son premier roman (1974 Les armoires vides) prolongeant les frustrations de sa condition ouvrière hors consolation bourgeoise touristique. Elle commente aujourd’hui les images familiales de ces visites successivement du Chili d’Allende, d’Albanie soviétique, de l’Espagne post-franquiste, du Portugal socialiste, de Moscou ou d’un club de vacances marocain que le cours du temps a raréfiées jusqu’à un divorce en 1981. Une mémoire familiale banale et répétitive d’un éternel complexe social couronné par un Prix Nobel de littérature « auto-socio-biographique ».

Un nouveau-né coréen déposé dans une boîte à bébés est récupéré par des petits trafiquants, retrouvé par sa mère, recherché par des policières, poursuivi par des gangsters qui nous entraînent dans un road-movie échevelé où abandon, adoption, émotion font rimer les fibres maternelle, paternelle et fraternelle, au rythme d’aventures rocambolesques où bonnes et mauvaises intentions font rebondir les joues des petits et grands garçons embarqués dans un van brinquebalant d’humanité.

Les manifestations contre la loi Devaquet en décembre 1986 ont entraîné la mort collatérale d’un étudiant et la même nuit sans aucun rapport celle accidentelle d’un adolescent tué par un policier ivre, deux victimes de dérapages policiers que le réalisateur associe dans un même contexte socio-politique de racisme. Réaction collective officialisée, illustrée entre images d’archives et reconstitution sous le regard des services officiels (gouvernement, IGPN et Forces armées) et action individuelle isolée se rejoignent alors en un hommage historique à Malik Oussekine et une interrogation sur le mutisme officiel récurrent à toute bavure ou répression mêmes actuelles. Les brigades de voltigeurs à moto ont été dissoutes, l’usage des matraques perdure, les forces de l’ordre liées à la justice aussi. Le contexte de la montée des populismes justifie ce sobre et digne rappel de mémoire

Réunis pour la cueillette des figues ces saisonniers que leur culture sépare et que leurs sens rapprochent inéluctablement par le seul désir, la complexe séduction entre dépassement des traditions, émotions et réflexion d’une fiction proche du réel. Du lever au coucher du soleil entrecoupée d’une sieste, la journée de travailleurs agricoles s’écoule dans l’authenticité du seul présent tunisien, magouilles et pouvoirs patronaux jusqu’au patriarcat faussement inéluctable et illuminé d’espoirs féminins

Dépasser les vagues de l’adolescence y égarer son enfance sous les draps des fantômes pour jouer à devenir grand, à 13 ou 16 ans, garçon ou fille cachent leurs peurs entre la luxuriance des forêts et les eaux troubles d’un lac canadien. La réalisatrice nous y envoûte dans une atmosphère onirique, entre-deux initiatique libérateur où disparait une part de soi pour devenir autre. Une sœur – Bastien Vivès – Editions Casterman 2017.

A l’occasion du tournage d’un film à Boulogne s/mer quatre enfants et ados sont repérés par la directrice de casting, les « pires » pour les habitants de la cité Picasso, tout va alors s’imbriquer dans l’envers du décor d’un faux documentaire, la fiction et la réalité, les regards sociaux et culturels, les relations inter professionnelles avec des amateurs, intrusion envers des copies en miroir, doubles illusions des images et de l’artifice même de la création. Celle des réalisatrices et de toute l’équipe du tournage autant que des vrais acteurs de leur faux personnages unis au-delà des apparences pour trouver le meilleur et en libérer une irréelle émotion.

Sans fausse note cette partition musicale exécutée par deux chefs d’orchestre aux seuls échos d’égos père/fils et qui enchantera toutes les oreilles par le choix des notes et la virtuosité des mots et la vibration des émotions.

