Mégapole sordide où police et gangs sèment la même terreur, un petit livreur protecteur des cafards du logis qu’il partage avec un copain tombe raide amoureux, chute de son scooter et devient la proie d’hallucinations. Dans un inframonde d’anticipation héros, catcheurs, hommes en noirs, complotistes de toutes sortes cohabitent pour illustrer tout ensemble les problèmes d’écologie, terrorisme, tolérance, racisme, féminisme, violences en tous genres contrecarrés par les valeurs de l’amitié. Après 8 ans de travail pour son adaptation cette BD de « Run » mise en animation par Shojiro Nishimi fait littéralement exploser le genre en qualité graphique, rythme et narration unis pour le meilleur du genre.

Une exposition présentant simultanément sur 13 écrans des court-métrages dédiés à l’art a tourné dans le monde deux ans durant, son concepteur la reprend sous forme d’un film les agrégeant chronologiquement. Cate Blanchett, tour à tour SDF, chorégraphe, institutrice, déguisée, sous perruque, en marionnette est toujours là pour disserter, disséquer, se moquer des successifs manifestes de Marx et Engels jusqu’au Dadaïsme, situationnisme, conceptualisme…de l’architecture aux arts graphiques, cinématographiques et à la danse. Catalogue exhaustif, inventaire ubuesque ou questionnaire sur la création artistique, à chacun de choisir mais l’actrice répond à tous les critères par ses 13 prestations.

De son premier cri à l’âge de 1 an le bébé grandit et le poids de son cerveau passe de 400gr à 1kg, cette croissance physique et mentale nécessite une même aide pour réussir son développement. Gérer les émotions, être à l’écoute, repérer les prédispositions individuelles, accompagner… la réalisatrice convoque neurobiologistes, éducateurs et parents pour coordonner explications, moyens et recettes qui liés à l’amour feront de l’enfant un adulte parfaitement intégré, adapté socialement et heureux ?

Tranquille et naïf Lancelot l’était jusqu’à ce qu’un escarpin bleu reçu sur la tête ne l’éveille au sexe et à l’amour fou tout aussi abruptement brisé par la chute lacustre d’une voiture rouge, alors pour dépasser ce deuil le voilà parti en quête des mystères de son bonheur passé avec Irina. Une fantaisie décalée où un rêveur affronte d’étranges réalités plus difficiles à illustrer qu’à faire naître de notre imaginaire à la lecture du roman de Véronique Ovaldé, mais l’adaptation garde un charme incertain et la poésie des mots de Verlaine.

Une clinique psychiatrique excentrée et désaffectée sert de lieu de répétitions à une compagnie théâtrale gérée par une directrice aux exigences expérimentales extrêmes, échos mêmes du lieu, autrefois également utilisé dans le cadre de tortures politiques. Sans folie pas de création, alors privées de sommeil sortiront-elles de leur corps ces deux actrices mises en compétition jusqu’à la représentation finale, leurs hallucinations physiques et tensions morales émergeant des décors, effets spéciaux et règles propres aux films de genre pour, au choix trembler ou somnoler ?

Un vinyle rare, une montre brisée et une chemise à fleurs se mêlent à une escroquerie et un meurtre pour, d’un horloger à une étudiante et d’une coloc à une copine, accompagner une quête de vérité, d’amitié et d’amour. Les passions musicales entraînent les personnages dans une course jazz et métal, rythmes divers qui s’accordent à ceux de New York et font résonner la joyeuse diversité de la mégapole.

Un mariage de gitans fait éclater leur joie et danser les amitiés, deux hommes s’y croisent et poursuivent cette relation de débrouilles en magouilles jusqu’à la mort accidentelle de l’un d’eux. Un deuil insurmontable traversé par la culpabilité et vécu nuit après nuit jusqu’à une soudaine compensation née de l’opportunité d’une survie offerte à l’amour impossible. Librement adaptée d’un roman cubain situé dans un motel de Miami, l’histoire est transposée dans un hôtel refuge de marginaux emprisonnés par l’abandon même de la société, et cherche son équilibre entre le romantisme des cœurs, le réalisme des douleurs. Le naturalisme des scènes, l’esthétisme des plans sur fond de musiques, cris et sons est contrecarré par des flash-back hallucinatoires mutiques où s’entrecroisent fantômes souriants et vrais méchants dans un premier film encore très fragile aux racines hispaniques fantastiques et aux résonances poétiques. Mon Ange - Guillermo Rosales - Actes Sud - 2004.

Se plaire au hasard d’une rencontre entre un jeune breton et un écrivain parisien, s’aimer au rythme enflammé de l’un et attentionné de l’autre et courir pour fuir la malédiction du sida. L’espoir côtoie la conscience de la mort au fil d’une chronique amoureuse que le réalisateur traite en unissant les cinémas de Truffaut et Fassbinder, les mots d’Hervé Guibert et Bernard-Marie Koltès, les sonorités d’Anne Sylvestre et Musique Attack, le passé des années 90 émergeant des souvenirs de son propre parcours initiatique. Les corps irradient de désir, les cœurs de passion, la grâce onirique des moments de souffrance solitaire pacifie la détresse, les images bleutées s’illuminent de bonheur rêvé, le vouvoiement de certains dialogues distancie le réalisme au profit d’un subtil badinage, l’alternance de scènes partagées avec l’amitié d’un voisin, l’innocence d’un enfant, la bienveillance des femmes participent d’une même lutte incarnée par le charme fulgurant de Pierre Deladonchamps, l’humour de Vincent Laffite et la complicité de Denis Podalydès. Ce 7ème film de Christophe Honoré rayonne à la fois d’une infinie tendresse et d’un immense talent dont profiter.

Années 50 au Mexique, une romancière de renom, conquise et conquérante, retrouve après dix ans de séparation l’amant de sa jeunesse, leurs corps intervertissent leurs âges, comme leur amour enflamme leur passion inconditionnelle de l’écriture. Mais à leur complicité littéraire et politique pour la cause amérindienne succède la rivalité du couple quant à la légitimité de l’égalité féminine. Une lutte de reconnaissance contre le machisme ambiant portée par Rosario Castellanos à travers ses poèmes, romans, essais… mise en images dans un puzzle de situations résonnant de douleurs maternelles, d’un quotidien de séduction et mensonges, en écho au fracas des claviers de ses machines à écrire. Pour éviter à tout prix le biopic, la réalisatrice joue avec le temps, acteurs jeunes et matures interchangeables dans le champ et contre-champ d’une même scène, l’esthétisme des décors et couleurs répondant à la créativité solitaire de son héroïne, célèbre en son pays et que ce film nous invite à découvrir dans ses œuvres éditées chez Gallimard « Les étoiles d’herbes » et « Le Christ des ténèbres ».

Années 90, la campagne profonde Lituanienne déchante sans l’aide économique du système soviétique mais un fils d’émigrés aux USA vient enfin retrouver le trésor enfoui par ses parents avant leur fuite. Illusions perdues locales contre rêve américain inversé font le jeu de cette comédie où grognent les hommes et femmes déçus par un vrai quotidien de cochon.

Une lecture en images d’un premier texte de Michel Houellebecq entouré d’artistes musicien, sculpteur, poète, écrivain tous quatre revendiquant leur survie aux souffrances de la société par leur identité recouvrée et leur dépassement de la folie par la conquête de leur liberté créatrice. Un feelgood movie littéraire au romantisme et lyrisme gravés dans les rides et la démarche chaloupée d’un Iggy Pop recyclé.

Les héritiers de Louis XIV se succédant dans la mort plus que sur le trône, le Régent se charge des tractations nécessaires pour perpétuer la monarchie française, organisant un savant échange avec les Bourbons installés en Espagne jusqu’à y intégrer sa propre fille. Ces intrigues et tractations entre les Cours européennes étaient aussi compliquées que banales et aucun des enfants concernés n’avait à s’en mêler. En adaptant ce roman historique de Chantal Thomas, Marc Dugain nous fait pénétrer dans le temps par le cadrage pictural de ses plans, évitant toute reconstitution au profit d’une galerie vivante de tableaux où chatoient les costumes, tremblent les perruques, résonnent les chevauchées. L’époque s’incarne alors illustrant alors la soumission aux destins royaux déterminés, la mortalité galopante, le poids de la religion et son mysticisme, les manigances courtisanes, la bisexualité, sous-jacentes dans les attitudes de chacun des personnages. Le risque de fresque académique fait place à un regard lucide porté sur l’Ancien Régime, passé et actualité éternellement liés à l’exercice du pouvoir. Alors allons voir le futur Louis XV jouer à la guerre, l’infante à la poupée, leur entourage à la politique et le réalisateur au cinéma. L’échange des princesses - Chantal Thomas - 2013 - Editions du Seuil / Points.

