Wahou ! cri du cœur pour coup de cœur d’acheteur potentiel de biens immobiliers que leurs vendeurs quantifient pour conclure leur bonheur partagé. Et Bruno Podalydès de nous proposer la vente de biens d’exception en participation d’acteurs répondant aux mêmes critères pour une comédie au fort taux d’intérêt mais au plaisir hors de prix.

L’adolescence et ses rebonds familiaux et sociaux, héritages politiques, découvertes sexuelles et sursauts traditionnels partagés ou refusés entre cris et silences d’une mère et de sa fille les affrontant ensemble. Une grand-mère s’éteint, les empreintes dictatoriales perdurent dans les enseignements culturels et religieux, la cinéaste argentine au fil de ce quatrième film les dénonce subtilement à travers l’affrontement patriarcal, ses harcèlements coutumiers, les plaisirs des corps, toutes révoltes féminines transgressant le passé générationnel pour porter les nouvelles valeurs de l’avenir. Les choix des décors scolaires rigidifiés, des variations de luminosités, celui des gros plans reflétant la vigueur de la jeunesse autant que les ellipses du récit entre enfance et maturité traduisent avec finesse le combat de l’aliénation et sa transmission face à la force de toute libération.

Le dernier service nocturne d’un policier milanais fêtant sa retraite tourne au cauchemar mafieux italiens et chinois confondus, de poursuites en cascades, enquêtes et aveux, amours et amitiés superposées entre flics et gangsters tous pourris en toute moralité effrénée, douteuse et triomphante.

L’hystérie d’un couple immature sanctuarisée par les Tables de la Loi, son prosélytisme frénétique contaminant son environnement d’une folie guerrière, surjeu des acteurs inclus, est à déconseiller au nom de la seule survie de la comédie.

La vérité dans son mensonge, le réel dans le virtuel et la vie dans son humanité partagés entre les rues de Kinshasa et les rires de ses habitants par Armel Hostiou devenu documentariste de sa propre fiction. D’un profil Facebook faussement dédoublé aux images de véridiques castings supports d’une authentique escroquerie jaillissent enquête et thriller dans une métropole africaine aux empreintes colonialistes incontournables mais à la richesse inaliénable.

Comment réparer le plus courant des objets électroniques touché par une obsolescence rapide ? C’est à partir de ce simple constat quotidien que le réalisateur nous entraîne aussi lucidement que joyeusement vers les alternatives d’abord offertes sur les réseaux sociaux aux simples bricolo-inventeurs individuels avant sa généralisation idéologique pour mesurer et réguler la croissance de production en faveur d’un monde durable. Il suffirait de dépasser l’utopie par l’autonomie individuelle, éducative, collective pour échapper à la « haute technologie », réorienter les progrès de l’industrie, retrouver les fondements naturels de l’agriculture, conditionner les impératifs avec de nouveaux critères pour rétablir un authentique rapport à notre environnement. Elémentaire ? Non mais déjà en voie de développement à travers la France comme le prouve ce film à soutenir en allant le voir.

Le quotidien étriqué d’un couple de retraités provinciaux est brisé par une décision saugrenue liée à l’annonce de la mort annoncée d’une ancienne collègue. Pour la sauver, il traversera le pays à pied à moins qu’il ne cherche aussi à piétiner ses fautes et fouler ses remords. Rencontres et surprises jalonnent ce bonbon acidulé que seuls les anglais savent faire fondre délicieusement. La lettre qui allait changer le destin d’Harold Fry arriva le mardi – Rachel Joyce – XO Editions – 2012.

L’expansionnisme du narcissisme de soi-même vers le couple, les proches, les réseaux sociaux, de l’art, la publicité, tous médias et moyens confondus, par l’esthétisme dévoyé en extrémisme et l’engagement du corps en souffrance unis dans le voyeurisme environnemental. Un jeune couple s’y emprisonne et s’y complait tout autant que le réalisateur norvégien, concurrent de son confrère Ruben Ostlund engagés dans la satire drolatique et horrifique d’une société assumant sa monstruosité.

Ramona revenue de Londres à Madrid, pour devenir Ona future actrice, trentenaire brune heureuse en couple, découvre Bruno précédemment croisé dans un bistrot pour le casting. Brune ou blonde, d’hésitations en impulsions, au fil d’une narration chapitrée d’un film dans le film elle va illuminer de quelques scènes colorées le profond Noir & Blanc des images, faire résonner la bande sonore de sa propre voix, rendre fou d’amour son réalisateur et tourbillonner telle une poupée. Tchaïkovski et Beethoven accompagnent Woody Allen, Hong Sangsoo et Julie Delpy dans les méandres sentimentaux et confusions entre rôle, jeu, réalité et cinéma d’une charmante bluette romantique.

Copains et voisins depuis leur plus tendre enfance aujourd’hui ados et musiciens rien ne saurait les séparer hors peut être une sexualité fragile à déterminer entre les notes et les mots des chansons de leur groupe rock. Une mélodie au rythme suave de premiers émois, échos d’une bienveillance familiale et sociale, berçant sa tendre réalité poétique.

VRP en vente de papiers peints d’autrefois, jeune femme en recherche d’emploi actuelle et petit patron en quête de rentabilité éternelle illustrent le monde du travail démultiplié en trois puis en deux pour soustraire l’efficacité, additionner les volontés et faire gagner l’humanité. De contestations en concessions le compte est bon au fil des situations et d’une sympathique agitation.

Un conte de magie cinématographique où les fées donnent la parole aux monstres politiques de la seconde guerre mondiale, réincarnés en fantômes d’archives bégayant leurs discours idéologiques fallacieux pour que leurs pouvoirs illimités leur ouvrent les portes du paradis. Staline ombre de Lénine, Hitler et Mussolini en cousinage dictatorial, Churchill en héritier royal rejoindront-ils Napoléon en son purgatoire ou Jésus en son éternelle espérance ? En format 4 :3 et Noir et Blanc granuleux, images d’archives transformées, langues originales et tableaux expressionnistes, technique deepfake, décors, plans, voix, musiques se chevauchent pour condamner les chimères de leur conscience à l’infini de leurs délires. Une subversive et intemporelle cacophonie sonore, visuelle, onirique, esthétique sublimée par la maîtrise d’Alexandre Sokourov .

Le quotidien de gamins entrant ou sortant de l’adolescence en survie dans leur réserve amérindienne du Dakota Sud au cœur de leurs rêves et de la misère de leur tribu Oglala Lakota. Orphelin à 12 ans et père à 18 l’un comme l’autre traque de débrouille en échecs une reconnaissance, l’espoir d’un sourire, accrochés à une solidarité de rejetés de la société. Un road- trip brisé, un élevage de chiots raté, le mépris blanc affiché et vengé jalonnent cette fiction tournée telle une simple chronique naturaliste sans ressort scénaristique ni projection socio-politique dans la réserve de Pine Bridge avec des locaux non professionnels libérant une énergie naturelle, la poésie fragile d’un monde déshérité.

Un centre de détention pour jeunes délinquants, son quotidien d’ateliers de soudure, les énergies endiguées par les autorités entre caméra obscura, foot, basket et boxe, ou échouées sur les rives de la mer du Nord, et aux manques affectifs subitement comblés par un coup de foudre liant deux solitudes. Espoirs et déceptions administratives, atmosphère carcérale, transgressions illégales et sentimentales, embrasements des corps, des cœurs et des lieux, paradoxes d’autonomie et liberté en cellules et hors murs, s’entremêlent des décors authentiques à la justesse de ton du récit et à la prestation des jeunes acteurs au fil d’un premier film prometteur.

Exemplaire ce Principal adjoint d’un collège provincial, mais prisonnier du respect et de l’incarnation de l’ordre que le dépassement de ses origines sociétales lui impose en échange de sa réussite administrative. Vainqueur par son intransigeance appliquée à son entourage professionnel et familial, il incarne les contradictions de l’ambition, les limites de l’arrivisme et ses débordements. Un exercice réussi de scénario modèle et de mise en scène classique où des acteurs certifiés passent leur examen avec succès sans tricherie.