L’application d’un droit coutumier du XVème siècle revendiqué par les albanais d’aujourd’hui fait perdurer les vendettas familiales par le rachat de vies humaines d’une famille l’autre. Cette « reprise du sang » authentique dette d’honneur va exaspérer les rapports de force entre bandes de trafiquants de l’Est et du Sud, toutes communautés des Balkans, de Turquie ou du Maroc ignorant les frontières. Violences passées et présentes scellent le sombre destin d’amours égarées dans les paysages nocturnes bruxellois striés d’une improbable voie écarlate de libération.

Traiter de l’évasion fiscale ses paradis, leurs identification, publication, dénonciation, sanction, pour une suppression illusoire, se présente comme une question strictement réservée aux initiés. « Panama papers » et autres actions et dénonciations de lanceurs d’alertes ont popularisé le sujet ici traité avec un humour implacable sur écrans mosaïques, bulles de BD, animations joyeuses, archives revisitées, interviews décalées pour rendre accessible à tous les mécanismes de pratiques illégalement intégrées aux systèmes mondiaux globalisés. « Sandwich hollandais » et « doublette irlandaise » pourvoient aux appétits tentaculaires de financiers jamais rassasiés laissant pour compte justice et démocratie dans l’exercice compétitif de leur pratique sportive. Un exposé dépassant tout militantisme par sa clarté au seul profit du rêve de justice.

L’adolescence et ses tourments accrus par une disparition subite déstabilisent un jeune lycéen provincial. Le choc et sa violence compensés par les apparences, la sexualité et sa feinte maîtrise pour chasser la douleur, le deuil et sa fausse responsabilité pour étouffer le manque se succèdent en contrechamp de perceptions familiales, affrontements fraternels, compensations érotiques, effondrement mutique à dépasser par la force de la survie. C’est dans ce miroir du passé que Christophe Honoré de films en œuvres théâtrales distancie sa mélancolie, apaise ses doutes, sublime sa quête en immersion du sujet par voix off et dédoublement de sa narration, du naturalisme des images au subconscient, de l’opposition des plans et couleurs aux chimères protectrices, du choix et de la direction des acteurs à leur jeu exceptionnel, du réalisme biographique à sa renaissance fictionnelle.

Une digne veuve sexagénaire déterminée à découvrir le plaisir s’offre les services actifs d’un jeune et sublime « sexothérapeute », un sujet digne d’une suite érotico-porno sauf que les mises à nu de chacun des partenaires vont révéler avec humour, élégance et subtilité autant les insatisfactions maritales, maternelles, professionnelles voire générationnelles que le désarroi d’un fils rejeté pour une sexualité offerte par sa liberté. Au rythme de ses quatre rendez-vous le film dépasse sa théâtralité de huis-clos, sa pudeur conformiste pour s’offrir à la jouissance des corps transgressant l’âge et son image par la force de jeu et l’émotion d’un duo d’acteurs hors normes.

Le décor anxiogène des lacets routiers des Vosges conduisant aux menaces affectives aussi sombres que les torrents de mensonges déversés nous entraîne dans le film de genre revendiqué par sa réalisatrice Anne Le Ny. Et comme elle interprète le rôle même de l’enquêtrice suivons son regard avec attention pour atteindre la vérité, celle des familles qui se brisent, se découvrent et se reconstituent entre accident, trahison, compassion et force des relations des rires d’un gamin aux sourires d’un grand-père.

Une équipe choc de justiciers du futur, les discours d’une tête pensante et d’une bouche sanglante, un robot aux ordres contre un autre en désordre pour une pochade mêlant joyeusement sa propre absurdité à celle de notre univers de bêtise dans une destruction promise.

La durée réelle de plans séquences statiques et mutiques aux seules sonorités environnementales scande leur temporalité quotidienne traversée par deux silhouettes d’hommes, dédoublement spirituel et corporel dans l’acceptation de son évolution. Cuisinier, masseur, rêveur, travailleur ou oisif, chacun dans une trouble solitude au carrefour de la vie et du cinéma de Tsai Ming-Liang.