Cadré en chapitres aléatoires le récit illustré en images d’un faux mélodrame familial va et revient entre les actes d’une tragédie antique et les scènes d’un vrai thriller, jouant avec les secrets de famille, les mystères originels, la perversion narcissique, les dérives de la création, les profits pseudo-artistiques, le goût exacerbé du profit… tous induits par les mensonges d’Etat et la condition existentielle humaine. Entre musiques et silences de plans séquences et de narration théâtrale, intériorité des personnages et extériorisation des situations, le film oscille pour offrir à chacun sa préférence jusqu’à l’espoir incarné par les femmes dans la prestation de Barbara Lennie et Marisa Paredes.

Suspendu par sa fédération sportive à la suite de propos homophobes, un champion de natation se voit assigné à coacher une équipe de water-polo gay avant toute réintégration. Un premier plongeon direct avec noyade stéréotypée assurée avant que nos nageurs efféminés, nageuses musclées et entraîneur égaré n’émergent vaillamment de ce bain de clichés pour, à travers un road-movie en Croatie, aller concourir aux Gay-Games y conquérir dans les délires d’une joyeuse exubérance assumée toutes les médailles chatoyantes de tolérance, luisantes d’émotions, pailletées d’amitié. Une petite comédie toute simple et purement généreuse aux acteurs déjantés et chaleureux.

Un séisme soudain ébranle une réunion de famille improvisée après la révélation de l’homosexualité du fils cadet, honorable mari et père de deux enfants. Dans une insoutenable atmosphère de deuil, aux décors figés, rideaux tirés, hors toute lumière s’établit le retour à l’ordre séculaire et aux valeurs religieuses. Une condamnation prise en charge par les émanations sectaires évangélistes et leur contre-pouvoir entraînant un redressement mental et physique du couple, une destruction radicale de l’individu, une disparition de toute liberté d’ordre politique ou social. A cette annihilation du personnage et de ses sentiments s’ajoutent l‘actualité et la véracité des faits, leur dénonciation portés par la précision étouffante de la mise en scène, la violence des images, le jeu des acteurs. Après « Ixcanul » tableau rural, le réalisateur prolonge son analyse acérée de la société guatémaltèque.

Flamboyante et provocante, cette gamine radieuse jouant de son corps pour s’affirmer face aux autres amant, mère, enseignants, copines, père… y compris à l’enfant présumé, réduit à un instrument de pouvoir. C’est l’adolescence tout entière qui jaillit de cette Alice et elle s’y cogne allègrement pour sortir d’une enfance troublée par l’adoption et le divorce, pour violenter toute forme d’autorité, tester les charmes de la séduction, combler ses manques affectifs, dépasser les limites mêmes d’une grossesse inopportune jusqu’à prendre conscience d’elle-même. Les contradictions de cette construction individuelle se chevauchent dans les images d’un quotidien hyperréaliste, dans ses détails, les couleurs, les décors de l’environnement, adaptation des familles à l’évolution sociétale, importance des réseaux du portable… le naturel du jeu de la comédienne non professionnelle et de ses comparses crevant l’écran et insufflant leur authenticité et universalité à cette analyse d’une étape de vie dans le devenir humain.

Années 60, dans leurs pavillons jumeaux de la banlieue bourgeoise bruxelloise, deux voisines copinent en surveillant leurs gamins respectifs jusqu’à l’accident mortel de l’un d’eux. La douleur mêle alors la culpabilité à la paranoïa en un entrelacs aussi haineux que rigoureux. Souffrance et vengeance riment avec psychologie et nostalgie pour ce thriller pastiche hitchcockien sérieux à l’esthétique aussi élégante qu’efficace et aux accents musicaux contredisant violemment les silences d’une époque dépassée et accentuant les tourbillons de la folie. Une libre adaptation d’un roman noir reconstituant l’atmosphère délétère des amitiés de voisinage. Derrière la haine - Barbara Abel - Fleuve Noir/ 2012 - Pocket /2013.

Les petits mouchoirs qui cachaient de gros bobards consolent sept ans plus tard des aléas de la vie et secouent les valeurs de l’amitié en désordre alors, et François Cluzet de ronchonner, Marion Cotillard de tourbillonner, Benoît Magimel de rêver, Gilles Lellouche de fantasmer entre fidèles et nouveaux partenaires, collections de problèmes et résolutions effrénées, rebondissements incessants rythmés par une bande-son éclatante, pour continuer de danser, rire et pleurer sur une rengaine de vacances agitées au Cap Feret.

Gloria s’étourdissait en 2013 à dans les dancings de casinos chiliens pour oublier sa petite soixantaine solitaire et Pauline Garcia portait ce personnage avec une sensibilité douce-amère, Julian Moore prend le relais en quinquagénaire étourdissante et brillante entrainée et trompée par un John Turturo retors dans les rues de New York. Cinq ans ont passé le remake a traversé les Amériques du Sud jusqu’au Nord avec le même réalisateur qui a changé les codes et leurs décors mais gardé son talent.

Dans un village macédonien les autorités religieuses organisent une compétition rituelle permettant aux jeunes mâles du coin de repêcher une croix lancée dans la rivière, de passage, quand sans trop réfléchir une jeune femme s’en empare elle provoque un crime de lèse-majesté machiste autant que culturelle et chacun d’y plonger à son tour avec entrain. Les concurrents, le pope, les policiers, les parents, les juges, une journaliste et ses téléspectateurs entrent dans la ronde de ce fait divers dénonçant ironiquement leurs frustrations et abus de pouvoir pour nous réjouir d’une espiègle comédie féminine et féministe.

Athènes, en pleine crise d’austérité économique, à l’encontre de son époux et de sa fille, une jeune femme, au seul statut de souffre-douleur, prend courageusement le relais pour satisfaire les frustrations d’un macho et d’une ado boulimique. Le laborieux parcours d’émancipation d’une paysanne analphabète esclave des traditions domestiques, victime des pouvoirs sociétaux et que seule la solidarité féminine délivrera de sa honte en lui rendant une dignité humaine ignorée. L’hyper-réalisme des situations est tempéré par le jeu de l’actrice nous rendant supportable une situation qui ne l’est pas.

Dans l’Allemagne défaite les forces de l’occupation des Alliés prennent en charge les problèmes de l’immédiat après-guerre, la demeure d’un architecte de Hambourg est dès lors attribuée à un militaire britannique bientôt rejoint par son épouse. Le partage des lieux révèle les douleurs meurtrières subies de part et d’autre. La haine se transmet par les corps avant de se confondre en amour et retrouver la paix de vrais et faux nouveaux départs. La reconstitution est classique, l’interprétation maîtrisée, le sujet mélodramatique mais l’adaptation en accélérant le temps et ouvrant l’espace, réduit le huis-clos à une aventure passionnelle inconséquente. Dans la maison de l’autre - Rhidian Brook - Editions 10/18 - 2015 .

Harnachés en paramilitaires, conditionnés par une violence intrinsèque, une dizaine d’ados orphelins d’amour survivent regroupés sous la protection d’une fée salvatrice. Un combat gothique et onirique à égalité fatale entre les drones d’une société sans pitié et une communauté sans âme. La lumière de décors désertés se fond dans la noirceur d’un discours mutique écho en voix off de l’esthétique hyper-réaliste d’un conte fantastique.

C’est à partir de 1200 vidéos de tous pays, de toutes sortes et genres visionnées sur You Tube entre 2012 et 2018, témoignages d’aveux intimes face caméras que Denis Parrot a construit une collection d’émotions partagées, entre les silences des peurs, les paroles des doutes, les larmes libératoires et les sourires d’espoirs. Les douleurs et les joies de l’amour s’entrelacent à l’affection en moments de pure humanité à partager et répandre.

86 ans et toujours fidèle à son poste de productrice de documentaires, Inger Servolin se souvient de son désir utopique de changer la société que sa coopération avec Chris Marker lui a permis de faire exister par le militantisme du cinéma. De 1967 avec la création de la coopérative SLON jusqu’à celle d’ISKRA en 1974, tourner les événements c’était donner la parole aux participants, ouvriers de Besançon, étudiants de 68, manifestants de tous pays… La débrouille, la solidarité, l’efficacité du collectif dans le respect de l’individualité sont évoqués entre témoignages de collaborateurs d’autrefois et d’aujourd’hui, de membres de la famille, d’extraits divers… pour toujours et encore, croire en l’humanité

La quincaillerie du quartier Monge va fermer après 30 ans d’activités de complicité entre bricolage, voisinage et copinage, clients et employés fidèles à ce commerçant que son fils a entrepris de filmer au fil des années pour comprendre un choix de vie resté mutique. Une quête filiale envers un membre de la Gauche Prolétarienne dont l’engagement politique a évolué vers l’échange individuel, dans la simplicité généreuse de sa banalité. Un témoignage du passage des idées au partage de l’humanité.