La sérénité des paysages du Yorkshire occulte la dureté de leur terre, les difficultés de l’élevage et le désespoir des fermiers compensé par l’alcool et ses violences. Alors quand une improbable histoire d’amour se présente, encore faut-il être en mesure de l’accepter, dépassant la solitude par l’écoute pour remplacer la honte de l’homosexualité par la force des sentiments. Un émouvant parcours entre deux hommes où la variété des sons ajoute son authenticité à la beauté des images pour illustrer avec subtilité une double mutation humaine et agricole.

Dans les années 80 une bande de tueurs avait terrorisé la Belgique sans avoir jamais été repérée, 30 ans plus tard serait-elle de retour ? La simultanéité d’un braquage de banque et d’une action terroriste dans un parking souterrain peut-elle le prouver ou le contredire, s’y ajoutent le respect des codes de l’honneur du banditisme et la cruauté gratuite de purs assassins pour prolonger l’interrogation. Sous tension intégrale le film vibre rythmé parallèlement entre pure action et stratégie de dénonciations, cascades, évasions et soupçons pénétrant les arcanes du pouvoir judiciaire et policier. La petite histoire s’infiltre alors dans celle des tueurs du Brabant pour transformer François Troukens le gangster repenti en réalisateur d'une fiction réelle

Un coup de foudre réciproque rapproche une jeune fille isolée par son bégaiement et un trentenaire solitaire. L’authenticité de leur amour va leur donner les forces indispensables pour dépasser le mutisme de l’une, la honte de l’autre. La libération de ces deux marginaux privés du lien maternel, brisés par un double empêchement du dire et du lire progresse dans l’alternance de décors nocturnes intemporels, de ciels lumineux, de Gros Plans cadrés sur les corps et les visages créant une atmosphère de violence étouffée. Un premier film encore balbutiant (sous influence de A.Kéhiche et de l’autobiographie) mais dont jaillissent vibrantes l’émotion et la sincérité.

Maudit et mutilé le film de Billy Wilder ressort en version restaurée enrichie de 3heures d’images inédites, la reprise des histoires de Conan Doyle mêlées en puzzle transforme les personnages en héros cyniques ou alcooliques pour rimer avec ironiques et mêler l’aventure à l’humour avec le brio habituel du cinéaste de « Certains l’aiment chaud », « La garçonnière »…

1956, la répression du mouvement révolutionnaire hongrois se répercute jusque dans les rangs de lycéens d’une petite ville prospère du bassin sidérurgique de l’Allemagne de l’Est, par la seule force exercée par une minute de « silences ». Un pluriel pour une jeunesse engagée dans trois temps simultanés, le passé du nazisme (parents traitres ou héros), l’avenir (fuite et exil) déterminés par cette action de résistance passive dans le présent (prise de position politique) d’une insurrection idéologique. C’est à travers l’innocence, l’enthousiasme et les doutes de ces adolescents que le réalisateur inscrit leur histoire (vraie) dans l’universalité de l’action et de la pensée, propagande soviétique ou fake news actuelles, manipulation contre réflexion essence même des valeurs humaines. Une adaptation universelle du récit autobiographique de Dietrich Garstka « La classe silencieuse ».

Un grand-père informe sa famille que son heure est venue d’aller mourir à Bénarès, où il s’installe avec son fils dans la chambre d’un hôtel, louée pour deux semaines maximum. Un étrange et joyeux séjour commence alors qui pour mener au salut, défoule les corps et les âmes des voisins, d’une veuve, des membres de la famille, de tout un chacun prêt en buvant du lait parfumé à la marijuana à s’incarner en lion ou kangourou, à libérer l’autre pour se délivrer soi-même. Un ultime voyage de sagesse et d’humour à partager.

Le souffle de la liberté peut-il faire s’envoler la robe blanche d’une Marilyn en carton-pâte sur une plage chinoise et les femmes échapper à leur destin de maltraitance sexuelle ? Tout en réserve et en silences, la réalisatrice traite avec un réalisme cruel de la corruption, des courants migratoires, des peurs d’un pays rattrapé par les mêmes dysfonctionnements et problèmes que les autres pays vers lesquels fuir reste un espoir vain (hors à travers un cinéma lucide).

Déjantée et désabusée, pas toujours charmante ni souvent aimante, jouant de l’irresponsabilité adolescente tardive face à l’avenir à déterminer, une trentenaire libertaire va et vient dans les rues animées de son quartier londonien. La mégapole métissée résonne alors d’une joyeuse multiplicité en contrepartie de l’acceptation de soi pour exister parmi les autres. Une fuite identitaire dans le brouhaha de la ville, son quotidien stressé et son agitation nocturne, échos d’un mal-être existentiel par une héritière de Bridget Jones et le jeune réalisateur d’un premier film, chronique d’une errance légèrement portée par Emily Beecham.

Comment, dans sa banlieue provinciale, un fils rêvant d’ailleurs peut-il échapper à un père chômeur, hâbleur, menteur, arnaqueur, cambrioleur exerçant son pouvoir de champion de la débrouille sur sa tribu familiale ? En fuyant son géniteur pour devenir acteur. Si les mots du fils restent insuffisants pour triompher de l’ogre paternel et les images du réalisateur trop succinctes pour étayer l’environnement quotidien, le duo entre Kad Merad et Kacey Mottet-Klein fait rimer escroquerie avec joyeuse comédie.

Réveillé par le départ matinal de son père, un gamin déluré et entêté décide de lui offrir son dessin nocturne. Au fil d’un parcours buissonnier il déambule entre rêve et réalité par les rues enneigées au rythme de pauses ensommeillées d’une gare à un train, d’un centre commercial à la halle aux poissons désertée, au gré de sa fantaisie et des intempéries. Un charmant très mauvais exemple intemporel et mutique où la poésie illustre l’enfance par la force de l’imaginaire.

Emergé des sables, Cornélius cherche les vents pacificateurs qui lui permettront de nourrir les hommes, mais en proie aux souffles hurleurs plus forts que l’amour et la nature y parviendra-t-il ? Ce conte enchanté aux couleurs de farandoles et de magie incantatoire mêle le burlesque à la tragédie, l’intemporalité à la modernité, la BD et la chorégraphie aux rythmes symboliques pour faire virevolter les ailes de l’imaginaire. A chacun de prendre son envol, de relire Alphonse Daudet ou le roman original de Arto Paasilinna. Le meunier hurlant - Arto Paasilinna - Editions Gallimard - 1994 .

En Inde, sur certains îlots des Andamans survivent près de 500 Jarawas une peuplade afro-asiatique installée là, il y a plus de 70 000 ans. A l’écart des indiens voisins ils ont presque conservé leurs modes de vie, leurs valeurs, leur manière d’être heureux ensemble. Le documentariste et son caméraman, sur des images tournées en quelques jours et quelques années, sans commentaires aucun, nous immergent parmi ces hommes qui pêchent, chassent et réparent leurs outils, ces femmes qui font des paniers et sont expertes en maquillage à la glaise, leurs enfants qui jouent, tous partageant leurs rires et leurs chants résonnant en onomatopées. Ils savent et nous disent que l’autre monde est mauvais celui des braconniers qui tuent les cochons et daims sauvages, des gardes forestiers qui leur proposent de l’alcool et du tabac, qui racolent les touristes pour traverser leur territoire pourtant officiellement préservé. Mais que peuvent-ils pour préserver leur authenticité contre l’assimilation dévorante de la société contemporaine ? Nous, nous pouvons nous précipiter en salles et signer une pétition pour les protéger. http://www.organicthejarawa.com + wearehumanitymovie.com

Ce sont des italiennes travailleuses du textile, onze femmes en colère face à la proposition malhonnête d’une investisseuse française venue racheter leur usine sous la réserve d’une condition anodine. Choisir, voter, s’engager au nom des autres, pour le respect des droits, de la dignité humaine, contre toutes les formes de harcèlement, sexualité, racisme, chantages à l’emploi dans une société capitaliste se fait en face à face, entre arguments et cris, violence et colère partagées, de désillusions en espoirs. 7 minutes par jour pour gérer par la division des travailleuses et la multiplication des bénéfices patronaux le gain de 900 heures contre 1h30’ de cinéma engagé sur l’histoire véridique de rachat de Lejaby à Yssingeaux (objet d’une première adaptation théâtrale de Stefano Massini) pour illustrer avec force et talent l’éternité de la condition ouvrière. Opération réussie.

Dans les années 30, émigrée en Pologne une jeune russe se donne pour mission d’offrir à son enfant un avenir de héros français, il deviendra aviateur, écrivain, ambassadeur, Chevalier de la Légion d’Honneur… et elle mettra sa vie au service de ce rêve. A son tour il se fera un devoir filial de l’honorer de Wilmo à Nice, de Londres aux Etats Unis, d’une biographie romancée à une vie agitée et du Prix Goncourt de Romain Gary à celui d’Emile Ajar. Près de 40 ans après l’adaptation de Jules Dassin avec Melina Mercouri, c’est Charlotte Gainsbourg et Pierre Niney qui illustrent ce double pari d’amour fou, où Eric Barbier fait fusionner délire maternel et biographie aventurière, le réalisme appliqué des images affrontant l’imaginaire des mots d’un écrivain créateur d’irréel (à lire ou relire). La promesse de l’aube - Romain Gary -Editions Gallimard /1960.

