La rencontre d’un éditeur et son auteur met en jeu les rapports entre fiction et création autant que les moyens de parution sur papier ou support numérique et les interférences de la vie conjugale, toutes liberté et modernité revendiquées par chacun des intellectuels parisiens du milieu littéraire. A chacun alors de se justifier, s’affronter entre non-dits et faux-semblants écrits ou vécus d’une société face à son évolution humaine, ses mutations techniques, dans un questionnement incessant, va et vient verbal de mots en images résonances des tweets et blogs de la révolution numérique, à l’ombre des dualités sentimentales gardant leurs secrets protégés en toute dérision par Guillaume Canet, malmenés par les rires de Juliette Binoche au grand dam de Vincent Macaigne. Du raffinement de langage d’un Sacha Guitry à l’humour francisé de Woody Allen, les mots fusent, les idées se superposent, l’écriture cinématographique dialogue au rythme des changements de plans, répliques égocentriques d’acteurs, dans le pur classicisme d’un film choral réjouissant.

En fuite dans Moscou enneigée cette jeune clandestine kirghize qui abandonne son nouveau-né à l’hôpital, tente de survivre d’un emploi précaire à un autre, sous les menaces de mafieux, de logeurs et policiers véreux, des rappels de son corps d’accouchée et appels d’instinct maternel. Une course effrénée au rythme d’une caméra subjective sous une grisaille glaciale, emportée par une détermination rageuse chassant toute émotion misérabiliste dans une dénonciation des conditions réservées aux migrants, ici ou ailleurs. Le réalisateur (par ailleurs documentariste et dix ans après « Tulpan »), filme un combat éperdu contre l’indifférence individualiste de nos sociétés, son actrice récompensée à l’unanimité par le Prix d’interprétation porte cette errance avec l’énergie du désespoir contre l’inhumanité ambiante.

A Oakland, un jeune vendeur d’une société de télémarketing se prend successivement au jeu de la réussite et du profit, champion toutes catégories de l’efficacité commerciale, il agit et s’agite tel un pantin, proie surexcitée d’un capitalisme dévorant successivement son identité, ses amitiés, son amour jusqu’à son humanité. Aucun répit à son ascension sociale qui répond aux délires du système, à l’emprise de l’establishment blanc et les dénonce en un tourbillon burlesque et généreux auquel participer à tout prix.

Déterminée cette mère de famille accro à la manière forte pour aider son fils toxicomane, engagée dans un combat désespéré contre une addiction accidentelle devenue mortifère. Entre espoir et emprise, le Réveillon se transforme en nuit de lutte acharnée contre la drogue et les responsabilités diverses de l’environnement social (lâcheté généralisée, acceptation des institutions, banalisation policière) pour surpasser les clichés du sujet et la performance oscarisable de Julia Roberts.

« Le Palace… rassemble en ses murs des plaisirs ordinairement dispersés, la joie de la danse, le charme des rencontres possibles… tout un dispositif de sensations destiné à rendre les gens heureux, le temps d’une nuit. Le nouveau, c’est cette impression de synthèse, de totalité, de complexité d’être dans un lieu qui se suffit à lui-même. » C’est ainsi que Roland Barthes qualifiait cet ancien music-hall rénové sur le modèle du Studio 54 de New York où les soirées à thème, les défilés se succédaient dans l’utopie du mélange des classes sociales, des fortunes, des générations, tous artistes créateurs et leurs courtisans confondus dans la poudre blanche et les fards écarlates. Eva Ionesco évoque ces années flamboyantes et insouciantes à travers deux couples, masquant leur romantisme ou leur décadence en jeux érotiques, pouvoirs fanés portés par Isabelle Huppert et Melvil Poupaud, innocence perdue par Lukas Ionesco, libération gagnée par Galatéa Bellugi, ensemble égarés en un kaléidoscope sophistiqué de souvenirs. Après « My little Princess » et l’enfance, la réalisatrice poursuit sa nostalgique quête d’elle-même.

Comment expliquer l’accueil hostile des élèves surdoués de cette classe de 3ème d’un Institut privé élitiste envers leur nouveau prof ? le suicide du précédent ne justifie pas l’attitude d’une dizaine d’entre eux enfermés dans une complicité secrète et dangereuse, voire sectaire. Dépassant la pure révolte d’ados refusant la société au profit de choix écologistes, en proie à la peur de chaos présupposés terroristes ou environnementaux, leur violence se radicalise jusqu’à un extrémisme aussi dangereux que la négligence ou l’aveuglement des adultes qui les entourent. Les ellipses du scénario, les sons, l’irréalité de certaines situations, les hallucinations de Laurent Lafitte participent de cette atmosphère de rejet, d’intolérance et d’irresponsabilité partagés et subis, contaminant jusqu’aux spectateurs pour le meilleur de l’adaptation réussie de ce roman d’initiation. L’heure de la sortie – Christophe Duffosé – 2012 - Editions DENOËL –

Ni images, ni sexe pour un cameraman de télévision dont la grand-mère se meurt en même temps que disparait l’humanité d’un monde auquel il survit. Le parcours initiatique de ce loser égaré entre pluies hivernales et grisaille affective avant d’affronter la désertification d’un univers post-apocalyptique inexpliqué évolue insensiblement sous les lumières estivales vers un avenir sensoriel ouvert à la liberté. Cette renaissance d’un individu à travers son harmonie avec les animaux, la nature, l’amour échappe aux références écologiques au profit d’une sensibilité originelle illustrée par l’hyper-réalisme des images, incarnée par le mutisme d’un acteur talentueux et la force d’un rêve sur la condition humaine.

Des boucles blondes d’angelot et l’innocence d’un sourire enfantin offrent à un lycéen argentin les apparences d’une pureté dévoyée par le seul goût du jeu, celui du crime qui l’entoure en ces temps d’une dictature exerçant le mal pour le bien du peuple. Les faits sont réels et le tueur sociopathe emprisonné à vie, mais le réalisateur avec une égale perversité nous distancie de leur réalité, participe au déni de son héros, laisse irradier ses charmes, abuse de notre propre innocence pour affronter entre noirceur et lumière, élégance et sensualité, le mystère diabolique d’un ange exterminateur. Le duo des jeunes acteurs assure la relève du cinéma argentin.

Les portes d’une prison de femmes s’ouvrent et se refermeront le temps d’une peine, parenthèse à la fatalité sociale qu’une entraide éphémère peut apaiser. La compassion alterne avec le cynisme, les hurlements résonnent en appels à la tendresse inconnue, au fil d’une chronique interne miroir de la misère humaine et d’un face à face d’actrices exceptionnelles les Magnani et Massina à voir et revoir (en version restaurée).

En Afrique du Sud successivement les peuples ont revendiqué, lutté et obtenu leur liberté entre tribus locales, contre les colons puis l’apartheid avant l’obtention de l’égalité symbolisée par Nelson Mandela. Mais des siècles d’injustice ne peuvent être effacés sans aide mémorielle et en 1994 une commission de Vérité et Réconciliation est mise en place dans ce but avec à sa tête l’archevêque Desmond Tutu que le réalisateur va symboliquement faire affronter un porte-parole fictif des tortionnaires blancs. Forest Whitaker contre Eric Bana devient vite le champ-contrechamp d’acteurs de talent aux dépens d’une explication historique de la xénophobie et de ses conséquences. L’adaptation de l’œuvre théâtrale originelle de Michael Ashton The Archbishop and the Antichrist ne prend pas la dimension qu’un environnement social ou politique auraient pu lui conférer.

Des images de Mai 68 en cette année anniversaire du cinquantenaire des événements ont été montrées et diffusées, mais l’intérêt de ce documentaire réside à la fois dans leurs sources (ISKRA) et la classification analytique qu’en font Michel Andrieu et Jacques Kébadian (alors membres de l’ARC, des groupes Medvekine...) Du 3 mai au 15 juin les manifestations étudiantes parallèles à celles des ouvriers se rejoignent entre Nantes, Quimper, Flins et Sochaux et de la Sorbonne, l’Odéon aux usines Renault et Peugeot, entrecoupées d’affiches et discours, sur fond de chansons engagées, grenades et slogans pour illustrer l’apprentissage mondial (Berkeley, Prague…) d’une révolution possible contre les dérives du capitalisme.

Vendre son corps par nécessité et romantisme, double gageure pour le personnage du film autant que pour son réalisateur qui illustre dans sa fiction sans lyrisme déplacé ni naturalisme documentaire la vie de jeunes prostitués au Bois de Boulogne. Moments et fulgurance, compassion et violence s’entremêlent dans l’anonymat d’une errance de la douleur à l’espérance portés par le corps et incarnés par la quête d’amour d’un jeune acteur solaire à revoir après ses rôles dans « 120 battements par minute » et « Un couteau dans le cœur ».