Choisir la seule pratique du sexe pour échapper aux pouvoirs de l’amour est une donnée qu’une jeune sismologue ne saurait scientifiquement résoudre, ni son compagnon de hasard pris dans le même envoûtement de désirs irrépressibles et de sentiments avenants. Chapitrées en mois lunaires, et filmées au plus près de leur union érotique, de rencontres en ruptures et de fermentations en éruptions, leurs relations volcaniques se déchaînent ou s’apaisent au rythme de leurs corps libérés et insatisfactions affectives sans trouver de réponse aux mystères de la passion.

Le cinéma c’est la vie et la vie c’est du cinéma pour une scénariste projetant dans une master-class les secrets de la réalité faite fiction par les images de l’amour à ses élèves incarnés en acteurs au rythme de sa propre histoire. Une émouvante boucle de pellicule et de souvenirs échos des sonorités passées de Vladimir Cosma portés par l’énergie d’Agnès Jaoui et la rêverie de Jonathan Zaccaï. Atelier d’écriture + Une vie de scénariste - Alain Layrac - 2017 + 2019 - Hémisphères /Collection Ciné-cinéma.

Ainsi surnommé depuis son enfance pour sa détermination notre vrai héros faux oiseau va de coïncidences en découvertes, d’ellipses en flash-back nous entraîner d’une croissance tardive à une fratrie brisée et amours adolescentes inassouvies vers son destin d’éternel amoureux transi. Dommage que les battements d’aile énergiques portés par des acteurs talentueux au fil d’une vie fragmentée se figent en masques vieillissants aux relents mélodramatiques. Le colibri -Sanso Veronesi -Editions Grasset 2021 - Le livre de Poche 2022

Les vacances commencent mal pour cette ado que son père n’est pas venu accueillir à la gare et dont la présence gène autant son frère que sa mère la renvoyant dans sa plus chaleureuse famille d’accueil. De silences en aberrations et inventions le comportement maternel ne relève que d’une indifférence forcenée et narcissique d’obtention de sa liberté quand celui fraternel trahit son malaise face à l’acharnement mutique d’une sœur déterminée à trouver la vérité. La relation fictionnée d’un fait divers dans sa plus stricte exemplarité, sans rajout psychosocial d’aucune sorte ni la moindre émotion, tel un rigoureux exercice de style à analyser ou pas.

Portland et son milieu de contre-culture bohème au sein des expositions d’une école de sculpture, les amitiés et querelles de voisinages, les triples difficultés familiales, coups de griffes et d’ailes entre chat et pigeon, pannes de chaudière et ratage de cuisson émaillent la banalité du quotidien d’une artiste aux poupées de glaise colorées. L’essence même de la conception et son expression créatrice dans toutes ses contradictions d’individualisme et de partage revendiqués à égalité avec l’environnement familial et relationnel. Les regards de l’autre offerts par l’œuvre en don, inspiration, discours et vision, fond et forme confondus dans les images de la réalisatrice, leur montage et le jeu de ses actrices unis en un même essai naturaliste du cinéma américain indépendant.

Une biologiste a disparu à Trenque Lauquen cité originelle mapuche où elle répertoriait des variétés florales autant que des secrets épistolaires entre les champs, la bibliothèque et la radio locale. A sa recherche deux hommes qui l’ont aimée mais trois voix à conter cette quête étrange où les érotismes se croisent entre interdits passéistes, apparitions lacustres et féminismes sensuels. Une escapade irrationnelle entre reconstitution de jungle hypnotique et tours de passe-passe de gauchos unis dans la pampa désertique en écho aux rengaines classiques, musiques décalées et sons d’ambiance pour en deux parties et une trentaine de chapitres nous immerger dans une ensorcelante errance libératoire. Une production du collectif « El Pampero Cine » regroupant Mariano Llinas « La flor » et Alejo Moguillansky, Agustin Mendilaharzu au sein du nouveau cinéma argentin.

La France dans ses fantasmes, la Légion étrangère dans sa rigide réalité pour un jeune migrant biélorusse fabriqué soldat pour libérer des otages dans le golfe du Niger sacrifié à l’industrialisation et y croiser le destin d’un autre guerrier. L’ordre et la discipline égarés dans la luxuriance de la jungle et ses mystères au fil d’un conte onirique où les rites de possession se confondent aux virées nocturnes en danses de combattants de la nuit, échanges de regards vairons illuminés en images synthétiques et prises de vues aériennes fusionnant toutes les ambigüités de survies humaines par les sens, les visions, les sons, leur magie esthétique et rédemptrice. Un premier film à la hauteur de ses ambitions.

Le temps mort c’est celui suspendu à l’extérieur de la prison pour une liberté recouvrée 48 heures en famille dont trois détenus vont profiter pour le meilleur de leurs espoirs et le pire de leur vécu. L’un, après deux décennies d’enfermement est trop vieux pour des enfants qui ne l’ont pas connu, l’autre trop jeune pour une mère déçue, et le troisième trop différent pour quelque réintégration normalisée que ce soit. Les murs abritent anxiétés et violences, endiguent inhibitions et désirs, leur délivrance le temps d’une évasion temporaire unit les victimes aux coupables impactés dans une peur commune de liberté. La réalisatrice (à la double expérience de documentariste et scénariste) à travers ces portraits dépasse la vaine dénonciation des institutions carcérales, échappe par l’authenticité émotionnelle de ses acteurs à toute démonstration pour y associer les conditions de la réparation voire rédemption humaine.

Une année de souvenirs éclatés en crises d’angoisse et flashbacks successifs pour retracer l’inoubliable nuit vécue au Bataclan par un couple et leurs amis, tous sentiments exacerbés pour échapper à l’emprise de la violence subie. Le travail de deuil et ses conséquences illustré par les images d’un réalisateur après celui d’un écrivain transcrit par ses mots induisent la différenciation de perception entre reconstitution réaliste et reconstruction psychique, pour refouler ou extérioriser un traumatisme commun à dépasser individuellement, spectateur ou lecteur compris. Mikhaël Hers décalait « Amanda » par l’innocence d’un enfant, Alice Winocour dans « Revoir Paris » par la quête d’une mémoire, Cédric Jimenez dans « Novembre » par la stricte recherche policière, à chacun face au terrorisme de trouver la paix. Paz, amor y Death metal - Ramon Gonzalez- 2018 - Tusquets Editores

Sexe rémunérateur et perroquets racoleurs, rhum et décorum, exotisme pompeux et mots verbeux, révolution sandiniste et corruption américaine, errance et attirance imbriquées en actions dénuées de toute raison sur toile de fond esthétique et consolatrice des somptueuses images de Eric Gautier traversées par des acteurs égarés pourront-ils, tout ensemble, extirper cette création aux relents années 80 de leur pure créativité cinéphile ouvertement revendiquée par une cependant vaine sélection cannoise. Stars at noon - Denis Johnson – 1995 Harper.

En 2011 un fonctionnaire de police ayant fui le régime syrien révèle les 27000 clichés de cadavres répertoriés officiellement par les services de l’Etat. Aujourd’hui classés et codés sous le nom de César, ils témoignent de l’horreur des crimes perpétrés et ont permis à des familles espagnoles, allemandes, françaises concernées d’engager les poursuites nécessaires auprès des tribunaux européens dans le but de les dénoncer auprès de la Cour Internationale de Justice. Leur action fondée sur plus de 600 000 pages de documentation ont atteint le but de soulager les douleurs des proches des victimes et de citer voire condamner certains des bourreaux de ces crimes contre l’Humanité dont Bassar el Hassad rejette froidement toute responsabilité. Un constat historique nécessaire face aux dérives pérennes des exercices de pouvoirs politiques.

Un parfum vert aux sombres effluves pour un film noir résonnant des mots de Corneille et des voix de la Comédie Française en une illusion cinématographique plutôt que comique. Les trois coups du théâtre, de feu d’assassinats voire de la foudre sentimentale rythment une poursuite échevelée entre une organisation criminelle internationale, les errances ashkénazes et leurs racines européennes, tous messages codés, BD infiltrées références assumées d’un film de genre espionnage décalé.

