Mis en demeure par son épouse en mission sous-marine d’assumer son rôle de père, un chômeur accepte un emploi qui l’oblige à nier l’existence de ses enfants. Mensonge et débrouille jalonnent un parcours de reconquête entre un entrepreneur échangeur et une patronne survoltée tous trois embringués dans le quotidien contemporain d’un univers hyperconnecté, franglicisé, ubérisé sans chauffeur, dronisé couleur ciel... aussi absurde qu’inventif, burlesque et poétique. Une satire désopilante où Arcimboldo démultiplie les trocs, Sandrine Kiberlain dysfonctionne sur l’ordre établi, Denis Podalydès divague dans une fraternité décalée où « fait reset » la magie du cinéma de Charlot à Jacques Tati.

Après « Le chien jaune de Mongolie » et « L’histoire du chameau qui pleure » la documentariste riche de son expérience esthétique et de sa connaissance humaine aborde la fiction en les entremêlant entre traditions et temps présent dans la splendeur des terres de Mongolie. Les exploitations aurifères expulsant les moutons, les yourtes résistant aux bulldozers et les enfants poursuivant la lutte de leurs parents participent d’une émouvante évasion.

Tous en manque de ses ordonnances de Subutex, de sa présence familiale, de ses relations extra-conjugales, de sa complicité vénale, il traverse la nuit ce médecin tiraillé entre toxicos, épouse et enfants, maîtresse, cousin pharmacien trafiquant au rythme fébrile de sa tournée nocturne. La brillante incarnation d’une vocation par Vincent Macaigne enfièvre ce thriller médical salvateur.

Un peu trop qualifié et mystérieux pour être honnête ce nouvel employé engagé à la suite de récents braquages, et pourtant les preuves de son efficacité répondent à son intégrité autant que les actions de Jason Statham concordent au rythme d’un film de genre, cautionnent leurs opérations meurtrières et assurent l’adaptation musclée par Guy Ritchie du film français « Le convoyeur ».

Les premiers émois fantasmés d’une ado timide pour un comédien trentenaire se désagrègent dans le hors temps d’un romantisme affecté entre saynètes baroques décalées scandant les voussoiements d’une séduction balbutiante. La précocité d’un scénario immature, le poids inassumé d’un rôle principal aux réminiscences de « L’effrontée » et l’inexpérience de mise en scène pour exprimer de simplistes envoûtements sentimentaux ne soutiennent l’intérêt ni ne tiennent la durée d’un long-métrage n’en déplaise à une parentèle professionnelle avertie.

Sur la Nationale 1 qui relie Alger au Sahara, au numéro143 Malika tient sa buvette fréquentée par des routiers, motards, aventuriers, pèlerins, musiciens...passagers de hasard qui rythment sa solitude d’hôtesse âgée. Café, thé ou omelettes en échange de mots échos des mutations de la société. Religion, capitalisme, quotidien social, délires individuels résonnent entre les miaulements d’une chatte bavarde, les aboiements de chiens chasseurs de loups et les mots prononcés à l’abri du temps. En plans fixes ou séquences ce road movie inversé fait défiler l’infinité du monde sous le regard lucide d’une femme libre à écouter.

Les promesses d’expansion et de bien-être des années 50 soldées par la construction de grands ensembles devenus villes dortoirs puis cités ghettos ne peuvent plus faire rêver ou cauchemarder sans l’avis des concitoyens voisins. A Gonesse un groupe de lycéens participe à l’enquête de proximité du projet Europacity de Villepinte. A 17 ans, encore apolitisés mais déjà prisonniers du consumérisme ambiant et des basiques fantasmes financiers ils vont insensiblement découvrir les terres qui les entourent, faire une expérience citoyenne, prendre conscience de la responsabilité d’un futur qui leur appartient. Le militantisme politique du réalisateur ne fait aucun doute mais le partage positif de son action est d’autant plus réconfortant que le projet est à ce jour suspendu.

Embarqués à bord d’hélicoptères militaires en mission en Irak, Syrie ou Afghanistan, face aux images en noir & blanc qui leur permettent de mener leurs opérations nous survolons leurs cibles, participons à leurs interrogations, assistons à leurs actions entre les commentaires d’un spécialiste français et ceux poétisés d’une voix off féminine. Nul jugement pacifiste ou propagandiste, nul esthétisme sur ces exercices conclus par de derniers plans en caméra couleur surplombant des jeux d’enfants. Un croisement de regards pour une pure analyse sur le désir illimité de voir qui lui n’empêchera pas notre questionnement.

Les dîners hebdomadaires parentaux font balancer les cœurs d’un frère et d’une sœur entre pause imposée pour l’un et reconnaissance officielle pour l’autre au rythme trébuchant d’un discours de bonheur à prononcer en temps de malheur imposé. Gigots et gâteaux, salé et sucré, rites sacrés des relations familiales se succèdent d’anecdotes répétitives en échappatoires burlesques ponctuées d’arrêts sur image et flashback, sorties de décors, envolées absurdes, SMS et espoirs amoureux déclamés pour que s’enchaînent les chenilles et résonnent les émotions à partager. Le ton est porté par l’exceptionnel talent de Benjamin Lavernhe échappé de la Comédie Française pour une farce sentimentale contemporaine et mutine. Le discours - Fabrice Caro - 2018 - Editions Gallimard – 2020/Poche.

Dans une petite ville sénégalaise d’aujourd’hui traditionnelle et tranquille la violence du fondamentalisme s’immisce jusqu’à détruire deux frères et l’amour de leurs enfants. L’un, imam moderne se heurte à la manipulation nocive de l’autre banal représentant de l’intégrisme, toutes convictions inconciliables s’affrontant dans un simple quotidien hors tout pittoresque autant qu’esthétisme au profit de l’incarnation des valeurs humanistes de tolérance, des structures traditionnelles, familiales porteuses de respect et liberté. Une tragédie shakespearienne aux somptueux échos africains et contemporains.

Une ville de Cisjordanie et à moins de 200 mètres en face à face deux appartements pour une même famille palestinienne séparée par un mur mais rapprochée chaque soir par un jeu de lumières dont l’affection et l’amour effacent l’aberration et la violence. L’accident d’un gamin et son hospitalisation à Jérusalem vont contraindre son père à une infernale traversée du pays, passeurs et passagers révélant au long de 200 kilomètres de check points et obstacles successifs l’absurdité des conditions de vie quotidiennes perpétuant la haine et le racisme de peuples victimes des pouvoirs politiques. Un premier film talentueux, authentique cri d’humanité dénonçant l’incohérence du conflit en évitant tout militantisme au profit de l’espoir et la tolérance.

Seniors et patriarches ces deux hommes à la sexualité occultée qui vont éperdument tomber amoureux quand la société ne les y autorise toujours pas. Leur désir doublé d’une infinie tendresse, l’engagement de l’un (par le militantisme) face au renoncement de l’autre (par la fuite) illustrent au travers de cette aventure les souffrances de générations condamnées au silence par une société traditionnaliste. La fausse banalité de leur quotidien illuminé par les fulgurances sexuelles ou sentimentales s’inscrit entre déni et lutte, passé et avenir unis dans l’égale subtilité du film et de ses acteurs.

La Colombie s’épuise en une interminable guerre civile, chefs d’Etat successifs, généraux, trafiquants, paramilitaires s’y succèdent et s’empoignent au détriment d’une société se débattant entre violence, misère et injustice. Plutôt qu’une fresque historique c’est une chronique familiale qui nous est offerte au travers du regard d’un fils envers son père. Un enfant élevé avec amour, un adolescent en révolte, un étudiant privilégié, un futur écrivain fier du médecin en lutte contre l’insalubrité de la misère, du professeur lâchement rejeté par l’Université, de l’homme engagé contre l’injustice sociale, du candidat à la mairie de Medellin, brutalement assassiné. Images en N&B et reconstitution en couleurs font alterner douleur et bonheur, angoisse et liberté portés par l’interprétation lumineuse de Javier Camara.Cette émouvante adaptation de Fernando Trueba rejoint la biographie de son fils pour contredire le vers de Borges « nous sommes déjà l’oubli que nous serons » et nous souvenir du défenseur des Droits de l’Homme que fut Hector Abad Gomez. L’oubli que nous serons - Hector Abad Faciolince - Editions Gallimard – 2010

Le parcours d’un marginal, séducteur et provocateur de charme qui d’un abri (trottoir, parking, squat) à une rencontre bonne ou mauvaise traverse les nuits au fil du hasard sur le qui-vive de débrouilles criminelles. La dérive du personnage portée par l’ambigüité du jeu de Pierre Deladonchamps nous entraîne dans la violence urbaine que la société rend invisible et que le réalisateur de ce premier film offre à nos regards et réflexions.

