A la fin du XVIIIème siècle une jeune fille proposée en mariage résiste à ce destin d’épouse en refusant l’exécution de son portrait, une peintre déclarée dame de compagnie est engagée pour y pourvoir en secret. Des décors naturels violents, le chatoiement des costumes, les contrejours nocturnes, les transparences de lumière participent de la sobriété calculée de mise en scène, des cadrages picturaux pour lier l’esthétique du cinéma à celle de la peinture et unir les faux semblants de la réalité à sa reproduction artistique entre ombres, silences et écoute musicale. L’alchimie entre les sentiments des deux femmes se confond insensiblement avec celle des deux actrices, la justesse et pudeur de leur transgression du ressenti au vécu du désir traduisant autant l’interdit des amours lesbiens que la liberté conquise par la force des sentiments et leur souvenir. Ajoutant un regard social sur les conditions féminines de l’époque, (place et rôle de chacune dans le quotidien rural et règles de l’aristocratie) la réalisatrice lie le passé au futur d’un combat d’égalité toujours en cours. Un double portrait sur toile et sur écran, pure œuvre féministe portée par la libération créatrice de Céline Sciamma, Adèle Haenel et Noémie Merlant.

Au pied de la butte Montmartre, deux trentenaires voisins de balcon font des épisodes d’insomnies ou de dépression en phase avec une société sursaturée de rencontres virtuelles et de solitude factuelle brisée par un épicier, deux conseillers psy aux clichés analysés pour divulguer un tableau de la société. La banalité de sa réalité dépasse les mots, s’entrecroise en silences, pour apaiser les secrets enfouis, faire jaillir les espoirs d’un quotidien mécanisé en réseaux, égaré en ses quêtes de sourires et de chat où retrouver le Klapisch d’un cinéma de charme, de jeunesse et d’amour.

Un tueur en série agit à tout va et sans autre raison que la jouissance du meurtre jusqu’au jour où il se trompe de cible en attaquant un ponte du milieu des machines à sous que poursuit en vain un jeune flic. Entre corruption et vengeances, coups de couteaux et de feux, commandos de gangsters et de policiers, le sang jaillit au rythme de cascades vrombissantes menées de main de maître de cinéma de genre dont la Corée a le secret. Une triade survoltée pour un duo infernal en toute complicité injusticiable

Une idée joyeuse que les festivités d’anniversaire autour d’une mère ravie par le retour inopiné de sa fille, la présence de ses deux fils et petits enfants dans une maison aussi fissurée que les sentiments et les parcours de chacun, où les folies, fantasmes ou lâchetés, héritages pécuniaires et génétiques se mêlent aux cris, aux larmes et aux rires. Fête et cauchemar tout à la fois, vaudeville endiablé où chacun perd et prend sa place sans rime ni surtout raison autre qu’un tourbillon d’actrices et d’acteurs entraînant une comédie de délires familiaux.

A « La mort de Louis XIV » succèdent les débauches du XVIIIème siècle inspirées du Marquis de Sade au temps des carrosses, chaises à porteurs et litières abritant les rencontres multi-sexuelles et sociales entre espions nocturnes et voyeurs mutiques. Dans une clairière embrasée par un ciel d’orage, les fantasmes érotiques s’épuisent sous l’emprise de la nature dans une théâtralité épurant le désir au profit de la douleur jouissive. Un classique du questionnement libertaire entre jouissance et impuissance sans liberté.

Années 90 les talibans imposent leurs lois obscurantistes, répressives que le romancier Yasmina Khadra dénonce pour faire s’envoler « Les hirondelles de Kaboul » dans le ciel de la liberté née de l’amour. L’association du graphisme aux voix des acteurs, l’esthétisme des plans et leur rythme participent de l’émotion politique pour donner à cette adaptation la force nécessaire à l’espoir d’une autre société.

16 ans et l’été de deux cousines entre les rêves d’une gamine et la réussite d’une bimbo libérée. Les attraits du luxe et de l’argent, les rapports de classe, le rôle du sexe et ses limites face aux regards vierge ou désabusé des divers amateurs ou consommateurs tous profiteurs d’une société divisée entre honneur et valeurs. Et c’est là que la réalisatrice se démarque du récit léger pour un sujet mêlant les âges et la lucidité des choix. Au fil de journées estivales, les empreintes rohmériennes esquissent un présent éternel de séduction aux enjeux déterminants que Zahia Dehar incarne par l’authenticité mimétique de son propre parcours, que Benoît Magimel illustre par la justesse amère de son rôle, et que l’adolescente détermine par sa propre force et les structures de son entourage familial et professionnel. Qui a dit facile ?

Pour fuir la guerre en son pays un québécois se retrouve seul, à divaguer dans les plaines américaines tour à tour dépouillé, aidé, séquestré, errant d’une gare à l’autre, brinquebalé dans les plaines américaines désertiques, aux survivances allégoriques de trains du Far West, magnats surpuissants, gueules cassées, capitalisme triomphant… Les cauchemars oniriques d’un faux Charlot au long d’un voyage symbolique scénarisant toute la noirceur de l’humanité défilent à travers l’esthétisme des plans, la splendeur des paysages, le mutisme des personnages voire la simple fable politico/philosophique en images.

Un sordide fait divers relaté dans un documentaire de Mosco Boucault « Roubaix, commissariat central » interpelle Arnaud Desplechin natif de la ville soudainement confronté à ses transformation et évolution socio-économiques. Qui sont-elles ces deux meurtrières hors-limites ? pourquoi et comment ce type de violence s’est-il développé ? ce sont-aussi les questions que se pose le policier qui lui n’est jamais rentré au bled, trop attaché aux lieux qui l’ont vu grandir, qu’il continue de protéger et que découvre le collègue novice de son équipe. La chronique dépasse l’hyper-réalisme de la détresse ambiante, du quotidien de délinquance banalisée, de l’expérience professionnelle ou de l’ambition chrétienne par le décalage de voix off distanciant les réflexions des actions. A la maîtrise d’un cinéma de qualité s’ajoute alors la parfaite direction d’acteurs surdimensionnant les personnages pour rendre sa grandeur à l’humanité perdue par l’intensité lumineuse d’un film sombre.

Dépouillée de sa voiture par une naturiste terroriste, Juliette trentenaire déterminée à retrouver ses 248 carnets intimes dérobés rencontre Perdrix gendarme respecté de Plombières et fils aîné d’une famille honorable. Un frère scientifique, une nièce dégourdie et une mère endeuillée consolatrice de cœurs éplorés dans le studio radio de son garage complètent le tableau local de prodigieuses aventures vosgiennes annoncées. Une fantaisie raisonnée qui cumule les hasards, décale le vrai pour le faux, joue sans rire avec l’absurde pour révéler la liberté de l’amour. Mais aussi un style inattendu, des comédiens charmeurs, une histoire tendre qui murmure joyeusement le bonheur parfait offert par la magie du cinéma.

L’été 1990 romain assourdi par les finales de la Coupe du monde de football résonne aussi de la victoire de trois finalistes d’un concours de scénario. Rien à voir entre la défaite italienne face à l’Argentine et la vieillesse d’un cinéma triomphant hors la même gloire perdue dont rêvent encore trois jeunes admirateurs éperdus. Alors ils poursuivent éperdument leurs idoles culturelles gâteuses, des producteurs corrompus, des starlettes pulpeuses, des acteurs brisés, modèles intellectuels fripés, maîtres ou bouffons mythiques de Cinecitta l’éternelle hantée par les fantômes de Fellini, Scola, Monicelli, Risi, Scarpelli, Zefirelli... Un hommage satirique et passionnel pour chasser la nostalgie au profit d’illusions à recréer.