Un gamin de banlieue à la dérive est renvoyé au Mali par sa mère où l’Imam du village le recadre dans la religion islamique pour laquelle revenu à Montfermeil il décide de s’engager. Ses principes l’ont sauvé de la délinquance, les communiquer aux jeunes, les offrir aux plus vieux en organisant des pèlerinages à La Mecque, s’impliquer dans une pratique quotidienne respectueuse et respectée. Dans l’alternance et le rythme des situations d’un récit familial, action et passion s’entremêlent aux problématiques intimes et socioreligieuses (reconnaissance maternelle, rêves de « hajj », escroqueries) à l’actualité du réel dissociant expérience et apprentissage dans la spiritualité d’une société nouvelle. Un pari généreux et réussi que cette distanciation positive des détournements et extrémismes dévots porté avec mesure et talent par le réalisateur son scénariste Ladj Ly et ses acteurs auxquels nous associer dans cet essai humaniste.

« Fer, cuivre et batteries » c’est le cri de survie lancé dans les rues de Beyrouth par un réfugié syrien amoureux d’une employée éthiopienne esclave ménagère de l’épouse abusive d’un colonel libanais harceleur sexuel sénile. Rien ne va plus au pays du cèdre, rongé par la xénophobie, la corruption économique et la misère à l’image de ce bras pourri par les blessures métalliques guerrières. Le décalage entre réalité et absurdité des situations traduit en images esthétiques et mirages légendaires donne une force loufoque à cette dénonciation décalée jouant avec les conquêtes de l’humour, de l’amour et de la liberté.

Innocent ce jeune procureur fraîchement débarqué à la veille des élections municipales dans un bourg d’Anatolie divisé par des problèmes d’approvisionnement d’eau, loi des hommes contre celles de la nature. Manipulé, grisé par une soif de justice, victime des tractations locales, hanté par des souvenirs confus et une mémoire hallucinatoire il se heurte dans le même désordre aux traditions culturelles, aux normes virilistes, aux relents homophobes, aux haines racistes et à la corruption généralisée. Une alternance entre confusion, réalité et liberté entre chasse au sanglier ou à l’homme sublimée par la beauté des images, la signification des plans, le talent des acteurs, la rigueur des idées, la force symbolique d’un cinéma politique turc engagé.

A Baltimore la traque d’un imprévisible tueur de masse réunit une jeune enquêtrice, son patron expérimenté et les politiciens locaux véreux dans une imprévisible chasse à l’homme où efficaces scènes d’action et démons intérieurs généralisés s’affrontent pour le meilleur d’un film de genre échappant jusqu’au dernier tiers aux classicismes et moralismes nord-américains au détriment de la liberté latino des « Nouveaux Sauvages » argentins de Damian Zsifron.

Mimi la sangsue c’est le surnom attribué par une mère à sa fille rejetée dans son centre de mineures. Un non maternel suivi d’un non à l’institution conduisent Noémie vers la les faux refuges d’amitié et d’amour, dépendance proxénète vers le oui d’illusions perdues et celui libérateur d’un retour protecteur. L’enchaînement de 37 passes consécutives filmées dans le contrechamp frontal nauséeux de pulsions assouvies et de billets échangés révoque avec force la sexualité déviante et les rouages d’une prostitution québécoise précoce. Voyeurs en tous genres s’abstenir, la mise en scène, caméra à l’épaule de la réalisatrice (précédemment documentariste) dénonce sans concession dans leur banalité sexuelle les causes de consentements forcés que la première prestation déterminée et multiple de la jeune actrice soutient avec conviction.

Le quotidien déjà dysfonctionnel d’un EPHAD provincial est subitement perturbé par l’invasion d’écoliers en panne de cantine. Jeunesse contre vieillesse pour effacer les détresses, anciens et gamins réunis entre découvertes et souvenirs, aide soignants et enseignants alliés contre leurs administrations. Entre chorales, casques de skate, cascades cinéma, gros et bons mots, vitalité et mortalité rythment le désordre du scénario et l’accumulation de clichés sauvés par la tendresse d’acteurs amateurs et professionnels tous unis aux spectateurs dans une même bienveillance.

Un portrait de cet illustre maître de l’estampe japonaise traité en touches légères celles de sa vie et de son œuvre, au rythme même de son pinceau, des formes et couleurs de ses gravures, évoluant d’une révolte intime à son renouveau créatif au fil de ses exigences artistiques. Pour incarner à son tour cette quête incessante prolongée par une reconnaissance mondiale et perpétuelle, le réalisateur enrichit sa reconstitution historique et la célébration d’une vague bleue envahissante à travers le sens culturel de l’art japonais.

Transformer le harcèlement en adultère et inverser les sanctions est un privilège officiel de la justice tunisienne qui va transformer la vie d’une mère aimante autant que celle de son fils irréversiblement entraîné dans les bas-fonds de la prostitution rimant avec humiliations, désillusions et corruption réservées aux plus fragiles, femmes et adolescents soumis à l’exercice de tous les pouvoirs. Une fresque hyperréaliste aux images nocturnes rougeoyantes du sang contrepoints d’une lutte pour l’égalité, fraternité et sororité engagées pour les espoirs détruits d’un printemps du jasmin aujourd’hui ignoré.

L’évasion verte de reconnexion à la nature d’un couple de souriants écologistes les entraîne de Mexico sous les auspices de la Pachamama aux toitures arborées de Chicago avant les caves champignonnières bruxelloises, les graffiti floraux d’agriculture zurichoise, les aspirations gastronomiques parisiennes dévorant balcons et jardins ouvriers jusqu’à celles de Milan ou du Japon... Un petit road-movie urbain, allers et retours inclus aux quatre coins d’un monde à reverdir.

Si..si et si ...petits et grands hasards entrainent une jeune concertiste de piano de la chute du mur de Berlin à celle d’un livre dans une librairie, de la conduite d’un scooter à l’échec ou la réussite d’un concours, à moins que conscients ou non nos choix ne déterminent le sort ? Quatre variations successivement incarnées et démultipliées en enchainements mélodramatiques, ritournelles amoureuses au rythme d’envols musicaux jusqu’à donner le tournis.

Irlande, années 80, une famille de paysans démunis et taiseux confient leur fillette à des cousins lointains. Elle y découvre le temps d’un été tout ce dont elle avait été privée l’attention, la bienveillance jusqu’à la tendresse à apprendre à partager. Le talent du réalisateur jaillit du dépassement des secrets et leurs douleurs intimes, par le minimalisme même d’un quotidien de simplicité, de respect de l’autre, d’harmonie entre nature et humanité des images d’une corde à linge au papier peint d’une chambre désertée, d’une course vers une boite à lettres à celle de bras tendus ensemble refermés sur l’espoir. L’apprentissage estival des sentiments en toute délicatesse d’images et de ton se fait l’écho gaélique d’une ruralité effacée par le temps. Les trois lumières - Claire Keegan- 2010 Editions Sabine Wespieser /Poche 2012.

La mémoire d’un soldat ariégeois s’est perdue dans un accident militaire au Mali, sa volonté de survie et convalescence en terre familiale restent ses seuls recours pour la recouvrer. Ses blessures physiques aussi douloureuses soient-elles, sont moins invalidantes que celles mentales de l’amnésie aux invisibles cicatrices. Un authentique combat que d’échapper à leurs contraintes inconnues par la puissance de la nature pyrénéenne, fuir leurs propres secrets générés par une protection sororale fusionnelle, échanger les souvenirs éphémères en rappels virils, le tout dans un environnement de profonde solitude rurale et sociale. Une triple lutte, fuite et conquête de liberté au fil d’un parcours de délivrance des tabous sexuels, de réinvention individuelle et d’épanouissement personnel que le réalisateur harmonise subtilement entre hyperréalisme médical, luminosité des paysages, intensité sonore, ambigüité des sentiments, choix et prestation de ses acteurs.