Quatre temps pour danser le foxtrot en carré, mais trois actes pour rythmer la tragédie d’une famille israélienne en prise à la guerre et son absurdité répétitive autant qu’intemporelle et culturelle. Aux affres de la douleur parentale d’un décès annoncé succèdent les aberrations du quotidien d’un check-point désertique plus menacé par les camélidés que par les terroristes, avant le retour de l’espoir celui du dépassement des traumatismes d’une société n’ayant de cesse de les refouler en les glorifiant. Un regard critique mis en perspective autant par les décors, le déroulement des scènes, l’ évocation indélébile du passé, la rigidité du vocabulaire militaire, l’humour des situations que par les émotions vécues et les perspectives qui en découlent. En 2009, le « Lion d’or » récompensait « Lebanon », huit ans plus tard les conflits perdurent, et des réalisateurs continuent de les dénoncer, en dépit des hauts cris de leur gouvernement, c’est ce qui donne sa valeur au cinéma.

Entre Buenos Aires où il avait du succès et New York où il attend un rôle, la vie se dédouble pour cet acteur sans visa, ni repères autres que les nounous sud-américaines qu’il croise dans les squares avec le nouveau-né qu’il garde, les emplois de barman, les relations de passage et les amours lointaines. Sa tignasse blonde et ses yeux tristes illustrent avec une tendresse infinie le désarroi d’un être parti se reconstruire sans compter sur la force du déracinement socio-culturel que ni ses virées à vélo dans les rues surpeuplées aux bruits incessants, ni ses rêveries silencieuses au bord du fleuve, ni les situations drolatiques de ses mensonges ne rapprochent des individualités forcenées d’une mégapole étrangère sans pitié. Impossible à trente ans de tout recommencer sans être vu, ni reconnu pour ce que l’on est intrinsèquement et trouver sa propre place avec les autres en un choix commun, ce ressenti la réalisatrice l’a vécu quelques années durant et nous en offre sa vision avec une lucidité distanciée, universelle et généreuse.

Ils sont trois frères indiens d’une réserve dans l’Amérique agricole du Nouveau Mexique, l’aîné travaille dans une exploitation de bétail, le deuxième traine dans le bar/épicerie qui fournit l’alcool interdit sur leur territoire, le troisième engagé en Afghanistan vient d’y trouver la mort. C’est la vie d’une simple famille que le réalisateur nous propose à travers les paysages désertiques, les soins aux animaux, l’addiction à la bière, l’écoulement d’un temps indéfini que le seul respect aux traditions culturelles balise entre la banalité du racisme ou celle de l’administration militaire. A la limite du documentaire mais engagé dans une fiction enrichissante le film aussi taiseux que ses protagonistes illustre des siècles d’intolérance prolongés par l’absence de communication et les éternels rapports de pouvoir que seul brisent le respect au passé et l’espoir futur par le sourire d’une adolescente innocente.

Epanouie et jolie cette jeune mère, épouse comblée, habitant une banlieue aisée de Londres jusqu’à ce qu’un beau matin, son mari, ses enfants, son quotidien ne la fassent plus rêver. Phase dépressive ou prise de conscience réelle d’un asservissement aux normes sociétales, à la mécanique conjugale, c’est justement pour échapper au schéma du couple et à sa banalité destructrice que le réalisateur a recours à la totale improvisation de ses acteurs et leur captation mobile par sa caméra. Aux images de l’univers de femme au foyer, aux reproductions d’un livre feuilleté dans une brocante succèdent les six tapisseries de la Dame à la licorne, leur vision pour délivrer l’imaginaire, leur interprétation pour percevoir le désir, déterminant au fil de hasards médiévaux et rencontres parisiennes la possibilité d’accéder à soi-même et redonner sens à sa vie. Une évasion féminine portée par Gemma Arterton, ponctuée par Marthe Keller, triple variation sensuelle et intemporelle sur l’illusion de l’amour traitée avec la subtilité d’un homme amoureux de liberté.

Des rafles et un état de siège poussent les hommes menacés à la fuite, les soldats en uniforme et les laisser-passer exigés des autorités confirment l’adaptation du roman originel d’Anna Seguers écrit en 1944, l’habitat dresse ses tours marseillaises et ses HLM de banlieue, les costumes, l’environnement effacent toute dimension temporelle et le sujet accentue les doutes, entre un vol de papiers et visas et une triple histoire d’amour. Le choix du cinéaste associé au narrateur par une voix off, consiste à brouiller les époques pour confondre migrants d’aujourd’hui et persécutions d’autrefois, en double rappel des mêmes souffrances et violences de l’impossible exil et de la perte d’identité toujours infligées aux personnages condamnés à errer tels d’éternels fantômes. Un véritable défi que cette mise en perspective entre passé fasciste et politique d’émigration contemporaine sous un regard passif toujours partagé, et une prolongation de « Contrôle d’identité- 2000 » et « Phoenix-2015 ». Transit - Anna Seguers - Editions Autrement - 2018 / Livre de Poche 2004 .

Un dîner de couples déclenche le désir du mari fidèle pour la sublime jeune conquête de son ami, et c’est au milieu des assiettes, entre asperges et mousse au chocolat que jaillissent ses visions libidineuses. Les hallucinations fusent des dialogues, flash-back et fantasmes intervertissant le temps et la raison, le vrai et le faux, l’ordre bourgeois et le démon de midi. C’est en jouant avec les réparties, le ton des comédiens, une fausse unité de durée et de lieux, que Daniel Auteuil et Florian Zeller se retrouvent dans l’adaptation de « L’envers du décor » où le double langage se traduit en images pour partager leur même passion du théâtre et l’offrir par le cinéma à d’autres spectateurs. Sandrine Kiberlain remplace Valérie Bonneton, Gérard Depardieu François Eric Gendron et Daniel Auteuil garde ses rôles d’acteur et de metteur en scène.

15 ans et une solitude d’enfant livré à lui-même, avec les souvenirs de sa tante et les absences de son père qu’il comble avec un entraineur de courses, une femme jockey désabusée et surtout un cheval à sauver. Cette quête d’affection impossible devient un parcours à travers l’Amérique profonde, celle des paris et de la survie des laissés pour compte à travers les immensités désertiques, l’âpreté de la nature contre celle des humains. Si l’étape citadine avec les SDF rompt l’errance et sa force poétique pour accentuer le récit social d’apprentissage, reste le charme émouvant et prometteur du jeune comédien. Lean on Pete/La Route Sauvage - Willy Vlautin - Editions Albin Michel -2018

1969 le club de Reims chute, alors pour compenser ce drame un journaliste sportif a l’idée d’engager, recruter, entraîner une nouvelle équipe capable d’échauffer les supporters en remplaçant les joueurs par des joueuses. Une compétition sympathique mais poussive où l’arbitrage joue les prolongations, avec carton jaune à la reconstitution, rouge au brushing d’Alex Boublil mais score gagnant pour les championnes féminines de cette farce phallocrate.

Commander une série de 5 épisodes à l’un des meilleurs cinéastes de son époque était une idée qui rassembla 25 millions d’auditeurs dès la première diffusion, un tel succès ne saurait nous étonner quand on découvre à ce jour, la force sociale de son sujet et sa modernité. Thriller familial et politique, tableau authentique du prolétariat de l’époque et des délocalisations d’aujourd’hui, où se rejoignent en un récit prémonitoire et hors tout misérabilisme l’émancipation féminine et la diversité ethnique.

Un jeune lyonnais quitte ses racines familiales et sentimentales pour, dans la capitale, poursuivre ses études, celles d’un cinéma de création répondant à l’intensité de sa passion. Sans perdre ses illusions, de discussions en incertitudes sur la valeur de ses choix artistiques, amoureux, amicaux, politiques, il se construit avec l’intégrité de l’adolescence en quête de maturité engrangée dans ses lectures (Pascal, Rimbaud…), puisée dans ses rêves et s’acquérant par l’affrontement avec la réalité, la force du vécu. Ce parcours initiatique et en partie autobiographique, Jean Paul Civeyrac l’illumine en Noir et Blanc sur les visages de ses acteurs, au fil de déambulations parisiennes rythmées par Bach, Mahler et Satie, échos d’une poésie de l’âme et d’un romantisme intemporel qu’il perpétue au fil des générations rejoignant Jean Eustache (La maman et la putain) et Philippe Garrel (Les amants éternels)dans une même exigence artistique formelle et humaine.