La propriétaire d’un centre équestre dans le Sud-Ouest, toute à la joie de la venue de son petit-fils découvre au fil de son comportement que son séjour n’est qu’une étape vers la Syrie. C’est à travers les attitudes respectives de chacun dans un environnement régi par la nature et les animaux que le fanatisme idéologique révèle les failles affectives, les douleurs du passé. Les images de cavalcades effrénées, de prières dans les vignes se dédoublent en balades nocturnes dans les champs de cerisiers jusqu’à une étable devenue prison, contrepoint de la quête éperdue d’une grand-mère brisant un rêve d’absolu. André Téchiné pour aborder la radicalisation et le fantasme du djihad sans jamais verser dans le même radicalisme de la condamnation illustre en une forme de champ/contre-champ de scénario, mise en scène et jeu des acteurs à la fois la tolérance de la distanciation par le vécu et la violence des pulsions d’une jeunesse sans repères.

A bord d’un tramway traversant incessamment d’Est en Ouest, de jour et de nuit la ville, Amos Gitaï nous fait croiser leurs passagers, hommes et femmes qui chantent, draguent, prient, somnolent, se rencontrent, s’invectivent, se séparent, expriment leurs tristesses, leurs joies, l’absurdité de la situation politique en mots, langues et musiques diverses. Un voyage où Eric Gautier retrouve la fluidité de sa caméra comme au temps de « Ceux qui m’aiment prendront le train », pour un enchaînement de saynètes déroulées en un parcours critique d’engagement à la paix et la tolérance.

Ils sont coiffeurs, c’est juste le métier qu’ils ont choisi pour s’épanouir et dans le contexte économique actuel, ces trentenaires aux cœurs déjà éprouvés vont, au nom de leur passion, affronter les aléas administratifs, financiers voire sentimentaux pour conquérir leur bonheur entre rêve et réalités de la vie. Un schéma aussi attendu que généreux, rythmé par les embûches, le dépassement d’une collection de clichés et l’amour toujours pour offrir une comédie socio-romantique sympathique portée par un couple enjoué et talentueux.

Avoir 13 ans à Los Angeles dans les années 90, c’est comme pour tous les ados vouloir grandir vite, se démarquer de sa famille et faire partie d’un groupe alors rien de mieux que de s’intégrer à une bande de skateboarders. Un vrai parcours pour devenir cool/hyper-cool, ouf ou plus ouf, et trouver sa place, mené avec l’énergie de l’innocence, soutenu par les images, leur rythme, la bande son reflétant ensemble l’ambiance de l’époque au fil d’une juste chronique d’apprentissage.

Sympa ce dentiste père de famille attentionné, dommage qu’il soit infesté de cocaïne au point de contaminer sa famille par simple contact tactile, et que sauvé grâce à sa pure volonté, la soudaine méfiance d’une épouse douteuse ne le rejette. Pas sûr que le manque de rigueur d’un scénario revendiquant l’authenticité des faits, ne sauve acteurs et spectateurs d’une démonstration trop simpliste.

Fréderick Wiseman visite l’Amérique profonde celle qui a voté Trump à plus de 76% et cet infatigable documentariste de 90 ans associe l’immensité des plaines de maïs à l’étroitesse de vue des habitants, la cruauté des élevages intensifs à la banalité d’un individualisme forcené. Pour preuve sa caméra relie l’éducation aux médailles sportives, une vente de charité à celle d’enchères agricoles, l’allégeance aux rites maçonniques à celle du drapeau national, la fréquentation assidue de l’armurerie locale à la consommation alimentaire, l’aménagement obtus du territoire à l’absurdité administrative entre conseils municipaux et règlements locaux pour clore ce tableau d’un sermon à l’autre entre bénédiction nuptiale et funérarium. Une vision lucide de la campagne américaine, dénonciation silencieuse et précise d’une ruralité blanche, refermée sur les valeurs intrinsèques de sa communauté que l’on souhaiterait purement locale et à l’écart du souffle ravageur des vents du populisme.

Retour aux origines pour cette jeune bulgare qui en France depuis 25 ans part en chasse d’informations sur ses parents ou grands-parents peu diserts quant à leur attitude sous le régime soviétique. De démarches pour la réouverture de dossiers de la police secrète en interrogatoires familiaux intrusifs, cette quête de vérité sur les ruines d’un passé dictatorial censée agir pour l’avenir se réduit vite à un exercice narcissique inversant la culpabilité supposée au nom d’une liberté tout aussi bafouée.

En 1973, l’Uruguay petite enclave démocratique encerclée par l’Argentine bascule sous la dictature militaire, déclarée régime civique et le restera intégralement jusqu’en 1985 soit 12 années d’oppression, d’emprisonnement, de supplices et de disparitions. Devenus otages d’un pouvoir privilégiant la souffrance absolue à la mort, trois opposants « tupamaros » vont survivre à l’exercice de ce choix extrémiste où les sévices corporels doivent annihiler toute pensée pour provoquer la folie. Ce parcours de refus de la « torture blanche » (auquel succombera Bobby Sands mais dont survivra Nelson Mandela), illustré par le réalisme de scènes insoutenables, la tendresse et l’humour même de complicités improbables, met en parallèle dans l’alternance d’hallucinations et flash-back, de silences et de cris, d’images statiques et scènes en caméra à l’épaule, à la fois l’inhumanité des tortionnaires et l’humanité des résistants, la barbarie aveugle ployant devant les forces physique et psychique issues de la liberté. Que l’un soit resté poète et devenu écrivain et les deux autres respectivement Président de la République et sénateur/ministre de la Défense répond à cet espoir en écho al « pueblo unido jamàs sera vencido ».

Rien ne saurait ébranler la réussite du personnage flamboyant qui d’un restaurant de luxe à un yatch, d’une ville de province à la capitale entre secrets et responsabilités politiques, s’agite au rythme de détournements de fonds publics ou privés, scandales immobiliers. Un pur engrenage que soupçons, trahisons et paranoïa vont transformer en course effrénée pour rêver d’échapper aux dangereuses conséquences de la corruption. Le réalisateur dépasse ce sujet national (l’affaire du « réseau Gürtel » révélé en 2008 et jugé récemment) pour nous entraîner dans un thriller politico-psychologique aussi haletant qu’universel.

Aux Philippines le nouveau Président a été élu en 2016 sur la promesse de l’éradication du trafic de drogue, pour le prouver les forces de police entreprennent opérations sur opérations sécuritaires dans les quartiers déshérités de Manille. Le réalisateur comme à son habitude nous entraîne dans les rues mêmes de la capitale, au plus près des habitants et des protagonistes, flics ripoux abusant de leur pouvoir sur de petits trafiquants devenus indicateurs et pigeons voyageurs transformés en dealers, tous agissements des uns et des autres sous couvert de misère ou d’ascension sociale. La manière forte officielle sous-tend l’action au rythme même d’une violence aveugle, dénonçant par l’émotion humaine l’éternelle injustice d’un système dominé par la corruption.

Des petits vélos plein la tête et un rêve au fond du cœur, Raoul Taburin poussé par les coups de foudre jusqu’aux sommets d’amour et d’amitié fait pédaler les images, les photos et les mots pour rattraper les croquis et les bulles et faire rêver les petits voire grands fans de la « petite reine ». Raoul Taburin - Sempé - Editions Denoël 1995 -

Au XVIème siècle le meunier d’un village des montagnes est accusé d’hérésie, relâché lors d’un premier procès, rejugé et condamné au bûcher douze ans plus tard par peur de la contamination d’idées subversives. Un discours d’obscurantisme ecclésiastique mis en lumière par la noirceur même des décors, traduit dans la proximité des visages exprimant l’intensité des souffrances, choix de pure esthétique liant l’onirisme religieux au réalisme d’un peuple écrasé sous les ors de son pouvoir.

Une trentenaire épanouie reprend un emploi pour pallier aux difficultés familiales quotidiennes, son enthousiasme et sa bonne volonté vont rapidement se heurter à la place attribuée à la femme affrontant les sempiternels réflexes de séduction, de pouvoir conjugal, de contraintes domestiques, culturelles et sexuelles. Dommage que la fiction privilégiée par la réalisatrice jusqu’alors documentariste ne dépasse pas la lente tension ressentie et ses éléments démonstratifs au long d’une dénonciation évidemment nécessaire du harcèlement sexuel.

Paris et ses rues, la place de la République, Saint Denis… et ses habitués nocturnes, leurs regards de fêtards, étudiants, chômeurs, dealers, casseurs… jeunes qui trainent, parlent errent. 3 années de déambulations du lendemain des attentats de Charonne aux élections présidentielles anticipant l’actualité des gilets jaunes par la quête de reconnaissance, d’identité sans expression d’idéologie. Un portrait de société, façon photo d’identité où les sons font écho aux gyrophares, la parole aux grenades lacrymogènes, la violence aux notes de musique baroque pour laisser les mots de Rose s’élever, contrepoint d’espoir face à une haine ambiante indéfinie.