Il n’a que 17 ans cet ado marseillais qui fuit le foyer pénitentiaire, est fui par sa mère et sans repères joue avec ses propres valeurs pour vivre son amour. En immersion totale dans le milieu de la prostitution des mineurs, le film inspiré d’un fait divers récent est une authentique « Education sentimentale » contemporaine, hors pseudo poésie réaliste des banlieues, juste un cri vers le bonheur possible, à construire en toute responsabilité. Une rédemption née des premières images d’archives où débarquent ceux qui ne portaient pas le nom de migrants mais dont les générations suivantes dans leurs barres d’immeubles perdirent leurs racines au fil de « glorieuses » qui chantaient le seul profit, la libération des corps et leurs revenus faciles. Le talent du réalisateur éclate dans cette évolution très structurée d’une vérité sentimentale, force passionnelle incontrôlable face à une société dénuée de solidarité, traduite par l’énergie de ses images et de ses acteurs non professionnels, échappant à tout voyeurisme mélodramatique au profit de la force pure de la tragédie. Un premier long-métrage coup de poing et de cœur.

Le meurtre d’une romancière américaine sur un îlot turc pose des problèmes à l’inspecteur stambouliote chargé de l’affaire, les recherches d’ADN s’emmêlent inextricablement aux traditions rurales, liens claniques, rejets communautaire surinvestis d’une improbable romance libératrice. Tout à la fois comédie aux images burlesques et drame identitaire, le film comme le pays va et vient entre ses genres pour les mêler au profit de tous.

En équilibre cette rencontre imprévue entre un policier fatigué et un jeune escroc menacés d’une même chute sur les toits de Paris, mais des vertiges de l’amour à ceux de la solitude, la comédie résiste à l’attrait du vide par son énergie, ses dialogues, le charme de ses personnages, son sens poétique et le talent de ses acteurs. Une première fantaisie aérienne et enjouée à laquelle donner suite.

Mark Hogancamp traumatisé par une agression néo-nazie s’est réfugié à Marwencol monde chimérique de pseudo poupées Barbie agissant avec un Ken héros de la seconde guerre mondiale pour le sauver des angoisses du monde extérieur. L’imaginaire d’une fantaisie pour moitié jouée ou plastiquement reconstituée permet au réalisateur de Forrest Gun en renouant avec les techniques de l’animation, de dénoncer la violence extrême de la société américaine, de valoriser le rôle des femmes, de rendre un hommage décalé à la résilience de l’authentique victime.

Un coup de foudre partagé, la pureté et l’intensité de premières amours fusionnelles dérivent en écho de l’imaginaire, entre mémoire et oubli d’Osaka à Tokyo. De la disparition de l’être aimé à la rencontre de son sosie, l’irréalité d’une passion de jeunesse évolue vers une douce tendresse quotidienne et ses valeurs adultes. Un cheminement poétique et sinueux, délicates variations « rohmériennes » qui font rimer destin avec chagrin.

Le centre artistique de Checkford, situé dans l’ancienne usine à pain d’une petite ville imaginaire de l’Etat de New York, ouvert depuis plus de quarante ans est soudainement mis en péril par l’ouverture d’un lieu concurrent plus commercial et superficiel au grand dam de ses fondatrices heurtées par cette modernité de pacotille, trompeuse et débilitante. Leur lutte contre la corruption locale, la disparition des connaissances théâtrales et musicales, la perte des valeurs humaines, le non-respect du goût intellectuel et jusqu’à gustatif du public participe d’une véritable épopée naturaliste au nom de la création indépendante contre l’économie capitaliste. En deux parties complémentaires et différentes dans leur narration, Patrick Wang ouvre notre regard avec l’énergie joyeuse du désespoir à cet état du monde d’aujourd’hui qui n’a rien d’irrémédiable, preuve en est le propos et l’humanisme de ses films.

Prendre sa retraite est une plaisanterie pour Miyasaki qui malgré le licenciement de ses employés et la clôture de ses studios y revient sous le prétexte de l’étude des nouvelles techniques offertes en gribouillant Boro petite chenille à concevoir par ordinateur. Le documentaire attentionné de son ami Arawaka nous montre l’exigence du cinéaste, envers ses nouveaux collaborateurs, son rejet de l’intelligence artificielle, son intransigeance pour montrer la beauté du monde, sources de sa force inventive, façon mode d’emploi de la créativité humaine éternelle. Dommage pour nous européens qui n’avons pas accès au musée Ghibli de ne pas profiter de plus d’extraits de ses œuvres pour enrichir ce témoignage.

Ils étaient trois à s’aimer en croyant être deux, dix ans plus tard après un décès inopiné ils pourraient revenir à l’unicité d’un couple sans le rajout d’une rêveuse immature et d’un apprenti manipulateur, alors de ces additions et soustractions jaillissent la liberté des femmes, la naïveté d’un homme et la malignité d’un enfant en un joyeux tourbillon enchanteur. Héritier de Marivaux et Musset, cousin de Lubitsch, neveu de Tati, frère déjanté de Truffaut et Rohmer, sur un scénario partagé avec Jean Claude Carrière, Louis Garrel virevolte prisonnier de l’amour, de ses incertitudes et de son éternité. Thriller lunaire et balade sentimentale, cette deuxième comédie du réalisateur confirme la multiplicité de ses talents. Un vrai cadeau de Noël !

A Bombay, dans un appartement luxueux cohabitent une jeune veuve originaire de la campagne et un fils de famille, deux mondes que tout sépare culturellement mais que leur opposition aux règles traditionnelles pourrait rapprocher. C’est dans les gestes du quotidien, le respect aux normes que chacun trouvera la force de transgression nécessaire à son épanouissement. Deux destins croisés illustrant le poids et l’injustice de coutumes inaliénables à travers les silences, les solitudes, sans autre espoir qu’un ailleurs que seules les femmes sauront créer, coudre point par point dans le chatoiement des couleurs, des parfums, des fêtes et des chants de la vie. Un voyage féministe au profit des hommes et de la liberté.

Que faire et qui croire quand on galère avec son emploi de géomètre, élève une ado escrimeuse, se sépare de son compagnon et subit des apparitions virulentes de la Vierge ? affronter la corruption immobilière ravageuse, rejeter les compromissions sentimentales, subir les persécutions divines ou, d’épreuves en hallucinations transfigurer le courage amoureux en apothéose écologique. La sortie du film au lendemain de Noël engage à croire à la générosité d’un conte.

Comment faire dans une famille de la banlieue populaire de Rio pour assurer le départ du fils aîné pour la sélection allemande de hand-ball, ambitions sportives, aspirations sociales, espoirs et difficultés s’accumulent, s’entrecroisent à corps et à cris dans l’amour et l’hystérie. Au rythme d’un tuba la tribu défile entre les rires et larmes de gamins qui veulent grandir, d’une mère ambitieuse et possessive, d’un père rêveur tous aux couleurs d’un Brésil chaleureux.

Au temps de la Révolution française excentrée dans les vallées alpestres, le moine Gabriel croise la mutique Marianne qui, affranchie de chaînes esclavagistes le libèrera au seul profit de l’amour. Une parabole théâtrale et musicale dédiée à la nature, la force de son silence pour délivrer les âmes ou du moins celles de spectateurs avides d’expériences sacrées.

Une nouvelle fois évadé du bagne, François Vidocq se cache à Paris où il se doit d’échapper autant aux services de la police qu’à ses concurrents malfrats, le mieux étant d’utiliser les uns pour annihiler les autres et conquérir sa liberté. Le marché engendre un pur film d’action, resitué dans l’époque napoléonienne instable et guerrière, où règne l’opportunité politique, dont seuls les costumes et la nature des armes semble avoir vraiment changé. Les bagarres succèdent aux fourberies, pistolets et poignards s’agitent, le sang coule, quelques bons mots fusent, les acteurs nous amusent et le genre aventure rejoint l’histoire sous forme de divertissement populaire.

Années 60 dans le Montana ravagé au loin par les incendies de forêt, un couple se désagrège sous le regard impuissant de leur fils adolescent impliqué dans le malaise et les frustrations d’une mère battante et d’un père dépressif (voire l’inverse), elle quadra pimpante en mal de séduction, lui chômeur frustré recyclé pompier. La décomposition du foyer se traduit en GP introspectifs ou éclate en impudeur trouble, libérant les émotions contradictoires du passage à l’âge adulte révélées et figées en un ultime portrait de famille. Un premier film intimiste qui s’unit à la subtilité littéraire originelle par sa propre écriture cinématographique et le jeu tout en nuances des trois acteurs. Une saison ardente - Richard Ford - Editions de l’Olivier - 1991 .