Un tueur à gages soudainement pris de malaise à la vue du sang se doit pour sa survie de recourir à l’aide d’un gentil voisin et sa naïve compagne. Un joyeux parcours rimant avec humour, cumulant absurdité et férocité au fil de situations rocambolesques démontrant les difficultés d’un métier sous-estimé dans un monde du travail violent, les compétences d’une scénariste/réalisatrice surdouée et le talent de ses acteurs zélés

Sur une île des Açores entre ciel et mer, religion et traditions, jeunesse et sexualité s’enchevêtrent entre réalité et fiction d’une narration où l’onirisme valorise dans un film binaire incarné par les seuls comédiens amateurs insulaires tout autant les libérations d’une communauté queer, des rébellions adolescentes, des trafics de stupéfiants que les exorcismes ancestraux, intolérances viriles et rêves migratoires. Une lumineuse ode transgenre aux ambiances crépusculaires arc en ciel, aux images impressionnistes, aux résonances musicales choisies et aux fortes espérances communautaires.

...c’est entre Calais et Douvres celui de l’échange entre une mère célibataire marginale et un clandestin irakien, d’un lieu de misère sociale au pays de l’espoir migratoire, échange humanitaire et profit monétaire, dénonciation et action entremêlés à une réalité locale et internationale portées par l’émotion d’Adam Bessa et l’énergie d’Alice Isaaz.

Un coup de foudre entre deux jeunes parisiennes, une insémination désirée, un abandon inattendu, une maladie mortelle, la mutation d’un frère en oncle jalonnent cette déclinaison passionnelle, filiale et fraternelle de toutes les formes de l’amour rédigées, déclamées sur les planches avant d’être portées à l’écran par un même auteur, acteur , metteur en scène et réalisateur. Et pourtant...nous susurre la voix d’Aznavour sur les dernières images...

Un regard ingénu que celui d’une fillette sur sa famille franco-portugaise au long d’un séjour dans leurs montagnes originelles à l’écart des villes et du temps, sous le pouvoir d’esprits ancestraux et la protection religieuse de Saint Georges, transmissions protectrices contre les jalousies familiales, les rancunes de voisinage, les tabous séculaires, tous sortilèges, incantations et hallucinations enchevêtrés. La réalisatrice telle une sorcière transforme ces traditions orales en images au réalisme banalisé par l’innocence ambigüe de sa jeune actrice.

L’héritage de Pina Bausch à travers deux nouvelles interprétations celle du Sacre du Printemps à l’Ecole des Sables et d’Iphigénie en Tauride par le Semperoper de Dresde. Chacune est dirigée par d’anciens membres du Tanztheater de la chorégraphe dans son esprit de transmission transcendée par le hip hop ou le ballet classique en une même métamorphose des corps libérés pour atteindre l’essence de leur identité. Le classicisme des décors écho des voix de Gluck et l’envol du sable sur les notes de Stravinsky résonnent ensemble de l’héritage d’une artiste en perpétuelle création offerte à la seule liberté. Le COVID ayant empêché la représentation de Dakar, les images et témoignages des répétitions et de la représentation filmées dans l’énergie de leur travail par le documentariste pourvoient à ce manque.

Un village provençal, ses rues désertes du stade de foot au tabac, ses bandes, ses petits trafics, ses murmures de voisinage et de copinage de la communale au collège, premières amours et décisions d’avenir s’incarnent en cette banlieue rurale dans l’amitié d’un jeune taiseux, d’un flamboyant tchatcheur et de Malabar son chien. Un trio bien rôdé entre jappements, idéalisme vindicatif généreux et mutisme solitaire qu’une expérience extérieure pourrait déstabiliser voire libérer. Le cinéaste fait s’entrecroiser dans une authenticité subtile les sentiments à l’environnement, les personnages à leur entourage, leur place à trouver dans l’ailleurs de l’armée ou les illusions de l’amour parfait, la valeur de la fraternité jaillissant de la cruauté des mots aux détours d’une narration irradiée par le jeu flamboyant de Raphaël Quenard et la justesse d’un premier film exceptionnel où s’harmonisent les images et les mots au ton et à l’émotion.

20 Janvier1942 l’inoubliable date de la mise œuvre de la Solution Finale lors de la conférence de Wannsee réunissant secrètement une quinzaine de dignitaires du IIIème Reich. 11 millions de juifs à éliminer pour regermaniser la nation aryenne et une journée durant 15 dignitaires manipulant profits et débits, calculs de stricte rentabilité d’un ministère à la gestion d’un territoire et d’une reconnaissance éventuelle espérée à la peur d’un échec bureaucratique, lâchetés et racisme au seul service de la soif de pouvoir. A son tour le cinéaste, en écho à la mise en place de cette méthodologie répond à la mise en abime de cette entreprise par sa rectitude de mise en scène, la rationalité de plans, le huis-clos de décors, l’austérité du jeu d’acteurs en strictes illustrations d’alignement de chiffres traduisant le cynisme des faits et leur intégrale déshumanisation par la parole et le sens des mots.

Fin des années 80 le gouvernement conservateur de Margaret Thatcher promulgue une loi assimilant l’homosexualité à la pédophilie (abrogée en 2003), pour lutter contre toute épidémie de lesbianisme. Une « déviance » portée par une jeune enseignante de gymnastique victime des conventions de l’époque, tiraillée entre une société réactionnaire et une communauté libertaire, la perte de son emploi ou celle de son cœur. Privatiser sa vie ou la politiser par son attitude devient alors une autre forme de combat social que développe la réalisatrice à travers ces portraits de femmes en lutte et cette spécialité britannique de films engagés.

Saint François d’Assise en Molenbeek pour exaucer les vœux d’un jeune marocain jeune acteur en devenir mais musulman en famille, et tous décalages identitaires réunis sur le chemin vers le firmament d’une figuration auprès de Catherine Deneuve. Une double quête libératrice de comédien et de fils pour émerger de la morne plaine belge vers une errance aventureuse, entre humour décalé et hallucinations joyeuses de Bastien Ughetto.

L’Adamant péniche hospitalière de jour, en lien avec les structures médicales complémentaires, fait flotter sur la Seine les remous de troubles psychiques que patients et soignants abordent en ce lieu collectif d’accueil. Du bar associatif aux ateliers de rédaction d’un journal à parution aléatoire, webradio, studios musicaux, chevalets picturaux voire sorties culturelles, les solitudes côtoient les interactions cliniques nous rapprochant de failles humaines communes. La caméra de Nicolas Philibert (dans la continuité des actions du centre de La Borde « La moindre des choses ») suit le rythme même des confusions mentales dans l’improvisation et l’authenticité des scènes et situations pour lier ces fragilités poétiques, schizophréniques, douloureuses à nos propres différences pour, au-delà des souffrances, en changer notre regard extérieur. Le premier volet d’un triptyque consacré à la pluralité et aux soins de nos désordres émotionnels

Des bidonvilles de Lima à la mine de La Rinconada, des rives du Pacifique au toit des Andes à plus de 5000 mètres d’altitude la ruée vers l’or se perpétue, quête sans fin entre traditions et superstitions des déshérités victimes séculaires de toutes les sociétés unissant la fragilité des hommes à la force du diable dans les galeries terriennes. La réalité et la fiction fusionnées par les images N&B du documentariste et le naturalisme des situations quotidiennes dissocient rêves, traditions et superstitions de la procession carnavalesque de leur fatal destin pour les dénoncer violemment hors toute démonstration militante.

Déterminée cette lycéenne provinciale à forger son avenir par sa réussite en stage d’alternance dans un centre d’appel téléphonique malgré des conditions de travail indues soumises au seul culte de la performance. L’abandon de la dance-pop, passion pourtant partagée, le suicide de son supérieur direct, les concurrences malsaines entre collègues, les injustices successives jalonnent sa mutique et pernicieuse déshumanisation. Tout aussi engagée l’inspectrice de police dédoublée en lanceuse d’alerte au fil de son enquête révélant les rouages pernicieux d’une corruption des systèmes éducatifs et socio-professionnels et dénonçant une société ultra-libérale en écho directs de compétition /humiliation /corruption mais aussi compassion en un dernier plan de pure émotion. La différenciation du récit d’une héroïne à l’autre, révélant l’intimité de chacune accentue la force narrative liée à l’authenticité des plans, au choix des lumières et au rôle des deux actrices offrant par ce film tout autant une incertaine espérance que la confirmation après « A girl at my door » du talent de la cinéaste.