Aux fins fonds des Appalaches, terres forestières et minières, subsistent des clans familiaux isolés ruinés par la crise économique au passé flamboyant de conquérants, au présent de misère et no future confirmé en dépit de promesses électorales. Chapitrée et scandée sur la voix off de l’un des leurs, cette ballade entre mots et tempo, poésie et musique rythme les temps, leurs espoirs et désespoirs en témoignage d’une Amérique aux rêves devenus détresses dont les documentaristes se font les subtils témoins.

Un camescope et un ballon de basket vont transformer un copinage de voisinage en authentique témoignage sur la société noire américaine et la non-évolution du racisme à travers les images d’une famille filmée ces vingt dernières années. A Washington DC trône la Maison Blanche où se succèdent les Présidents à 17 blocks des quartiers Est où la mécanique sociale de la population black se répète inlassablement. Une mère violée à 15 ans, un fils aîné dealer, une fille trop vite mariée, un dernier enfant abattu par erreur et la volonté d’échapper à cette reproduction inéluctable de schémas tragiques reflètent un quotidien ordinaire, hors toutes violences policières. Cette banalité même d’une fratrie en devenir porte l’espoir du mouvement Black Lives Matter et de la communauté afro-américaine incluse dans le « rêve américain ».

Un quadra mari et père de famille honnête bon chic bon genre fait la rencontre d'une hôtesse de l'air. François Truffaut dépasse la banalité du thème en thriller où l'amour flirte avec Hitchcock.

Au temps de l'occupation allemande le théâtre Montmartre rouvre ses portes, dirigé en secret depuis le sous-sol par son metteur en scène juif. Se cachent aussi les sentiments du comédien principal pour la directrice mais explose le talent de François Truffaut unissant les passions du théâtre à celles des acteurs en thriller flamboyant.

« Strange fruit » sur la voix de Billie Holyday résonne de la violence du racisme pratiqué aux Etats Unis, de l’immanence de la persécution policière à travers les souffrances d’un parcours de prostitution et d’addiction. Elle aurait plus de cent ans, le jazz tout autant, la loi anti-lynchage et la discrimination perdurent, ses amours alternent avec l’élégance de l’interprétation entre clinquant et noir & blanc sur le rythme d’un biopic aux échos politiques et vibrations musicales.

En Tchécoslovaquie dans les années 80 le régime soviétique s’oppose au pouvoir de l’Eglise, lutte idéologique illustrée par les choix de deux jeunes séminaristes. Leurs silhouettes drapées parcourent les couloirs, la lumière s’infiltre dans leurs cellules, le N&B des images pénètre les mystères de la foi, la verticalité du format 4/3 et la profondeur des champs réhaussent la spiritualité, les cadrages et plans fixes accentuent la violence des doctrines, le silence gronde de secrets nous cloîtrant dans une atmosphère hypnotique. Un deuxième long-métrage dont la maîtrise du langage cinématographique nous envoûte à notre tour.

Elle est triste cette mère qui vient de perdre la sienne et retrouve dans la maison de son enfance ses souvenirs qui évoqués avec sa propre fille s’unissent dans la régénération du deuil. La cabane et les jeux d’autrefois se feront partages de joies infantiles et de peines adultes, résonances intimes entre un même portillon de maison, ses meubles et leur disparition, ses placards à secrets ouverts et fermés au rythme des temps mêlés de générations dans leur intimité originelle et les racines de leur épanouissement. Les lumières forestières diffusent l’émotion, la gourmandise vitale jaillit du goût des crêpes, les cœurs de l’enfance martèlent silencieusement leur liberté et Céline Sciamma forte de l’onirisme de « La naissance des pieuvres », de l’hypersensibilité de « Tomboy » et de l’expérience de ses cinq films précédents amplifie son talent, dont profiter sans hésitation.

Les aspirations d’une trentenaire parisienne sont pourtant simples, trouver l’amour et faire paraître des dessins. En attendant elle se contente de partenaires irresponsables, d’un job de serveuse de restaurant après celui d’employée à tout faire chez un petit éditeur parano. Au rythme des chansons les situations s’enchaînent en saynètes, miroirs de ses désirs et désillusions, inscrites en bulles dans les situations quotidiennes. Les images résonnent du ton de la société en voix off ponctuelle, le N&B du crayon de la réalisatrice en efface la cruauté pour la dépasser dans l’énergie d’une Sara Forestier pétillante à courir rejoindre dans sa chasse au bonheur.

Années 60, livrée à elle-même pour choisir la location d’une villa de rêve où passer les vacances, une épouse classiquement trompée se laisse à son tour entraîner par l’adultère. Elle divague alors des conventions d’une vie sociale aisée au mirage de sentiments incertains et les mots de Marguerite Duras se font l’écho libératoire de ses hésitations de l’ombre d’un salon bourgeois aux lumières de la mer. Plus de soixante années ont passé depuis la mise en scène de Tania Balachova au théâtre et l’émancipation des femmes reste d’actualité, alors avec son adaptation pour le cinéma Benoît Jacquot par l’image et les voix rend un double hommage à l’œuvre de l’auteure portée par Charlotte Gainsbourg avec une même subtilité. Suzanna Andler - Marguerite Duras – 1968- Editions Gallimard/collection Blanche – 2020 Folio Théâtre -

En 1861 au faîte de sa gloire Napoléon III le conquérant envoya un corps expéditionnaire soutenir un imbroglio anglo-hispano-mexicain qui s’éternisa en guerrilla plus de six années durant et provoqua la mort de 6500 soldats français. Dans ce contexte d’affrontements internationaux incessants, un photographe parisien témoin expert de son environnement part au Mexique témoigner des combats. Une épopée dont l’absurdité rejoint celle de tous les conflits, vécue dans l’incompréhension de la langue avec un paysan local face à une nature hostile, des exactions sanguinaires, la manipulation de fausses informations. Un cauchemar pour cet homme habité par l’intégrité et son désir de vérité brisés comme les plaques de verre de ses boîtes noires. Le cinéaste capte à l’identique les sensations de l’aventurier au long d’un parcours initiatique, visions hallucinatoires couplées aux épreuves subies, transmission de savoir dans l’humanité partagée et illustre, avec ce premier film et l’engagement de ses acteurs, l’union du regard à l’image, du voyeur au spectateur.

Les forces de la nature, de la nuit à la neige, se perpétuent comme les guerres et les douleurs des hommes au fil de leur vie ou au cours des fleuves. D’infinis plans séquences nocturnes tracent le parcours mutique d’un enfant rêveur et d’un vieillard porteur de leur même croix de souffrance, cri silencieux entre espace et temps du cinéaste portugais ravivant ses souvenirs de guerre bosniaques en un poème esthétique résonant du désir de paix.

Pour autoriser l’ouverture éventuelle de l’aéroport de la République du Haut-Karabagh un ingénieur français chargé de procéder à son expertise découvre les lieux et ses habitants. Autant que nous sans doute égarés entre le sérieux d’un enfant porteur d’eau miraculeuse, l’absurdité d’une situation politique de déni international et la subtilité de sa représentation portée par l’inexpressivité de Grégoire Colin miroir de cette abstraction. Les événements tragiques récents du conflit géopolitique entre l’Arménie et l’Azerbaïdjan, la Turquie et l’Iran en sont le contrepoint récent.