De Buffalo à Broadway, rien n’a jamais arrêté ce roi du monde, nabab du cinéma de régir son empire comme un authentique mafieux à coups de menaces, de compensations pécuniaires et d’avocats complices jusqu’à des agents du Mossad protégeant sa sexualité effrénée. Et pourtant ses agissements étaient notoires, qui l’exclurent de Miramax, nombre de collaborateurs le quittèrent qui savaient, mais se faisaient l’écho du cliché du consentement intéressé d’actrices prêtes à tout pour un rôle. Le silence a été rompu par deux enquêtes concomitantes du New York Times et du New Yorker en 2017, la justice suit son cours et ce documentaire enrichi de plus de 25 témoignages de Rosanna Arquette, Paz de la Huerta, Erika Rosenbau, du journaliste Ronan Farrow... entrecoupés d’images d’archives pose la question essentielle : pourquoi et comment 40 ans de mutisme relatif au harcèlement sexuel ? avec pour conséquence #MeToo.

En 2034, l’Asie du Sud Est ravagée par des séismes, épidémies cataclysmiques, pluies diluviennes vit dans le noir absolu, celui de la nature et des humains. Dans un pays qui a perdu la mémoire de son passé de colonisations et dictatures successives, le présent ne peut être qu’une suite de tragédies auxquels seuls les enfants échappent avant de devenir des robots ou de renoncer à résister. Le rythme des scènes tournées évidemment en noir et blanc et en plans fixe ou séquence est brisé par les survols de drones omniprésents, la folie présidentielle s’exerce entre ruptures de temps, de récit et de dialogues, enchaînements imprévisibles structurant le propos du réalisateur sur la violence politique et ses ravages. Un court-métrage que ce 13ème film tragique et politique.

Une biographe atrabilaire, alcoolique et ruinée a l’idée de génie de contrefaire des lettres d’écrivains célèbres, son travail d’analyste de célébrités lui donnant le talent nécessaire pour rendre crédible cette imposture partagée avec un compagnon de bar et de solitude. L’histoire est authentique, l’actrice excentrique, le film sympathique et classique.

Les visages et les corps des ouvriers d’une aciérie russe sont aussi rigides et rebelles à la torsion que les métaux traités dans les conditions de travail inflexibles de leur usine. Entrés en résistance contre sa fermeture, ils vont affronter la mafia oligarque patronale, la corruption policière jusqu’à la peur individuelle qui transforme la prise d’otage en état de siège, et le film en authentique thriller prolétaire où rançon rime autant avec action que rédemption avec désespoir face au pouvoir. Une métaphore violente, le temps d’une pluvieuse nuit d’hiver dans la noirceur de l’environnement, des coursives des ateliers aux voies tortueuses qui y conduisent ou nous en éloignent, pour qu’au final la violence transforme la conscience d’un homme en route vers la justice. Le quatrième engagement de Yuri Bykov après « Live », « The major » et « L’idiot ».

Incontrôlables ces vieux russes et incontrôlés les trajets de ce chauffeur de minibus sanitaire pour handicapés qui va et vient de funérailles en auditions musicales, à travers un quartier de Milwaukee en proie à une manifestation. Son parcours chaotique le fait aller et venir d’une culture à l’autre, passé, présent et avenir s’entrechoquant et tourbillonnant entre les souvenirs des uns, les espoirs des autres et la misère joyeuse de tous. Si le road-movie de la vie perd son rythme dans une improbable romance, son authenticité chante le vivre ensemble comme une fable réaliste.

Les chants de la mort et de la mer s’élèvent pour unir les Rohingyas en une même plainte muette résonnant de l’injustice humaine, empreints d’une magie fantasmatique leurs sons se mêlent aux images de forêts peuplées d’ombres scintillantes, guirlandes d’espoir réilluminant l’amour. Onirique autant qu’hypnotique le film protège ses secrets dans la force poétique de ses images et de sa culture.

D’Allemagne en Iran une espionne recrutée par le Mossad intrigue à la perfection nous dévoilant les moyens propres à gérer une guerre sans fin que les films de genre exploitent à leur tour pour le meilleur du suspense et de l’angoisse. Diane Kruger ne dissimule jamais son talent.

Débrouille et magouilles commerciales et musicales sur des notes de sitar dans et sous les rues de Paris pour un joyeux concert « olympien » de multi fraternité à partager.

Les méandres infinis de l’amour entrelacés du présent au passé jusqu’à l’avenir à reconstruire pour faire rimer souvenirs avec rires, malheurs avec pleurs en croisant les images dans l’intemporalité poétique d’une idylle où la joie de vivre de l’une infiltre les tourments de l’autre, infiniment. Sept ans après « Dix hivers à Venise » Valerio Mieli décline les fragments amoureux en images, couleurs et musique pour une expérience mémorielle de langage cinéma.

Dresde au fil des années de 1937 à 1963, de la découverte de l’art dégénéré par un gamin à la pratique de la peinture officielle communiste et de l’enfance brisée par la criminalité nazie à la maturité conquise au-delà du mur de Berlin, le parcours vers la liberté créative est infini. C’est celui de Gerhard Richter dont s’empare le cinéaste en mêlant l’intime à l’histoire, la fresque épique allemande et l’étude artistique individuelle. Formé au réalisme collectif soviétique le peintre devra dépasser les acquis, esthétiques politiques, les modes conceptuelles pour enrichi par elles autant que par sa vie personnelle dépasser toute subjectivité, s’inventer, se découvrir lui-même. C’est le sens de sa période 68 qualifiée de « photo sans auteur » où la réalité apparait dans le passé reflué dans le présent. A son tour le réalisateur traversant le siècle engage, par l’esthétisme de ses images, la maîtrise de la reconstitution, la prestation de ses acteurs, l’émotion du vécu et un certain lyrisme, une réflexion sur le pouvoir de l’environnement, jusqu’à utiliser sa résonance dans la fonction de l’art contemporain incluant l’objet du cinéma ?

Un film musical sur le groupe de rockeuses « Something She » dont la leader Becky divague de drogue en caprices, dans l’ambiance surexcitée des coulisses et de la scène grunge, filmée au plus près de l’ivresse ambiante d’un classique biopic évoquant Courtney Love et son groupe Hole. Cette authenticité détaillée en tableaux successifs, bandes son en alternance de voix non doublées, follement incarnée par Elizabeth Moss cache le secret de sa réussite par sa distanciation entre reconstitution et fiction.

Envoûtée par la country depuis l’adolescence cette jeune écossaise délurée s’étant promis de chanter à Nashville, alors enfants à charge, bracelet électronique et heures de femme de ménage, rien ne saurait résister à ses rêves, à sa détermination ni même à la réalité d’une petite comédie sociale et musicale à l’anglaise faisant chanter les larmes pour qu’elles jaillissent en succès à partager avec la même énergie.

L’énergie virevoltante d’un gamin et le pouvoir absolu de son père ne détermineront pas une vocation mais entretiendront un don inné pour la danse de l’Ecole nationale de Cuba au Royal Ballet de Londres. Une relation autoritaire dépassée par une reconnaissance internationale, traduite dans l’alternance de simple reconstitution et scènes de ballet que la chorégraphie et les prestations mêmes de Carlos Acosta font jaillir des corps sublimant alors l’émotion artistique.

Des routes du Maroc à la jungle de Calais deux ados en fuite vont errer au long d’un voyage initiatique, parcours chaotique d’un gamin anglais privilégié et d’un jeune congolais rêveur qu’enrichiront les rencontres de hasard pour trouver et reconstruire leurs propres fraternités. Un long chemin pour le propos de cette fable taoïste humanitaire.

Déterminée Mary Frances Thomson gamine d’Emet village chickasaw qui deviendra la première élève indienne de l’université d’Oklahoma et la plus grande conteuse de la culture amérindienne dans une Amérique du début du XXème siècle ancrée dans le racisme. Reçue à la Maison Blanche par les Roosevelt, elle développa par ses performances la connaissance et le respect de ses ancêtres à travers le monde. Ce biopic classique mais aussi énergique qu’elle l’a été près de cent ans durant, lui rend un hommage mérité.

Quand le bâtiment ne va pas, rien ne va plus et des associés du BTP vont appliquer cet adage à travers l’amitié, la corruption, le sexe, le crime pour bien sûr courir à leur propre perte. La transgression des valeurs ne réussit qu’aux manipulateurs ce qui fait rimer tueur avec noirceur sur un fond social réaliste d’investissements immobiliers. Ce remake du film brésilien « O Invasor » de Beto Brant trouve un écho facile sur les rives de la Méditerranée où s’affrontent Nicolas Duvauchelle et Raphaël Personnaz.