Ils croisent l’épée avec dextérité, cultivent l’amitié en toute fraternité, et d’une attaque à main armée à la restitution d’un collier transforment Dumas en auteur policier voire en de bluettes amoureuses ces mousquetaires héros imaginaires transfigurés par la force majestueuse des images en justiciers historiques du pouvoir politique souverain. Alors vive le roi Louis XIII Garrel, le cardinal Ruf Richelieu, la Reine Vicky Krieps et attendons décembre pour être encore séduits par Milady. Les trois mousquetaires – Alexandre Dumas – 1844 – Livre de Poche/2002.

Jeux vidéo zombies, joints et pizzas s’unissent contre écriture romanesque, dessins et rêves d’un père et de sa fille dans l’humour et par l’amour d’une biker disparue pour affronter ensemble la maladie et la menace des services sociaux. Une lutte affective commune où fantastique et naturalisme se confondent pour chasser les apparences misérabilistes banlieusardes, dépasser les dimensions environnementales scolaires de sexualités adolescentes et sublimer la détresse d’une relation parentale inversée. Porté par la sensibilité extrême d’un Benoît Poelvoorde physiquement transfiguré et la voix off d’une ado déterminée, le film d’Olivier Babinet (Swagger) transcende la réalité par la poésie et le romanesque de sa propre adaptation de l’œuvre théâtrale de David Greig. Le monstre du couloir- David Greig- 2014 Le Préau- 2015 Le théâtre de l’Opprimé

Les lendemains de Mai 68 vécus par l’un des militants de la Gauche Prolétarienne qui prônaient « l’établissement » des idées maoïstes dans le milieu social d’où jaillirait la révolution. Etudiant à l’Ecole Normale Supérieure, Robert Linhart devint ouvrier à l’usine Citroën de Choisy en application de ses convictions idéalistes, dans les conditions du travail à la chaîne, sous le bruit assourdissant des machines, subissant le harcèlement des contremaîtres, la méfiance des patrons comme des ouvriers avant de faire naître la solidarité et la grève pour que triomphe la lutte des classes. Le réalisateur par sa reconstitution naturaliste des lieux, la transmission en paroles des idées et la prestation de ses acteurs offre une dimension aujourd’hui historique au témoignage minutieux de cet « OS 2 expérimental » autant qu’il traduit les enthousiasmes collectifs d’une époque où destins personnels et aventure intellectuelle se confondaient dans l’authenticité et l’utopie, l’auteur ayant après son licenciement prolongé son engagement à la Fac de Vincennes. L’Etabli - Robert Linhart - Editions de Minuit 1981. + Pièce de théâtre 2018/ L’Epée de bois Cartoucherie de Vincennes et Festival Off d’Avignon

Qui est-il ce soldat revenu sans mémoire des tranchées de la guerre de 14/18 ? Le sait-il autant que ses présupposées veuves où le sérieux du chagrin d’amour de Leila Bekti rivalise avec la légèreté du partenariat artistique de Louise Bourgoin face à l’indétermination mystérieuse de Karim Leklou. A nous de choisir et c’est là tout l’intérêt et l’humour de ce film qui dédouble notre rôle de spectateur en celui de juge et parti dans l’élégante reconstitution des fantasmes amnésiques.

Pour pallier le sentimentalisme des passions ratées, rien de mieux que d’utiliser son corps et de l’offrir en spectacle à des fins uniquement pécuniaires, la scène et les spectateurs d’un cabaret de strip-tease autoriseraient cette distanciation. Un jeu de désirs offerts aux voyeurs avides de fantasmes sexuels et illusions d’intimité dédoublé en emploi d’actrice, mise en scène, échanges de regards, pratiques de séductions, réussite professionnelle dans une troupe où jalousies, complicités, amitiés, bisexualité et plus, bouclent la boucle d’une interminable histoire d’amours entremêlées de pseudo libération socio-érotico-féministe.

Rroû et ses comparses chatons pour triompher en ronronnant de tous les autres chien, lynx, laie, rats, mulots et humains unis en vain contre leurs charmes facétieux et leur sens de la liberté. Une fable féline miaulante d’initiation familiale. Rroû -Maurice Gènevoix – Flammarion 1931- La Table Ronde 2016 - 2022

Instaurées depuis 2014 (comme précédemment en Belgique et au Québec) les instances de la Justice Restaurative établissent des rencontres entre victimes et coupables pour tenter de les délivrer par leur seule prise de conscience des actes commis ou subis. Un dispositif d’encadrants professionnels aidés de bénévoles, accompli en accord avec les participants en tête à tête ou dans les centres pénitentiaires, pour et par l’écoute à juste distance, parvenir à la réparation et prévenir la récidive. La banalité de vols, braquages voire viols incestueux actés par les uns face à la destruction intime irréversible ressentie par les autres, sont illustrées d’une part dans le face à face d’une jeune femme refusant toute éventualité de rencontre avec son frère remis en liberté et d’autre part à travers les dialogues sous contrôle d’un collectif de condamnés et de victimes aux souffrances insurmontables. Ce sujet propre à un film dossier évite l’écueil du documentaire voyeur par sa distanciation via des acteurs reconnus traduisant l’enquête et portant les mots destinés à notre stricte attention avant réflexion de simples spectateurs entraînés dans une commune aventure humaine. La maîtrise du scénario, de son découpage en alternance, différenciant les émotions entre GP de visages et lieux clos, le choix, la direction et la prestation des comédiens intégrés dans l’intimité de leurs récits offrent une intense émotion (non dépourvue d’humour) à ce 3ème long-métrage de Jeanne Herry (« Elle l’adore » & « Pupille ») à aller voir sans contrainte judiciaire.

Seul un vaillant sujet de la monarchie anglaise pouvait s’emparer du combat d’une roturière en quête des ossements égarés d’un Plantagenet détrôné par les Tudor, et dénoncer plus de quatre siècles d’injustice historique. Le défi jubilatoire d’une banale obsédée de vérité, luttant contre les pouvoirs d’universitaires et d’opportunistes patentés, pour une triomphale réhabilitation couronnée par une Windsor et portée par la flamme de Sally Hopkins. Stephen Frears contre Shakespeare pour une joute entre théâtre et cinéma au royal et respectable service des spectateurs.

Pour perdurer, les pleins pouvoirs d’un chef politique se doivent d’être surveillés et Staline sait y pourvoir à travers des citoyens tour à tour, au hasard de leurs comportements, soupçonnés, emprisonnés ou exécutés par prévention par des militaires eux-mêmes associés à ces purges de hasard. Soudainement victime du slogan « servir la patrie ou aller au Paradis » un petit colonel de l’Armée Rouge choisit la deuxième partie et s’investit dans une croisade de pardon aux seules fins de sa propre rédemption. Course poursuite et chasse à l’homme à travers l’histoire soviétique et les exactions staliniennes de l’avant-guerre, précurseurs des délires totalitaires russes.

Ils courent ils courent, ils tchatchent ils tchatchent, ils rêvent tout autant ces deux copains de banlieue en chasse d’un trésor, artefact en mains et complots en prime dans les tunnels d’un métro futur aux pouvoirs francs-maçons passés. Un périple absurde, un trajet fraternel aspirés dans le fantastique de transports urbains dysfonctionnels, à grande vitesse émotionnelle d’un réalisateur à ne pas perdre en chemin.

Gamins de Medellin et sniffeurs de colle cinq gamins s’élancent vers la reconquête de leurs racines au plus profond des forêts colombiennes ravagées par des années de combats entre narco-trafiquants et paramilitaires, toutes populations citadines ou rurales unies par une même violence. Leurs envols des camions aux jungles et fleuves, leurs pauses dans les bordels maternels ou refuges paternels s’entremêlent à leurs hallucinations et fantasmes au rythme de cette odyssée adolescente de princes de la misère poétique et désespérée.

Quatre jours au soleil pour réveiller le désir éteint d’un couple usé par le quotidien au fil d’une volcanique évasion sicilienne, clin d’œil cinéphile à Roberto Rossellini et colliers souvenirs de clichés touristiques accumulés pour tourner les pages du guide du Routard et fuir les séances de psychothérapie de ménage fatigué. Paysages de cartes postales et selfies de sentiments pour une comédie burlesque allumée par Philippe Katerine. Rira qui voudra

La société perd ses repères, les employeurs leur responsabilité de protecteurs, les employés leur part de respect, les maris leur implication d’assistant, les femmes d’assistées, alors au fil d’un burn-out banlieusard forestier les uns les autres vont fuir l’absurdité de leur quotidien au profit de fantasmes écolo-sociéto-romantico libérateurs d’humour helvético-belge à partager ou non.