A son retour de captivité, un journaliste de guerre ex-otage fait une pause et retourne en Inde partageant son séjour entre Goa lieu d’enfance avec son père et Mumbai où réside sa mère. Quête de repères d’un homme entre son passé et son avenir, vécue dans le présent d’une rencontre avec une jeune indienne, cette restructuration se construit au fil des environnements traversés, d’une culture autre, d’une transformation sociétale et d’une invisible émotion volée aux émois de l’innocence amoureuse. Ni distanciation post-traumatique d’adulte, ni romance amoureuse d’adolescente, ce double voyage initiatique est porté par les seules beauté et force de la nature pour y trouver une incertaine justification individuelle.

Années 50, une veuve naïve ouvre une librairie sur une petite île anglaise prisonnière de sa respectabilité aristocratique pour en libérer le poison traditionnel dans la fragile porcelaine d’une tasse de thé. Entre brumes maritimes, robes pastel et fumées d’un poêle vengeur, cette adaptation littéraire au goût de bonbon anglais acidulé donne surtout envie de déguster ses mots, de feuilleter ses pages, d’acheter le livre. La libraire - Penelope Fitzgerald - Editions Petit Quai Voltaire/ 2016.

Une variation sur le suicide, la culpabilité, l’amour au son des notes tendres de Chopin, lancinantes de Mahler va et vient entre Wagner et Offenbach pour d’une valse à un French Cancan faire tournoyer l’intimité et s’enivrer des mots qui offrent leur réalité aux rêves d’acteurs, d’écrivains, de fiancés, d’amoureux…au fil de l’impromptu trimestriel de Hong Sang Soo et du charme de sa poésie.

Drôle de titre pour évoquer les dernières années et les derniers jeux d’un homme que la société empêcha d’être heureux, en brisant sa carrière de dramaturge à succès, condamné aux travaux forcés et à l’exil pour homosexualité. Mais l’irlandais déshonoré par les tabous de son époque assume ce qualificatif (référent au titre de ses contes) égal à sa force dans l’adversité autant que Rupert Everett l’endosse avec sa double étiquette de réalisateur et acteur. La reconstitution est classique, la discrétion d’époque et la représentation de la seule période finale évite toute idéalisation de l’homme ou plaidoyer posthume en nous entraînant vers la découverte ou relecture de ses œuvres.

La fin des années 70 à New York, la déliquescence de la ville en proie à la misère et la drogue, inscrite des murs aux wagons de métros par les graffeurs dans une atmosphère de révolte underground font surgir de cette effervescence l’adolescent Basquiat. Emblématique de la rue, il la traverse pour s’intégrer au monde de l’art et de la création alternative incarnés par Andy Warhol, Nan Goldin, Jim Jarmush… C’est ce temps d’imprégnation et cette émergence individuelle du contexte historique et culturel de Downtown que la documentariste privilégie sur fond d’images d’archives et interviews, hip hop et sources musicales, enrichissant l’intérêt de son propos.

Comment tourner un film dans le film (western tourné au Pérou par des acteurs hollywoodiens) dédoublé en faux film (tourné par une caméra en bois et des acteurs péruviens) où les plans se superposent aux hallucinations pour inverser les réalités ? Illusions du cinéma ou confusion du monde se superposent en ultime film.

Dans la famille il y a une grand-mère et sa retraite, un père et ses arnaques, une épouse et sa débrouille, une petite fille et ses clients de peep-show, un gamin en apprentissage de vol à la tire, une fillette mutique à sauver de la maltraitance, tous unis et désunis dans une fatalité de laissés pour compte entassés dans la caverne aux trésors de leur tendresse. C’est cette solidarité que, film après film (depuis « Nobody knows /2004 » jusqu’à « Notre petite sœur/2015 »), le réalisateur illustre de silences en gestes, des privilégiés aux déshérités affinant son regard sur la société japonaise, sa subtilité se jouant de la filiation, ciselant les liens tissés par la tradition ou détruits par la modernité, pour à travers l’indifférence des uns, la souffrance des autres valoriser la générosité, atteindre la fragilité de l’humanité et la valeur du cinéma.

Pourquoi et comment dénoncer la violence d’une tuerie ardemment revendiquée par son auteur néo-nazi durant son procès, si ce n’est pour la condamner mais aussi pour justifier le cinéma comme art de communication, distancié de la réalité au même titre que les œuvres des peintres exposées dans nos musées. C’est ce que Gus Van Sant avait précédemment tourné dans « Elephant » et c’est ce que propose Erik Poppe au fil d’un plan-séquence, filmé sur les lieux du drame, caméra à l’épaule en temps et sons réels. Avec pour seule intervenante une jeune fille en fuite, sur fond de coups de feu, cherchant sa propre sœur, croisant amis, inconnus, survivants, blessés, confrontée à sa responsabilité autant qu’à sa panique face à l’incompréhension des faits. 72 minutes où la mise en situation par l’image et la peur résultante développent la réflexion et où l’analyse rejoint l’émotion, hors toute gageure formelle. Un témoignage engagé pour rester conscient des choix politiques essentiels à faire.

Impertinent et fort désobéissant ce gamin des Andes que la sagesse du chaman, l’amitié petite fille sage, la patience d’un hérisson et les plumes d’un condor transformeront en combattant héroïque pour aider le grand Inca et protéger sa terre de la soif de l’or des envahisseurs espagnols. Les flûtes péruviennes accompagnent cette odyssée valorisant le respect des aînés, des femmes, de la nature et des lamas cracheurs de bons sentiments, sur un merveilleux graphisme coloré qui engage joyeusement au « réfléchissement ».

A Salem, les sorcières renaissent (du XVIIème siècle et de l’œuvre anti-maccarthiste d’Arthur Miller) et échangent leurs supposés maléfices par posts, textos, sextos, snapchats, selfies, les réseaux sociaux relayant la magie dans l’imaginaire d’une société déboussolée par sa propre folie, celle aujourd’hui d’Internet, ses méfaits et leurs effets sur des gamines délurées et des ados phallos écartelés entre puritanisme et sexualité obsessionnelle. Une hystérie collective regroupe hackers dénonciateurs victimes ou complices de la corruption politique et justice populaire, des pouvoirs patriarcaux, des préjugés sociaux, des radicalisations primaires… dans une poursuite effrénée où libertés d’expression et d’action se confondent et s’unissent en violence vengeresse. Ces délires de dénonciateurs frustrés explosent en images stylisées, travellings sophistiqués, lumières hyper-colorisées, chorégraphie nocturne de vrais et faux plans séquences, défilés rougeoyant du sang versé au nom d’illusions qu’un cinéma créatif et ambitieux offre avec talent.

L’état de mère, démultiplié entre son refus par l’accouchement sous X et son espoir par l’adoption, est traduit par le mot « pupille », titre douloureux d’un film qui parvient à échapper autant au mélo qu’à l’angélisme. La cinéaste aborde cette dualité tabou/réparation en s’attachant à toutes les procédures nécessaires pour apaiser la culpabilité de l’accouchée, régler la phase de transition des services sociaux et combler le désir maternel, trois étapes mettant en cause l’humanité de chacun. Au premier cri sans retour et chagrin silencieux d’un apprenti de la vie répondent les tentatives administratives d’adultes que seuls l’affection et l’amour combleront. Hors pathos, ce parcours de bébé combattant développe les explications en multipliant les personnages, privilégie la pudeur, s’équilibre entre tristesse et tendresse portées par la délicatesse infinie de Gilles Lellouche, l’humour sucré de Sandrine Kiberlain et la lumineuse émotion d’Elodie Bouchez. Après sa comédie « Elle l’adore », Jeanne Herry change de registre pour le meilleur.

Années 80, sur les rives de la Baltique l’été résonne des voix de Lou Reed, Iggy Pop, T Rex… échos d’une rencontre entre rockeurs soviétiques du groupe Kino que la passion de la musique délivrera de tous les interdits, politiques ou amoureux. Duo ou trio s’envolent alors sur des images en N&B surlignées de motifs graphiques électrisés, séquences illuminées par les couleurs de leur liberté fantasmée, connivences créatrices et sentimentales s’entremêlant en un schéma transgressif. En décalage des rébellions hippies, l’autoritarisme politique se fond dans l’explosion des notes et des paroles, leur énergie libératrice et la force créatrice baroque de Serebrennikof (réalisateur dissident assigné à résidence) qui au préalable dans « Le disciple » avait abordé le dogme religieux. La créativité exacerbée des groupes soviétiques retrouve sa place, celle que Brejnev n’a pu lui soustraire et que Poutine retarde sans l’empêcher d’exploser en poème romantique, baroque et musical.