Le destin d’un homme se déroule à rebours, de ses derniers actes à ses premiers sourires d’enfant au fil de trois nuits incarnées relatées en trois récits par trois acteurs illustrant ses comportements face à la jalousie, l’amour, le crime, déception sans rédemption possible dans un univers de violence toujours croissante. Le scénario est aussi retors que l’analyse de la société sur quarante années d’évolution, l’esthétique des plans et images dépasse la réalité taïwanaise pour une dimension futuriste sous emprise artificielle universelle. La même peut être que la maîtrise de la narration balançant entre œuvre d’auteur malais et film de genre policier.

Années 20, à Londres une jeune aristocrate libérée, Vita Sackville-West auteure d’un premier roman scandaleux, jette son dévolu érotique et littéraire sur Virginia Woolf. Un pari scandaleux et risqué dans une époque d’interdits et de conventions que la cinéaste transcrit par l’authenticité des décors, l’élégance des costumes, le délavé des couleurs, l’harmonie des plans, le phrasé même des dialogues. Une illustration purement esthétique diffusant les rouages de la société anglaise, ses silences, son hypocrisie sexuelle au rythme du processus créatif du détournement romanesque de « Orlando, une biographie ». Inspiré de la correspondance entre les deux femmes et adapté de la pièce de théâtre éponyme de Eileen Atkins également co-scénariste, le film se feuillète comme une page d’amours saphiques fardées. Orlando - Virginia Woolf - Gallimard - 2018.

Soupçonnée de l’assassinat de sa meilleure amie décédée au cours d’une soirée douteuse, une jeune fille attend son jugement depuis plus de deux ans de pression policière, judiciaire, sociétale, familiale, amicale. Une critique acerbe des pouvoirs de la société bourgeoise argentine et dérives annexes des réseaux sociaux équilibrent cette enquête sans autre enjeu que la découverte d’une vérité oubliée assourdie sous ses effets musicaux.

Trois couples partagent avec deux gamins frères en amitié le quotidien de leur usine et de leur quartier au temps de la Révolution Culturelle où les lois du régime politique portent atteinte jusqu’à leur liberté intime par le contrôle des naissances. L’obéissance des petits chefs, la soumission des plus humbles participent de l’évolution économique au nom du collectif et dans ce système de récompenses attribuées à l’avortement, la mort d’un enfant réduite à une douleur individuelle peut être compensée par le choix d’un autre sans entraver les 40 ans de construction de la Chine Nouvelle. Une fresque historique maîtrisée par sa construction, la simplicité de plans fixes illustrant l’humilité humaine du cumul des événements à leurs rebondissements, tout en évitant le mélodrame entre flash-back et ellipses qui rejoignent à travers la mutation visible d’un pays au consumérisme, la charge des idéologies, les secrets de ses habitants, les culpabilités muettes générationnelles, et diffusent en gestes et silences la pure émotion des sentiments.

Plutôt raté ce chanteur-auteur-compositeur provincial jusqu’à un stupide accident de vélo le transportant dans un monde qui ne connait ni le Coca Cola, ni même les Beatles. Ignorance qui lui offre le succès universel en révélant leurs mélodies, nous replonge dans la mémoire des années 60, source toutes époques confondues de l’industrie musicale, de ses dérives commerciales, critiques musicales et succès superstars illimités. Un détournement du biopic classique d’aujourd’hui et d’hier, comédie rock et tendre romance font résonner sur un scénario rigoureux de Richard Curtis, l’inventivité illimitée de Danny Boyle jusqu’à la participation d’Ed Sheeran en un vibrant hommage aux tubes éternels des survivants de Liverpool.

Les régimes politiques argentins sous toutes leurs formes, d’affrontements de factions diverses en dictatures militaires ont engendré un univers sans foi ni loi, régi par le seul exercice du pouvoir. C’est le tableau de cette société prête au pire en toute sérénité que nous dépeint le réalisateur en nous replongeant en 1975 au sein du milieu de notables provinciaux. Une provocation de hasard sert de déclencheur à un engrenage de silences coupables, de corruption révélatrice de pratiques hypocrites, de déliquescence générationnelle, de convictions religieuses excessives, toutes imperceptiblement causes du coup d’Etat en suspens. L’esthétique de la reconstitution entre paysages désertiques de western et décors intérieurs aussi feutrés que fanés ajouté au décalage des scènes par l’humour et au rythme lancinant de la banalité des événements, décantent la dénonciation satirique d’une bourgeoisie portée par le jeu subtil des acteurs valorisant le pur propos politique du film. Un thriller analytique argentin d’époque que nos mémoires européennes pourraient aisément rapprocher de causes et conséquences aussi proches qu’universelles.

En novembre 2008, trois jours durant, une dizaine d’islamistes pakistanais a semé la terreur à Bombay tuant de près de 200 personnes et en blessant plus de 300. Partis de la Gare centrale, ils ont poursuivi leur périple à travers une divers sites jusqu’au Taj Mahal Palace ou employés et clients ont tenté d’échapper à ce jeu de massacre perpétré par des gamins enragés autant qu’abusés. La fiction tirée de ces faits réels permet de mêler action, émotion et réflexion sur le terrorisme hors frontières et limites et de dépasser le pur film de genre. En 2015, le film de Nicolas Saada « Taj Mahal » traitait ce sujet de façon moins spectaculaire à travers le récit d’une jeune fille isolée dans l’hôtel.

Elles sont 10 à s’exprimer sur la musique des femmes d’avant 68 et d’après « Le manifeste des 343 salopes », de la chanson poétique et mélodique au rock pur et dur, différentes par leur époque, leur voix, leur style mais similaires dans leur passion qui fait vibrer les cœurs de tous ses interdits passés, ses ambigüités présentes et résonner la voix éternelle de la scène féminine. Ni besoin de genre, ni de revendications pour prendre dans cet hommage masculin ce qu’il y a de mieux pour le partager en toute égalité.

Le Chili vécut, avant le 11septembre 1973 sous le régime élu de l’Unité Populaire, trois années d’utopie politique que le coup d’Etat de Pinochet brisa, étouffant l’opposition jusqu’à instituer au fil de sa dictature la seule possibilité d’un affrontement binaire. C’est cette disparition de toute analyse nécessaire à l’idée de démocratie que le cinéaste devenu documentariste engagé explore aujourd’hui au travers d’images d’archives et d’interviews d’exilés ou survivants socialistes chiliens. Une mise en parallèle des solidarités spontanées de l’ambassade et conditions d’accueil de son pays à cette époque face à l’attitude actuelle de rejet des migrants, dûes à la disparition des idéologies, au triomphe de l’individualisme, responsables de l’implantation du populisme. Le discours ultime de Salvador Allende sous les bombardements du palais présidentiel, les exactions militaires sur des civils, leur fuite dans les refuges diplomatiques, alternent avec les témoignages actuels suffisamment distanciés pour justifier cette réflexion que l’on pourrait aisément rendre européenne autant que mondiale. Pour rappel, Pierre de Menthon à l’ambassade de France recueillit plus de 800 réfugiés, et l’implication du ministère des Affaires étrangères du Président Pompidou, des associations humanitaires, partis politiques, syndicats, personnalités artistiques…porta ce chiffre de 5 à 15000 personnes, action naturellement inscrite dans le contexte de mobilisations sociales et intégration multinationale dont l’esprit a malencontreusement disparu. Les paroles des cinéastes Patricio Guzman et Miguel Littin s’ajoutent aux images de Raoul Ruiz, aux voix des Quilapayun et Inti-ilimani, aux mots de Pablo Neruda et à l’héritage de Pablo Larrain, transmission culturelle de l’inoubliable revendiquée par Nanni Moretti.