Une jeune décoratrice d’intérieur encore étudiante prise au piège par un faux médecin le poignarde pour échapper à sa tentative de viol, dénoncée par un complice de cet agent des services secrets, elle est accusée d’homicide, emprisonnée, fouettée, torturée et condamnée par la loi du Talion à exécution à charge du pardon du fils de l’agresseur « victime ». Les accusations, pressions et menaces portées contre sa famille ainsi que son comportement vont contrairement à leur but développer une dénonciation internationale du système judiciaire, son regard sur l’agression sexuelle viol ou soumission de la victime menant à une même condamnation. Prises de vues des lieux, (prisons et parloirs) des manifestations filmées clandestinement, tournées sur des portables, interviews des proches, enregistrements audios, lectures en voix off de textes exprimant la vérité muselée résonnent de l’injustice officielle d’un régime qui sept années durant (2007/2014) avait déjà prouvé sa cruauté et la perpétue tout autant que l’héroïsme féminin qui lui fait face. Un cri de résistance à partager dans l’émotion de ce témoignage.

Le « maalem » est un art ancestral de confection de caftans que pratiquent dans la médina de Salé un couple et leur apprenti vendant et festonnant de chatoyantes tenues de fêtes, le cinéma en est un autre que la réalisatrice brode avec une même perfection à travers les images et plans d’un film dédié aux lumières de sentiments subtilement incarnés par son trio d’acteurs. Le toucher d’un tissu dans un atelier, celui d’une peau dans un hammam et le parfum d’une mandarine lient chaque goût à sa jouissance, l’esthétisme d’un vêtement et la volupté des corps unis dans l’amour décliné entre beauté, tendresse et plaisirs. Ils sont trois à savoir gorger leur vie de paix, d’espoir et de sensualité qu’ils nous offrent dans l’émotion d’une danse partagée par un jeu d’épaules, dans l’écoute de leurs silences, dans le respect de leurs différences et par leur force intime ignorant les préjugés pour dépasser leurs peurs de la mort et nous envoûter des couleurs de la vie.

Naïade radieuse et gentil fils à papa en vacances corses ces étudiants promis à de brillantes fonctions d’énarques voient leur avenir déstabilisé par un acte inopiné d’auto-défense. Les prémices d’une comédie romantique, d’un mélodrame criminel, d’une relation paternelle fragile s’immiscent subtilement dans une analyse médiatico-tactique au discours idéologique brillamment porté par des femmes au détriment de lâchetés sociales traditionnelles dans les entreprises, trahisons et pièges capitalistes récurrents. Une authentique gageure que de bâtir un monde plus juste par ses engagements sentimentaux, familiaux et politiques, un pari tout aussi risqué que de transcrire hors démonstration militante cette ambition sociologique en narration, situations et images. Le réalisateur y parvient avec efficacité ses acteurs y contribuent dans un même élan talentueux. De grandes espérances - Charles Dickens 1860 / Livre de Poche 1998.

Un manoir enveloppé de brumes cache ses fantômes pour nous égarer dans les souvenirs d’enfance d’une mère vieillissante et les affres d’écriture de sa fille scénariste, mots partagés ou occultés par leur mémoire, les secrets de la transmission, leurs pouvoirs psychologiques et les douleurs du deuil. Un parcours relationnel d’emprise maternelle mis en lumières nocturnes entre décors gothiques, ombres spectrales, ruptures de plans et silences immersifs d’un face à face mélancolique, reflet miroir d’un espace-temps introspectif fugace et envoûtant, doublement incarné dans sa pérennité affective filiale par une Tilda Swinton cathartique.

Réparer un corps auto-détruit, un esprit auto-satisfait par un combat entre physique et mental tel fut le défi pratiqué et rédigé par Sylvain Tesson à la suite d’une chute alcoolisée. Une expiation caillouteuse sur la route de la repentance traitée en double road-movie intérieur et extérieur entre paysages des Alpes et du Massif Central jusqu’à la Manche, sommets, vallées et plaines traversées dans leur naturalité pour échapper à la dualité même de l’écriture entre mots et images. Des chemins noirs « diagonale du vide » pour l’écrivain, une route magnifiée pour le réalisateur et colorée pour son acteur investi dans sa découverte de la nature, de ses habitants de rendez-vous en rencontres amicales, aventure illuminée par cette distanciation réussie offrant à tous l’évasion rêvée depuis le fauteuil d’une salle obscure. Sur les chemins noirs - Sylvain Tesson - 2016 Gallimard /Poche 2019.

Conditionnée à retrouver ce père adulé dont elle est soudainement séparée, déterminée à le réhabiliter envers et contre tous juges, éducateurs, mère, compagnes de foyer d’accueil cette gamine d’une douzaine d’années s’insurge bec et ongles cramoisis de maquillage et vernis, regard surmaquillé et corps déguisé par son géniteur pédophile. Pervertie par son emprise il lui faudra du temps, de l’attention, de la tendresse pour rétablir les valeurs de l’enfance qui lui ont été volées, les jeunes réalisatrice et actrice les ont miraculeusement trouvées et pratiquées pour habiter ce récit avec pudeur, distanciant la violence subie en révolte rédemptrice. L’inceste traité avec une maîtrise engendrant la renaissance et l’espérance font de ce premier film une réussite émouvante.

La force de l’autoritarisme politique c’est sa forme d’invisibilité tant dans la persuasion que dans l’action pour instiller la peur et exercer la terreur, le film de Manuela Martelli emprunte ce schéma à travers le parcours d’une banale bourgeoise, une grand-mère innocente poussée par le hasard et son éducation sociale et religieuse bases naturelles de conscience humaine. Des vacances scolaires en résidence secondaire, l’appel d’un prêtre fragile, un réfugié blessé vont l’entraîner vers le silence des interdits, leur action, la complicité avant la culpabilité finale et triomphante de la dictature. Cette aïeule de la cinéaste, suicidée sans raison connue, soutient le mystère du scénario, illustre la puissance d’une mémoire étouffée, incarne la violence quotidienne exercée plus de trente ans durant et toujours infiltrée, porte cette innocence de femme transgressant le silence arbitraire d’un patriarcat abusif et d’une société soumise à tous les pouvoirs. Les images d’Océan déchaîné, de pauvreté rurale et de dominance de classes soutenues par une composition musicale forte et le jeu subtil de l’actrice principale accentuent cette résonance d’un passé à ne jamais oublier.

Les ruines d’un improbable palais enfoui dans la jungle colombienne hébergent un centre expérimental de rééducation de jeunes délinquants aux pulsions et émotions gérées entre travail forcé et thérapie régénératrice. Un parricide et son complice s’y retrouvent illustrant l’irréversibilité d’une violence machiste ancestrale transmise et régénérée par la drogue et les cartels. Par ses images le cinéaste unit la nature et l’homme en une même emprise maléfique, les fantômes du passé rejoignant le présent pour briser les rêves du futur

A l’ombre des arènes l’Atlantic Bar résonne des accents provençaux, fait chanter les joies méditerranéennes et noie les peines dans les parfums du pastis. C’est ici le lieu de vie d’une femme rieuse avec l’homme qu’elle a sauvé de la rue et qui la soutient aujourd’hui dans ses addictions aux hasards, aux fumées et à l’alcool derrière ce comptoir où glissent les verres et leurs perpétuels coups de misère. La réalisatrice nous fait trinquer avec leurs espoirs, dans la chaleur de leur tendresse et sous le soleil de leur authenticité, à distance de tout voyeurisme pour témoigner du quotidien humain et nous faire partager sa dignité.