Aux prémisses méconnues japonaises et vietnamiennes de la guerre d’Indochine, un soldat erre entre son deuil familial et son intégration à l’environnement d’un pays à l’envoûtement naturel, la forêt tropicale, les fumeries d’opium, le charme mutique des femmes s’opposant à la violence militaire. Vengeance obsessionnelle, cruauté antagoniste, prostitution organisée, distanciation littéraire jalonnent cet épisode de l’histoire coloniale française au profit des angoisses de virilité, incarnées par des amputations, pénétrations de sangsue, morsures de serpents, maternité assumée. Plutôt que « Les confins du monde » ce sont ceux de la folie de l’homme, dévoré par ses pulsions que Guillaume Nicloux illustre, en écho à celle de Conrad/ « Au cœur des ténèbres » et aux « Confessions » de Saint Augustin sur les choix du destin de chacun, toutes interrogations sur la quête de soi-même portées par un premier plan séquence devenant l’ultime pour que les images portent notre réflexion au-delà de toute douleur. Le 16ème film d’un cinéaste aux ambitions existentielles renouvelées portées par la rigueur esthétique de ses plans et l’intensité spectrale de Gerard Depardieu revenu de Valley of Love pour empêcher vainement une autre disparition.

A Téhéran, les têtes des réalisateurs sont tranchées non seulement par la censure mais aussi par un tueur en série tatouant leur front du surnom de Pig, alors en attendant son tour, Hasan déjà interdit par les autorités s’agite en tous sens sur le parc d’attractions des plateaux de tournage de clips surdimensionnés pour être sacrifié sur l’autel de son égo si ce n’est de son talent. Une farce cauchemardesque accumulant les situations burlesques pour dénoncer l’état de la société iranienne, ses pouvoirs policiers et religieux, ses interdits, sa violence, l’échappatoire des réseaux sociaux…sur un rythme infernal mêlant les idées aux genres, comédie, drame et thriller réunis.

La réalisatrice d’un téléfilm remake des « Larmes amères de Petra Von Kant » tente de choisir son actrice principale et affronte successivement toutes les difficultés liées aux égos des comédiens, aux pressions des producteurs, à ses propres ambigüités, à la mémoire de Fassbinder… Des maquillages aux coiffures, des accessoires aux décors, des loges aux coulisses, entre caméras et plateau chaque détail incarne au fil des successives répétitions les angoisses, frustrations, ambitions, humiliations ressenties au nom de la création en un tourbillon de simulation propriété intrinsèque de l’interprétation. Un miroir décapant du jeu dans et par le jeu.

Affranchie de toutes les contingences matérielles et maternelles, sans âge ni raison, cette mère qui n’en était pas une part chercher fortune sur les routes de la drogue et de l’inconscience, escortée d’un gamin mutique, et accompagnée de son fils cueilli à Rotterdam. Un improbable road movie dans le plat-pays franco/belgo/hollandais, jalonné de mensonges et délires, de rencontres amicales, de souvenirs amoureux entre passé et no future évoquant la parenthèse enchantée des années 70, l’actualité des migrants, les manques affectifs, les choix sexuels pour faire exploser la liberté et sa générosité. Fanny Ardant s’en donne à cœur joie, Arielle Dombasle s’éclate, Patrick Chesnay s’y complait, Vianney titube le temps d’une aventure enjouée et décomplexée à partager au nom de la liberté.

Les conditions de vie imposées par le handicap intégral d’une jeune fille sont mises en exergue au fil du quotidien des siens et de leur acceptation ou refus d’une réalité voire de l’avenir. Choix du maintien familial entre père et jeune sœur, après défection maternelle au profit du placement en centre spécialisé. Compenser par ses rituels et obligations ou consentir à l’aide et ouverture aux autres ? La réalisatrice a choisi la fiction et des acteurs exceptionnels pour illustrer ce plaidoyer de lucidité, tolérance et humanité.

Les tourments passés, présents et futurs d’un catcheur gay mexicain, ex-champion du monde attentif à ses prestations spectaculaires, leur mise en scène, maquillage et pratique physique, acteur et sportif tout à la fois, exceptionnel dans sa flamboyance, fascinant à l’évocation de ses exploits, des souffrances endurées, de la banalité de la violence du milieu et hors catégorie par la force de son dépassement. La documentariste a filmé son personnage caméra 16mm à l’épaule, de ring en ring, poursuivant sa complicité sur Skype pour accompagner ce héros haut en couleurs et en émotions à partager.

Années 80, la société change, se mondialise et se modernise, à Taïwan comme partout ailleurs la réussite devient la raison de vivre de ceux qui malgré tout en ont les moyens. Lung et Chin ensemble depuis leur enfance voit leur couple devenir le symbole de cette évolution et de la désagrégation insensible d’un monde passéiste pour l’un, en devenir pour l’autre mais où aucun des deux ne trouve plus naturellement sa place. C’est par les décors, les cadrages, les mouvements que la liberté se perd dans l’incommunicabilité, les seules apparences régissant les valeurs humaines disparues, la ville même incarnant cette deshumanisation par sa propre transformation hors repères. Alors, les portes d’un ascenseur s’ouvrent et se ferment, le rêve américain titube comme une bouteille de Pepsi Cola, des ombres jaillissent de la noirceur du progrès, l’amour se délité dans la désespérance d’un avenir à redéfinir.

La chronique d’un élève sans grands repères et de ses premiers émois amoureux Une forme un tableau de la société de Taïwan de la décade 1950/60. Une double fresque nocturne et intime où chaque cadrage, chaque contre-champ, chaque arrière-plan dépeint l’évolution du personnage et de la société, innocence et violence mêlées.

Transcendental le jeu de pieds d’un footballeur portugais aux hallucinations canines poilues, champion hors normes de vacuité mentale que ni les gains factices, l’avidité familiale, la science génétique et ses détournements bouffons, le néant sentimental, les politiques extrémistes ou les solidarités migratoires ne sauraient détourner de buts marqués ou pénalty raté. Une farce allégorique dont les images fantasmatiques résonnent d’une flamboyante bande son, écho baroque d’un délire caricatural et cocasse aussi maîtrisé que réjouissant.

Soudainement veuves de leurs maris gangsters de Chicago, quatre femmes poursuivies par leurs débiteurs vont reprendre le flambeau pour assurer leur survie dans une ville gangrénée par la corruption politique, policière, toutes violences machistes, sectaires, racistes confondues. Le prix des libertés de chacune classiquement fonction du pouvoir de chacun, elles s’affirmeront collectivement braqueuses et l’union improbable de leurs individualités les affranchira de leur destin féminin. Scènes de cascades, d’amour alternent avec les moments de deuil ou de séduction, les préparatifs de casse rejoignent l’hypocrisie des harangues électorales ou prêches religieux, des situations inattendues raniment les frissons du genre pour justifier la férocité de la société contemporaine et sa critique. La transposition d’une série anglaise à succès des années 80 dans l’Amérique de Trump, conforte la variété du talent de Steve McQueen et l’acuité de son regard corrosif par le choix de son sujet valorisant joyeusement la féminité.

Dans l’univers clos de sa maison d’enfance, à l’écart du temps et des réalités s’étiole Chela bourgeoise quinquagénaire ruinée partageant sa vie aux côtés de sa compagne. Si la vente des meubles et objets s’inscrit dans la banalité, une fraude bancaire brise le cours du quotidien. C’est l’emprisonnement de l’une qui insensiblement affranchira l’autre au volant d’une antique Mercédès, substitut d’une ouverture au monde et à l’amour illusoire au fil d’un parcours libératoire. Déjà scindé par l’attitude de chacune des femmes, les décors feutrés, reflets des cruels vestiges des dictatures successives, le récit secret et mutique se démultiplie dans les cris et couleurs de la prison avant de résonner à travers la sexualité joyeuse d’une jeune rencontre, laissant miroiter l’espoir que l’héritage assourdi de violence et d’injustice soit dépassé pour ouvrir la voie d’une société nouvelle. Un étouffement envoutant pour une espérance fantasmée de liberté en tous lieux et à tout âge.

Une française part dans une forêt séculaire japonaise en quête d’une herbe médicinale rare aux vertus salvatrices, ses rencontres avec un garde-forestier et une vieille cueilleuse de plantes solitaire vont s’intégrer à la magie espérée de la confusion entre les amours et le temps. La splendeur de la forêt, la mutation de ses couleurs saisonnières d’où surgissent les souvenirs de passions enfouies accompagnent cette traversée de l’éternité, vie et mort se régénérant à l’infini entre les êtres et la nature. Juliette Binoche est une radieuse passagère de cette balade éphémère.

Le centre artistique de Checkford, situé dans l’ancienne usine à pain d’une petite ville imaginaire de l’Etat de New York, ouvert depuis plus de quarante ans est soudainement mis en péril par l’ouverture d’un lieu concurrent plus commercial et superficiel au grand dam de ses fondatrices heurtées par cette modernité de pacotille, trompeuse et débilitante. Leur lutte contre la corruption locale, la disparition des connaissances théâtrales et musicales, la perte des valeurs humaines, le non-respect du goût intellectuel et jusqu’à gustatif du public participe d’une véritable épopée naturaliste au nom de la création indépendante contre l’économie capitaliste. En deux parties complémentaires et différentes dans leur narration, Patrick Wang ouvre notre regard avec l’énergie joyeuse du désespoir à cet état du monde d’aujourd’hui qui n’a rien d’irrémédiable, preuve en est le propos et l’humanisme de ses films.