En 1983 quand ils se rencontrent ni elle journaliste de la télévision colombienne, ni lui Empereur des narcotrafiquants ne sont des inconnus ou des innocents, l’alliance du charme froufroutant de l’une à la fortune illimitée de l’autre va de pair dans ce pays déstabilisé par le crime et la misère. Pour éviter le pur biopic et sa reconstitution historique rimant aujourd’hui avec héros mythique, le réalisateur a privilégié l’adaptation du roman de l’intéressée (réfugiée aux USA depuis 2006) à travers lequel le héros collectionneur d’hippopotames se délite au rythme de ses assassinats, de son aveugle soif de pouvoir, de sa paranoïa délirante entre collaboration gouvernementale aberrante, construction de prison privée, poursuites policières américaines au fil de situations aussi authentiques que sidérantes. Brisant la véracité de cet improbable univers où Javier Bardem a gagné en poids et Penelope Cruz perdu en bécassinerie, l’accent espagnol de la version internationale tournée en anglais corrobore le kitch des souvenirs amoureux d’une jolie maîtresse déçue. Loving Pablo, Hating Escobar - Virginia Vallejo - 2007 - J’ai lu - 2018 .

Evasion à La Réunion, distraction et lot de consolation offerts à leur mère sexagénaire par ses filles trentenaires, l’une rangée et l’autre déjantée, réunies dans une triple libération. Un réjouissant souvenir de vacances !

Une fête privée dans la campagne parisienne réunit le gratin de l’audiovisuel autour de la productrice d’une émission menacée par l’audimat. Ils sont tous là, animateurs, youtubeurs, acteurs, militants écolos, humanitaires, émigrés, paysans, serviteurs, notables, ombres et doublures… smartphones vissés à l’oreille ou à bout de bras pour s’écouter, se filmer, poster les images qui, c’est selon, leur vaudront/rendront la célébrité nécessaire à leur vie/survie. Ensemble ils tourbillonnent alors en une sarabande de convictions oubliées, d’amours déçues, de jalousies égotistes, d’angoisses d’âge, de quiproquos générationnels, de discours politiquement incorrects entraînés dans leur jeu de massacre par un Jean Pierre Bacri égal à lui-même sous son postiche et derrière ses lunettes noires avec une Agnès Jaoui éternellement enjouée, pour bégayer ardemment leur dégoût des autres. Alors faut-il en rire ou pleurnicher avec eux sur l’humanité ?

En Argentine, une femme médecin qui cherche à adopter un enfant traverse son pays pour accueillir un bébé auquel sa mère veut offrir de meilleures conditions de vie. Un périple inhumain jalonné par de successifs procédés mafieux, chantage, rançon, corruption, prison … où le désespoir et l’amour maternels sont niés par une législation aveugle. C’est au fil de décors mêlant pluie et grisaille, de cadrages statiques aux couleurs intenses, de plans séquences étirant les silences, de paysages désolés que les images en harmonie avec l’âpreté de la nature révèlent la violence des douleurs humaines nées de son injustice. Le film dépasse alors le simple mélodrame pour acquérir sa dimension sociale et politique portée par l’intensité du jeu de Barbara Lennie.

Au Parc de la Villette, Cléo et Paul se cachent, s’égarent et du haut de leurs 3 ans ½ jouent avec le monde qui les entoure, les ignore, les perd et les retrouvera. Les hasards d’un cache-cache entremêlent l’imaginaire enfantin à la réalité des adultes, innocence des uns, inconscience des autres au travers d’un regard tendre et lucide à hauteur des gamins, dans le brouhaha incessant de la ville, juste le temps d’une évasion buissonnière à partager.

Sur l’île de Jersey alors que rôde la peur d’un violeur tueur, une jeune fille se libère d’un mystérieux joug maternel par l’amour interdit. Tous les doutes sont permis dans un climat de violence feutrée où persécution, soupçons et culpabilités mêlées troublent l’ordre établi sauf que le duel entre marginalité et petite bourgeoisie locale s’étire entre lande et mer jusqu’à s’égarer sur une route de forêt.

Années 30 à Harvard, un professeur en psychologie et son épouse collaboratrice non reconnue professionnellement par les instances universitaires, engagent une jeune assistante pour leurs recherches sur le détecteur de mensonges qui heureusement pour les mœurs de l’époque, occulte sous les détours de la BD leurs coquines amours partagées. Il aura fallu attendre longtemps pour redonner vie à leur héroïne, brunette libérée plus excitante et joyeuse que ce biopic édulcoré émergeant poussivement de la bien-pensance puritaine américaine.

Au Japon, dans un futur indéterminé, les chiens, pourtant meilleurs amis de l’homme, se voient sacrifiés sans remords, chassés sur une île poubelle par un dictateur corrompu avant d’être sauvés par des enfants, leur solidarité et respect mutuel. La technique d’animation en stop-motion et l’acuité des effets spéciaux procure aux marionnettes canines et humaines autant qu’à leurs décors un relief et une richesse visuelle alliant la véracité de l’environnement à celle des sentiments, les valeurs de courage et tolérance jaillissant des situations entre montagnes de détritus et lutte contre une société en péril gagnée par l’alliance entre humains et animaux, culture et aventure, tendresse et poésie. Jappons en chœur à ce joyeux hommage au cinéma japonais d’animation.

En banlieue de Los Angeles, au printemps 1992 l’acquittement de policiers ravive l’injustice suprématiste blanche provoquant un embrasement aux répétitions non éteintes vingt-cinq ans plus tard. Hors toute reconstitution précise, c’est à travers l’inquiétude d’une mère adoptive, des risques encourus par les gamins recueillis, des valeurs qu’elle tente de partager et de sa propre vitalité que la réalisatrice fait exploser le sujet, débordant de la même énergie pour lutter contre l’injustice fondamentale de la société. Alors tout part dans tous les sens avec une rage généralisée, celle de gamins joueurs, d’ados amoureux, d’adultes solitaires et si chacun se perd dans le chaos de la ville, c’est à l’image de celui de l’humanité et de ses dérives hystériques d’intolérance que le film se charge d’illustrer pour nous en donner conscience.

Des sourires, des gestes, des silences sous les regards d’un solitaire, dans la sexualité d’une femme blessée, sur le grain des peaux qui se frôlent sont entrecoupés des questionnements d’un enfant et de la sagesse d’une grand-mère. Une rencontre toute en ellipses rythme les phases d’un recommencement douloureux, taiseux pour exprimer le désir de l’une, les sentiments de l’autre par les nuances des images, la force des décors et des éléments, hors mots. Un pari ambitieux pour un premier film. L’impureté d’Irène - Philippe Mezescaze - 2009 - Arléa Poches 136.

Comment montrer la Jungle de Calais à la veille de sa démolition quand en réalité c’est l’errance de l’humanité qui est en cause et qu’ici ou ailleurs, elle n’a pas de frontières, n’en recherche pas dans un unique mouvement de survie. Alors baraquements, tentes, boutiques, allées boueuses ne sont que des pauses, lieux de passage ou simples abris où se réchauffer, pouvoir encore danser, communiquer par les corps plus que les mots, les jeux de dominos, de crickets, les envols de cerfs-volants entre terrains vagues, plages désertes et murs de grillages longeant les transits routiers, ferroviaires et maritimes. Le documentaire, découpé en chapitres (Naissance d’une nation…Wake up brother / Phoenix… La frontière brûle…) vagabonde d’interviews en crépitements de flammes, celles qui réchauffent et celles qui détruisent, brûlures de paysages et d’espoirs engloutis dans le sillage des cargos de voyageurs symboles de l’injustice de la société. Un film purement politique dans sa négation du voyeurisme par la recherche répétitive d’images et d’espaces sonores brisant les témoignages au profit d’une confusion de souffrance et de culpabilité.

France 1915, les hommes font la guerre, dans les campagnes les femmes restées seules les pleurent, se réjouissent de leurs permissions et assument leurs tâches au fil des saisons, semant, récoltant, engrangeant… Ne manquent ni un bouton de guêtre, ni un jupon de servante, ni aucun des éléments du mélo rural d’après-guerre qui faisait pleurer dans les chaumières ici reconstituées à l’heure de l’Angélus et à l’ombre des Glaneuses, Couseuses, Trayeuses ayant fait la gloire de Jean François Millet. Pas sûr malgré l’annonce d’émancipation féminine qu’elle n’ait libéré Xavier Beauvois de cette adaptation de l’obscur Ernest Pérochon (préalablement Prix Goncourt 1920) ni assurent la le dans l'agriculture.... Les gardiennes -1924 - Ernest Pérochon - Editions Yago /2008.

Ils sont toujours 13 à être soupçonnés par Hercule Poirot, et le train roule toujours sur les mots d’Agatha Christie mais le rythme est trépidant, les images clinquantes les acteurs brillants, alors profitons-en pour refaire un nouveau voyage captivant.

Les mythes s’ils sont indestructibles se doivent d’être ébranlés et le réalisateur écossais de « In the loop » ne se prive pas de les secouer pour notre plus grand plaisir si ce n’est celui des russes encore fidèles à leur nostalgie soviétique. Alors la satire est caricaturale et internationale, à la terreur de la farce se mêle l’authenticité du duel entre Beria & Kroutchev diabolique ascension macabre aux éternels relents d’actualité. La pointe finale de burlesque est atteinte par l’interdiction du film en Russie et aujourd’hui par les résurgences d’espionnite aigue. La mort de Staline + Une histoire vraie soviétique & La mort de Staline - Funérailles - Fabien Nury & Thierry Robin -Editions Dargaud - 2010 .