Une quinqua professeur de littérature, mère de famille en mal d’amour après l’abandon de son mari pour une plus jeune raconte à sa psy son échange confusionnel du réel au virtuel dans la réalité de Facebook par un transfert d’âge et de situation avec un amant potentiel. Sujet d’un roman d’où les lignes s’évadaient, sa transcription en images affronte l’ambigüité même du thème, et tout le talent de Safy Nebbou est de s’en emparer, transfigurant sous les traits de Juliette Binoche écoutée par Nicole Garcia, le désir féminin interdit par le couperet de l’âge, violence déterminant le vertige des jeux de miroir sans tain des moyens d’Internet jusqu’à leur remise en question entre les mots, l’imaginaire, la parole et leur vérité contredites par l’épanouissement de la liberté. Avec ce 6ème film, et après sa précédente adaptation du livre de Sylvain Tesson, le réalisateur confirme sa maîtrise du genre, et si ses actrices n’avaient elles non plus rien à prouver, leurs parfaites prestations confortent la réussite du film. Celle que vous croyez - Camille Laurens - Gallimard - 2015 - Folio Poche 2017.

Dans les montagnes reculées de Turquie perdurent les peurs et légendes transmises par les sifflets qui résonnent d’une vallée l’autre, cette communication ancestrale par modulation des syllabes devenu le seul moyen d’expression d’une jeune femme muette. Alors comme en écho à son isolement et rejet elle traque le loup pour s’extraire de la meute d’une société patriarcale, découvrir l’amour et conquérir la liberté. Une sombre métaphore illuminée par le jeu de l’actrice, les émotions offertes par son mutisme permettant le dépassement du lieu, des époques et des genres pour atteindre l’universalité de l’intolérance.

Une ado en vacances dans un camping souhaite s’évader de la banalité et se laisse happer avec délices par une rumeur féline et dangereuse. Aventures fantastiques et amours interdites participent de cette chimère entre mythes et réalité et si l’évanescence de Lily-Rose Depp y participe, les rôles d’un écrivain sauvage et d’une policière incongrue n’enchantent ni les méandres de la Dordogne ni les zébrures carnassières.

Sous le charme d’une enquêtrice statisticienne, un petit rappeur timide accepte de cohabiter avec Yves réfrigérateur penseur censé simplifier son quotidien ménager, sauf que ce champion de l’intelligence artificielle va s’immiscer insensiblement dans sa vie musicale, sentimentale et dépasser les limites robotiques autorisées jusqu’à réinventer les rêves humains. Un pur jeu entre le meilleur et le pire des progrès de la société, concours gagnant d’absurdité et de tendresse, de mécanique poétisée par le talent des acteurs William Lebghil, Philippe Katerine et Doria Tillier et le savoir-faire foutraque du réalisateur coupable d’un inoubliable Concours de l’Eurovision.

Années 50 les progrès de la pharmacologie risquent de supplanter la chirurgie psychiatrique et un bon praticien en lobotomies accélère ses pratiques en recrutant le fils de l’une de ses patientes pour subvenir à son seul avenir ou le détruire. Fort de traduire ce sombre sujet, Rick Alverson l’encadre dans un format carré, le traite dans une esthétique pure de lumières saturées, de plans fixes, de scènes répétitives, l’enferme dans le mutisme environnemental pour prouver la violence du pouvoir médical, le langage de l’image illustrant le vide de l’aliénation. Savante démonstration qui à trop vouloir agir et jouer sur les mystères des identifications et leurs confusions, fait triompher le maniérisme contre l’humanité du propos en une désastreuse identification du réalisateur victimisant le spectateur.

Un frère, une sœur pour rimer avec bonheur et les responsabilités de la famille quand on n’accepte ni de s’en séparer ni donc de grandir, un concept qu’a su dépasser la réalisatrice en le prenant à bras les cœurs et le corps dans un film hystérique et joyeux, à l’humour canadien dévastateur. Le duo fraternel est hors limites, féministe et frénétique, traversé d’émotions à partager au son d’une BO chassant toute mélancolie pour que chacune trouve son compte avec chacun.

Reine narcissique de sa propre autobiographie Linn da Quebrada se qualifie joyeusement de trav-tapette et terroriste du genre. Double qualificatif pour revendiquer sur scène avec son groupe funk, leur féminité et l’équilibre entre sexe et amour face au machisme de la société brésilienne. Un flamboyant délire pour dépasser les limites de la nature du corps par celles du désir en toute liberté sexuelle.

L’Etat du Nevada a engagé un double processus pour réguler les hordes de chevaux sauvages qui le traversent et réhabiliter les détenus qui peuplent ses centres pénitentiaires sous forme de face à face de mustang capturé et individu prisonnier qui vont se rencontrer, s’affronter et s’apprivoiser pour retrouver et construire leur liberté, chacun à égalité dans son enfermement de rage innée ou acquise. Un sujet classique où les forces de la nature se mesurent à celles des humains au travers de confrontations entre horizons infinis et cellules confinées, déchaînement des éléments et enfermement des structures, conquêtes affectives paternelle ou instinctive, rapports de pouvoirs et drogue… Pour authentifier cette expérience américaine, la réalisatrice jusqu’alors documentariste fait appel à une fiction reconstituée en milieu carcéral réel, décors désertiques de western, sons de sabots, tradition de cow-boys, ensemble miroirs culturels de violence et rédemption portés par un souffle généreux.

Un ado qui joue au petit dur pour ne pas prendre conscience de ses doutes sexuels est envoyé par sa mère et la justice dans un centre de redressement où il découvre la violence sans limites d’authentiques voyous. Ce double sujet est abordé frontalement par le réalisateur qui dénonce dans un parcours initiatique ultra-sensible les responsabilités d’une société où la jeunesse dérive de bars en billards, de fumette en coke, de chantages en braquages entre les interdits à dépasser, l’autorité irraisonnée, l’absence éducative, les tentations impossibles et la sanction des trahisons. Sans horizon ni espoir ce parcours initiatique échappe à toute démonstration pour jaillir de l’authenticité révoltée d’un futur offert au talent du cinéaste et de ses acteurs si ce n’est de l’avenir slovène de ses personnages.

Déterminer l’univers de Tolkien par les années qui ont forgé sa créativité, c’est revenir sur son enfance d’orphelin placé dans un centre d’accueil sous la bienveillance d’un tuteur catholique avant de former une communauté littéraire d’élèves avec ses amis Inklings, d’intégrer Oxford avec eux et de leur survivre miraculeusement à la Bataille de la Somme. Les manques familiaux, les prémisses amoureuses, la solidarité adolescente, les études de philologie avant les horreurs de la guerre serviront de fondement aux chimères et au vocabulaire de l’écrivain qui, par-delà les tranchées, poursuivra sa quête de paix dans l’imaginaire de la Terre du Milieu. Traduire en images toute l’inventivité d’une mythologie linguistique c’est ce qu’a fait Peter Jackson, nous donner envie de découvrir ou relire une œuvre par les méandres culturels de la création individuelle c’est ce que propose Dome Karukovski. Bilbo le Hobbit /1937 à Beren et Luthien /1977 – Œuvres complètes de J.R.R Tolkien -

1961 à l’aéroport du Bourget un danseur du Ballet de Kirov de Léningrad demande l’asile politique, inoubliable scandale aux répercussions politiques, artistiques et humaines qui ont transformé Rudolf Noureev, jeune Tatar pauvre, bisexuel et rebelle, en héros international. Affronter une légende en dépassant les limites du biopic est un challenge, la reconstitution de l’époque, Guerre froide, décors, environnement, choix de l’acteur transforment la chronologie de flash-back et incarnations historiques en arabesques de rébellion individuelle élevée en symbole de liberté. Rudolf Noureev: Une vie - Julie Kavanagh - Archipel 2019 (Arts & Spectacle)

Du soir au petit jour, nuit incluse le quotidien d’Anna mère de trois enfants, épouse d’un irresponsable séducteur est juste un enfer entre les envies obsessionnelles d’un gamin les caprices de sa sœur tête à claques, les maladies d’un bébé, la course pour satisfaire des employeurs ou ne pas déplaire à sa belle-mère et garder sa baby-sitter sur un rythme de seule survie. Ni documentaire fictionné, ni constat conjugal, ni revendication féministe ni même appel désespéré vers une prise de conscience de la société ce film hyper naturaliste hésite entre pur constat et cri auquel échapper autrement qu’en se cachant sous une table.