S’engager dans le corps des sapeurs-pompiers c’est accepter la discipline militaire, les exercices, entraînements intensifs, toutes procédures d’intervention vécues en caserne et en famille, la vocation effaçant les obligations au profit de l’héroïsme ou les dramatisant au son de La Marseillaise et au nom du risque. Aucun pour Pierre Niney qui endosse le rôle de soldat du feu sauveur et valeureux à celui de grand brûlé défiguré victimisé par les flammes dans un très long film démonstratif au propos généreux où toutes les bonnes volontés médicales, nationales, familiales sont justement récompensées.

Avec 34 millions d’habitants sur 82 000 km2, Chongqing plus grande agglomération au monde ne cesse de grandir au rythme de la croissance économique chinoise, au détriment des plus humbles habitants d’un quartier voué à la démolition. Dans les ruelles, entre les poules, les petits commerces, les prostituées brillent les sourires d’un gamin et d’une trieuse de déchets collectionneuse de souvenirs qui des gravats de Shibati au nouveau quartier du Jardin du Thé lient la tendresse infinie du passé à celle de l’avenir. Le documentariste échange mots et photos, images et poésie au long de trois séjours sur deux ans les transformations économiques et adaptations d’un monde en mutation entre ruines et gratte-ciels, lumière et lune.

Biens sous tous rapports cette quinquagénaire en manque d’amour et son complice engagés dans une association de réinsertion pour ados en difficultés scolaires, et déterminés à user de leur bonne volonté pour les y aider. Et ça marche autant pour eux par des moyens joyeusement douteux que pour nous par leurs accents généreux, le réalisme de la société se mêlant à l’humanisme au fil de situations enjouées, positives sans mièvrerie ni moralisme béat, usant d’arnaques pour dénoncer avec subtilité injustices racistes, abus de tous les pouvoirs sexuels, policiers, criminels. Après « Nous 3 ou rien » Kheiron continue de décliner l’exemplarité de ses souvenirs, sa main dans celle de Catherine Deneuve sous le regard naïf d’André Dussolier unis en une ronde sociale aux résonances orientales.

Affectueux et joyeux ce trio familial, sœur, frère et fillette composant au mieux avec les contraintes ou libertés du célibat, jusqu’à un attentat terroriste brisant cette légèreté parisienne. Tout semble basculer hors les sentiments qui renaissent insensiblement du deuil même, au fil des situations traumatiques, de leur réalisme, du dépassement de tout catastrophisme ambiant jusqu’à la fragile résilience scintillant entre les larmes et sourires du passé et du futur. Après « Memory lane » et « Ce sentiment de l’été » le réalisateur continue sa quête de renaissance.

Dans les bidonvilles et ruelles labyrinthiques de Mumbay sévit un tueur psychopathe poursuivi par un flic ripoux, le premier encombré de voix schizophréniques et le second chargé de cocaïne, chacun tour à tour prédateur ou proie dans un chassé-croisé de pure barbarie. Filmée façon clip survolté, la rage explose en scènes horrifiques reflétant la terreur ressentie, en images d’armes forgées et trainées parmi les sons, cris et pleurs échos des coups, viols et meurtres. Le réalisateur, après « Gangs of Wasseypur » et « Ugly » dénonce à travers ce nouveau tableau glauque et virulent la violence de son pays.

Beshay un quinquagénaire lépreux vivant du tri de la décharge publique décide à la mort de sa femme de retrouver sa propre famille. En route avec âne et charrette et rejoint par Obama jeune orphelin collègue de collecte, le trio longe le Nil et les pyramides croisant au fil d’un parcours picaresque policiers zélés, dévots religieux, voleurs, mendiants ou autres mutilés de la vie en quête chacun de leur propre survie. Interprété par deux acteurs non professionnels, ce premier film reflète la part non regardable et mal acceptée de la société égyptienne, ses différences sociales, médicales, culturelles (minorités chrétienne, nubienne, handicapés) au travers de la naïveté de ses deux héros en quête d’une attention, d’une générosité, d’un respect que ni leurs compatriotes ni encore moins les critiques de cinéma ne sauraient leur accorder. Alors aux spectateurs de le faire.

Une jeune élève disparait de son lycée, tour à tour ses camarades de classe sont interrogées et soupçonnées de l’avoir poussée au suicide. Comment s’en défendre ou s’y associer, partager l’attraction adolescente envers la mort, subir l’injustice des persécutions parentales, les peurs des instances éducatives et dépasser toutes les formes de culpabilité pour seulement avoir envie de vivre ? Un premier film ambitieux dénonçant ce fléau national du suicide en cherchant les racines d’un mal culturel encouragé dès l’école par l’esprit de compétition, reflet d’un désir effréné de réussite économique et sociale au détriment de la seule espérance.

Plutôt que d’enseigner à lire et conduire aux étrangers, le réalisateur et sa scénariste devraient apprendre à divertir sans cumuler les clichés « bobos », les références nazies, les poncifs racistes, les gags répétitifs…Dommage que les meilleures intentions du monde n’évitent pas le pire aux spectateurs, aux migrants, voire même à Agnès Jaoui reléguée à son énième rôle d’hystérique dans cette farce aux objectifs inversés par leur balourdise.

Il est temps de découvrir Mikio Naruse contemporain de Mizoguchi, Ozu et Kurosawa que leur renommée autant que son strict attachement à la vie quotidienne des femmes avaient relégué dans leur ombre. Ses portraits empreints de poésie irradient la valeur de vies simples, des rapports générationnels à l’avenir des geishas, de la place des veuves à leur douleur, à travers la beauté et le jeu des plus grandes actrices de son époque. DVD 1 : LE GRONDEMENT DE LA MONTAGNE (1954 – N&B – 91 mn) So Yamamura, Ken Uehara, Setsuko Hara Adaptation d’un roman du Prix Nobel Yasunari Kawabata DVD 2 : AU GRÉ DU COURANT (1956 – N&B – 112 mn) Hideko Takamine, Mariko Okada, Haruko Sugimura Activités menacées des geishas DVD 3 : QUAND UNE FEMME MONTE L’ESCALIER (1960 – N&B – 106 mn) Hideko Takamine, Mayasuki Mori, Reiko Dan, Tatsuya Nakadai,Daisuke Kato Vie nocturne de la capitale sur fond de jazz. DVD 4 : UNE FEMME DANS LA TOURMENTE (1964 – N&B – 94 mn) Hideko Takamine, Yuzo Kayama, Mitsuko Kusabue, Yumi Shirakawa Chronique sociale et sublime mélodrame. DVD 5 : NUAGES ÉPARS (1967 – Couleurs – 104 mn) Yuso Kayama, Yoko Tsukasa, Mitsuko Kusabue,Mie Hama 89ème et dernier film du cinéaste Deuil et culpabilité croisés.

Copains d’enfance et de misère ces deux ados de la banlieue romaine dont un accident de voiture va faire dévier le parcours vers la mafia et ses promesses de réussite. Des gamins immatures, confondant jeu et réalité, basculant dans la criminalité comme aspirés par la banalité de la violence, son héritage mortifère irréversible. Les réalisateurs évitent les clichés mafieux et le néo-réalisme sanguinolent à la fois à travers la rage de l’amitié de leur duo d’acteurs et une distanciation particulière de l’environnement, privilégiant la rigueur des plans et du jeu à l’improvisation et aux effets dramatiques pour donner à leur film un ton novateur qui leur a valu une sélection méritée à la Berlinale.

A Tunis, un père cariste portuaire proche de la retraite attend tout de son fils à la veille du bac, surprotection étouffante qui pourtant n’empêchera pas le lycéen de faire le Djihad nouvel attrait vers un monde meilleur, mirage de l’extrémisme religieux succédant à celui de la réussite sociale classique usée par les régimes politiques et révolutions inabouties. C’est par les gestes du quotidien, leur humilité et jusqu’à leur dépassement que la réalité se mêle aux espoirs qui transcendés par le deuil renaissent du désir inaltérable de transmission à travers la filiation. Un regard croisé sur les idéaux générationnels et leurs mutations.

Elles sont gitanes ces deux ados au parcours défini par leurs traditions patriarcales, sexistes et restrictives que chacune à sa manière dépassera en découvrant l’amour. L’adaptation endiablée d’une histoire vraie est enlevée par la force juvénile, l’émancipation individuelle, l’éveil sensuel, la différenciation sexuelle et l’authenticité de comédiennes et comédiens non professionnels en immersion dans leur communauté. Un envol rythmé et coloré.