Au XVIIIème siècle dans les salons de l’aristocratie autrichienne, les jeunes pianistes prodiges étaient une source de revenus pour leur famille, aveugle de surcroît la petite Maria Theresia von Paradis valait la peine que l’on s’occupe d’elle. Ses parents la confièrent donc à un médecin magnétiseur qui en trois mois l’aida à recouvrer la vue et découvrir la vie au détriment de sa virtuosité, brève expérience interrompue par un retour à l’exploitation financière familiale. Marionnette parmi les pantins emperruqués, la poupée s’est brisée pour que survive le jouet de la noblesse viennoise dont ce film poudré de sensibilité nous offre un parfum suranné.

Années 90 à La Havane la « période spéciale » liée à la disparition de l’aide soviétique et à l’embargo américain accentue les problèmes du quotidien et comme tout un chacun Candelaria et son époux Victor Hugo ajoutent la débrouille à leurs emplois. Il chipe des cigares, elle chante le soir dans un bar, elle materne des poussins, ils vieillissent à la lumière des bougies… quand un camescope égaré va transformer leur quotidien, réveiller leur sens par la magie du regard, du désir et de l’amour rimant joyeusement et tendrement avec toujours.

Un sexagénaire grincheux, divorcé et bientôt grand-père, soudainement promu légataire d’un journal intime se remémore ses premiers émois amoureux en les confiant à son ex-femme. Ses petits arrangements avec une mémoire infidèle ne sont guère glorieux mais les flash-back délivrent sa culpabilité, aux accents de bonbons anglais entre mélancolie et nostalgie douce-amère du roman à succès de Julian Barnes. Une fille qui danse - Julian Barnes - Mercure de France -2011.

Bone, c‘est le gamin que sa mère et son copain oublient ou utilisent sans cesse au fil de leurs livraisons douteuses, arnaques quotidiennes, paris truqués de combats de coqs, deals de came entre squats et parties de jambes en l’air successives. Cauchemars habituels devenus fantasmes de refuges, désirs d’autres comportements que la misère empêche, que seul les liens entre un fils et sa mère sauvent de leur dérive. Le tableau d’une jeunesse de laissés-pour-compte aux repères noyés dans un chaos de survie, sur la route où roulent les maisons abritant leurs espoirs et premier film brinquebalant entre chimères et misère d’une Amérique amère.

L’analyse d’une fresque italienne du XIVème siècle illustre les origines de la mutation de la société proprement religieuse à l’idéologie civile, ses valeurs commerciales, ses échanges du village à la ville, la province, les pays jusqu’à devenir aujourd’hui le processus économique de mondialisation destructeur de l’individu. En Italie, en Suisse, en Autriche, des agriculteurs, architectes, charpentiers, menuisiers, maires … conscients des méfaits de cette évolution privilégient au contraire les spécificités locales pour remplacer le modèle hiérarchique par le participatif, équilibrer le lien social, rendre l’estime de soi par l’artisanat et luttant ainsi contre l’exode rural retrouver l’harmonie entre l’homme, ses réels besoins et son environnement naturel. L’économie solidaire n’est pas une utopie, « Le bureau des questions du futur » helvétique la pratique avec succès, le land du Voralberg l’applique depuis les années 70, l’élevage des « Poules heureuses » caquète sous les fumerolles siciliennes de l’Etna et ces exemples locaux font écho au poème de John Donne « Nul homme n’est une île…tout homme est un fragment du continent, une partie de l’ensemble… » que Dominique Marchais continue de réciter en images après « Le temps des grâces » et « La ligne de partage des eaux ».

Au foyer Alternote à Antony 7 jeunes internes se sont formés à la musique avec leurs éducateurs, le personnel médical et des musiciens, la documentariste les suit dans leur quotidien, au fil des répétitions, des enregistrements en studio et de leurs triomphales tournées jusqu’à leur spectacle à l’Olympia. Un groupe Rock’n Slam qui efface les différences au son de l’émotion par son enthousiasme talentueux.

A la frontière hongroise un jeune migrant syrien abattu par les autorités racistes locales survit aussi miraculeusement qu’il jouit depuis lors d’un pouvoir absolu de lévitation dont le chirurgien alcoolique corrompu du camp de réfugiés s’empresse de profiter pour rembourser des dettes de chantage. Car l’argent domine le monde à l’égal du pouvoir des religions, alors transformé en ange rédempteur, ce musulman sur-employé par un médecin juif dans un pays catholique va incarner au fil d’un thriller onirique et moralisateur les maux de nos sociétés perturbées. Le parcours de cet innocent perturbateur va et vient sans but très clair hésitant entre film d’action, de genre et de société illustré d’effets spéciaux répétitifs, de plans hyperréalistes sous des lumières blafardes et de lourdes sonorités, l’accumulation des styles alourdissant un propos en équilibre entre sa vocation ambitieuse si ce n’est prétentieuse et au final pour le moins douteuse.

Dans l’Etat du Dakota Sud, à Pine Ridge terre des indiens Sioux Lakota Ogala un accident brise la carrière d’un cow-boy de vingt ans, champion de rodéo, dresseur et entraîneur de chevaux sauvages. Si sa survie physique résulte alors d’une plaque de fer rivée à son cerveau, son destin dépend de son environnement, de sa culture, des responsabilités familiales et de la vacuité de son quotidien. Alors si chevaucher une monture ou sa douleur c’est établir un lien pour les dominer et les pacifier, ne pas les respecter entraîne une même sanction mortelle pour l’animal ou l’homme. En liant documentaire et fiction Chloé Zhao offre une dimension émotionnelle à la réalité tragique du dilemme, à la quête identitaire d’un gamin au sein de sa communauté américano-indienne réduite à sa propre authenticité contre celle des supérettes locales, dans une nature majestueuse où la mythologie du Far West perdure contre l’économie capitaliste. Les gros plans de crins et sabots s’entremêlent à l’hommage tatoué dédié à un ami tétraplégique souriant sur son leurre de bois, les chants d’une petite sœur autiste résonnent de tendresse familiale, les scènes de débourrage équestre révèlent la magie de l’interaction entre regard et mouvement similaire à celle de la nature et de l’homme, jusqu’à atteindre la valeur universelle de l’image et du cinéma.

Au fil d’une application décalée du roman de R.L Stevenson le Docteur Jekill change de sexe et Madame Hyde de profil sans qu’Isabelle Huppert ne perde son aura d’actrice surinvestie. Devenue humble épouse d’un homme au foyer et petite professeur dans un collège de banlieue défavorisée, ses pouvoirs étranges de physicienne vont inverser les préceptes de l’éducation nationale, les principes culturels et leurs applications en classes techniques ou générales pour éradiquer l’injustice et transmettre le seul savoir, celui de l’apprentissage de la réflexion pour affronter la vie, définir ses inégalités et les surmonter . Vaste programme où le fantastique joue avec la silhouette lumineuse de l’actrice pour refouler la noirceur de toute humiliation stylisée dans une distanciation de la réalité, celle des élèves tapageurs, des rappeurs, du proviseur, de l’inspecteur et de l’univers extérieur. L’adaptation d’un roman en film, l’évolution d’une comédie pastel en sombre tableau sociétal réussit à transformer « L’étrange cas » en fascinante adaptation raisonnée sur notre société.

Une usine du Pas de Calais est délocalisée, ses ouvriers licenciés, ses machines-outils transbordées en Tunisie où des travailleurs prennent le relais pour que les mêmes chaussures traversent la Méditerranée, allers-retours de produits tels les touristes ou migrants ensemble chômeurs déshumanisés par les dérives de l’économie. C’est le vécu de chacun dans l’authenticité de son environnement local, familial ou sentimental, (rêves de pêcheur brisés par les lourdeurs administratives contre fantasmes professionnels détruits par la corruption) qui donne à ce regard croisé sa force politique et sa richesse humaine relayées par l’énergie et la sincérité de chacun des acteurs, unis dans une comédie sociale sans concession sur la mondialisation.

En 2045, pour échapper au chaos qui les entoure où seule la réalité est réelle, les humains se réfugient dans l’Oasis, monde virtuel où se cache un œuf numérique qui offrira la fortune au gagnant. Les épreuves se succèdent. L’adaptation du roman de Ernest Cline permet à Spielberg de retrouver la démesure des effets spéciaux alliée au sens de l’aventure pour prolonger les valeurs originelles de divertissement à message du cinéma américain. Ready Player One - Ernest Cline - Ramdom House - 2011/ Editions Michel Lafon - 2013.