Après « Un chien andalou » et « L’âge d’or » Juan Luis Bunuel se démarque de Salvador Dali et du surréalisme pour illustrer l’étude du journaliste français Maurice Legendre sur la population d’une province espagnole isolée au plus profond des montagnes d’Extremadure. Un sujet politique et contestataire financé par le gain d’un billet gagnant de loterie de son ami anarchiste Ramon Acin, devenant au fil d’un tournage d’un mois pluvieux filmé par Eli Lotar et Pierre Unik une aventure extrême, regard surréaliste de la vérité recrée par la narration imaginaire, les jeux esthétiques, les provocations dissidentes, les effets sonores et les références hallucinatoires du créateur. L’adaptation en animation du roman graphique de Fermin Solis « Bunuel dans le labyrinthe des tortues » dresse un portrait du jeune réalisateur aux affinités communistes qui échappa aux sévices de la dictature franquiste en s’exilant au Mexique et en France, contrairement à Ramon Acin exécuté dès 1936. Quant au documentaire lui-même « Terre sans pain » d’une durée de 27 minutes, il subit une 1ère censure de la République espagnole en 1934, sortit en France en version muette en 1937 avant sa version restaurée en 1965 et enfin Espagne en 1976.

Unir les morts aux vivants par la transmission des croyances, les relier aux valeurs napoléoniennes entre la création de la Maison de la Légion d’Honneur et le rétablissement de l’esclavage, évoluer de l’héritage culturel à la modernité à travers les rêves amoureux de jeunes élèves et les cauchemars des natifs, c’est joindre la magie vaudou à celle du cinéma. Et Bertrand Bonello d’exorciser le genre fantastique entre Haïti et Paris, la fiction et la réalité, la poésie des images et la sororité adolescente à l’ombre mystérieuse des zombies.

Un sac à main oublié dans le métro par une sexagénaire parisienne est rapporté à sa propriétaire par une honnête étudiante américaine. La rencontre au son de vieilles chansons françaises et de notes de piano évolue des manques affectifs au pur harcèlement rythmant un film d’horreur entre folie et humour, premier degré et décalage très noir. Une collection de clichés intentionnellement orchestrés, du choix des actrices aux scènes terrifiantes pour rire du genre en toute impunité dans l’enfermement d’une salle obscure.

Ils sont trois ces frères revenant au kibboutz de leur enfance enterrer leur père et voir partir le plus jeune à la guerre, prisonniers de la mort qui les guette en combats incessants, jeunesses brisées survivant sans espoir entre devoir patriotique alcool et humour sur fond sonore d’hélicoptères et de bombes. Un trio fraternel authentique engagé dans un rêve pacifique de rires et de larmes

Pas vraiment une lune de miel que ce voyage mémoriel d’un jeune couple vers la Pologne de leurs ancêtres disparus, personne n’est d’accord avec personne, les souvenirs sont inventés, les traces du passé se sont effacées, seul reste un présent à conquérir par le rire contre la douleur et avec l’espoir. La jeune mère caractérielle qui régit sa classique famille juive incarne la troisième génération rebelle au silence de ses prédécesseurs, celle qui peut, par un manque distancié, perpétuer la transmission suspendue. Alors elle s’agite, réclame, dénonce et de Cracovie aux autres lieux dénaturés par le tourisme ou l’oubli religieux, nous invite, au fil de l’épopée d’un prépuce, à partager son parcours identitaire décalé. Pour ce premier film, Elise Otzenberger jusqu’alors comédienne emprunte à son expérience d’humoriste face au public les rouages des appels aux larmes et aux rires pour nous entraîne vers une comédie évoquant les racines et leur universalité.

Elle caquète joyeusement cette élégante cocotte blanche compagne privilégiée d’un éleveur de volailles breton amoureux d’Edmond Rostand déclamant à ses poules des strophes de Cyrano. Alors pourquoi face aux difficultés financières ne pas élargir l’auditoire animalier à celui d’Internet et profiter des progrès de la communication ? Un Cocorico de comédie champêtre pour éveiller les villes à la ruralité.

Aux confins de la Suisse et de la France des élèves de terminale visitent l’accélérateur de particules installé dans leur région. Ce lieu de transformation de la matière devient le symbole de l’évolution de l’adolescence pour le réalisateur mêlant documentaire et fiction pour conjuguer physique quantique et mutation humaine avec fantastique. Il traque l’authenticité de cet âge en suspens avec des acteurs non-professionnels filmés dans leur environnement entre mutisme naturel, énergie musicale, premiers émois amoureux et incertitudes mystérieuses de la jeunesse. Le premier long-métrage d’un cinéaste en devenir à l’image de son héros.

Les hasards de la vie font se rencontrer et s’aimer deux jeunes guides touristiques à Taïwan, idylle brisée par une leucémie foudroyante transformant la romance en parcours de combattant où l’hyper-réalisme de la maladie s’entremêle à l’onirisme sur les traces d’un exotisme asiatique. Un puzzle romantique et médical où l’émotion s’égare dans la confusion de son héros oublié par les fées de ce petit conte aux sentiments généreux.

Douze histoires courtes pour l’éternité de la pauvreté, dommage que la bonne volonté ne sauve ces sketches de leur propre indigence.

Garder la vie de ceux qui disparaissent par les mots d’un roman et les images d’un film c’est l’hommage qu’Alain Cavalier partage avec celui d’Emmanuelle Bernheim pour son père jusqu’à nous unir à la mort en un jeu subtil de mémoires à trois. La peine, les joies s’accrochent aux souvenirs de l’une à travers l’univers de l’autre, et la caméra s’attarde d’objets témoins en compositions créatives, de silences en voix off feutrée, transmission artistique d’un « filmeur » de l’éternité du quotidien poursuivant, au fil de ce testament, son dialogue avec la mort entamé dès 1978 avec « Ce répondeur ne prend pas de message » puis « Irène » en 2009. Tout s’est bien passé - Emmanuelle Bernheim - Gallimard 2013 -

Elles sont 8 femmes à illustrer la pérennité de la culture colombienne dans leur bourg niché au creux des montagnes, et chacune illumine de façon tranquille le cours du temps au travers de sa propre vie. Les fenêtres des petites maisons colorées s’ouvrent sur des murs où pendent des chapelets, s’empoussièrent des statuettes de saints, bruit une machine à coudre, reluisent des casseroles, jaunissent des photos tous souvenirs mêlés aux confidences, aux rires et aux larmes de simples existences. Une transmission suspendue au fil des cerfs-volants et au son de mélodies andines traditionnelles dans un hors temps de joies féminines

A Bombay, dans un appartement luxueux cohabitent une jeune veuve originaire de la campagne et un fils de famille, deux mondes que tout sépare culturellement mais que leur opposition aux règles traditionnelles pourrait rapprocher. C’est dans les gestes du quotidien, le respect aux normes que chacun trouvera la force de transgression nécessaire à son épanouissement. Deux destins croisés illustrant le poids et l’injustice de coutumes inaliénables à travers les silences, les solitudes, sans autre espoir qu’un ailleurs que seules les femmes sauront créer, coudre point par point dans le chatoiement des couleurs, des parfums, des fêtes et des chants de la vie.Un voyage féministe au profit des hommes et de la liberté.

Plongés en immersion immédiate dans les couloirs de l’hôpital où exerce un pneumologue, nous le suivons au rythme des arrivées, départs, examens, analyses, diagnostics, soins de chaque malade, d’un couloir à une chambre, d’un service à un autre. Un rythme effréné et une attitude pragmatique que l’admission de sa mère pour une rechute de cancer va briser au profit de l’intime. Ce qui est d’ailleurs le propre de ce film familialement autobiographique qui s’inscrit dans une lignée de succès commerciaux hippocratiques frôlant l’allergie avant l’overdose des traitements sur grands ou petits écrans.