La lande sauvage du Yorkshire balayée de romantisme, trois sœurs pour la traverser de leurs romans et un frère complice d’Emily ensemble révoltés et en mal de liberté de la pensée contre une société rurale aux mœurs bourgeoises étouffantes. Les doubles format et objectifs choisis, le décor des collines à la grisaille lumineuse, leurs pluies continuelles échos des orages sentimentaux, les mots cachés d’une langue enseignée et les interdits religieux libèrent l’imagination de la réalisatrice pour la détourner d’un classique biopic familial offrant un miroir passionnel à la brève existence de la romancière et un rôle exceptionnel à son actrice Emma Macney dans une fiction fiévreuse inspirée des « Hauts de Hurlevent ».

L’échec à son concours d’un étudiant en médecine lui fait choisir pour continuer ses études la branche passerelle de « sage-femme », pis-aller caché voire honteux jusqu’à sa découverte à travers sa supérieure du métier, des actes, des femmes et de la vie. Un parcours en blouses roses offrant une prise de conscience du monde hospitalier de ses manques de moyens et de personnel, de ses absurdités et générosités, heureux film démonstration porté par l’énergie talentueuse de Karin Viard et l’émotion du jeune Melvin Boomer (Le monde de demain/Joey Starr).

L’errance dans Bogota d’un ado structuré par la seule violence preuve du pouvoir viril, indispensable à la survie, exprime la masculinité triomphante associée à toute sexualité et support impératif d’une société sans autres repères. Face aux accueils impossibles d’une famille autant qu’au refuge d’un centre institutionnel ne reste -t’il que le recours à une bande/gang et ses normes meurtrières ? Une alternative que le cinéaste transgresse par l’authenticité de son propre parcours, intégrant ses souvenirs aux images des quartiers, ses doutes personnels aux normes du machisme, fiction et conditions réelles inversant le déterminisme officiel et culturel de domination en dénonciation de force pacifique portée par la véracité sobre et douloureuse d’acteurs amateurs.

La violence masculine endémique brise les espoirs d’une jeune danseuse, ravive les années noires de la violence terroriste, unit les corps à corps de combats traditionnels entre béliers à ceux existentiels envers soi-même pour porter les désirs de survie et liberté d’une Algérie ensoleillée par l’énergie des femmes de « Papicha » réalisatrice et actrices réunies dans la même générosité. Celle des sans-voix du passé, des sans-espoirs du présent toutes souffrances tues, criées, étouffées à dépasser de gestes en signes, de larmes rageuses en mots sourds et de plans lumineux en espoirs féminins.

Nan Goldin, témoin de sa vie et de son temps par ses créations artistiques et son action politique, se démultiplie entre souvenirs d’une sœur disparue et mémoire des années 70 sous le regard de la documentariste Laura Poitras. Entremêlant photographies et autobiographie elle illustre ensemble son parcours combatif, son œuvre originale et sa participation militante au mouvement PAIN contre les laboratoires Purdue Pharma/héritiers de la famille Sackler mécènes et collectionneurs d’art aujourd’hui pourvoyeurs d’OxyContin opiacé addictif aux overdoses mortelles. Un authentique roman-photo, triple témoignage des ravages du marketing médical aux USA, de ses bénéfices recyclés en sponsoring artistique et des mouvements justiciers réparateurs.

Le criminel récidiviste c’est François Ozon coupable film après film de nous rendre captifs de ses créations mêlant théâtre et cinéma, reconstitutions passéistes mêlant théâtre et cinéma, reconstitutions passéistes et modernité décalée, popularité sans vulgarité, burlesque et artifices au talent et à la flamboyance de ses acteurs. Faire succéder ce succès boulevardier des années 30 à l’hommage de Peter Von Kant, diriger avec la même maîtrise la pléiade de comédiens français virevoltant avec sérieux de numéros facétieux en prestations bouffonnes sur un discours contemporain d’égalité féminine et de consentement Me-too est un régal dont profiter sans délai. Mon crime - Georges Berr et Louis Verneuil- 1934

Les rêves bleus volés d’une adolescente font exploser la couleur électrique d’une rage partagée avec son père contre un divorce, leurs nouvelles relations induites, sa découverte des lâchetés adultes, de leur sexualité et de la sienne dans un univers de tendresse, poésie et brutalité entrecroisées sous l’œil d’un chat et la peur d’une petite sœur victimes d’une égale détresse. Un premier film subtil dénonçant cette transmission ambigüe de la violence aussi archaïque qu’ordinaire et universelle.

Une avocate accomplie, un couple heureux, des gamines joyeuses brisés par une décision de l’inconscient hors tout raisonnement, authentique manipulation corporelle dirigée par le cerveau imposée aux organes, sujet tabou relevant parallèlement de la justice autant que de l’intime quand la sidération prend le pas sur le ressenti et qu’aucune circonstance sentimentale, sociale, médicale n’en a été la cause. Les fantômes familiaux psychanalytiques, les savoirs scientifiques, les condamnations religieuses, les juridictions d’assises se heurteront aux mêmes aberrations mystérieuses de l’être humain à laquelle cette transposition sur grand écran du déni de grossesse donne une dimension de film dossier nécessaire pour contrer méconnaissance et intolérance. L’enfant que je n’attendais pas - Bruno Garcia - Caroline & Eric Du Potet - Alix Poisson, Bruno Solo - F2 - 8 mai 2019.

L’amour, ses rêves ou ses déceptions, le célibat, sa liberté ou sa solitude, les applis de rencontre ou les arrangements traditionnels ? un tourbillon de questions posées par une charmante documentariste anglaise filmant de flamboyantes réponses Bollywoodiennes de Londres à Lahore, aux couleurs d’humour british et d’exotisme pakistanais pour s’enchanter des faux contes de fées et découvrir le Prince charmant.

La double rupture subie par une femme après vingt ans d’amour et actrice que l’âge condamne tout autant aux yeux de son mari metteur en scène de théâtre est transcendée par la magie de la transformation, le dépassement même de la réalité par la métamorphose. Une intime et passionnelle traversée des miroirs, cœurs et corps entraînés par les sortilèges subtilement infligés par Julie Gayet au ténébreux Benjamin Biolay dans l’univers fantastique d’un premier film de genre à l’issue offerte à l’imaginaire.

Dans le silence de neiges helvétiques, un jeu de pistes espionnes, de traces sonores, d’une poursuite féminine entre deux agents doublées de paranoïa amoureuse et de trahison sentimentale au rythme suisse d’un règlement de comptes esthétique.

Les mots bleus de Christophe résonnent en images déstructurées sur leurs notes décomposées, superpositions de lumières et couleurs échos de ses compositions et vibrations de ses interprétations entre Gros Plans de visages, intimité, studios de répétitions, scènes de concerts... Temps et réalité s’entremêlent en un hommage où cinéma et musique se confondent en création artistique.

Trois générations d’un siècle à l’autre et d’une ferme provinciale à la région parisienne, d’une culture catholique et patriarcale à l’émancipation féministe. Des parcours de lutte pour échapper au foyer lieu symbole de toutes contingences matrimoniales, sexuelles, ménagères, prison franchie par les lois Neuwirth et Weil, désir d’équilibre par le choix d’un emploi, échappatoire du privé vers le public, l’autonomie pécuniaire, l’altérité, le collectif, l’épanouissement personnel. Ponctué des commentaires de l’historienne Michèle Perrot, ce regard illustré de photos et images super8 et secrets intimes est un exemple sincère de cette conquête d’égalité.

Amis à la vie à la mort ces deux garçons de 13 ans, voisins et collégiens dont le regard des autres va révéler une authenticité fragile et ses limites sociales. Copains depuis l’enfance ou plus à l’approche de l’adolescence ? Sensations nouvelles, puberté sexuelle et peurs inavouées vécues dans le silence, la culpabilité amicale, la douleur parentale. Rires et corps jaillissent de la lumière florale des saisons, esthétisme en images des premiers émois face aux normes sociétales assombries par la virilité sportive et sa violence compensatrice mélodramatique. Avec ce deuxième film après « Girl », le réalisateur renouvèle son questionnement sur la vulnérabilité de l’identité sexuelle.