Une jeune journaliste intègre la rédaction de F2 qui l’envoie avec un cameraman suivre la campagne du candidat Macron, deux novices qui traversent la France, découvrent la foule, et si leurs trajets sont les mêmes, leurs trajectoires divergent et notre intérêt disparaît pour un banal témoin prenant lieu et place de son sujet sans jamais l’enrichir d’un réel point de vue. L’amitié de deux ex étudiantes d’une même école se fait alors simple exercice de style de copinage sans style, fond ni analyse.

Débrouillarde et volontaire cette jeune Rom déterminée à fuir son village miséreux au coût d’un mari repéré par une agence spécialisée. De Bucarest à Bruxelles, le parcours est chargé des rêves de l’émancipation contre les illusions de l’intégration, sans issue entre deux solitudes émotionnelles et culturelles. Préalablement documentariste, la cinéaste construit les errances de son héroïne avec une authenticité accentuée par l’énergie de son actrice et la réserve de son comédien, enfermés chacun dans une incommunicabilité douloureuse privilégiant leur propre intimité à travers leurs milieux respectifs. Un vigoureux récit d’apprentissage

Dans les années 60, à travers les déserts de la Colombie perdurent des tribus indiennes fidèles à leurs traditions qui incluent un profond sens du commerce. Les wayuu le pratiquent avec succès entremêlant danses nuptiales originelles et ballets aériens américains, la marijuana déversant ses dollars jusqu’à l’anéantissement de leurs clans. Cinq chants au fil desquels l’honneur culturel sera détruit par l’appât du gain, où les rêves cesseront de parler, les oiseaux et les sauterelles de veiller, les femmes d’écouter, les hommes de se respecter. Les allégories oniriques s’entrelacent au naturalisme ethnique et au réalisme du narcotrafic entre rapports successifs de pouvoirs matriarcaux et marchands, dans la splendeur de costumes, la magie des couleurs et l’union des gangstérismes américains.

La chute d’un homme, les doutes sentimentaux d’un facteur ou sexuels d’un voyeur, les méditations d’un vieillard, une balade nocturne alternent avec les interrogations amoureuses de femmes dans une piscine ou un RER, les derniers moments d’une autre, illustrent une douzaine de chapitres aux en-têtes extraits des « Fragments d’un discours amoureux ». Des mouvements se figent en plans fixes sur des mains, l’intimité s’illumine dans l’éclat de draps, des éclaboussures jaillissent des silences, des pensées en suspens se font l’écho de monologues pour au travers de chaque personnage créer un pur poème en images.

Du réveil au coucher avec pour seule compagnie une mouche et pour seule activité celle d’ingurgiter des litres d’un bière artisanale livrée par un voisin, un vieillard solitaire survit au rythme d’hallucinations et d’évocations alcooliques. Un passé de chômeur partagé en banlieue de Birmingham à l’époque de Thatcher avec une épouse obèse et obsessionnelle, leurs gamins partie intégrante d’un espace vital peuplé de chromos, de broderies, enfumé de cigarettes, pétrifié dans une violence muette. En trois séquences entremêlées, l’artiste photographe devenu cinéaste semble jouer avec l’image entre le temps et la forme pour représenter tel un tableau animé pudique la souffrance nostalgique de son enfance prolétarienne.

Jalousée, enlevée, émergée des brumes d’une forêt aux pouvoirs érotiques mystérieux Claire séduit un musicien dormeur, des jumeaux joyeux et simplet, un vétérinaire grincheux avant de rencontrer Prof, Timide voire Atchoum et d’échapper au poison de sa belle-mère sorcière minaudant dans ce harem décalé des Frères Grimm. Une version charnelle et coquine de Blanche Neige, virevoltant dans un gentil conte libérateur.

En Argentine, premier exportateur mondial d’huile de colza, la mise en œuvre officielle de l’agriculture intensive depuis plus d’une cinquantaine d’années a transformé la nature et l’habitat, les pratiques de déforestation, destruction des sols par l’emploi d’agrotoxiques en épandages aériens, fumigations, l’alimentation transgénique des animaux… engendrant l’exode rural, la multiplication de maladies et cancers jusqu’à l’apparition de malformations congénitales. Le cinéaste octogénaire, un volant de caméra au bras a parcouru son pays, rencontré des résistants à ce modèle agro-industriel et nous en présente les conséquences en images aux couleurs sursaturées reflets de cette destruction systématique. Si les terres andines sont lointaines, l’emploi des pesticides est quotidien en Europe et le département du Vaucluse champion de France.

Surpris par le silence de cet épisode du remake de « La partie de campagne », étreints par sa force alliée à la profondeur d’images en Noir et Blanc, nous voilà contraints à retrouver notre propre imaginaire dans le réalisme d’un double jeu de séduction et son évanescence aérienne. Cette magie originelle du cinéma et de l’échange entre la proposition de l’œuvre et sa réception, le cinéaste la poursuit dans l’ultime épisode où réapparait notre quatuor féminin en silhouettes picturales immatérielles unissant nos regards, les couleurs, le silence à tous les spectacles offerts, genres artistiques mêlés pour le plaisir à créer en nous et partager ensemble jusqu’au lien endiablé d’un générique musical facétieux. Donnons suite à cette intention rassembleuse en participant à ce pari contre des conditions de distribution et d’exploitation purement commerciales, au seul nom de nos passions.

Des parents bobos parisiens émigrés à Bagnolet, solidaires et rebelles pratiquant l’égalité sous toutes ses formes se retrouvent confrontés à la discrimination inversée de leur gamin à l’école publique. Pour exposer les contradictions idéologiques face aux réalités administratives, valoriser la mixité sociale, détourner les communautarismes, se moquer des cléricalismes, bannir les rigidités généralisées, dénoncer le harcèlement scolaire et toute forme d’intolérance rien de mieux que d’en rire mais pas n’importe comment. Pari gagné par le réalisateur qui entouré d’Edouard Baer et Leila Bekhti retrouve le ton débridé de sa comédie « Le nom des gens » pour évoquer les peurs de l’autre, les doutes du couple et défendre l’amour de tous.

Au check point entre Jérusalem et Ramallah qu’il se doit de franchir chaque jour, ce stagiaire trentenaire et lunaire engagé par son oncle producteur d’un soap-opéra, se déclare scénariste pour se dégager d’un lieutenant zélé, qui devient son conseiller en écriture. Le sujet de la série (espionnage pendant la guerre des 6 jours), son scénario (en corédaction multiple), le tournage (à bas coût), les revendications des acteurs (de leurs égos), les attentes (de fans hystériques), son succès populaire mêlent toutes générations confondues les idéologies palestiniennes, israéliennes, sionistes, féministes, guerrières, pacifistes au fil d’une comédie noire dénonçant l’absurdité d’une guerre éternelle.

A Tucuman ville frontière entre l’Argentine, le Chili et la Bolivie, profitant d’une grève policière et du chaos, un voleur à la tire, père attentif et motard voyou partage avec sa victime un accident de parcours rédempteur en créant une improbable relation de double réparation. Le mélange des solitudes des deux protagonistes, l’émotion liée à leur différence d’âge, leur force commune de dissimulation les unit en une complicité de misère sociale mis en valeur par les décors intérieurs d’une maison ruinée et extérieurs de la forêt tropicale, la moralité perverse du scénario et la justesse de jeu des acteurs. Le film résonne alors d’une authentique humanité

La survie des victimes des FARC « déplacés » colombiens à leur triple frontière avec le Brésil et le Pérou est une lutte qu’une mère et son gamin vont devoir affronter chacun avec ses armes, l’énergie innocente de l’enfance et la lucidité protectrice adulte sur une île peuplée de pêcheurs. Une simple chronique entre réalité et irréel, accompagnement des vivants et présence des morts pour consoler des douleurs et atteindre la paix dans le flamboiement des fleurs, des couleurs unies par la foi dans les esprits. Un second film de Beatriz Seigner tout en nuances et subtilité pour dénoncer les conséquences du terrorisme et accepter les silencieuses forces rédemptrices d’ici ou d’ailleurs.

La faillite de leur maison d’édition déstabilise la vie d’un couple, entre la campagne ou un autre emploi, chacun se cherche et l’acceptation douteuse d’une relation de hasard avec un ex accentue le mal-être de la jeune femme. Déni ou banalisation vont insensiblement changer la vie de chacun jusqu’à inverser la place de la victime. De l’inconscience alcoolisée au laisser aller et de la banalisation aux conséquences du déni, la réalisatrice évite la dénonciation purement féministe au profit de la réflexion sur les racines et conséquences de la violence intime.

Affectueux et joyeux ce trio familial, sœur, frère et fillette composant au mieux avec les contraintes ou libertés du célibat, jusqu’à un attentat terroriste brisant cette légèreté parisienne. Tout semble basculer hors les sentiments qui renaissent insensiblement du deuil même, au fil des situations traumatiques, de leur réalisme, du dépassement de tout catastrophisme ambiant jusqu’à la fragile résilience scintillant entre les larmes et sourires du passé et du futur. Après « Memory lane » et « Ce sentiment de l’été » le réalisateur prolonge avec sensibilité sa quête de renaissance jouant de l’innocence ou sagesse de ses actrices, de la légèreté de son acteur.