En Laponie province suédoise excentrée, les Samis éleveurs de rennes répartis à l’extrême Nord de la Scandinavie sont considérés et étudiés comme une population autochtone arriérée. Contrainte à assister aux obsèques de sa sœur, une septuagénaire se souvient de ses choix d’adolescente et de son renoncement à son identité culturelle induits autant par les regards et actes méprisants envers sa communauté que par l’enfermement culturel de sa famille, unis en une intolérance partagée. De Elle Marja à Cristina et inversement, le parcours est cruel de l’exclusion à l’émancipation pour retrouver des racines inaliénables, la réalisatrice l’emprunte entre récit identitaire et quête initiatique avec une commune distanciation sociologique et émotionnelle, accentués par le talent de ses actrices et la beauté des images.

La section cinéma de la 1ère littéraire du Collège d’Ivry est confiée chaque année à un cinéaste différent. Au tour de Claire Simon qui va filmer ses 10 élèves, les laisser formuler par l’image et la parole leurs relations parentales, amicales et amoureuses. De sincères portraits d’adolescents exprimant leurs attentes face à leur vie future.

Les films ou documentaires évoquant Yves Saint Laurent se superposent et succèdent mais voilà que celui-ci diffère en s’attachant à la seule angoisse de la création et en s’y associant au titre même de cinéaste par les images, leur esthétique, la déconstruction du temps, le mélange entre l’intime pathétique et l’officiel flamboyant. Des regards dissociés sur les défilés, la mode, art éphémère pérennisé par les œuvres d’un couturier magicien des formes et des femmes, somnambule hors présent et temps, survivant dépressif, protégé par son mentor, leurs rictus communs et l’amour.

Un chef d’orchestre en caleçon se retrouve dans un commissariat où un inspecteur pointilleux bat la mesure d’un interrogatoire irrationnel et où un meurtrier qui n’en est pas un le devient pour libérer le théâtre de l’absurde. Benoît Poelvoorde nous condamne donc à rire de ce thriller surréaliste et drolatique, 6ème film (après « Steak », « Réalité » + une période américaine) de Quentin Dupieux maître incontesté d’une réflexion burlesque sur notre société.

Bienheureux ce jeune paysan, simple maillon d’une chaîne d’exploitation entre une propriétaire décadente de champs de tabac et une communauté rurale anachronique excentrée. Son regard innocent témoigne de la cruauté humaine partagée entre pauvres et riches avec la même tranquille égalité. L’anachronisme des situations, la splendeur de la nature et la rigueur l’environnement nous égarent aux limites d’un fantastique prorogé par le retour du héros, ressuscité d’une mort accidentelle. Des années ont passé, la campagne est devenue banlieue désertifiée, ses compagnons de misère sont convertis en réfugiés isolés ou nobles ruinés ensemble condamnés à d’égales difficultés de survie, et c’est avec la même innocence généreuse qu’il partage leur quotidien et leurs rêves de retour aux conditions d’autrefois. La réalisatrice, après « Les Merveilles » joue entre fable politico-sociale, conte philosophique ou métaphore merveilleuse entre passé et modernité pour enchanter le renouveau du cinéma italien.

1953 l’armistice entre les deux Corées devient un enjeu pérenne de la guerre froide. Années 90/ Séoul, Black Venus recruté par les services secrets du gouvernement sud-coréen, avec pour mission de repérer les installations nucléaires du Nord devient un homme d’affaires faussement naïf, prêt à tout pour faire du commerce par l’intermédiaire de Pékin, rencontrer à Pyongyang le dictateur Kim Jon-Il et accomplir son devoir. A dessein, le réalisateur évite les aspects spectaculaires propres à l’action, leur préfère les manipulations politiciennes, privilégie l’intrigue techniquement mise en valeur à travers le double langage de son agent pour valoriser l’espoir partagé entre deux pays qui n’en feraient qu’un si leur peuple unique pouvait choisir, c’est le message qu’il transmet en ralliant émotion, tension avec espions. La véracité de cette opération et sa dimension géopolitique rejoignent trente ans plus tard l’actualité de la diplomatie.

Un lieu dédié aux secrets que cet hôtel situé entre Hollywood et Las Vegas, leurs mythes et rêves cauchemardesques, paroxysmes d’une violence entretenue par la culture et la contre-culture de la société américaine. Une nuit d’orage réunit clients, résidents ou visiteurs contraints de se croiser, se confier, se menacer, s’exterminer en un jeu de massacre tarantinesque entremêlant corruption, sexe, religion, argent, pouvoir, racisme … échos de la CIA, du Watergate, du Vietnam, des sectes, des assassinats politiques…

Il court il court cet homme d’affaires, éblouissant orateur, qu’un AVC ravageur va précipiter dans une confusion d’élocution. Sa mémoire vacille, ses paroles trébuchent au rythme effréné des plans traduisant la seule valeur de l’immédiateté et des mots que Luchini excelle à faire virevolter pour reconquérir le chemin de sa mémoire à travers celui de Compostelle et réapprendre à voir, écouter, partager. Pour dépasser la stricte adaptation autobiographique le réalisateur cavale entre l’exercice de style et d’humour avant de rattraper l’émotion et la raison et rejoindre l’intemporalité des comédies de la vie. J’étais un homme pressé - Christian Steiff - Editions Le Cherche Midi – 2014

Années 50/60, une charmante provinciale tombe amoureuse puis enceinte d’un petit bourgeois parisien fils à Papa qui, sans refuser lui, de le devenir épisodiquement, s’oppose à la reconnaissance de l’enfant. Une situation morale difficile, vécue par le couple mère/fille au rythme des apparitions et actions destructrices du manipulateur. Adapter un roman implique des choix, Catherine Corsini a opté pour une reconstitution appliquée des mœurs sociales de l’époque, au détriment de la violence des douleurs imposées par un pervers narcissique exemplaire réduisant l’ambigüité du personnage au seul machisme de classe. La rugosité des mots de Christine Angot, expression des interdits, s’affadit en longue illustration portée par Virginie Efira qui aussi talentueuse soit-elle n’a plus les 20 ans de l’héroïne et des réincarnations successives de sosies de l‘écrivaine, une application imagée brisant la distanciation nécessaire à l’évocation littéraire de l’indicible. Un amour impossible - Christine Angot - Editions Flammarion - 2015

En Août 2000 un sous-marin nucléaire russe participe à des manœuvres militaires de prestige dans la mer de Barens et coule à la suite de l’explosion fortuite d’une torpille. Les cloisons blindées ont créé un espace protégé où 23 marins ont trouvé un ultime refuge. Un film de genre exemplaire où les éléments extérieurs et raisons politiques (commandement des armées, tentatives ratées de sauvetage, pseudo ingérences internationales, attente des familles) s’entremêlent aux effets techniques des conditions physiques (lutte pour la survie, espoirs et colères) pour rappeler classiquement (sans débordements d’émotion ni d’effets spéciaux) un authentique accident, ses causes et conséquences.

2009 l’opération militaire « Plomb durci » frappe un village agricole des faubourgs de Gaza. Le titre même de cette intervention traduit son intensité et sa volonté de ravages. Pour dépasser l’inhumanité de cette innommable réussite, le documentariste rend leur mémoire aux survivants à travers leurs témoignages, des prises de vues restituées en 3D et la transcription des faits par de noirs dessins animés (Simone Massi)au son des bombes. Le deuil par l’image et la vie dans le regard d’une fillette émergée des décombres, témoignent avec rigueur de l’éternité des guerres, de leur injustice et de notre incapacité à y mettre fin.

Le Roi de Tipokia, île du Pacifique peut-il protéger la civilisation de ses ancêtres et continuer à la transmettre face à l’évolution, au progrès, à l’invasion touristique, à la pollution par les déchets… Entre les éléments et l’homme, le combat est tour à tour psalmodié en voix off sur des images entre les flots et les vents ou réduit à un spectacle pour étrangers, toutes forces destructrices égales. Trois expéditions successives ont permis la réalisation de ce film ethnographique qui satisfera les amateurs d’aventures humaines.

Une planque en Allemagne relie les actions du Mossad et du Hezbollah à l’encontre d’une libanaise à exfiltrer ou abattre, marchandise protégée, poursuivie, menacée ou complice, utile à l’un comme à l’autre des services secrets. Les relations qui s’établissent avec son accompagnatrice brouillent les pistes d’un jeu de dupes que chacune assume dans un thriller d’espionnage où le réalisateur dépasse les frontières internationales pour atteindre celles de l’intimité et de la féminité qui font rivaliser les actrices de talent.