A 18 ans Souleymane est un survivant du Soudan, des rimes pour ce jeune poète en lutte contre les violences subies du Darfour aux mines du Tchad et du Niger jusqu’aux prisons libyennes voire les campements parisiens. Cinq années d’injustices politiques, racistes d’une terre natale à une dernière à l’historique réputation d’accueil, mais les temps ont changé, les conditions économiques aussi, seules demeurent les espérances et leur utopie. Sur les trottoirs du quartier Stalingrad s’accumulent les tentes, se rassemblent les policiers, forces armées contre fragilités humaines, administration contre mobilisation, ordre contre désespoir, illusions contre réalité. Depuis 2016, la réalisatrice ne l’a pas quitté cet ado en souffrance parmi ses compagnons de misère et le réalisme de ses images traduit avec émotion le banal rejet de l’exil et ses douleurs, d’ailleurs et plus tristement aujourd’hui d’ici.

La terre sicilienne est aussi rude pour ses habitants que ses migrants, le jeune fils d’un ferrailleur croisant en ses rêves d’une même fortune, ceux d’un nigérien berger, le prouvent en une égale misère partagée. Le naturalisme d’un quotidien fondé sur l’authenticité des personnages, la force de l’environnement, le devenir d’adolescents face aux menaces d’un père ou à la cruauté d’une société, ensemble portés par l’esthétisme des plans et la violence des images illuminent au sens propre du terme cette rare « fictionnalisation » onirique.

Ils sont irlandais, cousins et frères d’enfance et leur rivalité d’adultes s’exprime par le désir ou refus de la violence. Un taiseux intègre contre un agité incontrôlable font vibrer ce thriller aux références de noirceur classiques mais au traitement psychologique renouvelé, alternant action et sentiments entre scènes de boxe compagne de souffrance, flashbacks de tendresse familiale et confrontations de clans mafieux. Après « Bluebird » Jérémie Guez réalise un film de genre structuré par une approche de style et le jeu d’acteurs de talent. Un amour fraternel - Pete Dexter – 1996 -Editions de l’Olivier.

A peine sortis de leur lycée provincial deux jeunes ados libèrent leur violence au hasard de leurs rencontres sur la route de Los Angeles. Leur parcours initiatique met à jour la misère d’un pays où le rêve américain se fait cauchemar, sans rime ni autres raisons que l’écoute de pulsions meurtrières, miroirs de leurs frustrations. Sorti en France sous le titre de « De sang froid », le film s’inscrit dans la lignée d’« Orange mécanique ».

La disparition d’un trisaïeul réunit tout autant qu’elle perturbe sa tribu familiale, entre larmes et rires, déchirements et transmission, valeurs perdues et quête d’identité. Autour de Maïwen, la violence, les excès ou manques des chagrins se font l’écho de la distanciation à l’hérédité voire à l’intégration et au racisme par des scènes naturalistes où se superposent les émotions de Fanny Ardant, l’humour salvateur de Louis Garrel en improvisations successives d’une tragi-comédie aussi exaltée que sincère.

La poudre c’est celle qu’un entraîneur de ski impose d’ingurgiter à sa nouvelle recrue pour fortifier sa musculature, addiction surajoutée à la gagne imposée aux ados de sa section sport-études menée sous la férule de sa propre frustration de champion raté. Admiration et sidération, fragilité et emprise font slalomer les corps et les cœurs en un parcours de confusion sentimentale et physique où les fragilités affectives et charnelles s’entremêlent entre dépassement de soi-même, esprit de performance et sexualité naissante confondus jusqu’à la victoire. Celle que nous offre la réalisatrice par la subtilité du scénario, la force de ses images et le jeu de ses deux acteurs ensemble vainqueurs d’un sujet polémique.

Être veuve d’un mari beaucoup plus âgé, épousé quand soi-même l’on n’a pas vécu sa jeunesse, oblige une quinquagénaire à affronter un présent décalé, et au-delà du deuil à tout découvrir pour se reconstruire. Désirs, plaisirs et sexe dans la confusion de l’âge et de l’adolescence, la dissociation du corps et de l’esprit happés par l’inexpérience au nom du rêve d’amour, forgent un émouvant portrait incarné avec justesse et sensibilité par Emmanuelle Béart. Un premier film mêlant avec nostalgie l’angoisse de la solitude à l’évolution de la société.

Premier long-métrage du réalisateur, tourné dans son pays et annonciateur de sa modernité libératrice, et premier huis-clos d’un couple affrontant les rapports amoureux et leurs frustrations, thème qui sera repris dans « Cul de sac ».

La rencontre de Catherine Deneuve et Roman Polanski dans ce volet de la « Trilogie des appartements maudits » où l’héroïne se débat dans les affres d’une sexualité paranoïaque opposant beauté physique et folie mentale.

Un nouveau couple perturbé par un tiers, une deuxième soeur Dorléac après Répulsion et un humour noir et décalé pour ce nouveau huis clos aussi brillant que dérangeant.

En 2012, l’AP-HP de l’hôpital St Vincent de Paul a confié à l’association Aurore la gestion temporaire d’un site d’aide aux sans-abris en créant des places d’hébergement d’’urgence avec la collaboration de la coopérative Plateau Urbain pour leur aménagement et celle de Yes We Camp pour une programmation culturelle et artistique ouverte au public. En 2015, 6OO personnes hébergées, 120 structures d’économie sociale et solidaire, 70 artisans et artistes s’intègrent dans un projet pluridisciplinaire de 2ans qui évoluera jusqu’à perdurer 5 années. Une utopie, illustrée par le parcours d’un peintre mauritanien en quête de son identité administrativement perdue, le médiateur de la sécurité, un luthier guitariste, les rockeurs du groupe Kacekode, les responsables, leurs visiteurs de passage François Hollande, Edouard Philippe et Nicolas Hulot et surtout la population parisienne. Un projet solidaire à durée déterminée dont l’exemplarité et la réussite humaine n’attendent que leur renouvellement ici ou ailleurs.

Au XVII ème siècle, deux jésuites portugais sont investis d’une double mission celle d’évangéliser la population et de retrouver l’un des leurs disparu sur ce territoire hostile. Un propos sur la foi et l’orgueil, le mystère de leur justification, les limites de leur combat, les responsabilités partagées des tortionnaires et des martyrs, mis en lumière par la rigueur et la pureté des images.

Un concours d’opiniâtreté que celui d’Antoinette et de l’âne qui lui fait traverser les Cévennes en chasse de l’amant qui l’a bernée. Une quête forestière et sentimentale, vaudeville libérateur où Laure Calamy délivre toute son énergie burlesque.

Tout va pour le mieux dans le meilleur du milieu franco-viennois pour ce couple d’expat bobos admiré voire envié par leurs compatriotes, jusqu’à la découverte de l’infidélité conjugale dont les fausses notes vont sourdre, vibrer et résonner en un strident tintamarre de vengeances où chacun cache son jeu discordant. Karin Viard bat la mesure avec Benjamin Biolay en fugue sur les désaccords des faux semblants bourgeois. Trahie - Karin Altvegen - Editions Plon Roman noir/ 2008 - Points

Que faire dans les casernes désertées par des maris, soldats envoyés en Afghanistan ? Comment tromper les angoisses quand le tricotage imbibé d’alcool ne suffit pas ? Chanter haut et fort, porter leurs voix ensemble, orchestrer les convenances, faire valser la solitude, mettre les larmes en bémol, battre les grades en mesure sous la baguette du réalisateur de « The full monty » dirigeant sans fausses notes les vrais éclats de rire de cette comédie fictionnée à aller voir autant qu’écouter.

Qu’un bambin affirme à 3 ans être une fille suffit-il à déterminer son sexe ? Une certitude pour sa mère qui enceinte en rêvait, un refus pour l’école et l’état civil, une écoute pour les services de pédopsychiatrie et l’occasion d’une troublante interrogation. La distanciation et la pudeur extrême du cinéaste permettent d’aborder le sujet tabou de la différenciation sexuelle au-delà des inconditionnalités en tous genres.

La Révolution anticapitaliste ou comment la faire, les activistes ou comment exposer leurs idées, la politique ou comment l’imaginer autrement, un triple pari proposé par la soudaine mise en place présidentielle d’une démocratie populaire et la prise d’otages d’une quinzaine de grands patrons du CAC40 transformés en ouvriers d’usine. Une fable militante où l’humour raisonné règlemente le sérieux idéologique sur fond de chants engagés au rythme de l’utopie sociétale.