Sans histoire ce jeune prof, père de famille et mari idéal qui un soir de jogging en forêt croise une femme retrouvée assassinée quelques heures plus tard. Appelé à témoigne il deviendra vite suspect puis coupable parfait tant aux yeux des enquêteurs que bientôt de son entourage. La spirale du soupçon tournoie alors au rythme de la méfiance, des jalousies, des délires transformant une infidélité occasionnelle en délit passionnel, l’incompétence policière en intime conviction mensongère forgée sans preuve aucune par l’opinion dite publique détentrice de son seul pouvoir accusateur. Les images crépusculaires de la forêt vosgienne accentuent la noirceur de ce conte dont le doute profite au parfait double jeu de Fabrizio Rongione.

Dans les vallées andines rurales ou désertifiées des femmes sont décapitées, la quête de leur assassin par les policiers locaux dans les nuits glaciales entremêle les peurs factuelles, la folie schizophrénique aux terreurs ancestrales et réalité locales, hallucinations collectives et monstres réincarnés. Un faux film d’horreur, dénonçant la violence sanguinaire que recèle chaque être, cette bête immonde à la queue phallique et à la gueule vaginale, ultime image symbolique de notre inhumanité et du talent du cinéaste.

Cadré en chapitres aléatoires le récit illustré en images d’un faux mélodrame familial va et revient entre les actes d’une tragédie antique et les scènes d’un vrai thriller, jouant avec les secrets de famille, les mystères originels, la perversion narcissique, les dérives de la création, les profits pseudo-artistiques, le goût exacerbé du profit… tous induits par les mensonges d’Etat et la condition existentielle humaine. Entre musiques et silences de plans séquences et de narration théâtrale, intériorité des personnages et extériorisation des situations, le film oscille pour offrir à chacun sa préférence jusqu’à l’espoir incarné par les femmes dans la prestation de Barbara Lennie et Marisa Paredes.

Suspendu par sa fédération sportive à la suite de propos homophobes, un champion de natation se voit assigné à coacher une équipe de water-polo gay avant toute réintégration. Un premier plongeon direct avec noyade stéréotypée assurée avant que nos nageurs efféminés, nageuses musclées et entraîneur égaré n’émergent vaillamment de ce bain de clichés pour, à travers un road-movie en Croatie, aller concourir aux Gay-Games y conquérir dans les délires d’une joyeuse exubérance assumée toutes les médailles chatoyantes de tolérance, luisantes d’émotions, pailletées d’amitié. Une petite comédie toute simple et purement généreuse aux acteurs déjantés et chaleureux.

A Medellin capitale mondiale du trafic de drogue ni la liberté, ni la sécurité ne vont de soi c’est ce que va découvrir une jeune étudiante quand son père professeur d’université est abattu sous ses yeux sans que la police ne s’y intéresse vraiment. Sa quête de l’assassin va lui révéler le monde de la misère, de l’injustice sociale dans une violence partagée qui transformera sa rage en regard apaisé, et lui offrira la distance nécessaire pour, de victime devenir réalisatrice. Par des scènes vécues en temps réel, des images tournées dans les quartiers défavorisés de la ville, la participation de jeunes acteurs non-professionnels, Laura Mora échappe au mélodrame vengeur au profit d’un témoignage décalé rédempteur.

La crise de la cinquantaine proposée à travers un couple d’argentins dont le fils unique part en Espagne poursuivre ses études, traversée océanique engloutissant jusqu’aux bases de leur quotidien, activant les angoisses de l’âge. Passé enfui, présent en déroute et avenir incontrôlable se déclinent alors sur la base d’une paisible séparation sans pourquoi ? mais pour QUOI ? et ce en une succession de situations à la mise en scène et au déroulement théâtral que l’excellent jeu des acteurs tente d’entraîner vers la romance pour le sauver de la démonstration.

Une ode à la liberté et à l’égalité féminine par la lecture jusqu’à l’écriture pour échapper à la rigidité ecclésiastique familiale et rurale que cette reconstitution du parcours et des amours de l’auteure de contes pour enfants à rendre sages. Un livre d’images des années 20 illustrant l’affranchissement des règles entre un charleston endiablé, les touches d’une machine à écrire, une romance interdite, une maternité solitaire, feuilletés de pleurs en rires sur des pages dédiées à Fifi Brindacier.

Dans le ciel de l’été occitan une météorite télescope l’existence d’une ado sans grands repères justifiant un coup de foudre occasionnel par cette vision onirique. Entrainée à corps perdu dans cette passion non partagée, elle fuit les dinosaures du parc d’attractions où elle travaille, rejoint les terrains vagues de la ville, s’épanouit dans le maquis et s’ébat comme un taureau sauvage déjà blessé. Les ambiances, l’accompagnement musical, la détermination de la jeune actrice participent de l’instabilité tellurique d’un tout premier film.

De tous âges et conditions physiques ou mentales, des milliers d’êtres différemment brisés se rassemblent pour caresser le rocher ou se baigner dans l’eau de la grotte où la Vierge apparut à Bernadette. Moments de vie partagés entre les prières, les cris, les chants sous la lumière des flambeaux ou des brancards d’hôpitaux, entre les mots d’espoir, les moments de joie, les regards d’extase pour atteindre la seule grâce de la foi. Hors tout commentaire, les cinéastes ont décomposé en une mosaïque de ferveur les 250 heures d’images, le suivi de dizaines de pèlerinages, leurs rencontres avec des pèlerins, des hospitaliers et des religieux pour montrer le mystère de l’humanité.

A la lisière de la forêt amazonienne un jeune homme entend les appels de son père disparu lui enjoignant de procéder aux rites funéraires libérateurs et ceux de la ville proche dont les progrès le feraient échapper à un destin non désiré de chaman. Ce choix déchirant entre traditions animistes et technicité moderniste est tout l’enjeu de ce film ethnographique qui mêle l’esthétisme de l’image à l’authenticité du récit avec la subtilité et l’humanisme nécessaires à l’universalité d’un message hérité de Claude Levi-Strauss.

Un séisme soudain ébranle une réunion de famille improvisée après la révélation de l’homosexualité du fils cadet, honorable mari et père de deux enfants. Dans une insoutenable atmosphère de deuil, aux décors figés, rideaux tirés, hors toute lumière s’établit le retour à l’ordre séculaire et aux valeurs religieuses. Une condamnation prise en charge par les émanations sectaires évangélistes et leur contre-pouvoir entraînant un redressement mental et physique du couple, une destruction radicale de l’individu, une disparition de toute liberté d’ordre politique ou social. A cette annihilation du personnage et de ses sentiments s’ajoutent l‘actualité et la véracité des faits, leur dénonciation portés par la précision étouffante de la mise en scène, la violence des images, le jeu des acteurs. Après « Ixcanul » tableau rural, le réalisateur prolonge son analyse acérée de la société guatémaltèque.

Flamboyante et provocante, cette gamine radieuse jouant de son corps pour s’affirmer face aux autres amant, mère, enseignants, copines, père… y compris à l’enfant présumé, réduit à un instrument de pouvoir. C’est l’adolescence tout entière qui jaillit de cette Alice et elle s’y cogne allègrement pour sortir d’une enfance troublée par l’adoption et le divorce, pour violenter toute forme d’autorité, tester les charmes de la séduction, combler ses manques affectifs, dépasser les limites mêmes d’une grossesse inopportune jusqu’à prendre conscience d’elle-même. Les contradictions de cette construction individuelle se chevauchent dans les images d’un quotidien hyperréaliste, dans ses détails, les couleurs, les décors de l’environnement, adaptation des familles à l’évolution sociétale, importance des réseaux du portable… le naturel du jeu de la comédienne non professionnelle et de ses comparses crevant l’écran et insufflant leur authenticité et universalité à cette analyse d’une étape de vie dans le devenir humain.

Années 60, dans leurs pavillons jumeaux de la banlieue bourgeoise bruxelloise, deux voisines copinent en surveillant leurs gamins respectifs jusqu’à l’accident mortel de l’un d’eux. La douleur mêle alors la culpabilité à la paranoïa en un entrelacs aussi haineux que rigoureux. Souffrance et vengeance riment avec psychologie et nostalgie pour ce thriller pastiche hitchcockien sérieux à l’esthétique aussi élégante qu’efficace et aux accents musicaux contredisant violemment les silences d’une époque dépassée et accentuant les tourbillons de la folie. Une libre adaptation d’un roman noir reconstituant l’atmosphère délétère des amitiés de voisinage. Derrière la haine - Barbara Abel - Fleuve Noir/ 2012 - Pocket /2013.