La livraison d’un chargement humanitaire de Lituanie jusqu’au front de l’Ukraine est prétexte à une analyse sur l’engagement des volontaires, la valeur de leur participation, leur inexpérience du terrain, leur ignorance du patriotisme source des combats, et plus encore la méconnaissance de leurs propres motivations. Un périple intime porté par la souffrance sentimentale d’un jeune homme fragile, son questionnement sur la place de chacun dans la société, acteur ou témoin de sa propre vie au fil de rencontres illustrant ses doutes. Road-movie initiatique, regard sur la guerre, cri d’amour, interrogation sur la mort ? A nous de le découvrir au fil de paysages désolés traversés par une mouvance de chars militaires, sur les visages mutiques et la tristesse infinie du prometteur Andrzej Chyra.

Une crise identitaire pour ce quinquagénaire musicologue débarqué sans tambours ni trompettes de son journal et poursuivi par les assiduités parentales de son épouse psychothérapeute. Les notes du déni et de la vengeance assourdis par quelques bémols sur les problèmes migratoires ou l’homosexualité, résonnent alors à tue-tête dans les manèges de fête foraine ou dans les forêts enneigées en écho à l’apitoiement individuel pour rythmer les angoisses respectives du couple et nous égayer de leurs délires auto-suffisants. Une petite comédie à la musicalité autrichienne.

Deux sœurs actrices, l’une sous les lumières du succès et l’autre dans son ombre d’aînée protectrice des ardeurs négatives d’un cinéaste dévoreur, sont mises en scène par deux frères acteurs, au travers des rapports soumission/perversion mêlés aux affres occultées de la jalousie, dans un thriller d’atmosphère sans peur ni mystère. Un premier film aux risques familiaux et empreintes professionnelles ?

Les aboiements d’un chien fidèle font résonner l’après Première guerre mondiale dans la prison militaire d’une bourgade ensoleillée où croupit un ancien combattant aussi valeureux et amoureux que décoré et buté. Une fidèle reconstitution champêtre dénonçant l’absurdité militariste par un discours méritoire et pacifiste.

Qualifié « d’hérissé » à l’école où obstinément il tente d’obtenir son examen et à la fois écrasé par l’autorité paternelle, Asher adolescent immature voit son avenir brisé par le suicide de son professeur principal. Le choix entre lire ou compter les billets pour perpétuer l’entreprise d’échafaudages familiale, dès lors ne se pose plus mais la critique acerbe du réalisateur du film (lui-même enseignant) et l’émotion de son véritable élève offrent une authenticité positive à ce tableau lucide mais bien sombre du développement de la société israélienne.

Pas facile d’être ado et d’accepter de grandir, preuve en est ce jeune chilien, qui se laisse porter et emporter par sa bande de copains entre musique, drogue, sexe, alcool pour échapper à l’autorité laxiste d’un père absent. Une démonstrative leçon de morale sociétale où la culpabilité l’emporte sur l’intérêt.

Il y a l’extérieur qui gronde d’une guérilla urbaine et les couloirs rougeoyants d’un hôtel glauque aux clients troubles pour sous couvert d’une intrigue drolatique dénoncer l’absurdité de notre société. Donc à fortiori italiens les dragueurs et voleurs gominés, anglais les buveurs excités, libidineux le vieux en goguette, écervelée la blonde pulpeuse, bornés les policiers rameutés, enflammé l’amoureux éconduit qui se croisent et se superposent pour réciter, débiter et bégayer leurs clichés éculés. Il faut des moyens, de l’expérience jusqu’à du talent pour qu’accumulation, démonstration et dérision ne confondent burlesque et grotesque.

Qu’est-ce qui détermine le genre au plus profond de soi quand le ressenti n’est pas celui traduit par le corps ? Un imprévu de gestation pour la mère, une liberté à prendre pour le père, une option pour les frères, un choix pour l’amie et une transformation fondamentale pour Suzanna devenant Coby. L’évolution pondérée de cette jeune fille devenue homme se fait à travers ses propres vidéos et twitters successifs, la caméra du réalisateur demi-frère adopté, les commentaires familiaux et autres réactions de proches, chacun dans le respect serein d’une transition aux souffrances physiques assumées et à la paix mentale conquise. Une simple regard de tolérance à partager.

En répétition, sur les planches ou en extérieur, quatre anciens détenus et la compagne de l’un d’eux, sont littéralement délivrés de leur vécu d’incarcération à travers le double processus d’une réalisatrice filmant leur travail avec le metteur en scène de théâtre. Leurs mots enfermés cherchent leur issue, se répètent pour libérer les traces de solitude, les souffrances de la rétention, les frustrations de parloir, de la sexualité, les atteintes aux corps et aux cœurs rétractés par la violence inversée de la justice… les souvenirs affluent, l’apaisement des douleurs se structure par la parole, la respiration, la gestuelle, l’écoute pour se diffuser partagés entre caméra et scène unissant par l’art du spectacle l’écoute de l’humanité. Après « A l’ombre de la République » et « A côté » la documentariste poursuit son approche du monde carcéral, s’investissant chaque fois au plus près en dépassant les absurdités administratives destructrices et suivre avec l’approche de Didier Ruiz et sa « La compagnie des hommes » la reconstruction de chacun au travers du regard des autres.

Retour à Sète pour cet étudiant en cinéma retrouvant famille et copains, le temps des vacances. Spectateur distancié d’ébats sexuels, de dragues nocturnes, de jeux de plages, il observe sous l’éclat méditerranéen les amours interdites, les amourettes touristiques, confident ou complice des bavardages féminins. Le marivaudage estival s’étire dans la fluidité des images pour faire jaillir de son naturalisme la sensualité de corps exacerbés par l’envoûtement de la musique, sa force répétitive, son intemporalité libératrice. Le cinéaste, subtil double de son témoin joue avec la durée de plans séquences révélateurs de la vie, dans l’émotion d’agneaux qui naissent, de sentiments qui meurent, de pudeurs en suspens, temps réels infinis soudainement brisés dans l’arythmie des sons et des rires d’une jeunesse éclatante. Avec ce premier volet d’une « comédie humaine » solaire (héritière de Renoir et Rohmer), Kechiche, fidèle à son écriture lyrique et flamboyante (dérangeante comme toute liberté), délivre avec l’enthousiasme de ses actrices & acteurs, un hymne charnel et musical irradié de lumière. La blessure, la vraie - François Bégaudeau - Editions Verticales / Gallimard - 2011.

Sur un plateau alpin dépeuplé un jeune toxicomane intègre une communauté luttant contre la drogue hors toute médication par les moyens de la prière, du travail, du compagnonnage. Un combat avec le corps et ses exigences, le manque et ses raisons avant insensiblement de répondre aux substituts de l’écoute, de l’amitié et de rétablir le lien avec l’autre pour croire en soi-même en dépassant toute croyance religieuse au profit de l’amour de la vie. Pour illustrer l’individualité de chaque parcours à travers sa détermination le réalisateur privilégie son personnage principal investi à priori contre puis avec un entourage diversifié brisant sa solitude, partageant ses doutes, ses épreuves, demeurant témoin de ses désirs, chacun évoluant à son rythme et à sa manière pour réintégrer ou non le monde extérieur. Avec ce film très distancié, Cédric Kahn reste fidèle à ses choix documentaires (Roberto Succo, Vie sauvage) car ces centres de désintoxication existent qui, sans mesurer leur réussite ou leurs échecs à l’engagement religieux, lient la force de la nature à celle de leur spiritualité comme l’illustrent les images de forêts et champs enneigés ou ensoleillés résonnant au fil des saisons des rires et chants porteurs d’espérance, pour rejoindre la foi en la seule valeur humaine.

A Sao Paulo une infirmière noire trouve un emploi de « nounou » chez une jeune femme oisive mystérieusement enceinte et malgré leurs origines distinctes un subtil lien de protection et d’amour s’établit jusqu’à l’accouchement mortel. Sept ans plus tard, loin des quartiers chics et modernes, l’enfant a grandi surprotégé par sa mère adoptive contrainte à l’isoler. Deux parties et deux mondes, celui des privilégiés usant de leurs pouvoirs et abusant de leur argent, des plus humbles perdus dans la survie quotidienne ou éperdus de générosité réunis en un film qui joue avec les barrières sociales pour les dénoncer, érotiques pour les sublimer, intimes pour les dépasser, en changeant les genres pour nous libérer de nos peurs de l’autre au nom de l’amour. Un conte d’épouvante que la magie de la tolérance réactualise en conte de fées pour adultes à l’écoute.

En 2002 à Bologne, l’assassinat d’un professeur de droit revendiqué par un groupuscule rebaptisé « Brigades Rouges » ravive le souvenir des années de plomb. Un réfugié politique, jusqu’alors protégé par l’accord de non extradition des coupables dit « doctrine Mitterrand » effrayé par sa suspension éventuelle, décide de quitter la France. Une fuite vécue dans la vacuité de toute justification militante et la négation de sa propre fille adolescente comme celle de sa famille marquée en parallèle par cette honte du terrorisme rouge, de ses 400 morts et 15 000 attentats également oubliés par l’histoire. Le héros du passé n’est qu’un pantin inconsistant que rien ne peut élever à quelque rang que ce soit, les actes de terrorisme étant injustifiables, sa mort libère les autres de la tragédie subie, le sourire de son enfant rendue aux siens en est la preuve choisie par la réalisatrice pour aborder le sujet par la transmission.