La force irrépressible des premières amours, la violence d’émois transgressifs, la pureté des émotions de deux jeunes garçons s’ébattant sur la côte normande résonnent encore dans la mémoire de François Ozon, 35 ans après la lecture du roman de Aidan Chambers. Alors avec ce 19ème film tourné en 16mm, distanciation et nostalgie lui font retrouver les désirs de sa propre jeunesse, leur gaucherie et leur audace passionnelles sur les notes de The Cure et les sentiments éternels de l’adolescence portés avec la même fougue des acteurs. La danse du coucou – Aidan Chambers – 1983 – Seuil/Points

Elle est « nez » cette diva du monde des parfums à l’odorat aigu mais qui a définitivement oublié les autres sens ne pratiquant ni le toucher, négligeant le goût, sourde à toute écoute, aveugle au monde qui l’entoure sauf insensiblement à son nouveau chauffeur qui lui résiste pour garder son emploi. D’une ville et d’un client à l’autre leurs solitudes vont s’apprivoiser, leurs regards s’ouvrir pour apprendre chacun à échanger au fil d’un subtil parcours de quintuple perception et de lumineuse

Une femme clochardisée et peu amène perd son abri nocturne sur les berges de la Seine pour avoir accueilli un gamin égaré après la reconduite de sa mère sans-papiers. S’ensuit un parcours parisien et chagrin sur les problèmes de migration et de racisme, d’impossibilité de deuil maternel, de difficile solidarité, diffractés à travers les images d’un kaléidoscope de l’humanité à partager. Une fable politico-sociale au grand cœur et clichés associés.

Offrir l’équilibre entre la maladie et l’inéluctabilité de la mort c’est ce que prodiguent les soins palliatifs, ce dont discutent longuement les infirmières et médecins des centres hospitaliers qui les dispensent et qu’illustre la réalisatrice en mêlant douleurs mentales et physiques, les mots à l’image liés ensemble au corps. Des séances de thérapie libératrices, des Gros Plans sur les peaux sur voix off alternent dans une mise en scène d’immersion descriptive ou de libération distanciée selon les possibilités de chacun.

Ils sont enthousiastes, drôles, sincères, passionnés ces étudiants de Saint Denis décidés à organiser une Marche des fiertés LGBT des banlieues. Leur générosité humaine est telle que malgré leur désorganisation totale égale à celle des réalisateurs, leur fougue commune et leur authenticité idéologique mobilisera le 9 juin 2019 une foule de participants unis dans l’enrichissement de nos différences à partager cette fois en spectateurs.

La lumière fait éclore les émotions sur les pétales érotiques des courtisanes en cette fin de siècle où tout disparait entre fumées d’opium et relents coloniaux. Seule la beauté demeure en images hypnotiques, évocations subtiles des doubles emprises de mondes culturels en voie de disparition.

Choisir la nuit du Yalda (cérémonie traditionnelle du solstice d’hiver) pour diffuser un programme de télévision dédié à « La joie du pardon » c’est, s’assurer de l’audience et votants nécessaires au succès de l’opération, la survie ou la condamnation de la candidate choisie. Un jeu de téléréalité authentique officialisé par le Ministère de la Défense et qui nous est offert, en temps réel, émotion et stupéfaction garantis. Le prix du sang, de la vengeance, de l’héritage, de la maternité, du gain s’entremêle aux questions morales, religieuses, sociales sur le rythme effréné du spectacle en direct entrecoupé de ses rentables spots de publicités et clips de variétés en nous laissant pantois devant la confusion que les média et leurs pouvoirs dictatoriaux ont crées aux dépens de l’humanité. Après « Une famille respectable » le réalisateur continue de décrypter la société iranienne et la place réservée à la femme, son cinéma (associant documentaire et fiction) devenant cette fois un média porteur de réflexion.

A Buenos Aires de jeunes mères esseulées sont hébergées dans un couvent catholique à charge d’en respecter les règles dont les horaires de sortie et l’éducation spirituelle offerte à leurs enfants. L’affection entre une novice italienne nouvelle arrivée et une gamine délurée va combler leurs manques affectifs et révéler la détresse sentimentale de toutes, entre révolte des unes et rigidité des autres. Tourné en partie avec des actrices non-professionnelles, cette fiction directement inspirée de l’environnement pose un regard subtil sur la maternité confrontant l’instinct à la réalité à travers les générations, l’interprétation et l’application des fondements mêmes de la religion dans un pays où pèse l’illégalité de l’avortement.

Au Brésil la région agricole de Recife a échangé ses plantations contre l’industrialisation effrénée de la fabrication de jeans depuis l’apport du tissu au produit final, chacun hommes, femmes et enfants coupe, coud, délave, déchire, participe aux finitions avant la promotion et la vente sur le marché local et international. A raison de 20 millions de pièces, soit 20% de la production brésilienne, les 40 000 habitants de Toritama y consacrent leur quotidien en toute satisfaction dans la seule attente des joies du Carnaval. Le triomphe du néo-libéralisme trouve ses justifications dans le rapport au gain, à la liberté individuelle, au pouvoir de l’argent compensé par les seuls rêves d’évasion vers les plaisirs des plages baignades et pêche entre masques et sambas carnavalesques. L’observation filmée de l’application de ce capitalisme forcené est à son tour rythmé par les mots du narrateur témoin de l’évolution des naturelles valeurs du passé vers celles, mondialisées de l’avenir incarné par Léo le joyeux prophète de cet exemple capitaliste.

Thomas Piketty a rédigé un essai sur la dynamique de la répartition des richesses à travers le temps, démontrant que l’espoir de réduction des inégalités par la croissance des revenus était une utopie contraire à la réalité, le profit générant à l’inverse son auto-progression. De l’Empire romain aux jaqueries et à la Révolution française, de l’essor industriel aux dépressions financières et guerres mondiales consécutives, en l’absence de régulation financière, le rendement du capital amené à dépasser le taux de croissance de l’économie ne peut que perpétuer le déséquilibre triomphant de tout enrichissement agraire, industriel, foncier voire virtuel privilégiant à fortiori l’héritage au mérite jusqu’à l’effondrement de la démocratie. Transcrire dans un tourbillon incessant d’images ponctuées d’interviews d’économistes reconnus donne à cette démonstration une clarté réaliste nous offrant le privilège d’une compréhension aisée, valorisante donc enrichissante. Si les plus de 2,5 millions d’exemplaires de ce traité vendus en France et les autres de par le monde se calculaient en spectateurs, l’avenir du cinéma et du documentaire en tirerait un profit bien mérité. Le capital au XXIème siècle - Thomas Piketty - 2013 - Editions du Seuil.

En Mayenne, installés dans les bocages, des héritiers de paysans, citadins en rupture, néo-ruraux utopistes, écologistes convaincus renouent avec les expériences traditionnelles de sourciers et sorciers, pratiquent l’agriculture bio, l’élevage animalier respectueux, créent café solidaire, boutique de troc, rejoignent les modèles de phalanstères, couvents... en créant une communauté de lien, vers les croyances terriennes, les mystères de la nature, les pratiques chamaniques, unis contre le consumérisme de la société, l’oubli des valeurs primaires. Un Robinson survivaliste se joue de cette réflexion pour distancier la nôtre de ces choix d’un monde alternatif et associatif revendiquant l’authenticité de l’autonomie.

Tout va pour le mieux dans le meilleur du milieu franco-viennois pour ce couple d’expat bobos admiré voire envié par leurs compatriotes, jusqu’à la découverte de l’infidélité conjugale dont les fausses notes vont sourdre, vibrer et résonner en un strident tintamarre de vengeances où chacun cache son jeu discordant. Karin Viard bat la mesure avec Benjamin Biolay en fugue sur les désaccords des faux semblants bourgeois. Trahie - Karin Altvegen - Editions Plon Roman noir/ 2008 - Points

Devenir « Miss France » c’est le rêve inaccessible d’un enfant qui devenu adulte décide de le réaliser envers et contre toutes les difficultés, surtout celle d’être un gamin, un homme. Ce chimérique pari engagé contre la nature, les genres, les tabous, les amitiés, les rejets des autres voire de soi-même se déroule au fil des étapes scintillantes d’une compétition paroxystique exacerbant la féminité pour dénoncer tout autant les clichés homophobes que les concours sexuels traditionnels et leurs dérives télévisuelles. L’environnement marginal et solidaire d’où surgit la beauté hors norme et hors genre du héros de cette aventure tragi-comique accentue par le burlesque les contradictions pailletées d’une société dominée par toutes les formes d’intolérance dont la générosité de ce film devrait triompher.