Les petits mouchoirs qui cachaient de gros bobards consolent sept ans plus tard des aléas de la vie et secouent les valeurs de l’amitié en désordre alors, et François Cluzet de ronchonner, Marion Cotillard de tourbillonner, Benoît Magimel de rêver, Gilles Lellouche de fantasmer entre fidèles et nouveaux partenaires, collections de problèmes et résolutions effrénées, rebondissements incessants rythmés par une bande-son éclatante, pour continuer de danser, rire et pleurer sur une rengaine de vacances agitées au Cap Feret.

Gloria s’étourdissait en 2013 à dans les dancings de casinos chiliens pour oublier sa petite soixantaine solitaire et Pauline Garcia portait ce personnage avec une sensibilité douce-amère, Julian Moore prend le relais en quinquagénaire étourdissante et brillante entrainée et trompée par un John Turturo retors dans les rues de New York. Cinq ans ont passé le remake a traversé les Amériques du Sud jusqu’au Nord avec le même réalisateur qui a changé les codes et leurs décors mais gardé son talent.

Dans un village macédonien les autorités religieuses organisent une compétition rituelle permettant aux jeunes mâles du coin de repêcher une croix lancée dans la rivière, de passage, quand sans trop réfléchir une jeune femme s’en empare elle provoque un crime de lèse-majesté machiste autant que culturelle et chacun d’y plonger à son tour avec entrain. Les concurrents, le pope, les policiers, les parents, les juges, une journaliste et ses téléspectateurs entrent dans la ronde de ce fait divers dénonçant ironiquement leurs frustrations et abus de pouvoir pour nous réjouir d’une espiègle comédie féminine et féministe.

Athènes, en pleine crise d’austérité économique, à l’encontre de son époux et de sa fille, une jeune femme, au seul statut de souffre-douleur, prend courageusement le relais pour satisfaire les frustrations d’un macho et d’une ado boulimique. Le laborieux parcours d’émancipation d’une paysanne analphabète esclave des traditions domestiques, victime des pouvoirs sociétaux et que seule la solidarité féminine délivrera de sa honte en lui rendant une dignité humaine ignorée. L’hyper-réalisme des situations est tempéré par le jeu de l’actrice nous rendant supportable une situation qui ne l’est pas.

Dans l’Allemagne défaite les forces de l’occupation des Alliés prennent en charge les problèmes de l’immédiat après-guerre, la demeure d’un architecte de Hambourg est dès lors attribuée à un militaire britannique bientôt rejoint par son épouse. Le partage des lieux révèle les douleurs meurtrières subies de part et d’autre. La haine se transmet par les corps avant de se confondre en amour et retrouver la paix de vrais et faux nouveaux départs. La reconstitution est classique, l’interprétation maîtrisée, le sujet mélodramatique mais l’adaptation en accélérant le temps et ouvrant l’espace, réduit le huis-clos à une aventure passionnelle inconséquente. Dans la maison de l’autre - Rhidian Brook - Editions 10/18 - 2015 .

Harnachés en paramilitaires, conditionnés par une violence intrinsèque, une dizaine d’ados orphelins d’amour survivent regroupés sous la protection d’une fée salvatrice. Un combat gothique et onirique à égalité fatale entre les drones d’une société sans pitié et une communauté sans âme. La lumière de décors désertés se fond dans la noirceur d’un discours mutique écho en voix off de l’esthétique hyper-réaliste d’un conte fantastique.

C’est à partir de 1200 vidéos de tous pays, de toutes sortes et genres visionnées sur You Tube entre 2012 et 2018, témoignages d’aveux intimes face caméras que Denis Parrot a construit une collection d’émotions partagées, entre les silences des peurs, les paroles des doutes, les larmes libératoires et les sourires d’espoirs. Les douleurs et les joies de l’amour s’entrelacent à l’affection en moments de pure humanité à partager et répandre.

86 ans et toujours fidèle à son poste de productrice de documentaires, Inger Servolin se souvient de son désir utopique de changer la société que sa coopération avec Chris Marker lui a permis de faire exister par le militantisme du cinéma. De 1967 avec la création de la coopérative SLON jusqu’à celle d’ISKRA en 1974, tourner les événements c’était donner la parole aux participants, ouvriers de Besançon, étudiants de 68, manifestants de tous pays… La débrouille, la solidarité, l’efficacité du collectif dans le respect de l’individualité sont évoqués entre témoignages de collaborateurs d’autrefois et d’aujourd’hui, de membres de la famille, d’extraits divers… pour toujours et encore, croire en l’humanité

La quincaillerie du quartier Monge va fermer après 30 ans d’activités de complicité entre bricolage, voisinage et copinage, clients et employés fidèles à ce commerçant que son fils a entrepris de filmer au fil des années pour comprendre un choix de vie resté mutique. Une quête filiale envers un membre de la Gauche Prolétarienne dont l’engagement politique a évolué vers l’échange individuel, dans la simplicité généreuse de sa banalité. Un témoignage du passage des idées au partage de l’humanité.

La propriétaire d’un centre équestre dans le Sud-Ouest, toute à la joie de la venue de son petit-fils découvre au fil de son comportement que son séjour n’est qu’une étape vers la Syrie. C’est à travers les attitudes respectives de chacun dans un environnement régi par la nature et les animaux que le fanatisme idéologique révèle les failles affectives, les douleurs du passé. Les images de cavalcades effrénées, de prières dans les vignes se dédoublent en balades nocturnes dans les champs de cerisiers jusqu’à une étable devenue prison, contrepoint de la quête éperdue d’une grand-mère brisant un rêve d’absolu. André Téchiné pour aborder la radicalisation et le fantasme du djihad sans jamais verser dans le même radicalisme de la condamnation illustre en une forme de champ/contre-champ de scénario, mise en scène et jeu des acteurs à la fois la tolérance de la distanciation par le vécu et la violence des pulsions d’une jeunesse sans repères.

A bord d’un tramway traversant incessamment d’Est en Ouest, de jour et de nuit la ville, Amos Gitaï nous fait croiser leurs passagers, hommes et femmes qui chantent, draguent, prient, somnolent, se rencontrent, s’invectivent, se séparent, expriment leurs tristesses, leurs joies, l’absurdité de la situation politique en mots, langues et musiques diverses. Un voyage où Eric Gautier retrouve la fluidité de sa caméra comme au temps de « Ceux qui m’aiment prendront le train », pour un enchaînement de saynètes déroulées en un parcours critique d’engagement à la paix et la tolérance.

Ils sont coiffeurs, c’est juste le métier qu’ils ont choisi pour s’épanouir et dans le contexte économique actuel, ces trentenaires aux cœurs déjà éprouvés vont, au nom de leur passion, affronter les aléas administratifs, financiers voire sentimentaux pour conquérir leur bonheur entre rêve et réalités de la vie. Un schéma aussi attendu que généreux, rythmé par les embûches, le dépassement d’une collection de clichés et l’amour toujours pour offrir une comédie socio-romantique sympathique portée par un couple enjoué et talentueux.

Avoir 13 ans à Los Angeles dans les années 90, c’est comme pour tous les ados vouloir grandir vite, se démarquer de sa famille et faire partie d’un groupe alors rien de mieux que de s’intégrer à une bande de skateboarders. Un vrai parcours pour devenir cool/hyper-cool, ouf ou plus ouf, et trouver sa place, mené avec l’énergie de l’innocence, soutenu par les images, leur rythme, la bande son reflétant ensemble l’ambiance de l’époque au fil d’une juste chronique d’apprentissage.

Sympa ce dentiste père de famille attentionné, dommage qu’il soit infesté de cocaïne au point de contaminer sa famille par simple contact tactile, et que sauvé grâce à sa pure volonté, la soudaine méfiance d’une épouse douteuse ne le rejette. Pas sûr que le manque de rigueur d’un scénario revendiquant l’authenticité des faits, ne sauve acteurs et spectateurs d’une démonstration trop simpliste.