Un éléphanteau né dans un petit cirque de province, rejeté pour ses oreilles surdimensionnées et vite séparé de sa mère est confié à un veuf de la troupe revenu estropié de la guerre. Ses deux enfants également en manque maternel vont sous le sceau d’une improbable promesse lui permettre d’utiliser sa différence pour dépasser le rejet et grandir de mésaventures en aventures. Une fable morale d’Helen Aberson adaptée en comic-strip par Harold Perl en 1939 avant d’être animée par les studios Disney et Ben Sharpsteen en 1941, Oscarisée en 1942 et récompensée par le Grand Prix du film animé à Cannes, avant 80 ans plus tard d’être offerte en version live et un somptueux cadeau d’anniversaire pour cet attendrissant héros partageant ses envols roses dans l’univers poétique et magique de Tim Burton. Bien sûr les méchants seront châtiés, les gentils récompensés, les fausses valeurs du profit et de l’esbrouffe condamnées et la cruauté de l’intolérance dénoncée en toute lucidité pour le bien des enfants et le plaisir des parents.

Bientôt au chômage politique nos combattantes menacées par leurs engagements idéologiques, les voilà recyclées d’actrices évincées par la floraison d’arbres en sorcières vengeresses victimes des affres d’un tournage à problèmes. Et quand la splendeur de la nature se valorise par le regard humain, leurs pouvoirs s’affrontent à ceux de la séduction et de ses folies dominatrices. Vers où l’éternité de Casanova nous entraînera-t-elle dans la prochaine partie ?

Un quinquagénaire se retrouve après une séparation douloureuse seul face à trois crises à gérer la sienne et celle des deux ados. Laisser partir sa femme, grandir ses filles, se libérer lui-même au fil d’un quotidien éclaté à reconstruire, se transforme en épreuve initiatique pour chacun, traitée avec une authenticité autobiographique chaleureuse, et portée par la sensibilité exceptionnelle de Bouli Lanners.

En 1973, l’Uruguay petite enclave démocratique encerclée par l’Argentine bascule sous la dictature militaire, déclarée régime civique et le restera intégralement jusqu’en 1985 soit 12 années d’oppression, d’emprisonnement, de supplices et de disparitions. Devenus otages d’un pouvoir privilégiant la souffrance absolue à la mort, trois opposants « tupamaros » vont survivre à l’exercice de ce choix extrémiste où les sévices corporels doivent annihiler toute pensée pour provoquer la folie. Ce parcours de refus de la « torture blanche » (auquel succombera Bobby Sands mais dont survivra Nelson Mandela), illustré par le réalisme de scènes insoutenables, la tendresse et l’humour même de complicités improbables, met en parallèle dans l’alternance d’hallucinations et flash-back, de silences et de cris, d’images statiques et scènes en caméra à l’épaule, à la fois l’inhumanité des tortionnaires et l’humanité des résistants, la barbarie aveugle ployant devant les forces physique et psychique issues de la liberté. Que l’un soit resté poète et devenu écrivain et les deux autres respectivement Président de la République et sénateur/ministre de la Défense répond à cet espoir en écho al « pueblo unido jamàs sera vencido ».

Rebuté par son pays un jeune israélien s’entiche de la France, débarque à Paris renonce à sa langue, s’empare des mots du dictionnaire et de l’amitié d’un couple pour avec rage et frénésie se libérer de ses origines au profit d’une identité nouvelle. Un parcours d’excès d’adolescent rebelle où la passion transgresse la raison, la vigueur physique s’incarne dans les mouvements de caméra, ruptures de plans, les images morcelées par le souffle d’une révolte désordonnée, portée par l’élan viril d’un acteur vibrant de fureur. Le coq gaulois désenchantera les fantasmes culturels, ses catéchismes républicains rejoignant par leur absurdité les nationalismes douteux et l’apaisement naîtra de la réalité politique et sociétale dénoncée par une fiction dépassant l’intime par le cinéma.

12 jours pour effacer l’homosexualité et plus si besoin est, après évaluation en bonne et due forme de maîtres à penser extrémistes en chasse de Satan, c’est ainsi que le jeune fils d’un pasteur a enduré les sévices de pseudo thérapeutes de reconversion. Un lavage de cerveau cumulant morale, virilité appliquée, délations, isolement, exorcisme jusqu’au suicide les supposées déviations de leur clientèle. « Come as you are » dénonçait des pratiques datant des années 70, dix ans plus tard Garrard Conlay subissait ces mêmes immersions de redressement toujours agrées dans 36 Etats américains au nom d’un terrorisme religieux rémunérateur ayant déjà exploité plus de 700 000 clients. Boy erased - Garrard Conley - Editions Autrement - 2019.

1991 à Cuba la « période spéciale » causée par la fin de la guerre froide entre les USA et l’URSS rapproche trois radio-amateurs un prof de philosophie marxiste à recycler, un cosmonaute russe oublié dans l’espace et un détective américain retraité. Un trio d’attaque prêt à sauver un monde bâti sur des illusions perdues qui feront couler le Coca Cola et le rhum là où les idéologies s’embrouillent entre émotions et dénonciations, rires et solidarité. Des survols réalistes de la capitale aux envols d’effets spatiaux le réalisateur de « Chala : une enfance cubaine » continue de « conter » avec tendresse et humour l’amitié et la fraternité entre les peuples.

En route depuis Gibraltar vers l’île paradisiaque de l’Ascension, une navigatrice solitaire croise un chalutier à la dérive et enfreignant les directives de la patrouille côtière parvient à recueillir un gamin blessé à son bord. Des rêves exotiques à l’enfer de l’exil, ce long voyage dans l’immensité océanique ouvre notre regard vers l’émigration à travers la volonté de ce médecin urgentiste condamnant l’individualité des limites des secours au détriment de leur universalité. par un naufrage humanitaire programmé. Un cri en images, goutte d’eau solidaire dans l’océan de la détresse.

Une bande de vieux truands très retraités décident de se remettre au travail et si leur braquage est un succès, ses lendemains font chanter leurs rancœurs jusqu’à les priver de liberté voire faire décliner notre empathie pour cette authentique et sympathique arnaque.

L’arrivée d’un ado à problèmes dans un cocon familial traditionnel révèle la fragilité de cet âge ouvert à tous les possibles, la force des plus malmenés face à la faiblesse des plus protégés déclinée à travers une amitié salvatrice. Un premier film dont la nostalgie autobiographique étouffe l’hommage aux libertés adolescentes.

Un cri hurlé en images, celles de caméras portées sous les bombardements, de murs peints sur leurs propres ruines, des musiciens construisant leur studio, des caresses faites aux chats errants, des élans de leur vingt ans, des balles lancées entre partisans de Bachar et rebelles libérant Douma (Goutha Orientale) résonnant de part et d’autre du seul nom d’Allah. Combien étaient-ils entre 2011 et 2015 à espérer de ces mouvements libératoires éphémères, combien sont-ils aujourd’hui à lutter seuls contre le désenchantement quand ces témoignages ne sont plus portés par les hommes mais par des instruments jonchant le sol parmi les victimes. Ont-ils survécu à leur jeunesse et à leur foi dans l’avenir pacifié d’un pays en guerre, en nous offrant ces preuves mémorielles d’une réconciliation toujours espérée ? Un film indispensable à la mesure ce conflit insoutenable.

« La Symphonie du Donbass » tournée en 1930 par Dziga Vertov glorifiait le bassin houiller et orchestrait les valeurs du travail à travers Alekseï Stakhanov pur écho de la propagande stalinienne. Leur résonance s’est éteinte avec les grèves des mineurs et l’effondrement du régime soviétique laissant place au silence des idéologies perdues avant la cacophonie d’un néo-capitalisme révélant le manque des valeurs originelles, la perte d’identification et libérant les violences fratricides au seul profit de la Russie. Une analyse politique engagée et riche d’humanité.

L’apaisement de la momie précolombienne, et le venin d’éternelle jeunesse du scorpion noir ayant cédé à la pression de l’espionnage international nous voilà entraînés de Bruxelles à Paris de faux baisers volés et déclarations picturales dédiées à Berthe Morisot en amours interdites, l’envers de vies réelles s’infiltrant dans l’inversion des décors étoilés ou enneigés, de duels d’espionnes surmultipliées en chômage politique. Et si le réalisateur se joue de nous c’est par défi aux normes intégrées de la production cinématographique et ses offres commercialisées standardisant l’intérêt des spectateurs au détriment du spectacle lui-même et de ses charmes. Alors, à suivre peut être…

Une bande de narcotrafiquants fait régner la terreur dans une campagne désertique mexicaine où un père ayant déjà vécu l’enlèvement de sa femme et de sa fille aînée tente par tous les moyens à sa portée de protéger la benjamine. Masquée et casquée c’est à travers son seul regard de fillette aimante d’un adulte toxico, de gamine innocente parmi ses copains camouflés, de victime menacée et proie annoncée que nous découvrons la réalité effrayante d’un monde corrompu et violent. Mais les armes de l’innocence volée ont une force onirique dépassant l’horreur par le rêve et le réalisateur un talent exceptionnel pour dénoncer l’emprise généralisée au Mexique, en Colombie… des barons de la drogue, milices paramilitaires et gouvernements incompétents.