En parallèle des films « Chained » et « Beloved » les circonvolutions du sexe se poursuivent entre un adolescent déchiré par sa passion musicale, ses obligations militaires et une sexualité inassouvie et une femme libérée par l’écriture. C’est à travers leur rencontre que les thèmes du désir, de la prostitution, de l’agression, du viol se juxtaposent entre actes et discussions, ressenti et inconscience, réalisme et blessures mémorielles d’une société dominée par la virilité.

Barcelone réunit au travers de passés effacés new yorkais ou berlinois et de temps mêlés les amours pérennes d’un argentin et d’un espagnol. Au long des rues, des plages, des musées ... les déambulations catalanes s’entrelacent aux corps puis aux mots pour donner force aux désirs et perpétuer les sentiments. Un parcours aussi décalé que réaliste, où du silence aux dialogues l’intimité du récit traduit les choix contemporains des sexualités hétéro ou homo, des rencontres, des couples, de la parentalité, de l’amitié avec une finesse commune de ton et d’analyse égale à celle des images. Un premier film subtil et talentueux.

C’est la saison des moussons à Singapour où une malaisienne partage son quotidien entre les soins prodigués à son beau-père, ses espoirs déçus de maternité, le détachement de son mari, le mépris de l’administration de son collège pour les cours de chinois qu’elle y prodigue. L’intérêt d’un élève transformera cette indifférence affective générale par le partage de ses propres passions et nouveaux émois pour laisser place au soleil et à l’espoir d’une société plus humaine. Le choix de plans larges distanciant l’hyper-réalisme de certaines scènes, l’absence de musique additionnelle, le son des pluies traduisent la pudeur des relations intergénérationnelles et prolongent après « Ilo Ilo » le regard sensible d’Antony Chen

Le séjour de rêve dans une île paradisiaque tourne au cauchemar pour un couple anglais victimes d’enfants démoniaques. La cruauté enfouie sous l’innocence donne libre cours à un jeu de massacre inversé mais enraciné dans la violence même d’une société irresponsable dénoncée symboliquement par le titre original « Qui donc peut tuer un enfant ? » de ce film horrifique devenu un classique du genre. Le film restauré dans sa version originale avait disparu, sa vision d’un univers intrusif et liberticide reste d’actualité par la puissance de son scénario et la force intacte de ses images malgré l’évolution des effets spéciaux.

En avril 2016 une jeune femme parmi bien d’autres s’exprime face à la foule réunie Place de la République, consciente que son engagement pour les idées du mouvement Nuit Debout, sa participation passionnée aux manifestations, commissions, AG... mettent en péril son accès à la section Sociologie de l’Ecole Normale Supérieure. Ce sont ces contradictions sociales, humaines et politiques que filme la documentariste au fil du portrait de cette étudiante dont les convictions s’affirment face aux choix de son avenir et aux réalités de la vie. Ces images d’actualité militante alternent avec celles de moments familiaux et leur discours jalonne cette même route des Indignés de 2011 aux Gilets Jaunes de 2018.

Comédiens de théâtre, de cinéma, chanteurs et danseurs de comédie musicales, acteurs de la vie en prise avec ses amours et ses drames se croisent de répétitions sur les planches en scènes de la vie où le présent fuit le passé. D’Andromaque et son éternité, Paul Vecchiali le nonagénaire ranime l’immortalité d’une force créatrice infinie où passion rime avec vocation dans une liberté de ton hors normes traduites par l’esthétique des plans, la théâtralité décalée du jeu, la maîtrise d’un 30ème film...

A Tokyo, une agence de « location de proches » pallie les manques familiaux par l’entremise de remplaçants humains - des pères pour une mère célibataire ou une cérémonie de mariage, un employé fautif rachetant sa culpabilité, des photographes pour un désir de gloire ou une répétition émotionnelle... Un jeu de vérité reconstituée, assumée et rémunérée pour créer une réalité mensongère en réponse à l’absurdité d’une société de robots aussi heureux que dangereux. Fiction ou documentaire, acteur en son propre rôle, humanoïdes en devenir... les sentiments se font services et les illusions s’égarent entre vécu et anticipation. Quant à Werner Herzog il transgresse les folies individuelles d’Aguirre ou Fitzcarraldo pour dénoncer celles du devenir de la société contemporaine offerte en spectacle décalé.

Auprès de son grand-père pêcheur une fillette profite de ses vacances dans l’innocence et la liberté jusqu’à révéler le secret de ses jeux entre les rochers à un garçon de son âge. La grâce et l’intrépidité de la gamine face la virilité infantile de la petite bande adverse illuminent de leur force poétique le Noir et Blanc des images sans trahir la métaphore politique éventuelle de ce film lituanien adapté de la nouvelle Ekho de Yury Nagibin, réalisé sous le régime soviétique mais heureusement redistribué aujourd’hui.

Ils vont et viennent sans jamais se quitter ces potes d’enfance, trentenaires et adolescents attardés traînant leur hystérique irresponsabilité jusqu’à un pari brisant leur innocence. Un simple baiser pour un film amateur déstabilise leur amitié au profit du désir et de ses leurres, des peurs et pudeurs intimes, celles de Xavier Dolan retrouvant la fébrilité de ses premiers films, sa fragilité exposée en fulgurances, révélée dans l’hypersensibilité et les doutes de ses personnages, authentiques doubles offerts à la richesse émotionnelle partagée entre l’affection maternelle, le copinage et la passion amoureuse. Un film aussi brillant qu’intimiste où la tendresse explose sur des images trépidantes entre silences et sonorités ambiantes, faites pour plaire autant que déplaire.

Ses deux ou trois boitiers autour du cou n’ont pas protégé Gilles Caron des dangers de son travail de photoreporter à l’agence Gamma, mais ont illuminé son regard de témoin de l’humanité, des atrocités commises et de ses désirs illimités. 6 années d’événements vécus du Sinaï au Biafra jusqu’au Cambodge, des pavés parisiens à ceux des irlandais, illustrent les mêmes révoltes, douleurs et espoirs, expression en Noir et Blanc et couleurs d’un engagement éthique, politique et esthétique. Reliant une quête et un deuil personnels à la disparition du photographe et à l’étude technique de son travail, la documentariste cherche sur chacun des clichés numérisés, numérotés et exposés le mystère de la création individuelle et sa force universelle pour l’offrir à notre connaissance. www.fondationgilles-caron.org / info@fondationgillescaron.org

Quinqua blasée, fille et veuve d’escrocs notoires, maîtresse du chef de la brigade des stups où elle exerce au titre de traductrice d’écoutes téléphoniques, Patience la bien-nommée décide d’aider le fils de l’aide-soignante de sa propre mère, un jeune trafiquant dont elle récupère et commercialise la cargaison illicite. Berner autant les petits et gros dealers que son amoureux de flic naïf, s’accoquiner avec la mafia chinoise du 13ème arrondissement devient un jeu de dupes où se voile et dévoile une Isabelle Huppert joyeuse et libérée. La daronne – Hannelore Cayre – Editions Métailié 2017 – Points.

Ils sont trois flics parisiens portant l’uniforme à se croiser de mission en opération quand la banalité de leurs interventions est brisée par la reconduction vers son pays d’un demandeur d’asile. Ils se connaissent et nous apprenons à les connaître cette mère de famille qui s’est laissé séduire et doit remédier seule à un écart de conduite avec son collègue et cet autre confrère mari intègre en difficulté conjugale, ensemble réunis dans l’habitacle d’un véhicule de police avec un étranger à la langue inconnue. Un parcours chaotique conjuguant enfermement physique et cheminement mental, interrogations morales, transgression interdite et angoisse vitale, dilemme éclaté en triple positionnement reflet des attentes d’une société où s’affrontent respectabilité et individualité. L’alternance vie privée et professionnelle choisie par la réalisatrice libère par la force de ses images, l’échange des regards autant l’espace physique que mental, celui qui conduit à la violence envers soi ou les autres, distanciant son film de tout parti-pris ou jugement politiques. La tension de Virginie Efira, le masque d’Omar Sy, la rigidité muette de Grégory Gadebois et les silences de Peyman Moaadi démultiplient le questionnement offert au spectateur pour donner au film son intensité et valeur cinématographiques. Police - Hugo Boris - Editions Grasset- 2016.