Fréderick Wiseman visite l’Amérique profonde celle qui a voté Trump à plus de 76% et cet infatigable documentariste de 90 ans associe l’immensité des plaines de maïs à l’étroitesse de vue des habitants, la cruauté des élevages intensifs à la banalité d’un individualisme forcené. Pour preuve sa caméra relie l’éducation aux médailles sportives, une vente de charité à celle d’enchères agricoles, l’allégeance aux rites maçonniques à celle du drapeau national, la fréquentation assidue de l’armurerie locale à la consommation alimentaire, l’aménagement obtus du territoire à l’absurdité administrative entre conseils municipaux et règlements locaux pour clore ce tableau d’un sermon à l’autre entre bénédiction nuptiale et funérarium. Une vision lucide de la campagne américaine, dénonciation silencieuse et précise d’une ruralité blanche, refermée sur les valeurs intrinsèques de sa communauté que l’on souhaiterait purement locale et à l’écart du souffle ravageur des vents du populisme.

Retour aux origines pour cette jeune bulgare qui en France depuis 25 ans part en chasse d’informations sur ses parents ou grands-parents peu diserts quant à leur attitude sous le régime soviétique. De démarches pour la réouverture de dossiers de la police secrète en interrogatoires familiaux intrusifs, cette quête de vérité sur les ruines d’un passé dictatorial censée agir pour l’avenir se réduit vite à un exercice narcissique inversant la culpabilité supposée au nom d’une liberté tout aussi bafouée.

En 1973, l’Uruguay petite enclave démocratique encerclée par l’Argentine bascule sous la dictature militaire, déclarée régime civique et le restera intégralement jusqu’en 1985 soit 12 années d’oppression, d’emprisonnement, de supplices et de disparitions. Devenus otages d’un pouvoir privilégiant la souffrance absolue à la mort, trois opposants « tupamaros » vont survivre à l’exercice de ce choix extrémiste où les sévices corporels doivent annihiler toute pensée pour provoquer la folie. Ce parcours de refus de la « torture blanche » (auquel succombera Bobby Sands mais dont survivra Nelson Mandela), illustré par le réalisme de scènes insoutenables, la tendresse et l’humour même de complicités improbables, met en parallèle dans l’alternance d’hallucinations et flash-back, de silences et de cris, d’images statiques et scènes en caméra à l’épaule, à la fois l’inhumanité des tortionnaires et l’humanité des résistants, la barbarie aveugle ployant devant les forces physique et psychique issues de la liberté. Que l’un soit resté poète et devenu écrivain et les deux autres respectivement Président de la République et sénateur/ministre de la Défense répond à cet espoir en écho al « pueblo unido jamàs sera vencido ».

Rien ne saurait ébranler la réussite du personnage flamboyant qui d’un restaurant de luxe à un yatch, d’une ville de province à la capitale entre secrets et responsabilités politiques, s’agite au rythme de détournements de fonds publics ou privés, scandales immobiliers. Un pur engrenage que soupçons, trahisons et paranoïa vont transformer en course effrénée pour rêver d’échapper aux dangereuses conséquences de la corruption. Le réalisateur dépasse ce sujet national (l’affaire du « réseau Gürtel » révélé en 2008 et jugé récemment) pour nous entraîner dans un thriller politico-psychologique aussi haletant qu’universel.

Aux Philippines le nouveau Président a été élu en 2016 sur la promesse de l’éradication du trafic de drogue, pour le prouver les forces de police entreprennent opérations sur opérations sécuritaires dans les quartiers déshérités de Manille. Le réalisateur comme à son habitude nous entraîne dans les rues mêmes de la capitale, au plus près des habitants et des protagonistes, flics ripoux abusant de leur pouvoir sur de petits trafiquants devenus indicateurs et pigeons voyageurs transformés en dealers, tous agissements des uns et des autres sous couvert de misère ou d’ascension sociale. La manière forte officielle sous-tend l’action au rythme même d’une violence aveugle, dénonçant par l’émotion humaine l’éternelle injustice d’un système dominé par la corruption.

Des petits vélos plein la tête et un rêve au fond du cœur, Raoul Taburin poussé par les coups de foudre jusqu’aux sommets d’amour et d’amitié fait pédaler les images, les photos et les mots pour rattraper les croquis et les bulles et faire rêver les petits voire grands fans de la « petite reine ». Raoul Taburin - Sempé - Editions Denoël 1995 -

Au XVIème siècle le meunier d’un village des montagnes est accusé d’hérésie, relâché lors d’un premier procès, rejugé et condamné au bûcher douze ans plus tard par peur de la contamination d’idées subversives. Un discours d’obscurantisme ecclésiastique mis en lumière par la noirceur même des décors, traduit dans la proximité des visages exprimant l’intensité des souffrances, choix de pure esthétique liant l’onirisme religieux au réalisme d’un peuple écrasé sous les ors de son pouvoir.

Une trentenaire épanouie reprend un emploi pour pallier aux difficultés familiales quotidiennes, son enthousiasme et sa bonne volonté vont rapidement se heurter à la place attribuée à la femme affrontant les sempiternels réflexes de séduction, de pouvoir conjugal, de contraintes domestiques, culturelles et sexuelles. Dommage que la fiction privilégiée par la réalisatrice jusqu’alors documentariste ne dépasse pas la lente tension ressentie et ses éléments démonstratifs au long d’une dénonciation évidemment nécessaire du harcèlement sexuel.

Paris et ses rues, la place de la République, Saint Denis… et ses habitués nocturnes, leurs regards de fêtards, étudiants, chômeurs, dealers, casseurs… jeunes qui trainent, parlent errent. 3 années de déambulations du lendemain des attentats de Charonne aux élections présidentielles anticipant l’actualité des gilets jaunes par la quête de reconnaissance, d’identité sans expression d’idéologie. Un portrait de société, façon photo d’identité où les sons font écho aux gyrophares, la parole aux grenades lacrymogènes, la violence aux notes de musique baroque pour laisser les mots de Rose s’élever, contrepoint d’espoir face à une haine ambiante indéfinie.

Une jeune journaliste intègre la rédaction de F2 qui l’envoie avec un cameraman suivre la campagne du candidat Macron, deux novices qui traversent la France, découvrent la foule, et si leurs trajets sont les mêmes, leurs trajectoires divergent et notre intérêt disparaît pour un banal témoin prenant lieu et place de son sujet sans jamais l’enrichir d’un réel point de vue. L’amitié de deux ex étudiantes d’une même école se fait alors simple exercice de style de copinage sans style, fond ni analyse.

Débrouillarde et volontaire cette jeune Rom déterminée à fuir son village miséreux au coût d’un mari repéré par une agence spécialisée. De Bucarest à Bruxelles, le parcours est chargé des rêves de l’émancipation contre les illusions de l’intégration, sans issue entre deux solitudes émotionnelles et culturelles. Préalablement documentariste, la cinéaste construit les errances de son héroïne avec une authenticité accentuée par l’énergie de son actrice et la réserve de son comédien, enfermés chacun dans une incommunicabilité douloureuse privilégiant leur propre intimité à travers leurs milieux respectifs. Un vigoureux récit d’apprentissage

Dans les années 60, à travers les déserts de la Colombie perdurent des tribus indiennes fidèles à leurs traditions qui incluent un profond sens du commerce. Les wayuu le pratiquent avec succès entremêlant danses nuptiales originelles et ballets aériens américains, la marijuana déversant ses dollars jusqu’à l’anéantissement de leurs clans. Cinq chants au fil desquels l’honneur culturel sera détruit par l’appât du gain, où les rêves cesseront de parler, les oiseaux et les sauterelles de veiller, les femmes d’écouter, les hommes de se respecter. Les allégories oniriques s’entrelacent au naturalisme ethnique et au réalisme du narcotrafic entre rapports successifs de pouvoirs matriarcaux et marchands, dans la splendeur de costumes, la magie des couleurs et l’union des gangstérismes américains.