Casanova se souvient d’une jeune courtisane comme d’un dernier amour, mais cette évocation traduit-elle l’amertume d’une conquête inaboutie ou l’improbable mélancolie du désir inassouvi ? Benoît Jacquot, à la lecture de cet épisode des Mémoires de l’écrivain se pose la question en cinéaste et nous l’offre en partage entre perruques et jardins anglais, maisons closes et dentelles froissées pour nous y égarer dans le labyrinthe des passions et de leurs souffrances. L’ambigüité de la séduction se démultiplie entre la pudeur de Vincent Lindon, le charme de Stacy Martin, le libertinage du XVIIIème siècle et l’élégance d’un film. Histoire de ma vie - Giacomo Casanova - Les classiques de Poche - 2014

L’été agité d’un post soixante-huitard grincheux, oublieux des solidarités et libertés défendues, incrusté au Larzac, quitté par sa femme, squatté par un petit-fils et en voie de redressement pour retrouver les valeurs de sa jeunesse. Une collection de clichés générationnels nostalgiques et libérateurs pour un feel-good movie garanti d’époque.

Il chante toujours cet enfant prodige brisé aujourd’hui trentenaire qui, suivi par la caméra de la documentariste Yolande Zauberman, revient à Bnei Brak quartier ultra-orthodoxe de Tel Aviv, d’où il s’est enfui il y a une quinzaine d’années, toujours en quête d’apaisement après avoir été abusé par des membres de sa communauté depuis l’âge de quatre ans. Illustrant la phrase de Kafka « je suis parmi les miens avec un couteau pour les agresser, je suis parmi les miens avec un couteau pour les protéger » la cinéaste cherche une justification à ces sévices dans l’exacerbation d’une sexualité interdite, dans le processus traditionnel d’explications et justifications mêlant irresponsabilité et culpabilité de souffrances partagées, de confessions familiales, à l’abri de protections séculaires pour perpétuer la sacralisation et l’essence même de la religion.

Et voilà que Carmen est américaine travaille à Jacksonville dans un atelier de couture proche de la caserne où Joe est soldat et qu’un coup de foudre les unit avant qu’une bagarre les désunisse… Pas pour toujours évidemment car malgré les plaintes des ayant-droits des librettistes français de l’opéra (qui interdirent la sortie en France 25 ans durant), l’histoire est plus proche dramatiquement de la nouvelle de Mérimée par sa transposition dans le racisme des Etats du Sud. Ni comédie musicale, ni transposition théâtrale, le film est un pur chef d’œuvre de cinéma subjectif équilibré entre le son et l’image, la mise en scène et la chorégraphie, les notes et le jeu des acteurs.

Une partie de rire que les chatouilles mais jeux de mains jeux de vilains quand celles des adultes s’égarent sur le corps d’enfants interdits de défense par leur innocence. Le respect induit le secret, les exutoires physiques confortent le mutisme jusqu’à la prise de conscience et la reconstruction par la parole devenue cri théâtral, images de cinéma. Alors la petite fille a chassé sur ses pointes la faute de l’autre, la danseuse s’est libérée en mots pour dénoncer les tabous culturels, condamner les dénis familiaux, délivrer des silences coupables et protéger par le rire et l’émotion la candeur infantile. Une résilience lumineuse récompensée par les Molière avant les César à surtout partager en famille.

Un enfant acteur, surdoué et esseulé entreprend une improbable correspondance avec le héros adulé d’une série télévisée jusqu’à la découverte de ces lettres par ses comparses collégiens, leur révélation sur les réseaux sociaux et les doubles conséquences de ce harcèlement. Dix ans plus tard, comédien confirmé, il justifie leur parution comme Xavier Dolan lui-même retrace les dérives du star-system, leur affligeante médiocrité, la pérennité de l’homophobie et toutes formes de préjugés, de jalousies précoces, de révélations médiatiques et d’intolérances primaires. Une lutte démultipliée par la quête de chacun pour rester fidèle à ses passions, conquérir son identité et sa liberté, discours à priori banal qui transcende l’autojustification en un tourbillon flamboyant. Le rythme de la mise en scène, la maîtrise des plans, le jeu des couleurs, les choix de la bande-son, la prestation des acteurs, l’éclatement du montage, brisent les rivalités hollywoodiennes pernicieuses, les interdits sexuels, valorisent les émotions maternelles entre tendresse et mélancolie. Les déboires avec les producteurs canadiens restreignent pour l’heure la distribution internationale, la part française échappant à cet interdit profitons donc du privilège qui nous est offert.

En route avec un convoyeur de charge non-identifiée livrée par l’Armée à destination de Belgrade, trajet bientôt partagé avec un jeune auto-stoppeur rêvant d’un avenir musical à Berlin. Un voyage sous une grisaille hivernale pluvieuse jalonné de rares étapes où le passé disparaît dans le présent d’un pays en conflit à l’avenir sombre. Un briquet souvenir de victoires antérieures, un emploi douteux justifié par une famille et un fils à protéger dans l’espoir de transmission générationnelle soutiennent ce road movie à la charge émotionnelle mutique porteuse des ravages invisibles des guerres répétitives.

Sandrine Kiberlain dans tous ses états de mère aimante, resplendissante et délirante pour une comédie libératoire, cri d’amour maternel à l’écho filial de bonheur partagé dont profiter joyeusement.

Trois ouvrières de la conserverie locale de poisson sont réduites à mettre en boite le cadavre de leur petit chef harceleur sexuel permanent, dealer conséquent, mort par accident mais recéleur d’un joli magot à se partager. Loin de tout repos ce nouveau boulot assumé à la fois par une ex Miss Pas de Calais réfugiée dans le mobile-home maternel, une mère célibataire et l’épouse d’un chômeur professionnel face à la violence machiste. Un authentique parcours régional et social de combattantes dans un délirant jeu de massacre où s’embrouillent la débrouille, les genres et les rires. Avec un peu d’entraînement le réalisateur s’échappera lui aussi des conventions pour accélérer le rythme et atteindre une prochaîne jubilation triomphante.

Une jeune franco-grecque revient à Lesbos pour vendre la maison de sa mère récemment décédée mais dont elle s’était séparée à son adolescence par jalousie envers son beau-père. Son simple désir de vacances à partager avec deux copains banlieusards va se heurter en cet été 2015 à l’arrivée de migrants sur les plages et aux conditions de leur rejet. Une prise de conscience de l’identité et des racines de chacun vécue par une jeunesse aux origines et religions diverses s’ouvrant à une générosité humaine commune.

Devenue infirmière aux USA une jeune roumaine en accession à la « greencard » est harcelée sexuellement par un employé des services d’immigration exploitant sa fragilité. C’est sans compter sur la double détermination de cette mère et de son gamin décuplant leurs forces entre une culture originelle acquise et une nouvelle à conquérir au nom d’une vie meilleure. Une persévérance que la réalisatrice illustre par la dignité de son actrice, sa distanciation des violences subies et la juste valeur de l’émotion partagée face au rejet social d’un pays et à la xénophobie de l’autre.

Une famille irlandaise heureuse se retrouve sans abri à la suite de la crise du logement sévissant à Dublin et contrainte à se loger à l’hôtel au jour le jour pour éviter le cauchemar d’une nuit passée en voiture sur un parking. Un véritable parcours de combattante pour cette mère attentionnée et aimante, un crève-cœur pour son époux à l’emploi exigeant, des problèmes pour chacun des 4 enfants confrontés aux regards des autres, bref une galère injuste et injustifiée. L’humour et l’amour sauvent le film du misérabilisme, les sourires des enfants et le talent des acteurs l’illuminent, des soupçons d’inceste ne suffisent pas à combler un manque d’analyse sociale pour rattraper le réalisme social britannique Ken Loach, Mike Leigh…

Le titre est clair et le travail de la documentariste sur son sujet tout autant, comment fonctionne la rédaction d’un journal en ligne avec pour strict exemple une campagne présidentielle et un nouveau candidat, avant, pendant et après. Délaissant les aspects provocateurs de lanceurs d’alerte ou d’investigation dénonciatrice, elle privilégie les débats engendrés par les surprises successives des résultats des primaires à la renonciation du Président en poste, coups de théâtre d’affaires et décompositions de partis. Son statut de témoin permet de montrer que de l’étonnement devant les faits, le journaliste doit passer à leur analyse, se distancier de ses propres positions partisanes, défi débattu librement entre tous avec passion et raison.