Un chorégraphe et une danseuse ont dû renoncer à la garde de l’enfant qu’ils avaient adopté et cet acte douloureux détruit à son tour l’amour qui les liait, c’est au fil d’un long parcours de remise en cause des schémas imposés par la société et de reconquête de soi-même entre désir, plaisirs et sentiments qu’Ema se reconstruira et bâtira un modèle familial hors normes où s’épanouir. Sur les pentes de Valparaiso entre terre et mer l’expression de cette libération jaillit des flammes, bondit d’un corps de ballet, surgit de caresses sexuelles dédoublées, explose en reproches, fuse en gestes éperdus dans une mise en scène liée à l’énergie perpétuelle de son personnage jusqu’au final d’un plan séquence fixe préfigurant l’équilibre à forger sur les cicatrices d’un pays aux contradictions culturelles, souvenirs de dictature et manipulations politiques coupables. De Tony Manero, Santiago 73 ...Jacky jusqu’à ce portrait de femme, Pablo Larrain continue de traquer la liberté.

Dans un monde où les poissons ont renoncé à toute sexualité un chercheur rêve de ranimer la sienne éteinte depuis une douloureuse rupture, sa rencontre avec une fille de pêcheurs sous les auspices d’une coquine salamandre rose pourrait illuminer ce conte fleur-bleue s’il émergeait des flots. Un conte piscicole d’anticipation scientifique et d’immersion sentimentale.

Être migrant dans quelque banlieue que ce soit pose les mêmes problèmes d’adaptation et survie sociale, de discrimination et violence policières et une famille kabyle expatriée au Canada incarne cette question à travers deux frères petits délinquants et leur sœur parfaite lycéenne. Elle y croyait au modèle démocratique cette Antigone qui part en guerre contre l’injustice de la mort d’Etéocle et la menace d’expulsion de Polynice, en s’insurgeant en libératrice compensatoire. Le mythe de Sophocle s’inscrit alors dans le parcours d’exil politique réservé aux plus faibles et sa quête réparatrice impossible. La réalisatrice québécoise s’en empare traversant le temps par le réalisme des moyens d’expression des réseaux sociaux et la théâtralité procédurale pour actualiser l’affaire locale Fredy Villanueva/2008 et mêler la mort, le sacrifice, la rébellion à la solidarité humaine portés par une jeune actrice tout aussi déterminée.

Le Vietnam du XIXème siècle perpétue la domination ancestrale patriarcale que chaque fillette subit dès sa naissance au sein même des rites de la communauté féminine d’où un jour jaillira la liberté. Celle même qui permet aujourd’hui à une réalisatrice (et toute son équipe) d’exprimer leur force au travers des images, de leurs couleurs, de l’harmonie sensorielle des corps et de la nature, au rythme même de la vie et de la mort. Un premier film initiatique où la violence subie affleure entre silence et esthétisme, liant les cultures à leur universalité.

Bujumbura 1993, il est heureux avec ses copains membres coquins d’un néo club des 5, ce gamin fils d’un entrepreneur français et d’une mère Tutsi, complice protecteur de sa petite sœur et c’est à hauteur de leurs regards que le drame intime de la séparation parentale s’associe à celui politique d’un Coup d’Etat au Burundi suivi au Rwanda d’un insoupçonnable génocide. La distanciation liée à l’innocence des jeux d’enfants ne résiste pas à la contamination de la violence adulte et la reconstitution en images convainc plus dans son vécu intime et culturel que dans sa représentation historique pour attester de cette tragédie invisible. Tourné au Rwanda, avec ses acteurs et figurants locaux auxquels Jean Paul Rouve joint son talent, ce film plus de 25 ans après les événements ajoute au roman un témoignage mémoriel de folie humaine. Petit pays - Gaël Faye - 2016 - Editions Grasset/Le Livre de Poche

Dans un lotissement provincial sans âme, trois voisins ex-gilets jaunes peu fortunés mais addictes du web se heurtent à ses aberrations en tous genres (sextape, réseaux sociaux, intelligence artificielle...). Au fil d’une succession de saynètes leur absurdité éclate dans les rires de Blanche Gardin, jaillit des fantasmes amoureux de Denis Podalydès, explose dans la combativité de Corinne Masiero, pertes et profits mêlés à nos quotidiens décalés entre ridicule et tendresse, fable et farce.

Dans un no man’s land intemporel des ados et gamins sans repères vont et viennent entre trafics, voyeurisme et survie d’ennui, codes masculins mutiques que l’amour va rompre. Les images en cinémascope accompagnent ce conte initiatique égaré dans les mystères de la fraternité et du romantisme.

L’amour d’un couple de médecins urgentistes russes et provinciaux se heurte aux règlementations subies dans l’exercice de leur profession. Subir, choisir, fuir entre l’humanité d’une vocation et l’évolution de la société vers son contraire, seul ou à deux avec chacun ses doutes ou espoirs. L’alternance du regard privé/professionnel sur des problèmes aujourd’hui banalisés, accentue une authenticité douloureuse soutenue par les acteurs.

Une jeune psychanalyste tunisienne expatriée à Paris revient s’installer dans son pays après son changement de régime mais ni de la bureaucratie, ni des traditions encore moins des préjugés afférents. Les fantasmes de sa clientèle pittoresque sont joyeusement sexuels et leurs rêves illustrent leurs désirs libérateurs au fil de saynètes enjouées dénonçant la corruption, le machisme et les travers d’une société à soigner. Golshifteh Farahani irradie cette petite comédie inégale mais pleine d’espoir.

Elle a 11 ans, une mère condamnée à devenir deuxième épouse, une tante traditionnaliste et entre ces tiraillements culturels choisit l’intégration avec les copines au rythme du twerk plutôt que des transes sénégalaises. Comment grandir dans le déséquilibre offert par les réseaux sociaux, sa sexualité galopante, sa pornographie latente et l’innocence naturelle de l’enfance ? A travers les rires de ces « encore » fillettes, les larmes de cette « toujours » femme amoureuse, les ordres de cette « vraie » africaine, la réalisatrice nous offre l’équilibre de sa vision haute en couleurs, en énergie enfantine et sérénité adulte.

Des rêves de neige et de vacances japonaises lient deux collégiennes entre Shenzhen et Hong Kong au rythme de trafics frontaliers et premiers émois amoureux. L’énergie et l’innocence adolescentes happées par les profits de la contrebande et les conditions sociales sont portées par la réalisatrice de ce premier film avec une subtilité de ton et d’images pour dénoncer les conditions sociales et politiques chinoises que l’actualité nous démontre.

Cent ans après sa gloire oubliée, la terre canadienne de Dawson City offre ses souvenirs gravés sur les images muettes de pellicules enfouies, la découverte des Frères Lumière rejoignant celle des filons ayant donné vie à cette cité de l’or. La ruée de 40 000 orpailleurs, leurs rêves échoués des saloons aux maisons closes, des casinos aux salles de spectacle jaillit de ces archives entremêlées aux actualités du monde et à l’épuisement de l’exploitation. Ne restent aujourd’hui que 1000 habitants sans autre fortune que ce trésor de 533 bobines, 372 films auxquels s’adjoignent les clichés du photographe Eric Hegg pour, sur des commentaires sous-titrés et la seule musique d’Alex Somers, faire remonter le temps par l’éternelle magie du cinéma.