Le quartier de tous les rêves, ceux de consolation radieuse dictée par la voyance, ceux d’un trésor volé à retrouver, ceux d’un quotidien de survie dans un système d’indifférence généralisée. Ramsès l’escroc empêtré dans ses arnaques se fait fantastiquement mage nocturne auprès d’une bande de gamins déracinés, l’ésotérisme se confondant à la réalité par les voies du chamanisme, les images heurtées de la nuit, les silences et souffles des émotions à dépasser pour au-delà et autrement dénoncer par l’invisible cette misère migratoire que l’on ne saurait voir. Entre Barbès et Saint-Denis, Clément Cogitore (après Ni le ciel ni la terre) a le don de nous provoquer par son regard décalé sur la violence de notre société et Karim Leklou de nous envoûter par la justesse de son jeu.

Le temps fane les fleurs topaze, égare une silhouette jaune sur le banc d’un square, illumine un ciel de ses feux d’artifices demi-souvenirs d’une mémoire en fuite et d’une autre oubliée l’une et l’autre partagées entre une mère et son fils. Des plans séquences successifs dans le clair-obscur des images s’enchevêtrent à cette troublante double quête pour mêler l’avenir à ce labyrinthe intemporel que le jeu subtil des acteurs distancie de la douleur inhérente à la maladie d’Alzheimer. A notre tour de ne pas oublier d’aller voir ce film ! N’oublie pas les fleurs - Genki Kawamura - Pocket /2022.

La construction d’un barrage entre soleil et eau se dédouble en élévation d’une tour qu’un ouvrier échappé du chantier bâtit entre sable et nuit, dressant la terre vers le ciel en un hommage ésotérique à la nature. Forces mutiques de l’univers contre paroles de violences militaires ou révolutionnaires s’égarent dans les hallucinations de jungle disparue sous le seul regard d’un chien témoin des errances humaines. Le réalisme d’un quotidien ouvrier s’élève vers le fantastique en un conte visuel mythologique dédié à la liberté humaine

La terre nourrit les récoltes et l’eau abreuve les fruits que les hommes cueillent, que les femmes trient dans une campagne espagnole régie par ses traditions et religion, sans autre issue pour la jeunesse que la fuite éperdue, à l’exemple des crues fluviales ravageuses mais porteuses d’espoir. La réalisatrice à travers la force d’une passion amoureuse naissante illustre les rôles sociétaux de pères et mères, dénonce le pouvoir imposé du patriarcat contre la liberté acceptée du matriarcat, délivrant dans l’envol des colombes aux plumes colorées les sortilèges mystiques pour combattre les réalités rurales. Fables et actualité, sorcières et machisme, croyances et premiers émois voguent entre interviews témoignages et images d’archives, émergent des mythes en fiction romancée, détournent les rives polluées de la nature en fiction libératrice adolescente pour nous charmer d’un premier film envoûtant.

Dix ans déjà qu’une lanceuse d’alerte tentait de dénoncer les dessous de tractations entre la Chine et EDF impliquant la concurrence industrielle contre AREVA et son démantèlement initié par le renvoi d’Anne Lauvergeon. Longtemps oubliée Maureen Kearney cette petite quinquagénaire syndicaliste CFDT défendant les employés tour à tour agressée, violentée, condamnée, disculpée mais brisée par la force des marionnettes économicopolitiques gérant une énergie nucléaire elle aussi malmenée. Mais en ces temps de réchauffement climatique et restrictions énergétiques, retour du film dossier dans une contre-enquête de fiction au casting aussi flamboyant qu’improbable mais permettant au cinéma de prendre le relais de l’émission radio de France Inter « Suspicion » puis de la mini-série documentaire récemment diffusée sur F3, pour à son tour lui rendre justice, décrypter les rapports aux pouvoirs, les tractations politico-industrielles, la misogynie ordinaire, son exercice généralisé (employeurs, enquêteurs de police, médecins, avocats, juges), en requalifiant ce tragique fait divers en affaire d’Etat. La syndicaliste - Caroline Michel-Aguirre - Editions Stock/2019. L’affaire Maureen Kearney - Nina Robert - F3 - 4 épisodes 8/09/2022.

Un tout petit village, son maire à la fois jeune institutrice et un vieil élève récemment endeuillé mais éternel illettré peuplent avec quelques poivrots sans bistrots, et commères sans boulangerie cette campagne bretonne désertifiée. Petits tracas et grands sentiments s’additionnent en sourires d’enfants et mots de Michel Blanc pour une sympathique comédie rurale et familiale.

Simon Panay documentariste familier des orpailleurs artisanaux du Bénin décide de suivre le parcours d’un gamin dans une mine du Burkina Faso, ses descentes dangereuses dans les galeries souterraines, ses sacs de cailloux brisés pour des gains aléatoires dans l’espoir de suivre une scolarité puis d’accéder au métier de soudeur. Deux années de tournage, regard mutique et rêve humaniste sur ces campagnes africaines brisées par le terrorisme djihadiste, de ces communautés familiales fragiles dans le seul but de les révéler pour que les choses soient connues, reconnues et au mieux évoluent.

Coup de foudre entre le gigolo d’une star vieillissante et une escort-girl d’opérette en décor affriolant d’une Côte d’Azur de comédie hollywoodienne scandée entre scénario boursoufflé de flash-back, trahisons répétitives, virtuosité accélérée, amoralité surjouée d’une mascarade aussi élégante qu’interminable.

Un écran mémoriel pour un train sans gare et un désert de western initient une passion illimitée pour le cinéma, son imaginaire et ses techniques, son inventivité de filmage, trucages, montage, ses effets scénaristiques, ses rythmes narratifs et sonores, ses jeux d’émotions et d’acteurs entre rires et larmes et couronnent les presque huit décades et quarante preuves d’amour du cinéma de Steven Spielberg. La précocité d’un engouement, sa constance enfantine et adolescente, sa virtuosité adulte s’incarnent ici de la première à l’ultime image dans le récit d’apprentissage habité par une mère extravagante, un père amoureux, un amant caché, des sœurs espiègles, des comparses harceleurs, des modèles hollywoodiens...Si caméra super8, pellicule, objectifs et projecteurs diffusent une exaltation technique c’est son association au regard porté sur les situations et les personnages qui déterminent la lucidité créatrice, lui procurent sa responsabilité d’auteur, sa légitimité artistique et sa valeur humaine propre. Origines culturelles, fragilités parentales, antisémitisme primaire, vocation irrépressible interfèrent alors dans cette flamboyante initiation offerte par et pour le 7ème art.

A Sarajevo, une agence de speed-dating propose à ses candidats un accès au bonheur au fil de rencontres rigoureuses qui vont insensiblement révéler les fossés culturels, ethniques, religieux, les cicatrices indélébiles des conflits nationalistes dont nul anonymat vestimentaire ni questionnaire décalé ne sauraient occulter la violence inaltérable. C’est avec talent et sensibilité que, dans une unité de lieu et de temps la réalisatrice (Dieu existe son nom est Petrunya) expose face à face victimes et bourreaux, innocents et oublieux entre comique et tragique, haine et amour d’hommes et femmes unis et désunis par des guerres fratricides les ignorant au nom d’éternelles idéologies celles des peuples Balkans il y a trente ans comme d’autres hier et aujourd’hui en Ukraine

Révoltée cette ado de quinze ans contre son corps et une grossesse déniée avec l’aide irresponsable d’une mère modèle. Assignée à résidence dans un centre maternel en fuite éperdue sur ses rollers il lui faudra grandir, dépasser des schémas sociétaux répétitifs, apprendre à partager jusqu’à aimer l’autre en lui procurant la vie qu’elle n’a pas eue mais qu’elle lui offre. Abordant frontalement ce sujet « filles-mères » ce premier film engagé échappe au mélo par l’énergie de son réalisme, l’authenticité de son écriture, un rythme d’images trépidantes en écho aux vibrations musicales de Superpoze pour porter avec ses actrices une réflexion lucide.

Le retour dans sa province natale d’un écrivain renommé coïncide avec la rencontre fortuite du fils de son premier amour d’autant plus inoubliable qu’impossible à révéler. Les interdits de la société provinciale, fondements d’un vécu, explosent de flash-back adolescents en mal-être adulte jusqu’au dépassement de soi-même certes cousu de fil bleu mais très fidèlement adapté, mis en scène et interprété avec une même justesse pour libérer le passé de l’un et le présent de l’autre. Arrête avec tes mensonges – Philippe Besson – Julliard- 2017