Il s’appelait Lee cet enfant des faubourgs qui de l’East End à la Maison Givenchy avant Gucci a bousculé les codes, transgressé les règles, choqué la critique et créé un nombre incalculable de défilés happenings pour exorciser ses propres démons de créateur et performer plus encore que de couturier. Cinq étapes jalonnent ce parcours d’artiste révolté, les témoignages, archives de sa mentor Issie Blow, de sa famille, de ses amis et collaborateurs se succèdent pour étayer au-delà de la drogue et l’alcool, le mal-être définitif d’un traumatisme familial d’enfance insurmontable au deuil de sa mère. Le tableau flamboyant d’une incarnation des 90 ties de la création britannique.

Un somptueux cadeau aux cinéphiles que cette œuvre de 14 heures tournée en 10 ans, divisées en 4 séances et 6 histoires qui se chevauchent ou s’ignorent, sont jouées simultanément par 4 actrices principales et rendent un hommage passionné au 7ème art dans toute sa diversité et temporalité. Un premier conte quechua hitchcockien suivi d’une romance musicale avant une poursuite d’agents secrets dédoublés en quatuors féminins internationaux, James Bond recyclées par les idéologies excentrées d’Europe en Amérique latine, puis un faux making of, réelle vengeance de sorcières traversé par Casanova et pour continuer une copie muette en N&B volée à Jean Renoir, avant une palette silencieuse inspirée de Léonard de Vinci ou d’autres, s’achèvent joyeusement sur un générique inversé et musical résumant l’humour rimant avec l’amour de l’image animée des Frères Lumière. Les maléfices intemporels, les pouvoirs machistes, les dominations multi-nationalistes, les vengeances secrètes, leurs emprises communes jaillissent en écho aux voix of murmurées sous des ciels étoilés argentins, au fil de paysages immaculés sibériens, sur des murs parisiens impressionnistes, dans l’envol poétique de ballets aériens . L’esthétisme de plans séquences, de contrechamps conceptualisés, la pureté de la lumière et le choix des pellicules et de leurs couleurs, les monologues en alternance de silences, sons, musiques et les réapparitions successives des comédiennes soulignent l’écriture propre à la caméra au service de la création artistique pour simplement nous envoûter. La force culturelle latino-américaine et l’héritage chilien de Raul Ruiz participent de cette offre d’un cinéaste passionné par son art et ses infinies facettes, à nous d’y répondre en intégrant l’expérience dans notre quotidien d’un jour ou d’une semaine à l’autre, pour prolonger le temps, partager la variété et atteindre la liberté.

Une jeune assistante sociale de banlieue se laisse convaincre par son frère engagé à Rakka par les forces de Daech de venir l’aider en Syrie, mais déchanter ne peut lui rendre sa liberté et tout retour auprès de son mari avec leur jeune enfant relève de l’impossible. C’est cette opération d’exfiltration vécue par le fils même de son producteur que, s’inspirant de cette aventure, le réalisateur authentifie par son expérience de documentariste et ses images tournées en Jordanie. Associant au rythme d’un thriller, l’émotion d’un drame familial à une problématique d’actualité, le film soutenu par son trio de jeunes acteurs sonne juste et fort.

Une jeune lectrice du milieu germanopratin de l’édition au compagnon écrivain méconnu découvre dans un bourg du Finistère une bibliothèque de rebut des manuscrits refusés et y déniche le chef d’œuvre dont elle fera un succès fulgurant. Sauf, que peu convaincu un critique littéraire soupçonne l’imposture et s’engage à la révéler. Une enquête doublée d’une analyse des milieux de l’ennui provincial et de l’arrogance parisienne, frustrations des uns et arrivisme forcené des autres se mêlant aux amours finissantes ou naissantes pour s’en moquer ou s’y attacher. Foenkinos connait les coulisses du métier autant que Fabrice Lucchini les ficelles du sien alors chacun joue alors sa partition de l’inspiration pour nous en délecter. Le mystère Henri Pick - David Foenkinos - Gallimard – 2016

Une jeune femme débarque dans un centre de désintoxication qu’elle va devoir partager avec une dizaine d’autres inconnus présents pour chacun parvenir à retrouver leur intégrité, dépasser la peur, la souffrance, la honte, le dégoût, aborder le manque de confiance, raconter la violence, la destruction, subir les émotions, reconnaître sa responsabilité, écouter pour lâcher prise, s’ouvrir, se soutenir, chanter, jouer, danser ensemble, retrouver les secrets enfouis jusqu’à les révéler pour au terme d’un processus de recherche reconquérir une liberté entravée par soi-même et partir, quitter la protection, affronter la vie. Un processus thérapeutique reconstitué par le découpage même des journées de séjour, sur la voix of du personnage principal, des acteurs filmés en plans serrés extériorisant les marques de leurs douleurs, des inflexions mutiques de réponses inavouables, des dans la contradiction du collectif figé en décor de chaises vides pour insérer la vraisemblance de la fiction et le jeu théâtral à la réalité du documentaire, rassemblant les genres à l’image des êtres par une même sensibilité.

Pour gagner du terrain sur la mer, Singapour importe des pays voisins sable, gravier et jusqu’aux ouvriers, la disparition sur un chantier du littoral de l’un parmi d’autres déclenche une enquête policière. Sujet de thriller classique détourné par l’imaginaire d’un inspecteur insomniaque dont les rêves prémonitoires s’entremêlent à une réalité chimérique de construction artificielle, de destruction côtière, d’esclavage humain, d’hypersexualité cybernétique en un tourbillon de flash-back, jeux vidéo et fantasmes jaillis de décors nocturnes lugubres. Un vertige onirique où les deux personnages se dédoublent et nous entraînent du réel de l’exploitation humaine et sa perte identitaire résultante à la libération compensatoire des corps par la danse et l’envoûtement musical vers la dénonciation d’un miracle économique bâti sur le cauchemar des migrants.

Dans les montagnes reculées de Turquie perdurent les peurs et légendes transmises par les sifflets qui résonnent d’une vallée l’autre, cette communication ancestrale par modulation des syllabes devenu le seul moyen d’expression d’une jeune femme muette. Alors comme en écho à son isolement et rejet elle traque le loup pour s’extraire de la meute d’une société patriarcale, découvrir l’amour et conquérir la liberté. Une sombre métaphore illuminée par le jeu de l’actrice, les émotions offertes par son mutisme permettant le dépassement du lieu, des époques et des genres pour atteindre l’universalité de l’intolérance.

Le désir d’une Mammie gâteau américaine de revoir sa petite fille devenue parisienne et retrouver son lieu de naissance pyrénéen provoque un voyage où vérité, quiproquos et mensonges s’embrouillent à la réalité. Trois générations de femmes vont échanger leurs joies, luttes et rires en compagnie d’un un ex-amant, fils en manque et père en devenir au long d’un road-movie enjoué où les manques affectifs maternels déterminent les fuites amoureuses et leurs éternels recommencements. Cette libre adaptation romanesque joue avec la musique, les voix et le talent de ses comédiennes en toute liberté. La valse des affluents - Théo Hakola - Editions Serpent à plumes/Fiction étrangère- 2003

Hébété et affamé un homme échevelé s’éveille parmi pique-niqueurs, champignons roses et vols d’oiseaux, en lisière des bois assoiffé il participe à l’hommage rendu à un jeune homme décapité et sur les routes de ses successives aventures oubliées croise son double imaginaire. Les errances poétiques du deuil impossible d’un amour brisé offrent à cet amnésique une survie aussi burlesque que libératrice, à partager pour délirer.

L’adaptation de la pièce de Samuel Beckett « May B » en spectacle de danse en 1981 sert de fil rouge, de répétitions en extraits pour expliquer le travail de la chorégraphe, sa relation entre art et politique, l’engagement et sa réflexion. Parvenir à l’essence de l’expression par une esthétique différente des corps recouverts d’argile, des mouvements inappropriés à l’harmonie, une logorrhée de sons inarticulés pour dépasser les clichés inhérents à la beauté et atteindre la vérité des chairs, os, sexes humains. Nous immergeant dans les reprises de cette pièce, tous danseurs confondus dans le temps, le documentariste évoque la transmission générationnelle des idéologies par le collectif et l’éthique d’une artiste réactive au présent pour offrir le devenir.

En 1975 les Khmers rouges prennent le pouvoir chassant leurs concitoyens au nom d’Angkar idéologie révolutionnaire meurtrière. Survivre devient alors un combat pour ne pas succomber aux exécrables conditions du quotidien, à la sous nutrition, aux travaux agricoles autant que pour échapper aux tortures, atrocités diverses et dénonciations de tous ordres… qu’un couple subit avec les déplacements abusifs de leur jeune enfant puis de leurs proches qu’ils feront tout pour retrouver et fuir le régime. C’est l’animation qu’a privilégiée le réalisateur pour reconstituer l’histoire de son pays à travers le passé de sa propre famille, et ce choix autobiographique souligné par la splendeur des dessins paysagers réduit la violence politique au profit de la paix retrouvée.