Noir c’est noir et pour nous y faire croire les images nocturnes jouent entre ombres et lumières, les voix restent blanches sur les dialogues enchantés d’un scénario embarqué sur un cargo fantôme sans destination. Une aventure de gangsters entraînés dans un périple poétique aux accents expressionnistes à laquelle participer ou échapper pour se perdre dans l’univers de F.J Ossang démiurge talentueux à la fois romancier, musicien et réalisateur inspiré de culture fantastique.

Les souvenirs douloureux de 26 ans d’une guerre civile entre la minorité des tamouls métamorphosés au fil des années en Tigres auto-oppresseurs et la majorité cinghalaise s’enchevêtrent aux cicatrices entre les mots des hommes et leurs corps mutilés, les ruines des gares et leurs rails abandonnés, l’environnement et sa dévastation. Les retrouvailles 35 ans plus tard de militants des deux bords ravive l’absurdité de ces luttes culturelles aux idéologies pernicieuses engendrant une spirale de violence aveugle. Depuis dix ans ce tamoul devenu cinéaste est revenu sur son île pour tenter par la mise en lumière du passé d’en briser le cercle vicieux et empêcher de nouveaux affrontements, en vain à ce jour où cette fois ils éclatent entre communautés cinghalaises

A New York dans les années 30, une petite fille charme le regard d’un peintre qui la regarde grandir et s’épanouir.

Après un drame passionnel familial une jeune métisse indienne part au Texas où sa beauté ne laisse personne indifférent, un western lyrique emporté par une audacieuse histoire d’amour.

A Nazareth, selon la coutume palestinienne un père distribue les invitations aux noces de sa fille, et accompagné de son fils venu de Rome pour cette occasion parcourt la ville, croise ses amis et d’une rencontre et discussion à l’autre c’est l’occupation israélienne du pays, l’émigration forcée, les choix impossibles qui résonnent dans l’habitacle exigu de la voiture. Tous les déchirements culturels, familiaux, amicaux, tous leurs marchandages sentimentaux vont et viennent d’un souvenir de paix à un espoir de réunion, passé et avenir brisés par un présent privé de liberté où entre humour et lucidité seule perdure une infinie tendresse.

Deux jeunes femmes se retrouvent dans un centre de désintoxication, et si l’une l’a voulu et l’autre l’a seulement accepté, leur rencontre détermine une complicité source d’amitié ou de rupture quand elles sont contraintes à s’assumer seules dans un appartement. C’est ce parcours de libération que la réalisatrice nous offre en partage avec ses propres souvenirs portés par la souffrance de cette lutte contre et pour la vie, elle nous révèle successivement les étapes de remise en état du corps et en cause du mental, de réussites en ratages, entre condamnation, exclusion, acceptation de soi-même et des autres, reconstruction sans les béquilles des addictions sous toutes leurs formes. Un véritable cri d’espoir qui jaillit de l’authenticité des situations, du réalisme de l’environnement, du déroulé de la dépendance et de l’énergie des actrices pour fêter la renaissance.

Au plus profond du Caucase du Nord les communautés kabardes et juives s’évitent et cohabitent partageant les mêmes difficultés sociales mais si l’une est restée fidèle à toutes ses traditions l’autre les dilue dans l’alcool, la drogue et la frustration fondamentaliste. A l’étroit dans ces conceptions, une jeune fille va les rompre avec la vigueur d’une volonté sacrificielle à la fois induite et délibérée. La force qui émane d’elle, l’affection jusqu’à l’identification envers son père, sa soif d’émancipation illuminent l’univers clos qui la détermine dans l’exigüité des lieux (accentués par le cadrage au format 1 :33), l’obscurité de l’environnement, le rajout d’images sanguinolentes d’actualités, associés pour briser tout espoir de liberté. Celle même qu’ignore la République autonome de Kabardino-Balkarie excentrée, frontalière de la Tchétchénie, sans avenir économique dépeuplée par ses habitants et qu’un jeune réalisateur dénonce au travers de ce premier film soutenu par la Fondation Sokourov et présenté à Cannes dans la sélection « Un certain regard » pour y découvrir une autre Russie.

Années 80 le professeur d’un village accroché aux flancs du Haut Atlas offre les joies du savoir à ses élèves berbères jusqu’à l’interdiction de leur langue au profit de l’arabe et son renoncement. Trente-cinq ans plus tard l’aridité des montagnes fait place au sable de Casablanca, aux lumières de la ville où des femmes de tous âges et conditions revendiquent leur intégrité, où la coexistence culturelle est menacée, le respect individuel dénié, l’identité même du pays en péril face à des manifestations islamiques assoiffées de pouvoir. Illustrant ces états de la société marocaine, cinq personnages se succèdent, s’entrecroisent sans se connaître dans un chaos de situations renvoyant précisément aux tabous dénoncés, tourbillon de violence, de désillusions et d’espoir soutenus par la force et la beauté des images, la recherche des sons, la justesse des dialogues autant que leur interprétation pour attiser le souffle de la responsabilité et les vents de la liberté. Après « Much Loved », Nabil Ayouch et Maryam Touzani associent leurs talents pour défendre les valeurs de leur pays et du cinéma.

Deux Margaux se croisent et vingt ans les séparent ces femmes unies par la liberté conquise par l’aînée et offerte à la plus jeune au gré de leurs rencontres, d’amants rejetés, partagés ou retrouvés dans l’intemporalité des fantasmes et la réalité de voyages d’un quai de gare à l’autre entre Paris, Lyon et une station de montagne. D’une blonde facétieuse (lumineuse Sandrine Kiberlain)à une rousse décomplexée, la réalisatrice (avec ce sixième film « Arrête ou je continue », « Un chat un chat », « Aïe » …) dédouble l’unité de la féminité à travers le temps, jouant avec la légèreté assumée de la maturité et celle provocatrice de la jeunesse pour parler d’amour au fil d’une charmante comédie décalée.

Les comportements soudainement étranges de trois individus alertent les autorités japonaises sur une éventuelle invasion d’extra-terrestres qui à travers leurs guides s’approprient les concepts humains ignorés : le moi, la famille, le travail, la liberté jusqu’à l’amour et son seul pouvoir. Adaptation d’un succès théâtral, le film s’approprie les fondamentaux de la science-fiction, accumule les situations rocambolesques et dialogues décalés, révèle les absurdités de la société, joue avec le réalisme jusqu’à s’en moquer par l’imagerie classique des effets spéciaux et l’onirisme d’une science-fiction de qualité . Before we vanish -Tomohiro Maekawa - 2005 -Théâtre.

Pour échapper au centre de rééducation un jeune délinquant est envoyé chez son père, marginal pacifiste vivant dans les fins fonds de la campagne chilienne sur les terres des indiens Mapuche victimes de l’industrialisation forestière autant que de la haine raciste. L’ado révolté adhère insensiblement aux valeurs d’un nouvel environnement, bonnes et mauvaises influences offertes entre amitié, affection et respect. Un parcours sans concession face aux violences partagées auquel des acteurs non-professionnels offrent toute leur authenticité.

L’île minière artificielle de Hashima classée comme site industriel au patrimoine mondial de l’humanité ne fait partie ni des lieux ni des faits de la Seconde Guerre mondiale dont les européens ont connaissance, le film « héroïque » de Ryoo Seung-wan mettra fin à notre ignorance du colonialisme exercé par le Japon sur la Corée. Les premières images en Noir & Blanc de mineurs « esclavagisés » accentuent la véracité des tortures, actes de résistance, traitrises internes face à l’innocence d’une fillette et aux sourires protecteurs de son père. Des notes de musique aux cris de douleurs, espoirs et désespoirs culminent dans l’apothéose d’une séquence finale mêlant la mécanique des effets spéciaux guerriers à la spécificité humaine de cruauté, corruption et manipulation sauvées par le fantasme d’évasion. Un spectacle efficace et ambitieux associant l’élan patriotique et ses contradictions, tempérant les tourbillons des effets spéciaux, le gigantisme de la reconstitution par les émotions pour redonner sens au présent populaire coréen revalorisant les surnoms de son île Cuirassé/ Prison/Enfer.

Est-il encore un homme, ce mari rejeté par sa femme, ignoré par son fils, renvoyé par son employeur, méprisé par son remplaçant, dressé par le patron d’un chenil quand, anéanti par les rejets ne lui reste d’autre choix que d’être humilié, dressé, puni, battu, enfermé tel un clébard martyrisé avant de retrouver le bonheur infini de devenir l’animal de compagnie de ceux qui le méprisent. L’adaptation d’un roman où la distanciation noire se jouait de la dépression par l’imaginaire tragi-comique se heurte ici à la contre-vérité des images, réduisant le jeu de rôle, de l’absurde aux limites d’une improbable transformation physique porteuse, au choix, d’un discours d’apprentissage de la vie par le combat ou d’une poussive chronique sur les malheurs des chiens écrasés sans jamais donner une dimension poétique ou décalée à la violence suggérée. Après l’humour ravageur d’« Asphalte », dommage que Benchetrit revienne à celui très limité de ses films précédents.