Trois ans de vie et plus de trente ans d’oubli pour une toute fille dont la mort a été tue jusqu’à ce qu’intempestivement le mal-être d’un frère ne fasse surgir ce secret de famille. Pour rendre ses rires à une sœur ignorée Eric Caravaca a interrogé ses parents, cherché des témoins, retrouvé des pièces d’état civil, remonté le temps et découvert une tombe dans le carré 35 du cimetière de Casablanca sans que sa mère ne parvienne jamais à sortir du déni qui lui a fait refuser la réalité de la trisomie 21 de son enfant. Un secret de famille induit par le regard de la société, les aléas de la vie, l’immigration, les guerres de décolonisation, la joie de nouvelles maternités pour ensemble entre peur et honte du handicap s’enfouir au plus profond d’une douleur intime intransmissible. C’est évidemment avec une sensibilité extrême que cette quête socio-culturelle se démultiplie, dépassant l’intime pour atteindre l’universel celui de tout cœur maternel brisé.

Il s’appelait Farrokh Bulsara était né à Zanzibar, et dépassa ses complexes de jeune parsi à la dentition surnuméraire à travers les 700 concerts que les 4 octaves de sa voix, son œuvre lyrique, son exubérance physique libérèrent sur scène à l’encontre de la pudeur revendiquée de sa vie privée. Vingt ans de la vie de Freddie Mercury nous sont donc conventionnellement offerts de sa rencontre avec Brian May et Roger Taylor, leurs collaborations de « Ibex », « Wreckage », « Smile » jusqu’à « Queen », exprimant l’esprit du groupe, son acoustique exceptionnelle, ses aspirations communes, liées aux particularités de leur « champion » pour aboutir à l’intégral épanouissement de la création artistique incarnée au concert Live Aid à Wembley. Ni documentaire, ni tabloïd, mais classique biopic musical genre né avec le cinéma parlant, le film transcendé par la remarquable prestation de Rami Malek s’applique à coller à la performance d’une voix et d’un corps, envol épique vers la reconnaissance de l’artiste. Un ardent hommage dédié aux fans, ceux qui ne peuvent s’empêcher de battre la mesure, de se précipiter sur Vinyles, CD ou tout autre moyen de vibrer, chanter, danser, écouter, se souvenir voire découvrir.

La jeune veuve d’un flic héroïque raconte à son fils ses exploits de superman jusqu’à découvrir sa personnalité de ripou ayant conduit à l’emprisonnement d’un innocent. Inversion des rôles, la voilà redresseuse de torts face à une vérité inavouable qui l’entraîne à son tour dans une cascade de mensonges drolatiques. Les gags se mêlent à la réalité, s’intègrent dans les dialogues autant que dans les situations, s’enchainent dans le dédoublement du burlesque en mots, jouent par l’absurde sur le comique et l’intime, cumulent tendresse naissante et amour retrouvé pour concilier le retour à l’espoir d’une vie, de ses petits bonheurs et rêves de gamin et d’adultes. Devant ou derrière leurs masques, Adèle Haenel, Pio Marmaï et leurs comparses Damien Bonnard et Audrey Tautou cachent leur jeu et révèlent en chœur leurs qualités. Elles sont rares les comédies aussi joyeuses que positives, Pierre Salvadori, depuis (Les « Apprentis »… « Comme elle respire » …« Dans la cour » persiste et signe avec force et talent.

Pour garder la subvention de son club de basketteurs déficients mentaux leur entraîneur mêle à ses deux seuls joueurs des équipiers border line mais efficaces. Cacher la supercherie devient un autre challenge pour ensemble revenir médaillés des Jeux Paralympiques. L’imposture authentique d’une équipe espagnole en 2000 à Sydney passe les frontières pour aborder par l’humour celle des différences, leur franchissement entremêlant jeu de basket et de mots, situations comiques et esprit de compétition pour effacer les préjugés et changer les regards sur le handicap. Une comédie généreuse et joyeuse à encourager pour faire triompher la tolérance.

Dès la première image le corps s’expose, celui d’un homme nu introduction plastique du questionnement sur la contradiction ou l’harmonie entre physique et mental, quête portée par une quinquagénaire phobique au contact tactile. Contrepoints de divers thérapeutes, tour à tour ou ensemble, un escort-boy, un garçon atteint d’alopécie, un handicapé moteur, un travesti baraqué (tous allègrement tatoués) vont accompagner le parcours de la cinéaste sur sa propre problématique. Dommage que l’alternance systématique entre fiction et réalité, esthétisme et naturalisme, crudité et intimité, décors cliniques et backrooms sado-maso oscille alors entre exercice formel et fausse démonstration provocatrice au détriment d’une réflexion sur la jouissance, la liberté et nos différences. Contrairement aux jurés titillés de la Berlinale, les voyeurs risquent la déception.

Il a incarné le renouveau d’une Italie toute en paillettes plus de 20 ans durant, il a été chassé, condamné mais Silvio Berlusconi survit et renaît sous la caméra métaphorique de Paolo Sorrentino et les traits sublimés de Toni Servillo. D’une durée de 3h20 pour les italiens, raccourcie à 2h30’ en version internationale, le biopic qui lui est consacré, étonne et trouble par son ambigüité. Pamphlet politique ou panégyrique tendancieux, défilé pop clinquant, clip à rallonge d’objets sexuels, étalage de pure vulgarité ou prestation miroir du pantin surestimé ? A voir ou non pour le savoir.

Les patientes d’un chirurgien esthétique, une veuve traînant son ennui, la mère d’une fugueuse réfugiée dans le déni font le profit d’un hypnotiseur exerçant sur la Côte d’Azur. A cette collection de banales insatisfactions succèdent celles de la violence organisée par des milices de frustrés trouvant leur compte face à un monde responsable de sa propre dégénérescence. Une accumulation de séquences intègre une intrigue criminelle elle-même dédoublée en pseudo reportage local pour constituer un puzzle chaotique reflet au fil des situations du mal être de personnages victimes de l’utopie d’une société du progrès incarnée par Sophia Antipolis ersatz de la Silicone Valley. Le discours est simpliste et la démonstration alambiquée.

Un Festival européen réunit chaque été à Gennetines, village de l’Allier, des amateurs inconditionnels de la danse dans une même communion de corps et d’esprit. En couples, en groupes, seuls, au son des guitares, flûtes, harpes, violons et accordéons ils virevoltent intégrant la musique à travers leurs mouvements en une libération collective, dont gestes et sourires nous entraînent dans le partage d’un même tourbillon éphémère. La caméra glisse et tournoie sur les rythmes, effleure les doigts croisés, donne son sens au toucher, des interviews soulignent cette quête (affadie par une voix off enfantine) ponctuant l’euphorie sensuelle des images de ce poème visuel et sonore.

Ils ont un format de 50 minutes chacun ces courts-métrages croquant ces artisans cordonnier et boulanger, ces maniaques des souvenirs et du quotidien, ces interrogateurs de l’autre. Philippe Labro académise ses questions pour enrichir sa quête et Bernard offre en miroir les siennes sur une scène. Des vies reflets de l'humanité filmées pour le plaisir du cinéaste comme un journal intime en images collectées et collectionnées (déjà dans "Vies" en 2000) pour être partagées successivement par paires ce 31 octobre.

Une chanteuse au succès passé prépare son retour sur scène quand un soudain accident cérébral lui fait perdre la mémoire. Son amie et agent engage comme répétitrice une fan éperdue, accro de karaoké. Le dédoublement de personnalité, les sortilèges de l’identification, la falsification des personnalités se fondent dans l’élégance des décors, l’esthétique des cadres, le rythme des plans séquences, les métamorphoses des actrices la vacuité des silences et les ellipses temporelles. Violeta fredonne Lila qui chante la mémoire d’un fantôme et leurs chimères se réincarnent dans la confusion de leurs voix et rêves. Dommage qu’un désir de réalité illustré par une redondance relationnelle mère/fille ne falsifie à son tour l’atmosphère de cette ubiquité baroque.

Ils ont un format de 50 minutes chacun ces courts-métrages croquant ces artisans cordonnier et boulanger, ces maniaques des souvenirs et du quotidien, ces interrogateurs de l’autre. Jacquotte s’attache à éterniser le passé, Daniel à ritualiser le présent,Des vies reflet de l’humanité filmées pour le plaisir du cinéaste comme un journal intime en images collectées et collectionnées (déjà dans « Vies » en 2000) pour être partagées successivement par paires les 24 et 31 octobre prochains.

Ils ont un format de 50 minutes chacun ces courts-métrages croquant ces artisans cordonnier et boulanger, ces maniaques des souvenirs et du quotidien, ces interrogateurs de l’autre. Léon est le champion de la maîtrise de son métier, cuir et colle pour parler du respect des hommes sur leurs pieds, Guillaume est le fruit de la société de consommation et de ses aspirations commerciales.Des vies reflet de l’humanité filmées pour le plaisir du cinéaste comme un journal intime en images collectées et collectionnées (déjà dans « Vies » en 2000) pour être partagées successivement par paires les 17/24 et 31 octobre prochains.