A Hong Kong les triades font leurs lois et la rencontre d’un policier, d’un agent de sécurité et de leurs femmes enceintes relève du challenge pour le cinéaste entre action, thriller et virtuosité esthétique.

Années 50 à 60 la guerre froide ne peut empêcher les sentiments de dépasser les idéologies ou les frontières entre la Pologne et Paris et la musique fait résonner la passion sur les notes du romantisme et l’esthétique de l’image au fil de dix années de rencontres. Une mise en scène à juste titre récompensée, un Noir et Blanc raffiné, des plans au rythme de la pudeur des amants sur fond d’exil douloureux rythmé par un jazz inoubliable comme le film

Une quinqua professeur de littérature, mère de famille en mal d’amour après l’abandon de son mari pour une plus jeune raconte à sa psy son échange confusionnel du réel au virtuel dans la réalité de Facebook par un transfert d’âge et de situation avec un amant potentiel. Sujet d’un roman d’où les lignes s’évadaient, sa transcription en images affronte l’ambigüité même du thème, et tout le talent de Safy Nebbou est de s’en emparer, transfigurant sous les traits de Juliette Binoche écoutée par Nicole Garcia, le désir féminin interdit par le couperet de l’âge, violence déterminant le vertige des jeux de miroir sans tain des moyens d’Internet jusqu’à leur remise en question entre les mots, l’imaginaire, la parole et leur vérité contredites par l’épanouissement de la liberté. Avec ce 6ème film, suite d’une précédente adaptation du livre de Sylvain Tesson le réalisateur confirme sa maîtrise du genre, et si ses actrices n’avaient elles non plus rien à prouver, leurs prestations confortent la réussite du film. Celle que vous croyez - Camille Laurens - Gallimard - 2015 - Folio Poche 2017.

La pègre locale de Datong petite ville du Shanxi répond aux codes d’honneur et règles d’équité habituelles, quand l’autorité de Bing leur caïd est mise en péril par une bande de jeunes, sa compagne Qiao le sauve mais écope de cinq ans de prison. Sa libération l’entraîne vers le barrage des Trois Gorges en quête de son amant oublieux avant de revenir seule dans sa province où reprendre ses activités. Une histoire d’amour, ses tourments et retournements et au fil de son déroulement le tableau d’une Chine en pleine mutation, l’évolution des sentiments en résonance avec la fulgurance du progrès économique illustrée des scènes virevoltantes de danse aux roulis de bateaux surpeuplés, des visages burinés aux paysages striés par les trains à grande vitesse, des habitats bétonnés à la beauté d’un volcan pacifié. Si « La blancheur de la cendre est la plus pure » titre originel de ce film noir, l’image éblouissante d’Eric Gautier, le jeu du couple d’acteurs et la maîtrise du réalisateur illuminent la gravité de cette traversée du temps.

Le Chili vécut avant le 11septembre 1973 sous le régime élu de l’Unité Populaire trois années d’utopie politique que le coup d’Etat de Pinochet brisa pour instituer au fil de sa dictature un seul affrontement binaire, c’est cette disparition de l’analyse nécessaire à l’idée de démocratie que le cinéaste devenu documentariste engagé explore aujourd’hui au travers d’images d’archives et d’interviews d’exilés ou survivants socialistes chiliens. Une mise en parallèle des solidarités spontanées de l’ambassade et conditions d’accueil de son pays à cette époque avec l’attitude actuelle de rejet des migrants, dûes à la disparition des idéologies, au triomphe de l’individualisme, responsables de l’implantation du populisme. Le discours ultime de Salvador Allende sous les bombardements du palais présidentiel, les exactions militaires sur des civils, leur fuite dans les refuges diplomatiques, alternent avec les témoignages actuels suffisamment distanciés pour justifier cette réflexion que l’on pourrait aisément rendre européenne autant que mondiale. Pour rappel, Pierre de Menthon à l’ambassade de France recueillit plus de 800 réfugiés, et l’implication du ministère des Affaires étrangères du Président Pompidou, des associations humanitaires, partis politiques, syndicats, personnalités porta ce chiffre de 5 à 15000 personnes, action naturellement inscrite dans le contexte de mobilisations sociales et intégration multinationale dont l’esprit a malencontreusement disparu. Les paroles des cinéastes Patricio Guzman et Miguel Littin s’ajoutent aux images de Raoul Ruiz, aux voix des Quilapayun et Inti-ilimani, aux mots de Pablo Neruda et à l’héritage de Pablo Larrain, transmission culturelle de l’inoubliable revendiquée par Nanni Moretti.

Wardi est une gamine vivant dans le camp de réfugiés Burj El Barajneh de Beyrouth où son arrière-grand-père a échoué depuis la Nakba consécutive au traité de 1948 expulsant les Palestiniens de leur terre. Quatre générations qui au fil des années ont remplacé les tentes par des juxtapositions verticales branlantes, tours fragiles soufflées par les bombardements des conflits successifs et qui du trisaïeul à ses fils, des oncles aux mères et à leurs filles se transmettent l’espoir d’un retour ou d’un ailleurs. Elle est craquante cette mini combattante mais sa silhouette de marionnette qui carapate sur fond de dessins entre souvenirs d’exode, photos de familles ghettoïsées, archives guerrières nous renvoie à la cruelle réalité des 21000 enfants encore abrités intra-muros sans identité reconnue ni statut juridique. Ce film combinant l’animation stop motion/en volume et celle traditionnelle en 2D réalisé en France par les studios Foliascope est à partager entre enfants et adultes pour rêver ensemble de la liberté offerte par l’envol des pigeons.

Mary Stuart épisodique reine de France revient dans son royaume d’Ecosse et ce retour après douze ans d’absence réanime les rivalités entre les protestants anglicans et les catholiques écossais chacun sous l’autorité de deux héritières, cousines germaines en lutte au nom de la transmission d’une religion et d’une famille. Un duel royal vengeur au terme duquel la jeune Mary perdra la liberté et la tête et l’ultime Tudor sans descendance cèdera l’hérédité du trône à Jack Stuart. Pour simplifier cette mémoire historique, la jeune réalisatrice nous entraîne des paysages des Highlands traversés par les cavaliers à la Cour de Londres fréquentée par ses mâles conseillers jusqu’à une rencontre où dissimulées en leur labyrinthe de toiles, les doubles rivales se voilent et dévoilent en un chassé-croisé de pur exercice du pouvoir. La reconstitution joue avec la féminité des couleurs rougeoyantes des chevelures royales, des fards masquant une petite vérole ravageuse face à la virilité débridée des scènes de guerre et de sexe, homosexualité et viols dans leur naturalisme conquérant, ce choix de lecture théâtralisée valorisant avec éclat le talent des deux actrices. Star du cinéma depuis 1894 avec quelques images tournées par Edison, Marie Stuart continue de survivre à sa décapitation avec ce 8ème film très honorable.

La réalisatrice d’un téléfilm remake des « Larmes amères de Petra Von Kant » tente de choisir son actrice principale et affronte successivement toutes les difficultés liées aux égos des comédiens, aux pressions des producteurs, à ses propres ambigüités, à la mémoire de Fassbinder…Des maquillages aux coiffures, des accessoires aux décors, des loges aux coulisses, entre caméras et plateau chaque détail incarne au fil des successives répétitions les angoisses, frustrations, ambitions, humiliations ressenties au nom de la création en un tourbillon de simulation propriété intrinsèque de l’interprétation. Un miroir décapant du jeu dans et par le jeu.

Une étudiante physicienne, un petit vendeur épicier, un conseiller financier, un camionneur et un jeune fan de jeux dits d’évasion se retrouvent pris au piège des énigmes à résoudre pour sortir de chaque espace dans lequel ils seront catapultés. Lieux de tous les extrêmes chaleur, froid, sonorités, drogues, centres médicaux, entrepôts…reliant les traumatismes de chacun à sa mort potentielle. Invraisemblable à souhait mais efficace et ludique pour les amateurs du genre.

Proche de la quarantaine un couple d’américains moyens investis dans la rénovation immobilière décide de dépasser leur égoïsme en fondant une famille et s’inscrit dans une association spécialisée. Convaincus par un stage de préparation les voilà à la tête d’une fratrie latino-américaine qui bien sûr va faire défiler toute l’ampleur méconnue de leur mission, les problèmes liés à l’adoption et toutes leurs solutions empreintes de générosité et bonne volonté évidemment récompensées. Même enjouée et généreuse, la démonstration garde ses spécificités purement américaines de feel good movie.