Un enfant seul sur une plage appelle sa mère et crie sa détresse au téléphone c’était un long plan séquence du court-métrage qui 10 ans plus tard trouve sa suite dans le deuil impossible de l’adulte et son transfert vers un ado aux premiers émois décalés. De l’Océan ses rages et sa plage hantée entre brumes et soleil et les ombres de la forêt de pins jaillit un fantôme comblant un manque obsessionnel que les personnages incarnent tour à tour, dans le refus d’un présent amoureux et la rancœur pour l’une, la révolte adolescente contre l’autorité familiale pour l’autre. Tourné en mouvements permanents et alternance de plans extérieurs et intérieurs le film traduit par ses images l’ambivalence et l’évolution des sentiments de l’héroïne entre tendresse et sensualité libératrice au long d’un étrange thriller entre deuil et résurrection, double miroir de survie et d’éveil.

1994, la mort dans les rues d’Alger et bientôt dans les villages isolés semble poursuivre deux hommes fuyant éperdument la violence jusqu’aux sables du désert. Du pistolet brandi dès le premier plan à l’ultime image la terreur nous étreint à travers le mystère du périple, le statisme de l’aventure, la splendeur des paysages où les mirages du Sahara transfigurent la réalité pour dénoncer les atrocités idéologiques enfouies dans les mythes entre djinns et guépard justifiant les délires contre la raison, la justification des armes par l’acceptation de toute violence. Miroir de la métaphore politique et culturelle de Ami Sidi Boumédienne la photographie de Kanamé Onomaya distancie l’inhumanité par son esthétisme, quand sonorités et musiques, bêlements et cris se font l’écho de la rage de l’autodestruction humaine. Un « grand » premier film témoignage par l’horreur de celle du terrorisme révélant un déjà talentueux réalisateur.

Une gamine, un couple, une maison squattée, la liberté au prix de tout dire, tout inventer, imaginer et faire avec autant de risques d’y croire que dans les films, les rêves contre les dérapages du réel. Ne rien entendre, mais garder les yeux ouverts pour continuer à jouer pour être heureux. Un casque de silence, une toise à fleur de peau, la félicité en chansons, les yeux enjôleurs de Pio Marmai sur une fantaisie familiale portée par l’amour.

Dix ans après les JO d’Athènes restent les ruines des installations toute flamboyance réduite aux luttes d’ados entre eux, contre eux, bandes de filles et garçons désœuvrés dans un pays ravagé par la crise économique. Les silences se font l’écho de la misère sociale, les décors reflètent le désespoir des situations, du travail refusé aux saillies de chiens monnayées, de la mer offerte à l’inconscience délétère des touristes, des amours naissantes à leur usure précoce. La jeune réalisatrice entre ellipses et mutisme dresse un tableau maîtrisé des dysfonctionnements d’une société, écartelée entre célébrations éphémères, profits monétaires et réalité humaine.

A Buenos Aires deux employés d’une menuiserie devenus colocataires s’épient, se cherchent, se frôlent entre la banalité de leur quotidien et la spécificité de leur vie privée jusqu’à parvenir à s’avouer leur sexualité indicible. La peur exprimée dans la pudeur des premiers moments explose en images contredites par leur déni. Le temps réel des plans tournés entre les embrasures des portes et l’étroitesse des couloirs accentue leurs silences, l’ambivalence de leur sexualité, son empêchement sentimental, sa libération physique, tous interdits d’une société respectueuse de sa normalité machiste et bien-pensante balayés par le seul sourire d’une fillette. Une émouvante libération portée par la subtilité de jeu des comédiens.

Incontrôlable la violence qui anime cette gamine agressive, dangereuse retirée à la garde de sa mère, rejetée de successifs foyers d’accueil, expulsée de toutes les écoles, menacée d’intervention psychiatrique, à charge de services sociaux impuissants. Quand s’offre une énième tentative avec un éducateur patient proche de gérer sa révolte, de canaliser son énergie négative, l’espoir renaît d’apaiser sa quête inassouvie d’amour maternel. Double écho de notre société cette détresse infantile qui n’a d’issue que dans la rage de vaincre la douleur instinctive infligée avec la même impuissance désespérée d’y remédier, cette fiction à la véracité dérangeante est portée par une jeune actrice impressionnante maniant tendresse et furie avec éclat dans ce premier film radical.

Le ballet « Crowd » de Gisèle Vienne interprété par quinze danseurs fait exulter l’esprit rave par la musique et la gestuelle, créant l’harmonie entre respiration, mouvements, écoute pour exprimer l’amour sous forme de méditation sensuelle. Des pauses d’interviews scandent les ralentis physiques de ce documentaire illustrant la libération par l’envoûtement émotionnel auquel succomber ou non.

Blacks, blancs, beurs unis tous drapeaux brandis le temps d’une fête sur les Champs Elysées, se retrouvent la fête finie au cœur des cités entre gamins, flics, frères musulmans, petits trafiquants et gitans dans un même élan de survie quotidienne. Le vol d’un lionceau, le témoignage d’un drone, une bavure et l’explosion de sa riposte font s’entremêler l’irresponsabilité des uns et l’impuissance des autres pour que jaillisse une violence latente, filmée au rythme de sa montée, d’un défilé à une cage d’escalier, entre huis clos d’adultes et courses de gamins, dans sa réalité de terrain et le talent de jeu d’acteurs professionnels ou non. Si, aujourd’hui à Montfermeil, l’innocence de l’enfance mise à mal par l’absence d’attention et de repères, l’inconséquence de radicalités diverses officielles ou officieuses mêlées aux abus de force policière, aux peurs de l’altérité, aux luttes de pouvoirs résonnent encore des mots de Victor Hugo et des cris de nouveaux Gavroches, c’est que la misère s’adapte à toutes les formes de progrès sociaux-économiques et perdure sans jamais éradiquer son injustice. Ladj Li nous le prouve au fil d’une œuvre portée par l’authenticité de son statut d’habitant en ces lieux et maîtrisée par son expérience de documentariste au groupe Kourtrajmé, unissant ses images et son discours en un double reflet de l’humanité et ses ambigüités sociales à travers les temps.

Un road-movie à travers cette Haute-Volta rebaptisée « Pays de Hommes Intègres » par Thomas Sankara qui le dirigea de 1984 à 1987 avant d’y être assassiné mais dont les idéaux d’avant-garde humanistes, progressistes, pacifistes, égalitaires, démocratiques, voire écologistes perdurent malgré les actions d’Al-Kaïda Mahgreb. Telle ses actions qu’il ne put continuer, la ligne de chemin de fer qu’il initia pour rejoindre la capitale à la frontière du Niger, sert de voie au jeune poète Bikoutine pour, avec la réalisatrice nous faire découvrir le Burkina Faso. La force des mots et la beauté des images s’harmonisent, des marchés aux écoles, des dispensaires aux administrations, des récoltes de canne à sucre à celles de coton, des idées aux manifestations politiques pour emplir le petit sac à dos du voyageur de la mémoire de ce Che Guevara africain et de son espoir immortel.

Ils sont tous là les personnages de Guédiguian, en famille dans leur ville qu’ils traversent et qui, à leur exemple, évolue, se construit surajoutant à ses fondations la modernité de ses tours vitrées et à ses origines prolétaires celles d’arrivistes sans scrupules. A l’honnêteté sacrificielle de la génération ancienne incarnée par le respect de l’autre se substituent les dérives d’une société dominée par les pouvoirs des seuls profits sexe et argent confondus en écho aux pleurs de la dernière-née de la tribu. Les luttes collectives et leur union se fracassent contre l’individualisation de l’ubérisation, du recyclage commercial véreux, la misère contemporaine capitaliste prorogeant une pauvreté solidaire disparue. Les décors tourbillonnants des voies rapides urbanisées ou des enseignes de magasins « cash », les scènes répétitives de prises de cocaïne ou fumettes électroniques compulsives, d’érotisme détourné, de travail humiliant cause d’un racisme migratoire illustrent la dénonciation des régressions utopistes et politiques incarnées par une femme de ménage et un conducteur de bus, autant que les mutations sociétales réductrices de leurs enfants adeptes du néo-capitalisme actuel, en s’opposant aux images hors temps d’un héros symbole de l’humanité égarée. Ses promenades en poussette face à la mer, la poésie naïve de ses haïkus, son détachement mutique justifient son destin de condamné volontaire et l’espoir d’un futur porté par la conscience de classe disparue, propos que le cinéaste revendique et répète à la façon d’un Ken Loach phocéen militant et généreux soutenu par le talent des siens les « tradis » Ariane Ascaride, Gérard Meillan, JP Darroussin et leurs héritiers Grégoire Leprince-Ringuet, Anaïs Demoustier, Robinson Stévenin et Lola Neymark réunis et unis.