En noir et blanc les décors bétonnés de Tbilisi accueillent putes et migrants entre stades et banlieues usées où les fantasmes africains se sont égarés d’un Etat américain à la Géorgie quand les pays de l’Est et ceux de l’Ouest se confondent dans le sexe, le racisme et leur violence. Un essai crépusculaire sur la misère ordinaire.

A la veille des élections présidentielles américaines, Claus Drexel s’interroge et interroge les citoyens sur le sens de leur vote face à la situation actuelle de leur pays. Il choisit alors un Etat représentatif de cette étude(Arizona), le matériel de tournage nécessaire pour tourner en plans fixes, objectif 14mm et grand-angle, les paysages supports des contre-champs (Far West) et les interlocuteurs en nombre et variété suffisante pour l’authenticité de la réflexion. Ces éléments réunis, le tableau de l’Amérique actuelle se dessine entre les images (Grand Canyon…), la symbolique (2ème amendement de la Constitution), les mots (voix off des candidats et interrogations des citoyens), le port des armes revendiqué par la culture western, la grandeur du pays ancrée dans un passé de gloire à reconquérir. Un président populiste est depuis un an à la tête de la 3ème puissance mondiale, le documentariste, après « Au bord du monde » portrait de SDF parisiens, décrypte avec la même humanité, un mal-être universel (dont il trouverait l’écho sans chercher bien loin dans nos provinces).

Légère et rayonnante cette jeune peste irresponsable qui dans la campagne de Montpellier papillonne avec le petit chef d’une bande de copains, trop amoureuse pour réagir aux débordements d’un meneur, frimeur et agresseur. L’alcool désinhibe la cruauté, le goût du pouvoir valorise la violence, la lâcheté provoque le réflexe de participation, l’admiration entraîne l’imitation jusqu’à sa répétition gratuite, le silence enferme la honte dans un engrenage infernal. Les jappements d’un chiot, les notes réjouissantes d’une fanfare, la douceur d’un autre regard et la soif de plaire sont dans la balance pour des choix, la réalisatrice a déjà fait les bons avec ce premier film sensible et lucide sur les incertitudes de la jeunesse.

Douce, Hafzia, Charlotte et Delphine quatre femmes et trois histoires pour illustrer les arcanes de leur sexualité et les limites imposées par la société, successivement la médecine, la religion, l’histoire: la première introvertie à l’extrême libère son corps par celui d’un homme ayant perdu conscience du sien (en référence inversée d’Almodovar /Parle avec elle), la deuxième en utilisant le hijab comme don de sa virginité (référence à Corot/ l’Odalisque), la troisième en distanciant la mémoire des crimes de guerre par l’amour entre deux jeunes femmes (référence: les assassinats nazis de Tulles). En référer aux seuls tabous pour libérer la libido restreint ses mystères, et réduit le film à un regard masculin intellectuel ou naïf voire démonstratif sur le désir féminin.

« The Room » navet culte d’un richissime fan de cinéma, met en lumière et en images par la seule magie du rêve hollywoodien l’inconnu Tommy Wiseau, réincarné en James Franco. Une performance stupéfiante en miroir même de celle de cet amateur illuminé, narcissique auto-proclamé réalisateur, producteur, auteur, acteur principal, monteur et distributeur toujours aussi mystérieux d’un inénarrable ovni dont les scènes réelles, montrées au final de sa réplique, nous envoûtent alors par la force et la folie du fantasme originel, partagé par les comédiens et techniciens engagés. Après Florence Foster Jenkins la cantatrice devenue « Marguerite » ce making of rend un nouvel hommage à la folie artistique humaine. The disaster artist - Greg Sestero (acteur principal du film) & Tom Bissel (journaliste) - 2017 . Ma vie avec « The Room » le film le plus génialement nul & le plus culte de l’histoire du cinéma CarlottaEditions/2018 - 256 pages + Cahier photos de 16 pages.

Isolé pour fuir une fête qui l’insupporte, un jeune homme découvre à son réveil que la nuit a contaminé les humains en morts-vivants auxquels il lui faut échapper, au-delà même de l’organisation quotidienne de sa survie ne lui garantissant qu’un improbable statut de Robinson Crusoé réfugié dans son immeuble hausmannien. Un original et respectable film de genre que les zombies n’ont pas dévoré, laissant place aux interrogations psychologiques au travers de compensations musicales, tentatives félines ratées, drolatiques tirs colorés, dialogues absurdes jusqu’aux fantasmes amoureux pour briser l’insupportable silence de la solitude et son inéluctable vertige. Pas de grands moyens pour cette adaptation mais un immense appétit de cinéma. La nuit a dévoré le monde - Pit Agarmen/Martin Page - 2014 - J’AI LU

Intègre, limite obsessionnel ce bon père de famille ancien champion d’escrime aujourd’hui engagé dans les services européens de l’immigration et envoyé à Tripoli pour la réguler et répondre aux opérations de refoulement sur place avec des moyens maritimes et la mise à disposition de centres d’accueil libyens. Traitée avec les milices locales et leurs complices trafiquants reconnus, cette directive a abouti aux conditions d’esclavage des réfugiés subsahariens récemment dénoncée par ceux mêmes qui partagent la responsabilité des dérives de cette externalisation du contrôle des frontières. Pour offrir à cette question politique l’accueil nécessaire à sa gravité, le réalisateur a choisi la fiction dont la palette de situations amplifie l’analyse et distancie l’émotion tout à la fois. Le film produit en partenariat avec Amnesty International & Médecins sans Frontières, tourné par un cinéaste italien de renom poursuit un engagement humanitaire à partager car il nous concerne tous.

Il cherche du travail, l’amour et à trouver sa voie ce charmant jeune homme dont le père cherche la paix et les ultimes plaisirs de cette vie que l’un commence et l’autre finit. Deux parcours croisés avec un paumé misanthrope, une vendeuse de nuages et une autre de regards où scintillent les étoiles restantes celles des bonheurs à offrir ou à conquérir. Une première petite comédie intergénérationnelle, poétique et décalée, titubant entre trentenaires déboussolés et sexagénaire averti au rythme d’une bande son percutante comme l’espoir.

Placé depuis cinq ans dans une institution après la condamnation de sa mère, son fils en sort à sa majorité, avec pour seul but de l’héberger en liberté conditionnelle sous sa propre responsabilité. Un rêve d’enfant, une charge d’adulte, une inversion de liberté entre une femme mature et un jeune homme au destin inscrit dans un passé de carence affective. Un parcours émouvant où au fil de rencontres successives illusions et tentations se heurtent aux conditions du réel que le réalisateur /documentariste transcrit en fiction pour donner son poids à l’amour filial, dépasser son manque, y trouver la force de s’accomplir. Andréa Lattanzi illumine cette vision néo-réaliste d’une sensibilité prometteuse.

A Cannes, une employée du Marché du Film est remerciée par sa patronne pour avoir transgressé l’honnêteté morale ou plutôt l’avoir évincée le temps d’une aventure avec le réalisateur coréen invité au Festival. Dans une ville de fête déserte et pluvieuse, traversée par une spectatrice photographiant des moments volés à son autocritique, le cinéaste se souvient de Rohmer pour convier Isabelle Huppert dans une variation sur les désillusions amoureuses de la maturité, les illusions de la jeunesse en un jeu de miroir, préambule de son film suivant « Le Jour d’après ».

Quand un marin d’eau douce prend la mer sous les vents mauvais du sponsoring et les chants trompeurs de l’héroïsme, les sirènes de la gloire risquent de l’entraîner dans les flots du désespoir. C’est ce naufrage annoncé qu’incarne l’insubmersible et talentueux Colin Firth en mémoire de Donald Crowhurst rêveur à la dérive de ses délires solitaires. 50 ans, 184 jours et 1 escale séparent Francis Chichester de François Gabart et si les moyens de communication, les conditions de vie et les matériaux des bateaux ne sont plus comparables, les défis des navigateurs submergent contre vents et marées.

Un escroc de mots volés croise une profiteuse sexuelle, l’écrivain et la putain se rencontrent, Benoît Jacquot s’en réjouit, Isabelle Huppert en jouit pour offrir leur perversité d’imposteurs en spectacle ambigu. Notre attente du cynisme de l’actrice est récompensée tout autant que celle de la maîtrise du réalisateur et de la sensibilité exacerbée de Gaspard Ulliel, alors rien à dire de cette libre adaptation du roman de James Hadley Chase, si ce n’est le choix même de la comédienne vampirisant ensemble auteur, réalisateur et acteur jusqu’aux spectateurs qui gagneront à revoir Jeanne Moreau dans la première version raffinée de Josef Losey.