La découverte récente des enregistrements du procès de l’Etat d’Afrique du Sud contre les membres de l’ANC en 1963/64 à Rivonia, rend la parole aux accusés et la redonne à ses survivants (accusés & avocats). Les 256 heures d’archives récupérées se mêlent donc aux témoignages actuels, l’«Apartheid » institution étatique a été supprimée, ils ont échappé à la mort, Mandela est resté emprisonné 27 ans durant, il a gouverné, est décédé et pourtant les traces de la légalisation de la suprématie blanche perdurent aujourd’hui dans la misère des bidonvilles et l’inégalité sociale. Un authentique moment historique sonore entrecoupé des commentaires de Winnie Mandela et des sombres images animées de Oerd van Cuijlenborg, où les 4 étapes de la justification de la lutte anti-raciste sont revendiquées « sabotage, guerilla, violence, démocratie », inversant l’injustice de l’accusation officielle en tribune de libération politique et cri d’égalité humaine. A voir et à partager.

Objectif lune, Oscars et retombées pécuniaires des 50 ans de célébration à venir, la Mostra de Venise n’étant qu’une étape dans la conquête héroïque de spectateurs. Comme à la Nasa, tout est bien préparé, le choix et la popularité de l’acteur, ses heures de maquillage, d’entrainement et l’intériorisation de son jeu, la documentation parfaite du contexte de l’époque, la reconstitution technique mêlée aux images d’archives avec en contrepoint l’humanité intimiste du héros, la douleur insurmontable de la perte de son enfant, l’humilité de son épouse, les deuils de collègues, les dangers et failles des exercices, l’extrémisme de l’expérience… pour qu’au final étincèlent encore, au-delà des effets spéciaux et de toute technicité scientifique, la fragilité humaine et l’éternité de notre rêve de clair de lune ou de lumière bleue terrienne. Après « Whiplash » et « La La Land », Damien Chazelle quitte l’univers musical et poursuit dans son propre espace sa talentueuse aventure cinéphile. James R. Hansen - First man: The life of Neil Armstrong - 2012 - Editions Reissue.

15 ans l’âge du devenir pour l’ado en lutte acharnée contre son corps qu’il maîtrise pour à la fois intégrer le ballet de l’Opéra d’Anvers et subir l’opération de sa mutation sexuelle. Aidée par un père exemplaire, une équipe médicale à l’écoute elle s’impose une discipline physique excessive pour affirmer l’identité féminine qui l’habite. La double souffrance de ce corps à corps relève d’une frustration accentuée par le bouleversement anatomique et l’autodestruction latente propres à l’adolescence, ce qui permet au réalisateur de dépasser les limites de la transsexualité et à son acteur de la porter autant physiquement dans ses exercices et chorégraphies que mentalement par sa sensibilité et sa véracité. La caméra à l’épaule épouse les mouvements des danseurs, traque les réactions d’un environnement hostile ou moqueur, les silences révèlent les pudeurs et souffrances des premiers émois amoureux et ce premier film lumineux fait rayonner l’espoir.

Les fêtes de fin d’année réunissent dans leur maison de campagne les membres d’une famille terrienne brésilienne qui s’insupportent autour de la patriarche, frémissent dans la peur de l’élection de Lula leur nouveau Président et se rassemblent pour la célébration initiatique des 15 ans d’une fille aînée. Sexe et cocaïne s’entremêlent plus que les classes sociales sur fond d’aigreur et décadence bourgeoise avérée. Tchekov avait déjà analysé ces rapports sociaux familiaux au théâtre, Lucrecia Martel les avait repris au cinéma dans « La ciénaga », les racines culturelles des deux pays d’Amérique latine sont similaires, et le mal être de ce film choral reste tout aussi dérangeant, les supports changent, les temps aussi mais les privilèges demeurent…

Années 70 à Anarene Texas, les seules distractions sont un café et un cinéma où rêver d’un présent autre que l’alcool consolateur et les innommables déviances sexuelles compensatrices. Ce quotidien glauque et désespéré Peter Bodganovich l’évoque par la rigueur de ses plans, le rythme des scènes pour transcender la réalité d’une chronique d’une Amérique désillusionnée. Des bonus exceptionnels enrichissent ce coffre

Années 70, cette fois à Singapour dans une maison close à succès dirigée par un exilé américain fréquentée par des post-colonialistes en temps de guerre du Vietnam. Le sexe et ses dérives filmé avec la même maîtrise mutique liée à la force des images et au rythme du montage. Redécouvrir Peter Bodganovitch est indispensable.

L’image d’un immense entrepôt de livraison que parcourent fiévreusement des silhouettes d’employés introduit un film doublement sociétal et familial où la banalité quotidienne d’un contremaître par ailleurs père et mari aimant, illustre les conditions humaines actuelles. De disparitions en reconstructions les silences rythment le parcours de fugue d’un quadragénaire provincial qui entre ses doutes, son désespoir, ses colères trouvera la force de ne jamais trahir ses racines, perpétuer ses engagements et construire son avenir avec les siens. Cette quête d’un nouvel équilibre à établir pour s’adapter à notre monde, recréer les schémas traditionnels en conservant ses propres valeurs, le réalisateur l’exerce lui-même dès le traitement du scénario, sa transcription en images et sons, l’alternance de décors, plans séquence et gros plans, l’improvisation des mots. Le suivi chronologique et le naturel des situations à travers des dialogues improvisés par notre héros, ses collègues, femme, enfants, sœur, mère… les bégaiements, hésitations, rires et larmes de Romain Duris (exceptionnel), Laetitia Dosch, Laure Calamy… accentuent l’authenticité des aléas de la vie, restituent la fraternité d’un prolétariat rénové et l’amour éclaté en une juste et rare alchimie de la vie et du cinéma.

1956, la répression du mouvement révolutionnaire hongrois se répercute jusque dans les rangs de lycéens d’une petite ville prospère du bassin sidérurgique de l’Allemagne de l’Est, par la seule force exercée par une minute de « silences ». Un pluriel pour une jeunesse engagée dans trois temps simultanés, le passé du nazisme (parents traitres ou héros), l’avenir (fuite et exil) déterminés par cette action de résistance passive dans le présent (prise de position politique) d’une insurrection idéologique. C’est à travers l’innocence, l’enthousiasme et les doutes de ces adolescents que le réalisateur inscrit leur histoire (vraie) dans l’universalité de l’action et de la pensée, propagande soviétique ou fake news actuelles, manipulation contre réflexion essence même des valeurs humaines. Une adaptation universelle du récit autobiographique de Dietrich Garstka « La classe silencieuse ».

Se plaire au hasard d’une rencontre entre un jeune breton et un écrivain parisien, s’aimer au rythme enflammé de l’un et attentionné de l’autre et courir pour échapper à la malédiction du sida. L’espoir côtoie la conscience de la mort au fil d’une chronique amoureuse que le réalisateur traite en unissant les cinémas de Truffaut et Fassbinder, les mots d’Hervé Guibert et Bernard-Marie Koltès, les sonorités d’Anne Sylvestre et Musique Attack, le passé des années 90 émergeant de ses souvenirs au fil de son propre parcours initiatique. Les corps irradient de désir, les cœurs de passion, la grâce onirique des moments de souffrance solitaire pacifie la détresse, les images bleutées s’illuminent de bonheur rêvé, le vouvoiement de certains dialogues distancie le réalisme au profit d’un subtil badinage, l’alternance de scènes partagées avec l’amitié d’un voisin, l’innocence d’un enfant, la bienveillance des femmes participent d’une même lutte incarnée par le charme fulgurant de Pierre Deladonchamps, l’humour de Vincent Laffite et la complicité de Denis Podalydès. Ce 7ème film de Christophe Honoré rayonne à la fois d’une infinie tendresse et d’un immense talent dont profiter.

Un générique de fin pour initier une chorégraphie radicale et sensuelle, un autre central pour accentuer sa forme hallucinatoire et un dernier pour lui rendre sa réalité cauchemardesque. Sur un rythme que la drogue rend effréné, corps et esprit fusionnent dans un film de genre horreur réactualisé dont les images inversées, les plans séquences, les couleurs saturées sont censés mettre en valeur la créativité ou l’humour du réalisateur, si ce n’est le plaisir des spectateurs englués dans une « irréversible » communion hypnotique. A chacun ses expériences ou ses délires.

Un flingue pour un taf et une prise d’otages dans une agence de chômage pour apeurer Pôle emploi. La théâtralité d’un huis-clos entrecoupé de flash-back ou rêves soutient le discours de pseudo choix imposés par les problèmes de la société : résignation, révolte, prise de risques, solidarité et au-delà du désespoir l’amour et l’argent. Un premier film aux manques compensés par ses bonnes intentions et un final vengeur.