Un jeune couple cherche à s’établir pour créer un foyer, reçus par un agent immobilier robotisé, ils sont vite abandonnés tels des oisillons coucous dans un lotissement fantôme sans souffle ni vent ni issue de maisons identiques où leur survie est assurée par une nourriture livrée au même titre qu’un nouveau-né, inclus dans le paquet-cadeau de la félicité promise. Hors temps, raisonnement ou sentiment le cauchemar se perpétue dans l’enfouissement d’une réalité répétitive à l’infini, celui d’une société déshumanisée. Les décors inspirés de Magritte, le silence de l’isolement brisé par les seuls hurlements de l’enfant mutant en adulte mécanisé créent une atmosphère virtuelle reflet du bonheur garanti par une société consumériste aux fantasmes capitalistes ravageurs. Un regard faussement futuriste mais censément lucide sur l’environnement actuel aux tentacules duquel savoir échapper avant de perdre nos valeurs portées par Imogen Poots et Jesse Eisenberg.

Eté 2011, un couple de tunisiens expatriés, aisés, épanouis est victime d’une embuscade qui met la vie de leur fils en péril et à la merci d’une greffe du foie. Les tests de compatibilité révèlent une infidélité passée à dépasser dans l’urgence des solutions à trouver. Au rejet machiste de la trahison, aux risques encourus par la condamnation légale de l’adultère, aux angoisses affectives s’ajoute la double quête d’une solution médicale par le père biologique ou le trafic d’organes en Lybie. Le film tourné caméra à l’épaule alterne les plans serrés d’hôpital avec ceux d’horizons désertiques infinis dédoublant l’enfermement et la libération d’un sujet dossier qui, avec finesse et talent de réalisation et d’interprétation, met en parallèle les valeurs authentiques de la paternité et celles de la liberté des femmes, dénonce la corruption marchande d’enfants, l’archaïsme culturel, dresse un tableau lucide des problèmes de deux pays frontaliers face à la mutation souhaitée et au terrorisme islamiste.

Années 60, les institutions ménagères fleurissent pour apprendre aux jeunes filles l’art de devenir de bonnes épouses, évidemment soumises au confort et aux désirs de leur seigneur et maître. Une bourgeoise récemment veuve, sa belle-sœur vieille fille et une bonne sœur forment le trio de choc d’une école alsacienne où les échos de Mai 68 vont provoquer une rébellion où pantalons, polochons et chansons riment avec libération. Une farce féministe où résonnent les rires de Juliette Binoche, se cache la tendresse de Yolande Moreau sous la baguette de Noémie Lvovsky adoucie par la dégustation d’un Strudel partagé avec Edouard Baer.

Il fallait une personnalité hors du commun pour prouver à la société de la « Belle Epoque » l’égalité des femmes dans l’univers scientifique et si le polonium et le radium ont valu à Marie Sklodowska d’être récompensée du Prix Nobel une seconde fois après celui de physique partagé avec Pierre Curie et Henri Becquerel, ses amours avec Paul Langevin après son veuvage ne résistèrent pas à la misogynie et xénophobie ambiantes. Pour briser le classicisme d’un biopic la réalisatrice l’entrecoupe du graphisme coloré de l’imagerie médicale et recourt à l’emploi du flashforward technique inverse des flashback nous projetant dans le futur d’Hiroshima et Tchernobyl et des soins médicaux salvateurs des radio/chimiothérapies préalablement expérimentés sur les champs de bataille en 1914. Un hommage narratif à la créativité féminine transmise à Irène Joliot-Curie, traversée par les voiles de Loie Fuller et porté par Marjane Satrapi. Radioactive A tale of love and fallout – Lauren Redniss – 2010 - Editions Dey Street Books.

Propriétaires ou prolétaires, riches corrompus ou pauvres rêveurs, l’argent les fait virevolter sous les pluies et soleils d’étés entre les fêtes de Noël et les souhaits de nouvelle année. Les magouilles monétaires des uns, les aspirations libératrices des autres se rejoignent entre tourbillons de corruptions et rébellion triomphante que les élections alors proches ratifieront en unissant les rires aux larmes du Brésil. La vitalité instinctive de Mada domestique à tout faire et nouvelle gestionnaire alliée à l’honnêteté générationnelle du patriarche se rejoignent dans l’espoir d’une autre société.

Qu’être femme et disposer de la liberté de son corps ne soit toujours pas au XXIème une évidence, que l’avortement soit interdit en Amérique du Nord (Alabama, Missouri, Géorgie...) et du Sud (Salvador, Argentine...), menacé en Europe (Pologne, Espagne...) relève donc d’un combat incessant. Pour exemple en Argentine, les luttes successives accentuées depuis 2007 pour la légalisation de l’IVG se sont encore heurtées au refus du Sénat en août 2018 sans pour autant mettre fin à cette demande renouvelée auprès du Parlement en Mai 2019. Au son des roulements de leurs tambours, à la lumière de leurs maquillages et de leurs foulards verts, à Buenos Aires et dans tout le pays, jeunes ou non, des milliers de manifestantes ont défilé et continuent de le faire affrontant une culture patriarcale, les fondamentalismes religieux, les institutions porteuses de leurs mythes, défiant l’injustice sociale pour en triompher. Les images de ces mouvements alternent avec des interviews de victimes pour illustrer les 500 000 avortements illégaux pratiqués, 50 000 hospitalisations et 3000 décès consécutifs annuels et porter leur espoir.

Elle est née en Algérie et contrainte par un banal mariage forcé a suivi son époux ouvrier dans la France des « Trente glorieuses » où elle a eu 14 enfants avant d’apprendre à lire et écrire source de ses nouvelles joies. C’est la mère du réalisateur mais ses confidences rejoignent celles d’une génération d’héroïnes vaillantes et tendres, toutes unies dans l’espérance qu’elles ont offerte en héritage à leurs propres filles et à ce documentariste reconnaissant nous offrant en partage ces portraits émouvants.

A Brazzaville, sur le marché, l’apôtre Médard de la confrérie des ngunza a boutique ouverte pour gérer l’invisible, chasser le jour les esprits nocturnes, exorciser les victimes de sortilèges maléfiques, organiser des cérémonies dans les cimetières ... Guérisseur officialisé par une licence d’Etat, initié par un prophète il en revêt le costume et prend la relève pour retrouver les sirènes réfugiées dans les sources du fleuve détournées par l’exploitation chinoise d’une carrière locale. La magie naturelle de ce documentaire efface l’irrationnel pour nous envoûter dans un lumineux monde des ténèbres ancestrales.

Une française et un japonais tous deux cinéastes se mettent en scène d’une catastrophe atomique à l’espace nucléaire, les images de Fukushima se superposant aux archives d’Hiroshima et aux cheminées des centrales atomiques. Rebonds de questions/réponses privilégiant l’intime au politique, irradiés par l’autodérision, contaminés par les digressions jusqu’à échapper à la réflexion.

Un jeune délinquant attiré dans son centre de détention par le séminaire dont ses actes lui interdisent l’accès débarque à la cure du bourg proche de la menuiserie où il était affecté et se substitue impunément au prêtre, exécutant confessions, messes, derniers sacrements, bénédictions, processions et sermons toutes tâches d’une paroisse spécifiquement marquée par la mort accidentelle d’adolescents. Son engagement spirituel, sa force réveillent les consciences mystiques, dévoilent les culpabilités conservatrices partagées, apaisent les douleurs communes. Le réalisme inspiré du jeune comédien accentue l’authenticité de ce chemin de croix sacrificiel dans une terre christique aux virulentes influences pieuses, passées toujours présentes, et dénonce subtilement les contradictions civiques entre pêché et rédemption, pouvoir et corruption, engendrés et perpétrés par la conjonction voire « communion » des influences politiques ou religieuses. Un film laïque et révélateur.