L’image de la mitre rayonnante du cardinal Barbarin prélat de Lyon en surplomb de la ville nous plonge d’emblée dans l’actualité dérangeante de la pédophilie illustrée par la lutte entre la force ecclésiastique et l’insoumission de ses fidèles. Un affrontement moral entre le pouvoir séculaire et la foi pour traduire la pérennité de la souffrance, les ravages du silence imposé à de jeunes garçons enfermés dans le mutisme tabou de l’innocence sexuelle doublement violée par la négation d’écoute des familles tous milieux confondus et des autorités religieuses. Pour porter l’indicible à l’écran et lui offrir une visibilité, le cinéaste a choisi la fiction qui permet d’exposer toutes les informations, réactions, de rassembler les témoignages, condenser le parcours des trop nombreuses victimes et désinhiber leurs traumatismes tout autant que dénoncer les rouages d’un système de défense jésuite expérimenté donnant sens aux actions antagonistes par la parole libérée des personnages. Les questionnements, (en situations réalistes, distanciés par une voix of ou les flash-back) le devoir et la morale, la culpabilité et le déni, la croyance en Dieu et les perversions cléricales, les dévoiements et le pardon des aveux, alternent en contrepoint des hontes communes incarnées à la perfection par chacun des comédiens (tous rôles confondus dans la maîtrise du choix et la direction d’acteurs). Cette dimension humaine compassionnelle participe de la réussite totale d’une œuvre engagée dans les valeurs mêmes de l’espérance en l’homme. A ce jour son objectivité est cependant contestée par le dépôt d’un recours des avocats du Père Preynat pour obtenir le report de sortie en salle après rendu du jugement du procès le 7 mars.

Le monologue caustique de Pierre Paul dernier porte-parole de Denys Arcand dans cette nouvelle déclinaison de l’empire américain, nous situe d’emblée au sein des contradictions humaines d’ordre social, financier et humain, unissant pragmatisme et idéologie généreuse en toute immoralité. Profitant du hasard, un prof de philo coincé devenu livreur s’improvise recéleur au service des sans-abris, tombe en amour d’une sublime escorte-girl aux amis généreux, recourt aux services d’un faux repenti réinséré et d’un brillant avocat fiscaliste, évite des braqueurs justiciers, échappe aux flics impuissants au fil d’une course effrénée et au nom de valeurs compassionnelles triomphant du règne de l’argent. La critique est enjouée, le film dénonce l’évasion fiscale avec entrain et si le réalisateur ne résout pas la misère du monde, son cinéma, une nouvelle fois, la soulage le temps d’un divertissement intelligent et vengeur.

Une jeune kamikaze débarque de son train en gare centrale de Baghdad à l’occasion d’une cérémonie officielle commémorative, arrache son voile et se fond dans la foule de ses victimes potentielles où s’entrecroisent des voyageurs, un escroc hâbleur, un gamin cireur de chaussures, une fillette vendeuse de fleurs, des musiciens, des soldats américains et d’autres iraniens tous animés d’une rage de survie commerciale, amoureuse ou religieuse. Leurs déterminations respectives révèlent la cruauté d’un pays que l’exécution de Saddam Hussein ne libère ni du fanatisme, ni de la violence de l’injustice et de la misère mais que l’humanité de chacun se doit de sauver. Des trains aux quais, dans une violence partagée, le réalisateur nous entraine dans une course entre les rails et les vies des victimes potentielles vers l’imaginaire d’une autre réalité, celle d’un cinéma de qualité dont profiter.

Dans un présent politique imaginaire immergés en profondeurs marines, deux navires nucléaires français jouent entre eux à la guerre pour sauver l’humanité. Entre règlements militaires et effets spéciaux s’infiltre la virilité humaine, le chant du loup rivalisant avec celui des sirènes. Après « Volontaire » la marine nationale poursuit sa quête de galons, exercice à haut risque pour un premier film de genre au scénario solide, à la tension soutenue plus par ses images que par ses acteurs flottant sans direction entre les eaux.

Sur les hauts plateaux de l’Est de l’Afrique du Sud perdure une communauté de colons reclus dans leurs traditions et le strict exercice d’un protestantisme originel, régi par le seul pouvoir divin. L’immensité de l’environnement naturel, des cultures de maïs, des travaux de moissons, du galop des troupeaux s’inscrit à l’encontre du retranchement identitaire de femmes en prières, de pères autoritaires, d’adolescents perturbés par leur sexualité et leur place à conquérir, pour illustrer à travers l’accueil d’un nouvel enfant les failles de structures ancestrales toujours défendues par les Afrikaners. Soutenu par la musique d’Evgueni Galperine, ce premier film à l’ampleur classique révèle la fragilité de l’autarcie culturelle face à l’inéluctable évolution de la société.

En 1941 le régime roumain a procédé au massacre de 20 000 juifs à Odessa, son responsable le Maréchal Antonescu se justifiant lors de son exécution par cette phrase titre au film. Pour remettre en mémoire cet événement et échapper à la banalisation d’une reconstitution, le réalisateur nous propose la conception et les répétitions du futur spectacle. Nous suivons alors une jeune créatrice au fil de sa conception théâtrale, son analyse documentaire, son travail de mise en scène, les implications des figurants, ses luttes contre la censure municipale avant la représentation finale en place publique avec projection d’archives et les réactions en direct des spectateurs, échos douteux à la xénophobie tzigane, à l’antisémitisme, au communisme et toutes exactions passées résonnant dans le présent. Un travail mémoriel et une question sur l’art porteur d’engagement politique, de vérité historique, de questionnement philosophique.

Ils sont deux frères l’aîné n’a quitté ni sa province, ni son emploi de prof, ni même son épouse pour sa jeune maîtresse, le benjamin est parti à Rome y faire exulter son corps et son esprit, une mauvaise nouvelle va faire renaître leur fraternité. Un duel aux escarmouches sociales, aux touches mensongères s’engage entre cocaïne et cortisone leurs euphories partagées au nom de la mort annoncée et du bonheur à retrouver avant qu’il ne soit trop tard. Avec ce second film, Valeria Golino affine son regard sur le deuil entre émotion et distanciation et privilégie le rôle de deux acteurs talentueux.

Quinze ans après un casse parisien le meneur libéré retrouve ses riches complices sur les plages de Phuket, l’enfer de la pègre et du sexe devenu paradis pour Xavier Durringer et ses acteurs et castagne thaïlandaise pour touristes en manque de cartes postales.

A Casabianda, en Haute-Corse une prison « ouverte » accueille une centaine d’hommes condamnés pour des crimes sexuels intrafamiliaux. Au fil de rencontres acceptées, une dizaine d’entre eux se sont exprimés pour analyser leurs actes, leur pourquoi et leur après, réflexions sur la responsabilité, la culpabilité ineffaçable, la colère cause du passage à l’acte, l’échange du pardon, la réinsertion future, la peur des autres autant que de soi-même… mais l’absence de barreaux, les travaux agricoles, les promenades de chats jusqu’à la plage, les matchs de ping-pong, les exercices d’haltères, la correspondance épistolaire ne délivrent pas aisément de la mémoire des gestes subis et infligés. Les peines requises participent de l’écoulement du temps, du quotidien rythmé par les sirènes, à celui de la communication dans la durée même des plans, des silences pour espérer, des années passées à celles à venir, retrouver le cours de la vie.

1 - DUELLE (Une quarantaine) - 2h01’ - 1976 - France Juliet Berto, Bulle Ogier, Hermine Karagheuz, Nicole Garcia, Jean Babilée Avec Jacques Rivette tout est faux, tout est vrai, écrit mais improvisé, fantastique et réel, entre soleil et lune jouent avec la terre et nous entraînent dans leurs mystères. Bonus : - JACQUES RIVETTE À PROPOS DU CYCLE "SCÈNES DE LA VIE PARALLÈLE" – PREMIÈRE PARTIE (22 mn) Dans cet entretien, mené par Karlheinz Oplustil le 4 mai 1990 à Paris, Jacques Rivette parle de son projet d’une tétralogie « Scènes de la vie parallèle », dont seuls Duelle et Noroît furent réalisés. - -SOUVENIRS DE "DUELLE" : BULLE OGIER ET HERMINE KARAGHEUZ (11 mn) Filmées en 2015 à Paris, les deux actrices évoquent leur collaboration avec Jacques Rivette sur Duelle. 2 - NOROÎT (Une vengeance) - 2h 09’ - 1976 - France Géraldine Chaplin, Bernadette Lafont, Kika Markham Une aventure insulaire et un face à face de femmes au pour se jouer des pirates et nous entraîner de références mythologiques en allégorie psychédélique et utopies éternelles. Bonus : - JACQUES RIVETTE À PROPOS DU CYCLE "SCÈNES DE LA VIE PARALLÈLE" – SECONDE PARTIE (28 mn) 3 - MERRY GO ROUND - 2h40’ - 1981 - France Maria Schneider, Joe Dallessandro, Daniel Gégauff, Maurice Garrel Course poursuite et thriller d’espionnage de fausses pistes en histoires parallèles Bonus : - UN FILM FANTÔME : STÉPHANE TCHAL GADJIEFF À PROPOS DE JACQUES RIVETTE ET "HISTOIRE DE MARIE ET JULIEN" (1975) (22 mn) - BANDE-ANNONCE 2018